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Liebe CLICK-Leserinnen und Leser Die kommenden Tage und Wochen lohnt es sich, nach Winterthur zu reisen. Nicht nur die Internationalen Kurzfilmtage stehen vor der Tür, auch darüber hinaus hat die zweitgrösste Stadt des Kantons Zürich gegenwärtig ausserordentlich viel zu bieten. Fotomuseum und Fotostiftung sind natürlich seit Jahren ein Begriff. Besonders empfehlen möchte ich Ihnen aber die Ausstellung zur Neuen Sachlichkeit im Museum Oskar Reinhart. Das Museum präsentiert Kunst, die mit Schweizer Fokus scharf und farbenfroh die Zeit zwischen 1918 und 1933 abbildet und ihre Motive und Themen skulptural vertieft. In dieser Fülle und Systematik war das bisher noch nie in einem Schweizer Museum zu sehen. Ebenfalls zu empfehlen ist das Stück «Tschick» im Theater Winterthur. Die Bühnenfassung von Robert Koall ist gegenwärtig das meistgespielte Stück in deutschsprachigen Theatern. Sie erleben die Geschichte einer kuriosen Reise zweier Jungendlicher durch ein fremdes, vertrautes Land; von seltsamen, trostvollen Begegnungen im geklauten – nein, geliehenen – Lada und vom Schmerz des Erwachsenwerdens. Mit besten Grüssen Felix Schenker, arttv Chefredaktor i i l s n Z e g n I © EDITORIAL | WORLD WIDE WINTERTHUR

Viktor Martinowitsch (l) spricht in Mephisto über seinen neuen Roman «Mova». In der neuesten Folge von MEPHISTO spricht Tilman Hoffer mit dem weissrussischen Autor Viktor Martinowitsch über dessen neuen Roman Mova. Darin ist das heutige Weissrussland zur Randprovinz eines chinesisch-russischen Imperiums herabgesunken, wo das Leben von einem korrupten Polizeiapparat und kriminellen Banden beherrscht wird. "Mova", die weissrussische Sprache, ist verboten, sie gilt als Rauschgift, auf dessen Verbreitung und Konsum schwere Bestrafung steht. Martinowitschs Roman ist raffiniert und temporeich erzählt und lässt eine groteske Atmosphäre der Paranoia entstehen. Doch die Realität holt die Fiktion ein: Fast zeitgleich zum Interview wurden in der weissrussischen Hauptstadt Minsk friedliche Demonstrationen brutal zerschlagen, und es kam zu hunderten von willkürlichen Verhaftungen. Der Vorwurf: Die Beschuldigten hätten öffentlich Belorussisch gesprochen – ein Anzeichen für ihre subversive Gesinnung. Viktor Martinowitschs Verleger, der sich ursprünglich auch unter den Verhafteten befand, ist inzwischen glücklicherweise wieder auf freiem Fuss. Es erwartet ihn jedoch noch ein Gerichtsprozess

Ausserdem in dieser Folge von MEPHISTO: Boualem Sansal beschreibt in seinem Roman 2084 einen weltumspannenden totalitären Staat, der auf fanatischen religiösen Fundamentalismus gegründet ist. Und Don DeLillo erweist sich einmal mehr als Schriftsteller von Weltrang und als düsterer Prophet, wenn er in seinem brillanten Roman Null K von einem geheimnisvollen Forschungszentrum erzählt, wo mittels modernster Kryostase-Technik die Unsterblichkeit erprobt wird – und damit der Weg zu einem neuen Menschengeschlecht, frei von Geschichte, Prägung und Angst, und von nie gesehener Reinheit des Geistes. ARTTV MEPHISTO (30 MIN)

Inas Halabi, Mnemosyne, 2016, Video Still Künstler, nicht Aktivisten Wenn es um Israel und Palästina geht, ist es kaum möglich, sich unpolitisch zu äußern. Gerade deshalb ist es wichtig, sich bewusst zu machen, dass es sich bei den gezeigten Positionen nicht um Aktivismus mit politischer Agenda handelt, sondern um persönliche, künstlerische Ausdrücke. Es darf dennoch nicht verwundern, dass sie dabei immer auch Bezüge zur politischen Situation in den Autonomiegebieten aufweisen. Sechs Künstler*innen Die Künstler*innen sind Jumana Emil Abboud, Alaa Abu Asad, Inas Halabi, Suhair Jarayseh, Wafa Mar’i und Ruba Salameh. Sie sind zwischen 21 und 58 Jahre alt, leben alle in Palästina, in Ramallah, Ostjerusalem oder Haifa, und bearbeiten ihre Themen mit verschiedenen Medien, von der Bleistiftzeichnung und Fotografie bis zu Videoarbeiten und Installationen. Die von Susann Wintsch kuratierte Schau knüpft an bestehende

Alaa Abu Asad, Isabelle, Salvador da Bahia, Fotografie, 2017, courtesy the artist Verbindungen zwischen Aarau und Palästina an, lädt das Gästeatelier Krone doch seit über 15 Jahren palästinensische Künstler/innen in die Nordwestschweiz ein. «880 m ü. M.» ist also auch ein Wiedersehen auf 380 m ü. M. ARTTV VIDEO Forum Schlossplatz Aarau | «880 m ü. M. – Zeitgenössische Kunst aus Palästina» | Ausstellung | 21. Oktober 2017 bis 14. Januar 2018 |WEBSITEFORUM SCHLOSSPLATZ

