CLICK_ART_HERBST22

Editorial
Mitgliedereinladung - David Hockney, Kunstmuseum Luzern
Haus für Kunst - Familienbande
Kunsthaus Zug - Richard Gerstl
Kunstmuseum St.Gallen - On On Kawara
Museum Susch - Heidi Bucher
Kunsthaus Zofingen - Grenzenlos
Galerie Stans - Corinne Güdemann
Kunstlokal Festival
Kunstsammlung Kanton Schwyz - Ursinnig
Nidwaldner Museum - Liselotte Moser
Gruss aus Göschenen
Zentrum Paul Klee - Isamu Noguchi
Pavillon le Corbusier - Architekturikonen neu gesehen
Schloss Gleina - Kunstsommer 22
Aargauer Kunsthaus - Eine Frau ...

EDITORIAL Liebe CLICK ART Leser:innen Stellen wir uns einen Ausstellungsraum vor: Er ist wohl temperiert und optimal ausgeleuchtet, das Weiss der Wände strahlt einem entgegen und bereitet den ausgestellten Kunstwerken eine perfekte Bühne. Es ist ein Ort, der einzig der Begegnung der Besucher:innen mit dem Werk gewidmet ist, das für diesen Zweck nicht selten von weit herkommt. Konzepte wie «white cube» und «black box» haben unser Kunstverständnis so sehr geprägt, dass sie zum kuratorischen Standard – wenn nicht sogar Imperativ – geworden sind. Zahlreiche künstlerische und kuratorische Bewegungen haben immer Besonders hervorheben will ich das Nidwaldner Museum, das mit «Sommer im Museum» ein publikumsnahes Programm vorgelegt hat und aktuell die wunderbare Ausstellung über die fast in Vergessenheit geratene Künstlerin «Liselotte Moser» zu sehen ist. wieder diese Rahmen gesprengt, und das ist gut so. Doch nun, im Jahr 2022 rütteln gleich mehrere Krisen an diesem Selbstverständnis innerhalb der Kunstwelt. Was machen wir, wenn im Winter die Energie tatsächlich knapp wird? Ist es noch zeitgemäss, klimabelastende Kunsttransporte hinzunehmen? Und überhaupt, was macht eine Kunstbegegnung aus – sollten nicht viel mehr Menschen die Möglichkeit haben, einen Zugang zur Kunst zu finden? Proaktiv hat das ICOM (International Council of Museums) Ende August eine längst überfällige Anpassung der Definition von Museumsarbeit vorgenommen, neu umfasst sie explizit auch Inklusion, Teilhabe und Nachhaltigkeit. Ein wichtiger Schritt, der aber nur funktionieren kann, wenn das Umdenken auch beim (Stamm-)Publikum stattfindet, coronabedingt war so manches Museum nämlich schon dazu gezwungen, das eigene Programm neu zu denken.

Besonders hervorheben will ich hier die Arbeit des Nidwaldner Museums, das mit «Sommer im Museum» ein publikumsnahes Programm vorgelegt hat und wo aktuell noch die wunderbare Ausstellung über die fast in Vergessenheit geratene Künstlerin «Liselotte Moser» zu sehen ist. Auch der Kanton Uri mit der Ausstellung «Gruss aus Göschenen» im neuen Kulturraum UR(i)HÜTTE und das Zürcher Oberland mit der ersten Ausgabe des Kunstlokal Festivals zum Motto «Sammlungen bewegen» fallen mir da ein. Beides läuft noch bis Ende September. Wie aktuelle und zukünftige Krisen sich auf unsere Museumslandschaft auswirken werden, lässt sich schlecht voraussagen. Sicher ist aber, dass spürbare Veränderungen zu erwarten sind.* Es gehört zum Wesen der Kunst, sich ständig neu zu erfinden, nun müssen es auch die Institutionen tun. Lassen Sie uns diese Transformation mit Offenheit und Neugierde unterstützten. Etwas was aber nie seine Berechtigung verliert, ist das Zusammenkommen von Menschen um miteinander zu arbeiten, reden und feiern. Das ist auch das Wesen des Kultur-Projektes von unserem Chefredaktor Felix Schenker. Er hat vor acht Jahren in Deutschland dafür ein Schloss gekauft. Quasi in eigener Sache, finden Sie auch dazu einen Bericht in diesem CLICK. Silvia Posavec, Redaktorin arttv.ch *Hart getroffen hat uns etwa in der vergangenen Woche die Nachricht, dass das Haus Konstruktiv seinen Standort im Herzen von Zürich verliert.