Internationale Kurzﬁlmtage Winterthur 7. bis 12. November 2017 Aufschwung des südostasiatischen Kinos, eine neue Filmemachergeneration aus Griechenland, starke Frauen aus Polen, Fredi M. Murer im Zeitgeist der 68er und die Züri Shorts, ein Panorama zum lokalen Filmschaffen: Das diesjährige Programm der Kurzfilmtage bietet Einblick in unbekannte und verborgene Welten und regt zur Auseinandersetzung mit politischen und gesellschaftlichen Themen an. Persönliche Einladung per Mail. GRATIS Als arttv Mitglied sind Sie kostenlos dabei. >>ARTTV MITGLIED WERDEN EINLADUNG

Weiblicher Blick auf den weiblichen Körper Der Aktfotografie widmete sich Székessy seit den 60er Jahren und ihr Werk steht damit für einen jener damals raren Blicke einer Frau auf den weiblichen Körper – und entlang einer turbulenten Zeit über die 68er Bewegung hinaus. Ihre Bilder verkörpern Ästhetik, Grazie, sie sind oft poetisch inszeniert und thematisieren die Vergänglichkeit der Schönheit. Heute sind sie als Klassiker der Aktfotografie in allen grossen Sammlungen vertreten. Die Photobastei zeigt nun erstmals in der Schweiz einen retrospektiven Querschnitt durch ihr fotografisches Werk: Menschenbilder, Landschaften, Künstlerporträts, Stillleben, Akte.

Biograﬁe Inspiriert von Henri Cartier-Bresson, beginnt Karin Székessy in den frühen 1950er Jahren mit ersten dokumentarischen Versuchen, bevor sie zwischen 1957 und 1959 am Institut für Bildjournalismus in München studiert und anschliessend als Reportage-Fotografin bei der Zeitschrift «Kristall» anheuert. Während dieser Zeit in den 1960er Jahren ist sie auch Mitglied der «Werkgruppe Zeitgenossen», bevor sie 1967 bis 1969 einen Lehrauftrag an der Werkkunstschule Hamburg auf dem Fachgebiet Modefotografie übernimmt. In enger Zusammenarbeit mit ihrem Mann, dem Künstler Paul Wunderlich, entstehen bis zu dessen Tod im Jahr 2010 zahlreiche Arbeiten, die von einer intensiven, wechselseitig inspirierten Bildwelt zeugen und heute zu Klassikern des Genres zählen. Neben Hunderten von Buchcovern für Ullsteins «Gelbe Reihe» sowie Künstlerporträts von Joseph Beuys bis Neo Rauch ist es vor allem die Aktfotografie, mit der sich Karin Székessy einen Namen in der bundesdeutschen Kunstwelt der 1960er bis 1990er Jahre machte. Beeinflusst von den Surrealisten entwickelt sie dabei eine ganz eigene, äusserst atmosphärisch geprägte Bildsprache, bei der die Fotografie nicht Abbild, sondern «Annäherung an ein Geheimnis» (Fritz J. Raddatz) ist. Photobastei Zürich | «Karin Székessy – Fotograﬁen 1957 – 2017» | 9. November 2017 bis 14. Januar 2018WEBSITEPHOTOBASTEI

Strömung der Zwischenkriegszeit Die Neue Sachlichkeit ist eine Kunstströmung, die sich zwischen 1918 und 1933 in Deutschland ausbildete und auch in der Schweiz ihre eigenständige Ausprägung fand. Der Basler Niklaus Stoecklin gilt dabei als einer ihrer Mitbegründer und Hauptvertreter. Er ist in der Ausstellung mit über zwanzig bedeutenden Werken vertreten. Die neusachliche Malerei orientiert sich an der Wirklichkeit, die sie minutiös wiedergibt und magisch überhöht. Zu sehen sind über 120 Werke von sechzehn Künstlern aus allen Regionen der Schweiz, vom Bodensee bis in die Romandie und vom Tessin bis nach Basel. Neben den bedeutendsten Vertretern wie Niklaus Stoecklin, Adolf Dietrich und François Barraud werden auch Künstler gezeigt, die in der Öffentlichkeit bisher völlig unbekannt waren und die erstmals im Kontext der Neuen Sachlichkeit vorgestellt werden. ARTTV VIDEO Museum Oskar Reinhart | «Neu. Sachlich. Schweiz. – Malerei der Neuen Sachlichkeit in der Schweiz» I Stadthausstrasse, 8400 Winterthur I bis 14. Januar 2018WEBSITEMUSEUM OSKAR REINHART