Sechs Positionen Caroline Minjolle, Fotograﬁe. Die Fotografin und ehemalige Tänzerin hat sich mit der Darstellung des Menschen einen Namen gemacht. Wie ein roter Faden zieht sich der Umgang mit dem Körper und seiner Inszenierung durch ihr Schaffen. Karoline Schreiber, Malerei/Zeichnung. In der neuen Werkgruppe porträtiert die Künstlerin ihre drei Kinder: die beiden Töchter und ihren Sohn. Dieses Triptychon konfrontiert die Ausstellung mit der Arbeit Maternité von 2014, ebenfalls ein Triptychon, das die Künstlerin von ihren Kindern als Säuglinge gemalt hat. Susanne Dubs, FotoGraﬁk (Familienalben) Das grossformatige Fries (Fototapete, 49 m2) entwickelt sich tapetenartig an den Wänden im ersten Stock im Haus für Kunst Uri. Es beruht auf einer Auswahl von privaten Familienbildern und frei zugänglichen Fotos aus diversen historischen Archiven. Carlos Lügstenmann, Film. Aus 84 Trailern von berühmten und weniger bekannten Familienfilmen ist ein «Patchwork-Familienfilm» entstanden. Für diese 18 Minuten grosses Kino wurde im Erdgeschoss ein verdunkelter Kinosaal mit Sofa und bequem gepolsterten Sesseln eingerichtet. Rebecca Gisler, Literatur Ihr Debütroman «Vom Onkel», den sie auf Französisch und auf Deutsch verfasst hat, wurde für mehrere Literaturpreise nominiert. 2022 wurde «Vom Onkel» mit einem der Schweizer Literaturpreise ausgezeichnet. Die Autorin liest in einer Hörinstalltion, in angenehmer Wohnzimmeratmosphäre Sequenzen aus ihrem Buch vor. Max Grüter, Objekte. Für die Ausstellung realisiert der Künstler zwei neue Objekte, die einerseits ein Familienleben der Zukunft in seiner Isoliertheit im Weltall thematisieren, andererseits die Herausforderung des Beziehungslebens. VIDEO INFO WEBSITE Familienbande | Haus für Kunst Uri | bis 20. November 2022 i

WETTBEWERB Gewinne Tickets Rebellisch, radikal und unverstanden: Richard Gerstl (1883–1908) war seiner Zeit weit voraus. Zeit seines Schaffens stiess er auf Ablehnung, nach seinem Selbstmord mit gerade mal 25 Jahren drohte er in Vergessenheit zu geraten. Heute hat sich der Künstler als zentrale Figur in die Avantgarde der Kunstgeschichte eingeschrieben und ist Inspiration für bedeutende Gegenwartskünstler:innen wie Martha Jungwirth, Georg Baselitz oder Günter Brus.

Zu radikal Richard Gerstl setzte sich mit der internationalen Kunst auseinander, die er in der Wiener Secession und in der Galerie Miethke zu sehen bekam. Ebenso wichtig für seine kritische und rebellische Haltung dürfte seine hohe Wertschätzung für die neue Musik und den Kreis rund um den Komponisten Arnold Schönberg, aber auch die Beschäftigung mit Literatur, Sprache und Philosophie gewesen sein. Für seine Zeitgenossen war das Schaffen des jungen Künstlers zu radikal. Er konnte zu Lebzeiten kaum Ausstellungen realisieren und nahm sich im Alter von nur 25 Jahren das Leben. Erhalten blieben etwa siebzig Arbeiten. Heute gilt Gerstl als der erste österreichische Expressionist und seine wegweisenden Arbeiten fanden in den letzten Jahren immer mehr internationale Beachtung. Die Wiederentdeckung des Künstlers ist eng mit dem Kunsthaus Zug verbunden: Als künstlerischer Leiter der Galerie Würthle, die Fritz und Editha Kamm-Ehrbar in Zug gehörte, erwarb Fritz Wotruba Gerstls Nachlass. Wotruba und Kamms trugen mit Ausstellungen und Leihgaben massgeblich zur Bekanntheit des Künstlers bei. Das Kunsthaus Zug betreut die zweitgrösste Gerstl Sammlung nach dem Leopold Museum in Wien.

Künstlerische Sprengkraft Die Ausstellung ‹Richard Gerstl. Inspiration – Vermächtnis› setzt den Künstler ins Verhältnis zu nachfolgenden Generationen. Wie haben diese ab 1960 auf den Künstler reagiert? Gegenüberstellungen etwa mit Werken von Günter Brus und Otto Muehl, aber auch mit zeitgenössischen Positionen betonen die Aktualität von Gerstls expressivem Schaffen. Das damalige künstlerische Umfeld wird mit Werken von Künstlern wie Gustav Klimt, Edvard Munch und Egon Schiele aus der eigenen Sammlung skizziert. Die Ausstellung übersetzt die historischen Positionen in die Gegenwart und zeigt die Sprengkraft von Gerstls Werk bis heute. ‹Richard Gerstl. Inspiration – Vermächtnis› entstand in Kooperation mit dem Leopold Museum, Wien, begleitend dazu ist eine gemeinsame Publikation erschienen. VIDEO INFO WEBSITE Kunsthaus Zug | Richard Gerstl: Inspiration – Vermächtnis | bis 4. Dezember 2022 i

Konsequent konzeptuell On Kawaras Werkreihe «TODAY Series», auch bekannt als «Date Paintings», gehören zu den konsequentesten Formulierungen der Gegenwartskunst. Der Künstler fertigte die «Datumsbilder» seit dem 4. Januar 1966 Zeit seines Lebens beinahe täglich an. In extremer Verdichtung lässt die «TODAY Series» individuelle Lebenszeit, künstlerischen Schaffensprozess und malerisches Werk eins werden. Die Datumsbilder entstanden an dem Tag, dessen Datum sie tragen. Konnte das Gemälde bis Mitternacht nicht vollendet werden, existiert es nicht und wird zerstört. Als Verpackung erhalten die Gemälde eine passgenaue braune Kartonschachtel, in dessen Innendeckel vielfach ein Ausschnitt einer Tageszeitung eingeklebt ist. Abschliessend notierte Kawara das Werk in seinem Journal. Die Datumsbilder sind meist in dunklen Grautönen gehalten. Die dünnflüssige Liquitex-Farbe wird dabei in mehreren Schichten – mit verschiedenen Rot- und Blauuntermalungen – aufgetragen und auch die Schrift wird abschliessend von Hand sorgfältig gezeichnet, so dass sich die einzelnen Werke bei genauem Hinschauen durch ihre fein differenzierte Farbigkeit deutlich voneinander unterscheiden. Nur wenige Bilder in leuchtendem Blau oder Rot treten aus der dunkeltonigen Werkreihe hervor. Kawara erklärte, seine Bilder seien «eine Art Meditation, eine Übung, die nützlich ist, um sein Ich zu verlieren». Das Kunstmuseum St.Gallen hat das Privileg, vier Gemälde aus der Serie der Datumsbilder von 1966 zu besitzen. Dieser Werkblock aus dem ersten Jahr der «TODAY Series» ist in der Schweiz einzigartig.

Der 1933 in Kariya, Aichi, geborene und 2014 in New York verstorbene Künstler On Kawara ist ein wichtiger Vertreter der Konzeptkunst. Kawara schuf seit den 1960er Jahren ein, in seiner Reduktion extremes Werk der zeitgenössischen Kunst. Seit den 1960er Jahren wurden seine Arbeiten kontinuierlich in Einzel- und Gruppenausstellungen international ausgestellt. Die Arbeiten von Kawara wurden weltweit gezeigt: unter anderem 1970 an der Tokyo Biennale, 1976 an der Kyoto Biennale sowie an der Biennale di Venezia, 1977, an der documenta 6, 1982 an der documenta 7 sowie 2002 an der documenta 11 in Kassel. On Kawara gab als Biografie stets die Zahl gelebter Tage an. Er hat 29 771 Tage gelebt. Er gab keine Interviews, liess sich nicht fotografieren und erschien nicht an Vernissagen. Er lebte in New York, wenngleich er ständig auf Reisen zu sein schien.. VIDEO INFO WEBSITE On – On Kawara | Kunstmuseum St. Gallen, Kunstzone Lokremise | bis 6. November 2022 i

x Neu entdecktes und restauriertes Filmmaterial aus dem Schaffen der 1993 verstorbenen Schweizer Künstlerin kombiniert mit skulpturalen Installationen und Arbeiten auf Papier. Die Ausstellung präsentiert über 70 Schlüsselwerke aus dem gesamten Schaffen der Künstlerin, von ihren frühen tragbaren und tanzbaren Bodyshells, die in den frühen 1970er Jahren in den USA entstanden, über ihre charakteristischen Arbeiten mit Latex aus ihrer Zeit in der Schweiz bis hin zu ihren späten Werken auf Lanzarote. Eine grossartige Künstlerin und DIE Gelegenheit für alle - die es immer noch nicht geschafft haben - das Museum Susch im Engadin endlich zu besuchen.

Skinnings Am bekanntesten ist Bucher für ihre Skinnings, skulpturale Arbeiten, die durch das Auftragen von Latex und Gaze auf grossflächige Oberflächen entstehen, die dann mühsam abgezogen werden. Ihr performativer Umgang mit dem Material gipfelte in einem Spiel mit der An- und Abwesenheit des Körpers. Diese symbolisch aufgeladenen Membranen, die zugleich organisch und strukturiert sind, gehen eine enge Beziehung zur Haut ein. Unterdrückung der Frau Bucher begann ihr Hauptwerk 1973, als sie bereits auf die Fünfzig zuging, nach ihrer Rückkehr aus den Vereinigten Staaten und der Trennung von ihrem Ehemann und Künstler Carl Bucher. In ihrem Bemühen, sich mit der weiblichen Unterdrückung auseinanderzusetzen, schuf sie eine Bildwelt in Form von einbalsamierten und weichen Objekten, darunter die in der Ausstellung gezeigten Hauptwerke wie «Bett» (1975) oder «Anna mit sich selbst» (1978). Diese Werke aus gefundenen Gegenständen, auf die Latex und Perlmuttpigmente aufgetragen wurden, verweisen auf die Kultur der Häuslichkeit und bieten gleichzeitig eine Möglichkeit, die Unterdrückung zu unterlaufen.