Slowjansk, Ukraine, 15. September 2015. © Niels Ackermann | lundi13 Über 5000 Statuen Der Zeitpunkt für eine Foto-Ausstellung über Lenin-Statuen in der Ukraine könnte nicht besser gewählt sein. Im Herbst 1917, also vor genau 100 Jahren, war Lenin aus Zürich nach Russland zurückgekehrt, wo die Bolschewiken unter seiner Führung die Macht übernahmen. Als 1991 die Ukraine unabhängig wurde, standen rund 5500 Leninstatuen im Land. Einige davon fielen in den 90er-Jahren. Weitere wurden im Zuge der Orangen Revolution 2004 gestürzt. Bis 2013 blieben trotzdem noch hunderte Statuen übers Land verteilt übrig. Erst im Zuge des sogenannten «Leninopad» (Lenin-Sturz), wurden Lenin-Statuen illegal. Dies hat zum Verschwinden der letzten Statuen aus den Stadtbildern geführt. Laut Journalist Sébastian Gobert fanden er und Fotograf Ackermann verschiedene Weisen des Umgangs mit demontierten oder gestürzten Denkmälern. Hier die Zerstörung, dort die Verwandlung. «Man will demütigen, ist ironisch, oder verwandelt Lenin in ein Kunstobjekt. Macht Darth Vader oder einen Kosaken daraus, malt ihn gelb-blau an, die Farben der Ukraine.» Oder man bewahrt ihn, sammelt ihn, privat oder im Museum. «Denn es gibt auch solche, die gegenüber der Sowjetunion nostalgisch sind und frühere Zeiten wieder aufleben lassen wollen.»

Ein Leben für die Kunst Mit ihr zeichnet das Bundesamt für Kultur auf Empfehlung der Eidgenössischen Jury für Tanz eine Kulturschaffende aus, die die Entwicklung des zeitgenössischen Tanzes in der Schweiz wesentlich mitgeprägt hat. Geboren 1940 in Buenos Aires, studierte sie in New York, war dort Solistin in der Martha Graham Company und baute das London Contemporary Dance Theatre mit angegliederter Schule auf. Seit sie 1980 nach Genf kam, begleitete und inspirierte sie mehrere Generationen Schweizer Tanzschaffender. Sie unterrichtete das Ballett des Grand Théâtre, am Institut Jaques-Dalcroze und an der Schule von Beatriz Consuelo, die das «Ballet Junior» gründete. Das «Ballet Junior» zeigte an der Preisverleihung «Un moment instant», eine Performance von Lapzeson aus dem Jahr 1991, das ihre langjährige Tänzerin und Wegbegleiterin Marcela San Pedro extra für den Abend in einer neuen Version einstudierte.

Spezialpreis 2017 «AIEP / Avventure in Elicottero Prodotti» sind Pioniere für Tanz in Verbindung mit digitalen Technologien und eine Institution im Tessin, sie erhielten den Spezialpreis. Bereits 1988 gründeten Claudio Prati und Ariella Vidach in Lugano ein Künstlerkollektiv mit dem kaum zu memorierenden Namen, der wörtlich übersetzt heisst: «Abenteuer mit Helikopterprodukten». Prati und Vidach unterhalten unter anderem ein Studio in Mailand, wo junge Menschen an ihren technischen Entwicklungen teilhaben können. Sie engagieren sich immer wieder dafür, dass die darstellenden Künste und die Kultur bei der Tessiner Politik einen höheren Stellenwert erhält. Neben den Preisvergaben und filmischen Würdigungen zeigten AIEP das Stück «Temporaneo Tempobeat». Die weiteren Schweizer Tanzpreise 2017 Darüber hinaus wurden Tamara Bacci und Marthe Krummenacher als herausragende Tänzerinnen ausgezeichnet. Aus dem Wettbewerb zum aktuellen Tanzschaffen wählte die Jury vier Werke aus. Diese Auszeichnungen gingen an «inaudible» von Zoo/ Thomas Hauert, «iFeel3» von Melk Prod./Marco Berrettini, «le Récital des Postures» von Yasmine Hugonnet und «Créature» von József Trefeli & Gábor Varga. Ebenfalls vergeben wurde der June Johnson Dance Prize an Kiriakos Hadjiioannou und die Compagnie Antibodies. ARTTV VIDEO Die Verleihung der Schweizer Tanzpreise 2017 fand am 12. Oktober 2017, im Theater Equilibre in Fribourg statt.WEBSITESCHWEIZER TANZPREIS

Der Mensch und seine Schuld Als zeitgenössisches Echo auf «Die schwarze Spinne» richtet das Luzerner Theater den Blick auf unbesungene Helden der Zentralschweiz und ihre unheroischen Kämpfe mit dem Berg, der Steuererklärung, der Liebe und anderen Zumutungen. Am Fusse grosser Berge, in kleinen Dörfern, eng verbunden leben und lieben sie. Verschwenden sich oder sparen sich zu Tode. Und behalten doch in grösster Not ihre Würde. Ihre Geschichten erzählt «Die schwarze Null», dank der Hilfe von einem, der sie so genau und so zärtlich beobachtet wie kein anderer. Der Luzerner Journalist Erwin Koch dokumentiert mit seinen Reportagen archaische und alltägliche Geschichten aus der Region. Regisseurin Ivna Žic schafft – mitten auf der Bühne des Theaters – eine theatrale Klangkomposition, die im Fremden das Vertraute aufspürt und beobachtet. Bei Zeitgenossen, Gönnern und Göttern. Moralisch, ökonomisch oder emotional: Die Bilanz bleibt unausgeglichen, gestern wie heute. ARTTV VIDEO Luzerner Theater | «Die schwarze Null» | Inszenierung: Ivna Žic | Raum und Video: Martina Mahlknecht | Kostüme und Objekte: Sophie Reble | Reportagen: Erwin Koch | Dramaturgie: Julia Reichert | Besetzung: Adrian Furrer, Wiebke Kayser, Maximilian Reichert | bis 6. Dezember 2017WEBSITELUZERNER THEATER

International erfolgreich Arnold bewegt sich im Feld der freien Theaterszene und arbeitet gerne in Kollektiven. Seit 2006 ist sie als freischaffende Regisseurin tätig und gründete im selben Jahr das Kollektiv «mercimax», mit dem sie Projekte realisiert hat, die bereits durch die Welt reisten. Ihre Produktionen werden «Autoballett - Adaption Wien» | mercimax | © earlier.at an Theatern und Festivals in der Schweiz, Deutschland, Österreich, den USA und Russland gespielt und oft mit Menschen vor Ort adaptiert. Ausserdem entwickelt sie regelmässig Performances mit Jugendlichen und in Zusammenarbeit mit verschiedenen Künstlerkollektiven. Sie wurde 1974 geboren und lebte bis 1995 in Zug. Sie absolvierte ihre künstlerische

Ausbildung an der Hochschule Musik und Theater in Zürich (heute Zürcher Hochschule der Künste). Kommunikation und Austausch Die Theaterregisseurin bewarb sich für das Werkjahr mit einem Langzeitprojekt, welches Recherche und Praxis vereint. Dabei stellt sie sich die Frage, wie Kommunikation zwischen unterschiedlichen sozialen Gruppen und Interessengemeinschaften funktioniert. Welche Umstände oder Eigenschaften begünstigen, dass sich ein Mensch für Standpunkte öffnet, die von seinen eigenen abweichen? Wie können Argumente nachvollzogen und angenommen werden, obwohl sie nicht den eigenen Standpunkt bestätigen? Ein Thema, das in Zeiten von Populismus und Polemik unabdingbar für das friedliche Miteinander scheint. Für wen? Karin Arnold macht sich vielfältige Gedanken über mögliche Adressat*innen ihrer Produktionen und schafft es immer wieder, neues Publikum ins Theater zu holen. Das Aufbrechen von starren Kommunikationsmustern ist charakteristisch für ihre Theaterformen, die oft eine gemeinschaftliche Ebene aufweisen. Ohne Scheu und Vorbehalte stellt sie sich unterschiedlichsten gesellschaftlichen Realitäten. Sie holt sich so ihre künstlerischen Impulse, setzt sie um, und trägt die Ergebnisse in die Gesellschaft zurück. ARTTV VIDEO Zuger Werkjahr | Karin Arnold | Freischaffende Theaterregisseurin | Die Preisverleihung fand am 27. Oktober 2017 in der Galvanik in Zug statt.WEBSITEKARIN ARNOLD

Im Hintergrund Wenn sie unter ihrem eigenen Namen auftritt, geschieht dies meist im Hintergrund, als Teil der Rhythmusgruppe, mit klarer Aufgabenverteilung. Eine Unterstützerin der musikalischen Visionen anderer, Arbeiterin der Musik in Bands wie True oder Ursina. Dies macht sie zu einer der meistbeschäftigten Sidewomen der Schweizer Musikszene, die mühelos zwischen Jazz, Pop und Hip Hop hin- und her springt. Eigenständig Für Projekte, in denen sie selbst federführend ist, sucht Berther gerne die Distanz des Pseudonyms. Ihre eigenen, allein im Studio, ihrem Labor, entwickelten Werke veröffentlicht sie als Frida Stroom. Ein durchaus passender Name, denn ihre Tonteppiche fliessen und wabern wie ein Fluss, wirken mitunter elektrifiziert. Die umtriebige Churerin hat an der Luzerner Hochschule Performance Jazz und Musikpädagogik studiert und arbeitet neben ihren zahlreichen Engagements auch noch als Lehrerin für E-Bass.

Foto: Ralph Kuehne Polytechnik Das Duo Ester Poly hat die Wahlzürcherin mit der Genfer Schlagzeugerin Béatrice Graf gegründet und im Oktober 2017 die erste Platte veröffentlicht. Das Zweierteam versteht sich als dezidiert queerfeministisches Projekt, das sich nicht nur klanglich gegen gesellschaftliche Normen des Weiblichen stellt und mit Kraft und Direktheit überzeugt, fernab von Plastikmusik. Bis März 2018 sind Ester Poly in der Schweiz und Europa auf Tour und versprechen eine energiegeladene Unterhaltung jenseits des Popmainstreams. ARTTV VIDEO Dieser Video- und Textbeitrag wurden ermöglicht durch: WEBSITEESTER POLYFondation SUISA | Martina Berther | Musiker*innenportrait | www.martinaberther.ch