Metamorphose In ihrem Manifest «Parkettlibelle» beschreibt Bucher ihre künstlerische Arbeit als einen «Prozess der Metamorphose», in dem das Abstreifen gesellschaftlicher Konditionierungen von einer Aufweichung und Mobilisierung von Objekten – Symbolen fester und unveränderlicher Verhältnisse – begleitet wird. Das Thema der Metamorphose kulminiert in «Kostüm», einem Werk von 1976, das aus mit Perlmuttpigmenten eingeriebenen Wandhäuten besteht, die in Form einer Libelle angeordnet sind. Während der Aufführungen hüllte sie sich oft in ihre frisch gefertigten Häute. Nach und nach verlagerte sich Buchers Interesse auf das Wechselspiel zwischen der identitätsstiftenden Funktion von Architektur und dem menschlichen Körper. Sie wandte sich zunächst Objekten und Orten aus ihrer eigenen Familiengeschichte zu, wie ihrem Elternhaus in Winterthur-Wülflingen (1978) und dem Ahnenhaus in Form von Latexbodenhäuten (1980-82). Indem die Architektur aus ihrem ursprünglich statischen Kontext herausgelöst wird, wird sie selbst ausgestellt und auf ihre aufgeladene Bedeutung konzentriert. Später wird der Konflikt zwischen dem Privaten und dem Öffentlichen zu ihrem Leitmotiv, als sie sich in den 1980er Jahren verschiedenen sozialen Einrichtungen wie einem Gefängnis oder einer psychiatrischen Klinik zuwendet.

Wasser und früher Tod Im Muzeum Susch werden erstmals alle Schlüsselwerke, die 1988 in der psychiatrischen Privatklinik Bellevue in Kreuzlingen am Bodensee entstanden sind, sowie eine Auswahl von Fotografien und Objekten aus ihrer Intervention in einer Strafanstalt in Le Landeron, einer Kleinstadt in der Nähe von Neuchâtel, zusammengeführt. Im letzten Jahrzehnt ihrer Karriere wurde die Insel Lanzarote zu einem inspirierenden Rückzugsort für Heidi Bucher. Dort konzentrierte sie sich auf die Natur und ökologische Aspekte. Das Element Wasser, das sowohl das Ende als auch den Anfang eines neuen Lebens darstellt, wurde zu einem zentralen Element ihrer Arbeit und schliesslich zu einer Metapher für ihren eigenen frühen Tod. Psychologie und Raum Im Dialog mit der Architektur des Muzeum Susch reflektieren Buchers charakteristische Häutungen ihre fortwährende Beschäftigung mit der Interaktion zwischen Psychologie und Raum, insbesondere mit den historisch damit verbundenen geschlechtlichen, sozialen und politischen Normen. Mit den radikalen Körper- und Raumtransformationen beleuchten Buchers Arbeiten bisher unbekannte künstlerische Prozesse, die auf alternative, von Heilung geprägte Gesellschaftsvisionen abzielen. INFO WEBSITE i VIDEO Muzeum Susch GR | Heidi Bucher. Metamorphoses II | bis 4. Dezember 2022

VIDEO Sammlung Heiner Hoerni Grenzenlos ist seit über fünf Jahrzehnten das Interesse des in Zofingen ansässigen Sammlers Heiner Hoerni am Schaffen von Schweizer und internationalen Künstler:innen. Grenzenlos erweist sich seine Begeisterung für verschiedenste farbintensive und abstrakte Ausdrucksformen in der Malerei als auch für medienübergreifende zwei- und dreidimensionale Werke der zeitgenössischen Kunst. Künstler:innen des Sammlers Paul Agustoni, John M. Armleder, Silvia Bächli, Georg Baselitz, Reto Boller, Daniel Bracher, Ursula Fehr, Sam Francis, Franz Gertsch, Conrad Jon Godly, Katharina Grosse, Nesa Gschwend, Hans Hartung, Andrea Heller, Gottfried Honegger, Christoph Hüppi, Leo Kürzi, Ursula Mumenthaler, Ruth Maria Obrist, Jean Pfaff, Adrian Schiess, Jürg Stäuble, Mette Stausland, Annelies Strba, Christine Streuli, Hugo Suter, Peter Zimmermann und Beat Zoderer. INFO WEBSITE i Kunsthaus Zoﬁngen | Grenzenlos | Einblicke in eine unbekannte Privatsammlung | Kunsthaus Zoﬁngen | bis 6. November 2022

VIDEO Corinne Güdemann ist 1960 in Winterthur geboren. Nach dem Vorkurs und der Textilfachklasse an der Schule für Gestaltung Zürich studierte sie Malerei bei Arnulf Rainer an der Akademie der bildenden Künste Wien. Fünf Jahre war sie Assistentin für bildnerisches Gestalten bei Professor Peter Jenny an der Architekturabteilung der ETH Zürich. Seit 1994 ist sie freischaffende Künstlerin. Sie erhielt Stipendien und Werkbeiträge und realisierte Kunst und Bau-Aufträge. Ihre Werke sind in öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten. Neben zahlreichen Einzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen engagiert sie sich im «Salon der Gegenwart», einem Zusammenschluss figurativer Malerinnen und Maler. Corinne Güdemann lebt und arbeitet in Zürich. i INFO WEBSITE Galerie Stans | Corinne Güdemann | Tag für Tag | bis 16. Oktober 2022

Sammlungen bewegen Das Kunstlokal Festival mit dem diesjährigen Schwerpunkt «Sammlungen bewegen» lädt zeitgenössische Künstler:innen ein Arbeiten zu schaffen, die auf die Sammlungen der lokalen Museen reagieren und sich mit der Geschichte des Zürcher Oberlandes auseinandersetzen. Installationen, Audiowalks, Skulpturen, Ausstellungen, Videoarbeiten und künstlerische Interventionen beleben die Innen- und Aussenräume von neun Museen und Kulturzentren. Neben diesen künstlerischen Arbeiten bietet das Festival ein Programm mit Workshops, Veranstaltungen, Gesprächen und Kooperationsprojekten mit lokalen Kunst- und Kulturvereinen. Kunstlokal ist eine Kooperation zwischen ajour, ein Verein für Kunst- und Kulturprojekte, und der Standortförderung Zürioberland.

Bewusstsein schaffen Mitte der 1980er-Jahre begann der Kanton Schwyz mit dem Aufbau einer kantonalen Kunstsammlung. Sie umfasst heute mehr als 800 Werke. Da der Kanton Schwyz über kein Kunstmuseum verfügt, in dem die Sammlung permanent zugänglich ist, wird mit dieser Ausstellung die kantonale Kunstsammlung zurück ins Bewusstsein der Schwyzer Öffentlichkeit gebracht. Dank Vermittlungskonzept, Führungen für Schulklassen und Erwachsene sowie einem interessanten Rahmenprogramm wird die Kunst ins Zentrum gerückt und in einen Austausch mit der Bevölkerung treten. Mit «Ursinnig» geht die Schwyzer Kunstsammlung direkt auf die Leute zu und versucht, Kunstschaffenden und dem Publikum Möglichkeiten zu bieten, sich zu präsentieren und gegenseitig auszutauschen.

Ur-sinn-ig Die von Mischa Camenzind kuratierte Ausstellung zeigt rund 120 Werke aus der kantonalen Sammlung. Thematisch gegliedert und mit Schwerpunkt auf den letzten 20 Jahren versucht sie, neue Verbindungen zu schaffen, frische Blickwinkel zu kreieren und dadurch das Verständnis für Kunst zu fördern. Die Ausstellung wird von einer Publikation begleitet. Titel und Thema ist «Ursinnig», es soll Wortspiel und Referenz an den eigenen Dialekt sein: Etwas zwischen Ur- und Sinn, oder einfach «ursinnig». Aktuelle Informationen zur Ausstellung finden sich ab 1. Juli 2022 auf der Homepage «www.ursinnig.ch». VIDEO INFO WEBSITE i Ursinnig | Ein Querschnitt durch die Schwyzer Kunstsammlung | Kulturkommission Kanton Schwyz l Im alten Zeughaus Pfäffikon und im Mythencenter Schwyz | bis 25. September 2022

VIDEO Unbekannter künstlerischer Nachlass Das Nidwaldner Museum widmet Liselotte Moser die erste Übersichtsausstellung in der Schweiz. Ihr Werk ist geprägt vom Amerikanischen Realismus und damit von der Suche nach einer möglichst detailgenauen Wiedergabe der Wirklichkeit. Es sind klassische Genres, die sie beschäftigten. Der künstlerische Nachlass besteht aus zeichnerischen Studien des menschlichen Körpers, zahlreichen Porträts und Selbstporträts, Stillleben und Landschaftsbildern. Teilweise entfernte sich Liselotte Moser aber auch vom Realismus, um sich mit mythologischen Themen oder anderen Stilrichtungen auseinanderzusetzen. Spürbar sind Einflüsse des Surrealismus sowie vereinzelt der abstrakten Kunst. Neben der Detailtreue faszinieren die überraschenden Kompositionen, Bildausschnitte und Blickwinkel, durch die ihr Werk die reine Mimesis übersteigt und einen ebenso persönlichen wie eigenwilligen Charakter erhält. i INFO WEBSITE Liselotte Moser — Ein Künstlerinnenleben zwischen Luzern, Detroit und Stans | Nidwaldner Museum Winkelriedhaus, Stans | bis 30. Oktober 2022