Zum Film Der junge Johnny (Josh O’Connor) bewirtschaftet die Farm seines kranken Vaters im englischen Yorkshire. Die Kommunikation zwischen Vater und Sohn ist den widrigen Lebens- und Arbeitsumständen angepasst: Knapp und rau werden meist Worte der Kritik oder Bevormundung an den Sohn gerichtet. Die Grossmutter leistet stoisch ihren Teil. Frustriert geht der isolierte Johnny seinem harten Tagesgeschäft nach, hat unverbindlichen Sex mit Männern oder betrinkt sich im lokalen Pub, um seinem Alltag zu entfliehen. Als im Frühjahr der gleichaltrige Gheorghe (Alec Secareanu) aus Rumänien als Aushilfe für die Saison anheuert, begegnet Johnny dem Fremden zunächst mit Misstrauen. Die anfänglichen Spannungen zwischen den Männern weichen jedoch bald einer intensiven Beziehung, die alles auf den Kopf stellt, was Johnny von sich zu wissen glaubte. Francis Lee zeigt in seinem Langfilmdebüt den entbehrungsreichen Farm-Alltag in authentischen Bildern. Er konzentriert sich dabei auf Blicke und Gesten seiner Charaktere und ihre unmittelbare Körperlichkeit. Die archaische Landschaft von «God’s Own Country», wie die Einheimischen die Grafschaft nennen, wird zum Spiegelbild innerer Welten.

Stimmen «Durch […] die erfrischend offene Behandlung von schwuler Sexualität […] und die eloquente Darstellung von Viehhaltung als Metapher für das Fehlen menschlicher Nähe wird «God’s Own Country» zu einem rigoros naturalistischen Drama.» – David Rooney, The Hollywood Reporter | «Ein Einblick in die Natur des Menschen von einem Regisseur, der die Sprache von Brutalität und Zärtlichkeit bereits fliessend beherrscht.» – Terri White, Empire UK | «Lässt einige der eher vorhersehbaren erzählerischen Hindernisse aus, die man von Coming-out-Dramen erwartet, und setzt stattdessen auf einen Pro- Immigrations-Subtext, der in Zeiten von geschlossenen Grenzen und Brexit nicht passender sein könnte.» – Guy Lodge, Variety TRAILER God’s Own Country | Regie: Francis Lee | Drama | 104min. | Grossbritannien, 2017 | Verleih: Look Now! | Cast: Josh O’Connor, Alec Secareanu, Gemma Jones, Ian HartKinostart Deutschschweiz: 16. November 2017KINOS UND SPIELZEITEN

Zum Film In einem Alter, in dem sich andere zur Ruhe setzen, gelingt Walter Pfeiffer der Durchbruch als international anerkannter Künstler und Modefotograf. In «Chasing Beauty» spricht er mit Witz und Leichtigkeit über sein Leben und Werk. Modelle aus vier Jahrzehnten erzählen über ihre Arbeit mit Pfeiffer, was sie bewog, ihm Modell zu stehen und was seine Bilder ihnen heute bedeuten. Ganz nebenbei erhalten wir so einen Einblick in vierzig Jahre Jugendkultur. Das spannungsvolle Verhältnis von Kunst und Mode, mit dem Pfeiffer souverän jongliert, wird von Weggefährten Pfeiffers aus beiden Welten reflektiert. Getragen wird der Film von Pfeiffers hintergründigem Humor, seiner Bodenständigkeit und Authentizität. TRAILER WALTER PFEIFFER – CHASING BEAUTY | Dokumentarﬁlm | Regie: Iwan Schumacher | Schweiz 2017, 89 Min. | Verleih: Look NowKinostart Deutschschweiz: 23. November 2017KINOS UND SPIELZEITEN

Comedy Club Das Zelt Mittwoch, 29. November 2017 19.30 Uhr | Das Zelt Alpenquai | Luzern Aufschwung des südostasiatischen Kinos, eine neue Filmemachergeneration aus Griechenland, starke Frauen aus Polen, Fredi M. Murer im Zeitgeist der 68er und die Züri Shorts, ein Panorama zum lokalen Filmschaffen: Das diesjährige Programm der Kurzfilmtage bietet Einblick in unbekannte und verborgene Welten und regt zur Auseinandersetzung mit politischen und gesellschaftlichen Themen an. Persönliche Einladung per Mail. GRATIS Als arttv Mitglied sind Sie kostenlos dabei. >>ARTTV MITGLIED WERDEN EINLADUNG

Grosser Fokus: Südostasien Südostasien ist eine Region voller Kontraste. Der Grosse Fokus umfasst Filme aus zehn südostasiatischen Ländern, darunter Thailand, die Philippinen und Myanmar. Die Kurzfilme sind so mannigfaltig wie die Region selbst und behandeln ein breites Themenspektrum rund um Politik, den Umgang mit Erinnerung, Familie, Tradition oder Sexualität. Im Filmbereich gehört die Region zu den künstlerisch lebendigsten und produktivsten unserer Zeit. Angetrieben durch eine junge, sehr selbstbewusste Generation entstehen zahlreiche Kurz- und Langfilme, die eine ganz eigene, neue Filmsprache sprechen. Südostasien mag aus westlicher Sicht in erster Linie eine Reisedestination sein. In den letzten Jahren hat sich jedoch – auch dank der stärkeren Verbreitung von professionellen digitalen Kameras und Filmsoftware – eine innovative unabhängige Filmszene gebildet: Filmschaffende wie Brillante Mendoza («Kinatay», bester Regisseur Cannes 2009), Lav Diaz («The Woman Who Left», Goldener Löwe Venedig 2016) oder Apichatpong Weerasethakul («Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives», Goldene Palme Cannes 2010) feiern an internationalen Festivals grosse Erfolge und ziehen als Vorbilder, Mentoren oder Produzenten eine neue Regiegeneration nach. Diese vermittelt eine Sicht auf ihre Länder, die sich deutlich von touristischen Klischees unterscheidet. Auch bezüglich der politischen Gegenwart (z. B. in Thailand) konzentriert sich die Auswahl an den Kurzfilmtagen auf Aspekte, die in den Medien meist nur am Rande gezeigt werden.