Die Projektentwicklung Der Kulturraum UR(i)HÜTTE steht für das nachhaltige Vorhaben, den Kunst und Kulturstandort im Urner Oberland zu beleben. Das Konzept des Pilotprojekts ist breit in der Bevölkerung abgestützt und wurde durch die neu geschaffene Kunst- und Kulturkommission sowie durch das Künstlerpaar Chalet5 initiiert und vorangetrieben. Karin Wälchli (*1960, Zürich) und Guido Reichlin (*1959, Luzern) bilden seit 1995 die Künstlergemeinschaft Chalet5, seit 2018 leben und arbeiten sie in Göschenen. Es ist abzusehen, dass sich der Ort in den nächsten Jahren aufgrund des Baus der neuen Verkehrsinfrastrukturen stark verändern wird. Was sicherlich auch soziale und kulturelle Veränderungen in der gesamten Region zur Folge haben wird. UR(i)HÜTTE will Themenbereiche nahe dieser Dynamik aufgreifen und fokussiert auf das Zusammentreffen der verschiedenen Spannungsfeldern vor Ort. VIDEO i INFO WEBSITE Gruss aus Göschenen | Kulturraum UR(i)HÜTTE | Alte Kirche Göschenen | 25. Juni bis 2. Oktober 2022 | Ab dem 26. November 2022 wird eine Licht- und Videoinstallation von Chalet5 zu sehen sein.

Interdisziplinäre und interkulturell Isamu Noguchi gehört zu den experimentierfreudigsten Kunstschaffenden des 20. Jahrhunderts und ist einer der bedeutendsten Bildhauer und Designer der Vereinigten Staaten. In seinem vielseitigen Werk schuf er Skulpturen aus unterschiedlichsten Materialien wie Stein, Bronze, Aluminium, Kunststoff und Keramik sowie Arbeiten auf Papier. Inspiriert wurde er von vergangenen und zeitgenössischen Kulturen, japanischen Gärten, einer astronomischen Anlage in Indien oder der abstrakten Kunst des Surrealismus. Durch seinen interdisziplinären und interkulturellen Ansatz erweiterte er das Verständnis von Skulptur. Er erachtete diese nicht nur als ein Objekt im Museum, sondern als interaktiven Gegenstand in der und für die Gesellschaft. So gestaltete er neben seinem Porträt von Isamu Noguchi, 1955, Foto: Louise Dahl- Wolfe, The Noguchi Museum Archives, 03705, © INFGM / 2021, ProLitteris, Zurich vielseitigen künstlerischen Œuvre auch Bühnenbilder, öffentliche Plätze und mittlerweile zu Designklassikern gewordene Lampen und Möbel. Neun Kapitel Die umfangreiche Ausstellung erkundet in neun thematischen Kapiteln Noguchi als Weltenbürger, der zwischen den USA, Japan und Europa pendelte und in seinem unvergleichlichen Œuvre verschiedene kulturelle Traditionen und Techniken verschmolz. Die Ausstellung ist die erste umfangreiche Schau in der Schweiz, in der die verschiedenen Aspekte von Noguchis Schaffen vorgestellt werden. i INFO WEBSITE Isamu Noguchi | Zentrum Paul Klee | 23. September 2022 bis 8. Januar 2023

Subjektive Fotoporträts, Architekturmodelle und Filmporträts Im Erdgeschoss des Pavillon Le Corbusier werden die Besucher:innen von sieben weissen Architekturmodellen der fotografierten Bauwerke empfangen. Sie sind im Massstab und der Materialisierung identisch. Die subjektiven Fotoporträts der Gebäudeikonen verteilen sich über die Etagen des Ausstellungsgebäudes. Im Untergeschoss des Pavillon Le Corbusier bieten filmische Kurzporträts der Fotograf:innen Einblick in deren Ateliers. Sie vermitteln die unterschiedlichen Lebensläufe und Herangehensweisen sowie ihre individuellen Erlebnisse beim Besuch der Bauwerke im Herbst 2021.

Das Hauptexponat: der Pavillon Der Pavillon Le Corbusier am Zürichsee gilt als architektonisches Juwel. Es ist der letzte Bau des bedeutenden Architekten und sein einziger Bau aus Stahl und Glas. Nach umfassender Renovation erstrahlt er in neuem Glanz und bietet in den Sommermonaten eine einmalige promenade architecturale über mehrere Geschosse. Das Gebäude wurde von Heidi Weber initiiert, von ihr bei Le Corbusier in Auftrag gegeben und unter ihrer Bauherrschaft 1967 vollendet. Seit 2019 wird der Pavillon durch das Museum für Gestaltung Zürich im Auftrag der Stadt Zürich als öffentliches Museum geführt. Die Besucher:innen können den Pavillon selbständig begehen und entdecken. Auf rund 600 Quadratmetern und über vier Geschosse hinweg gewährt der Pavillon unterschiedliche Ein- und Ausblicke. Auch die kleine Dachterrasse mit freiem Blick auf das Zürichhorn und den See ist zugänglich. Pavillon Le Corbusier, 2019, Zürich, © ZHdK