Person im Fokus: Pimpaka Towira Passend zum diesjährigen Schwerpunkt steht die thailändische Filmemacherin Pimpaka Towira als Person im Fokus. Als erste weibliche Filmschaffende des Landes, die sich unter internationalen Kritikern und Cineasten einen Namen gemacht hat, ist sie eine der wichtigsten Stimmen des thailändischen Kinos. Seit nunmehr 10 Jahren schreibt, filmt und produziert sie ihre Filme über die eigene Produktions- und Distributionsfirma extra virgin. 2003 debütierte Towira mit ihrem ersten Langfilm «One Night Husband» an der Berlinale. 2007 drehte sie «The Truth Be Told: The Cases Against Supinya Klangnarong», einen politischen Dokumentarfilm über eine junge thailändische Journalistin, die über den Interessenkonflikt zwischen der Shin Cooperation und dem damaligen Präsidenten Thaksin Shinawatara schrieb und daraufhin auf 10 Millionen Dollar verklagt wurde. Politische Themen finden sich häufig in Towiras Werk, auch wenn sie sich selbst nicht als politische Filmemacherin bezeichnet. Den Kurzfilm betrachtet sie vor allem als Experimentierfeld. «The Purple Kingdom» (Thailand 2016) von Pimpaka Towira läuft in Pimpaka Towira II

«Limbo» (Griechenland 2016) von Konstantina Kotzamani läuft in New Voices. Land im Fokus: Griechenland Geografisch etwas näher an Winterthur liegt Griechenland, das Land im Fokus der diesjährigen Kurzfilmtage. Die griechische Filmszene ist lebendiger denn je: Just als das Ausmass der griechischen Wirtschaftskrise in den Jahren 2009/10 sichtbar wurde, startete das griechische Kino international durch. Filme wie «Dogtooth» von Yorgos Lanthimos, der 2009 den Prix Un Certain Regard in Cannes und 2011 eine Oscar-Nominierug für den besten fremdsprachigen Film erhielt, weckten das Interesse für den griechischen Film. Und gerade auch im Kurzfilm macht seit einigen Jahren eine neue Generation junger Filmtalente mit einem eigenen unverkennbaren Stil von sich reden. Einige der Regisseur*innen erkunden die gegenwärtige sozio-ökonomische Situation des Landes und behandeln schwierige Themen wie Armut, Arbeitslosigkeit, Rassismus und Migration. Andere konzentrieren sich eher aufs Private, erzählen von Kindheitserinnerungen oder Geschichten, die sich fernab von den krisengeschüttelten urbanen Zentren abspielen, inszenieren alltägliche Situationen mit Humor, porträtieren ungewöhnliche Liebesbeziehungen oder erschaffen rätselhafte Welten zwischen Realität und Imagination. Die Kurzfilmtage stellen das vielfältige zeitgenössische Filmschaffen dem «New Greek Cinema» der 60er Jahre gegenüber. Wie ihre jungen Kolleg*innen heute gewannen die damaligen Regisseur*innen Festivalpreise im In- und Ausland und veränderten die filmische Landschaft ihrer Heimat. Das Kino in Griechenland war, ist und bleibt innovativ.

Unausweichlich Jüngst hat das Internationale Film Festival von Venedig gar eine ganze Insel den verschiedenen Spielarten von Virtual Reality gewidmet. Neben den interaktiven Formen von VR, die vor allem im Gamingbereich zum Einsatz kommen, und Installationen, die im Kunstbereich für Furore sorgen, wird zurzeit auch viel im Bereich der 360°-Videos entwickelt, bei denen es sich meist um Kurzfilme handelt. Neue Sichtweisen In Zusammenarbeit mit dem Geneva International Film Festival (GIFF) und WeAreCinema als Technikpartner zeigen die Kurzfilmtage erstmals drei Programme mit 360°-VR-Projekten. Um trotz VR-Brille das Kinoerlebnis zu erlauben, werden die Filme in synchronisierten Vorführungen gezeigt, die es dem Publikum ermöglichen, das neue Medium als kollektives Erlebnis zu erfahren. In drei abwechslungsreichen Programmen werden einige der innovativsten und faszinierendsten VR-Filme der Gegenwart präsentiert. «First Contact» zeigt Filme, die mit dem neuen Format spielen und bietet daher einen unterhaltsamen Einstieg für all jene, die die virtuelle Realität neu entdecken möchten. «Strange Realities» präsentiert eine Auswahl von visuell und technisch herausragenden VR-Projekten, die uns in unbekannte und surreale Welten entführen. Und «New Perspectives» fokussiert auf beobachtende, engagierte Werke, die es dank der 360°-Perspektive erlauben, ein bestimmtes Thema aus einem neuen, überraschenden Blickwinkel zu betrachten. Zusammen geben die drei Programme einen Einblick in die erzählerischen und formalen Möglichkeiten, die diese neue immersive Technik mit sich bringt.

Vom Stift zur Linse 1940 geboren, besuchte Murer an der Kunstgewerbeschule Zürich zuerst den Kurs für wissenschaftliches Zeichnen, wechselte dann aber in die Fachklasse Fotografie. Seit 1967 ist er freischaffender Filmemacher und Produzent und hat mit seinen Kurz- und Langfilmen Schweizer Filmgeschichte geschrieben. «Chicorée» Die Kurzfilmtage widmen Murer dieses Jahr zwei Programme. Das erste präsentiert zwei seiner frühen Kurzfilme. «Chicorée» (1966), ein Klassiker der Schweizer Filmgeschichte, ist das erste von Murers drei Künstlerporträts und widmet sich dem – leider kürzlich verstorbenen – Urban Gwerder. Ursprünglich stiess Murer im Rahmen einer Fotoarbeit auf Gwerder, der als Dichter Texte zuliefern sollte. Stattdessen entschied Murer sich dann, ein Portrait über ihn zu drehen. So entstand ein Kultfilm und eine lebenslange Freundschaft zwischen den beiden Künstlern. «Sad-is- Fiction» (1969) zeigt den Maler und Dichter Alex Sadkowsky bei der Arbeit, beim Gehen, Denken und Philosophieren. «Der moderne Mensch steht weder links noch rechts, er geht», heisst es am Anfang des Films, und das tut Sadkowsky dann auch. Dieser wilde, eigenwillige Gehausflug mit Gedanken und Assoziationen von Sadkowsky ist eine Mischung aus Fiktion, Dokumentar- und Trickfilm. Die beiden Filme hätten den freien Geist jener Zeit nicht besser treffen können: verspielt, humorvoll und unkonventionell.

«Swissmade» Der Episodenfilm «Swissmade» von Yves Yersin, Fritz E. Maeder und Fredi M. Murer bildet den zweiten Programmpunkt. Die damalige Schweizerische Volksbank hatte den Film zu ihrem 100-jährigen Firmenjubiläum in Auftrag gegeben und mit rund 500’000 Franken finanziert. Die drei jungen Regisseure sollten sich mit der Zukunft der Schweiz auseinanderzusetzen, erlaubten sich dabei allerdings einen kleinen Streich: Sie erzählten Geschichten, die zwar in der Zukunft spielen, sich aber mit der damaligen Gegenwart von 1968 beschäftigten – das Resultat ist spannend, irritierend und nicht ganz ironiefrei. Yersin siedelt seinen Film «Celui qui dit non» im Jahr 1980 an. Ein Mann, der 1968 als Revolutionär nach Brasilien ausgewandert ist, kehrt nach 12 Jahren in die Schweiz zurück und muss sich mit dem Wandel in seiner Heimat auseinandersetzen. «Alarm» von Fritz E. Maeder lässt sich zeitlich nicht klar einordnen, widmet sich aber der Frage, wie sich der Mensch als Individuum in einer immer stärker technisierten Welt behaupten kann. «2069» von Fredi M. Murer spielt, wie schon der Titel sagt, im Jahr 2069. Diese Zukunftsvision ist eine scheinbar perfekt funktionierende Schweiz mit devoten Bürgern und lediglich einer kleinen Gruppe von Menschen, die sich gegen das System wehren. Murer selbst sagte über den Film, bei dem sich sein langjähriger Freund H. R. Giger um die Ausstattung kümmerte, er spiele dort, wo sich «die Futurologen und Archäologen gute Nacht sagen.»

Up-Tempo-Breitwand-Kracher Lotte lernte schon als Kind Gitarre, Klavier und Geige spielen, sie singt und nimmt klassischen Unterricht. Musik war also schon immer der Kern ihres Lebens, ihre Sprache und ihr Zufluchtsort. Vielleicht klingen ihre Lieder auch deshalb so wahrhaftig und im besten Sinne reif – obwohl sie erst 21 Jahre alt ist. Lottes hoch memorabler Power-Pop ist geprägt von Individualität, wie man sie nicht allzu oft findet. Die besondere Dynamik, die diese Frau in sich und auf ihre Up-Tempo- Breitwand-Kracher über- trägt, ist nicht zuletzt tief in die DNA ihrer Musik eingebrannt. Lottes Lieder erzählen ihre Geschichten gefühlvoller, als es geschriebene Wörter jemals könnten. VIDEO CLIP Papiersaal Zürich | Lotte | 6. November 2017 | 20.00 UhrWEBSITELOTTE