N E N N I : F A R G O T O F E D I VIDEO Jürg Gasser war zu Gast in der Villa «Le Lac» (1923– 1924), dem kleinen Haus für Le Corbusiers Eltern in Corseaux am Ufer des Genfersees. Arthur Zalewsky fotografierte das gebaute Manifest Le Corbusiers, die Villa Savoye (1928–1931) in Poissy nahe Paris. Katharina Bayer besuchte die «Wohnmaschine», die Unité d’Habitation (1946–1952) in Marseille. Der grosse Wohnblock steht als vertikale Gartenstadt für den Wiederaufbau nach dem zweiten Weltkrieg. Seraina Wirz reiste nach Südfrankreich an die Côte d’Azur und fotografierte in Roquebrune-Cap-Martin den Cabanon (1951–1952), die Sommerresidenz Le Corbusiers. Lea Meienberg nahm sich der Kapelle Notre- Dame-du- Haut (1951–1955) in Ronchamp nahe Belfort an. Ein Bauwerk, bei dem Le Corbusier anstelle der glatten Flächen und homogenen Klarheit der 1920er- und frühen 1930er-Jahre erstmals die Auseinandersetzung mit Masse und Licht suchte. Rasmus Norlander besuchte das Kloster Sainte-Marie de La Tourette (1953–1960), das brutalistische Sichtbetongebäude des Dominikaner- ordens in Éveux bei Lyon. Erica Overmeer zeigt in ihrem Beitrag ein fotografisches Porträt des Pavillon Le Corbusier (1963– 1967). Die Gaststätte der Ausstellung steht dann auch als letzter baureifer Entwurf, der im reichen und stets diversen Oeuvre Le Corbusiers zur Ausführung kam. INFO WEBSITE i Architekturikonen neu gesehen | Pavillon Le Corbusier | Zürich | bis 27. November 2022

22 Künstler:innen unter einem Dach Eine Woche lang arbeiteten auf Initiative des Schweizer Schlossbesitzers Felix Schenker zweiundzwanzig Kunstschaffende aus Deutschland, Iran, Niederlande, den USA und der Schweiz in eigens eingerichteten Ateliers auf Schloss Gleina sowie im Schlosspark, wo der Kunstpavillon des deutschen Künstlers Daniel Theiler insbesondere in der Nacht zu einer Art Leuchtturm für das Projekt wurde. Unterstützt wurde Schenker beim bereits vor drei Jahren konzipierten Projekt durch die Luzerner Kuratorin Evelyne Walker, den Künstler Al Meier und die Kulturmanagerin Monica Flunser. Das Publikum des Winzerdörfchens Gleina war eingeladen, die Entstehung der Kunstwerke an Ort und Stelle im für alle zugänglichen Schloss mitzuverfolgen. Das Angebot wurde dann auch rege genutzt. Allein an die Eröffnung kamen über 250 Leute. Zu einem Glanzpunkt entwickelte sich die Performance der in der Schweiz, in Horw lebenden und arbeitenden Künstlerin Claudia Bucher. Ambitioniertes Projekt 50 000 Franken konnten für den Kunstsommer 22 zusammengetragen werden. Ein Kunstprojekt von dieser Grösse und Qualität ist ein Novum für die Region. «Ich sehe in Gleina echtes Potenzial einen Ort der internationalen Begegnung zu schaffen. Es war mir wichtig, dieses Kunstprojekt hier und nicht in einer der nahegelegenen Metropolen Leipzig, Halle oder Erfurt durchzuführen; hier kann man noch so viel bewirken», sagt Schenker. Ein Blick auf die entstandenen Arbeiten zeigt, die Ruhe, Abgeschiedenheit, die Weite der Landschaft und das 1689 im Barockstil erbaute Schloss als Inspirationsquelle geben ihm Recht.

TRAILER BETEILIGTE KUNSTSCHAFFENDE: IRENE BISANG (CH) PHILIPP EICHHORN (D) ROMUALD ETTER (CH) NOEMI GAMMA (CH) BARBARA GWERDER (CH) ELIZABETH GERDEMAN (D) LIVIA SALOME GNOS (CH) ADRIAN HOSSLI (CH) JENNIFER KUHN (CH) PAUL LUSSI (CH) AL MEIER (CH) BRUNO MÜLLER-MEYER (CH) HANNA MÜLLER-KAEMPFFER (D) IRENE NAEF (CH) JOHANNA NÄF (CH) SEPIDEH NOURMANESH (CH) FELIX SCHENKER (CH) VERENA RENGGLI (CH) FEDE TAUS (D) DANIEL THEILER (D) | PAVILLON CLAUDIA BUCHER (CH) | PERFORMANCE ART EVELYNE WALKER (CH | KURATORIN INFO WEBSITE i Schloss Gleina | «Horizonte – Offenes Feld» | 22 Positionen zeitgenössischer Kunst | Gleina, Sachsen-Anhalt | Deutschland | bis 22. Oktober 2022 Folgeausstellung März 2023 | Galerie Vitrine Luzern

Der weibliche Blick Warum dieser Fokus auf Künstlerinnen? In der Schweiz sind in den letzten Jahren grosse Einzelausstellungen zu sehen gewesen: Lee Krasner im Zentrum Paul Klee, Sophie Taeuber- Arp (nach Aarau) auch im Kunstmuseum Basel, Meret Oppenheim und Heidi Bucher im Kunstmuseum Bern. Es liegt auf der Hand, sich jetzt einen Überblick zu verschaffen, was zwischen 1970 und 2000 die Anliegen der Schweizer Künstlerinnen waren. Nicht, um die damals brisante Frage nach einem spezifisch weiblichen Blick nochmals aufzugreifen; es geht darum, mit einem vom feministischen Diskurs um sexuelle Differenz geschärften Blick auf diese Kunst zurückzublicken. Schweizerische Postmoderne Entscheidend ist auch ein Bewusstsein dafür zu entwickeln, an was in unserer Kultur erinnert wird und an was nicht. Das lässt sich mit dem Blick der Gegenwart auf die Präsenz von Künstlerinnen im ausgehenden 20. Jahrhundert exemplarisch zeigen. In Anbetracht dessen, dass damals Künstlerinnen zum ersten Mal an verschiedenen Orten auftraten und in hohem Masse rezipiert wurden, bleibt offen, warum sie in den folgenden beiden Jahrzehnten so schnell wieder ausgeblendet wurden. Gleichzeitig bringt die Gastkuratorin Elisabeth Bronfen die spezifisch Schweizerische Postmoderne ans Licht; hier zeigt sich ein ganz eigenes Erbe der Moderne und der Nachkriegszeit. Gegliedert ist die Ausstellung in fünf Schwerpunkte, welche die Kunst von Frauen vorwiegend auf ihren Einfluss auf die jeweiligen Kunstströmungen hin untersucht und in einem zweiten Schritt auch eine Geschichte der Kunst von Frauen fortschreibt.

Heidi Bucher, Borg, 1978 Courtesy the Estate of Heidi Bucher and Lehmann Maupin Leiko Ikemura, Interior V, 1989 © 2022, ProLitteris, Zürich Die Summe ihrer Wiederholung Die Ausstellung schafft eine bislang selten gezeigte Übersicht über das Schaffen unterschiedlichster Künstlerinnen in der Schweiz und angrenzender Länder. Gezeigt wird ein Querschnitt, was Künstlerinnen zwischen den 1970er und 1990er Jahren thematisch und ästhetisch-formal beschäftigt hat. Ausgehend von der hauseigenen Sammlung wird die Ausstellung ergänzt mit Leihgaben aus Privatbesitz und Institutionen. Der Titel der Ausstellung «Eine Frau ist eine Frau ist eine Frau…» lehnt sich an das Gedicht «Eine Rose ist eine Rose ist eine Rose» der Amerikanischen Schriftstellerin, Verlegerin und Kunstsammlerin Gertrude Stein an. Er versteht sich auch als eine Lesart des Frau- Seins, die oftmals erst in der Summe ihrer Wiederholung vollends ersichtlich wird, ohne je auf eine einzige Essenz festgelegt zu werden. Der Zeitraum von 1970 bis 2000 ermöglicht auch eine Art Spurensicherung von Vorläuferinnen aus früheren Dekaden der Moderne. Zusätzlich wird sichtbar, wie konsequent das Aargauer Kunsthaus in ihrer Ausstellungs- und Sammlungsgeschichte sich generell Künstlerinnen gewidmet hat.

VIDEO Prof. Dr. Elisabeth Bronfen ist Professorin für Anglistik und American Studies an der Universität Zürich und Gastprofessorin an der New York University. Sie habilitierte an der Universität München mit dem Werk «Over Her Dead Body: Death, Femininity and the Aesthetic». Als Spezialistin für Literatur und Kultur des 19. und 20. Jahrhunderts schreibt sie Artikel und Bücher in den Bereichen Gender Studies, Psychoanalyse, Film, Kulturgeschichte und -theorie sowie Bildwissenschaft. Als Expertin zu kulturwissenschaftlichen Fragestellungen und Amerikanischer Politik trägt sie regelmässig zum aktuellen Mediengeschehen bei. Sie arbeitet zunehmend auch mit Kulturinstitutionen zusammen, insbesondere als Kuratorin und Katalogautorin. INFO WEBSITE Aargauer Kunsthaus | Eine Frau ist eine Frau ist eine Frau … | bis 15. Januar 2023 i

Editorial

Mitgliedereinladung - David Hockney, Kunstmuseum Luzern

Haus für Kunst - Familienbande

Kunsthaus Zug - Richard Gerstl

Kunstmuseum St.Gallen - On On Kawara

Museum Susch - Heidi Bucher

Kunsthaus Zofingen - Grenzenlos

Galerie Stans - Corinne Güdemann

Kunstlokal Festival

Kunstsammlung Kanton Schwyz - Ursinnig

Nidwaldner Museum - Liselotte Moser

Gruss aus Göschenen

Zentrum Paul Klee - Isamu Noguchi

Pavillon le Corbusier - Architekturikonen neu gesehen

Schloss Gleina - Kunstsommer 22

Aargauer Kunsthaus - Eine Frau ...