Woher kam die Idee? Die Idee kam vom Arosa-Kulturverein, sie haben mich dann letzten Dezember gefragt, ob ich Lust hätte, das Programm zusammenzu- stellen. Ich musste natürlich keine Sekunde lang überlegen. Ich fragte nur: «Für wann – 2019 oder 2020?» Und sie sagten, nein, für 2017. Das ist typisch Arosa, die haben eine Idee und setzen sie ... da gibt es halt schon ein paar der aktuell populärsten Mundartkünstler, die meiner Meinung nach die Mundart massakrieren. Ich will das gar nicht werten, ich mag dem Trauffer und dem Gölä ihren Erfolg durchaus gönnen – aber sie würden nicht ans Mundartfestival Arosa passen. dann recht guerillamässig um, da heisst es einfach: Jetzt machen wir es! Und meine erste Reaktion war dann natürlich: «Da sind wir viel zu spät dran, da finden wir keine Künstler mehr, die sind alle ausgebucht, auf Monate und Jahre hinaus!» Aber dann haben erstaunlicherweise doch alle zugesagt. Mit Ausnahme von Franz Hohler, der auch gerne gekommen wäre, der an dem Datum dann aber an der Frankfurter Buchmesse weilte. Und alle haben gefunden: «Wow, eine coole Idee!» Wieso ist nicht schon früher jemand auf diese Idee gekommen? Das habe ich mich auch gefragt. Erstens ist es wohl so, dass durch die zunehmende Globalisierung und die derzeit herrschende globale Verunsicherung die lokale Identität zunehmend an Bedeutung gewinnt – mit diesem Scheiss-Terrorismus, mit derzeitigen Scheiss-Machthabern wie Putin, Trump und Erdogan. Zweitens denke ich, dass insbesondere die Slam-Poetry eine sehr hermetische Szene ist: Wenn du über 30 bist, hast du dort nichts zu suchen. Die haben ihre eigenen Orte und Locations, ihre Contests. Und auch die Kleinkunst hat ihre festgefahrenen Trampelpfade, ihre fixen Spielorte. Ebenso

der Mundart-Pop. Irgendwie ist noch nie jemand auf die Idee gekommen, die verschiedenen Genres zusammenzubringen. Es gibt eine einzige Nacht – das muss man fairerweise sagen – die «Mundartnacht gägäWärt Solothurn», welche zumindest ein Teil dieses Spektrums jedes Jahr aufzeigt. Das geht dann von Slam- Poetry über Kabarett bis hin zu Liedermachern. Aber dass man eine mehrtägige Plattform mit verschiedenen Diskussionsforen anbietet, auf diese Idee ist zuvor noch niemand gekommen. Es hätte ja viele Personen gegeben, die für diese Aufgabe ebenso prädestiniert gewesen wären. Was glaubst du, weshalb sie dich angefragt haben? Ich kann mir vorstellen, dass dies aus zwei Gründen geschah: Einerseits dachten sie, dass ich als Kabarettist in der Kleinkunstszene gut vernetzt bin. Andererseits war ich früher ja jahrelang als Musik- Journalist mit Schwerpunkt Mundartmusik tätig. Eine Tätigkeit, die mir zwar nicht nur Freunde, sondern auch viele Feinde geschaffen hat. Aber zum Glück trifft sich das insofern gut, als es eh nicht die Musiker wären, die ich jetzt unbedingt nach Arosa einladen würde. Hat man dir bezüglich Programmgestaltung bestimmte Vorgaben gemacht? Das Schönste an diesem Job ist, dass ich eine Carte Blanche bekommen habe und auch keinerlei Vorgabe bezüglich des Publikumvolumens. Ich muss also nicht ein Zirkuszelt mit Platz für 1000 Personen füllen, wie das mein Kollege Frank Baumann beim Humorfestival machen muss. Das ist eine Riesenverpflichtung! Und nicht nur das, es ist natürlich auch eine Einschränkung in Bezug auf die Auswahl. Gut, sie haben schon auch andere, kleinere Orte, wo auch Newcomer oder weniger spektakuläre Stücke gebracht werden können. Mich aber interessieren weniger die massentauglichen Künstler*innen. Ich finde alle Richtungen im Bereich Mundart spannend, vom Slampoet über den Rocksong bis hin zu Walter

Lieta, einem grossen Helden meiner Jugend, aber für mich ist es wichtig, dass jemand doch mit einem gewissen Bewusstsein daran geht, so dass ich sagen kann, für mich ist das Kunst. Es muss für mich diese Qualität erfüllen, es muss Kunst sein und ein kunstvoller Umgang mit der Sprache. Und da gibt es halt schon ein paar der aktuell populärsten Mundartkünstler, die meiner Meinung nach die Mundart massakrieren. Ich will das gar nicht werten, ich mag dem Trauffer und dem Gölä ihren Erfolg durchaus gönnen – aber sie würden nicht ans Mundartfestival Arosa passen. Also, Bligg spricht nicht so im Alltag. Und auch der Trauffer nicht – aber sobald die dann auf der Bühne stehen und singen, klingt das huere unnatürlich. Aber das hat doch Benni Turnheer mal thematisiert: Das ist halt einfach deren Sprache … Also Bligg spricht nicht so im Alltag. Und auch der Trauffer nicht – der redet normalerweise so wie ein Berner Oberländer. Aber wenn er dann auf der Bühne steht und singt, dann klingt das huere unnatürlich. Und das ganze wird dann noch mit unnatürlichen Videos verstärkt ... Aber das ist eigentlich nur ein Nebengleis. Ich will nur sagen «Jungs, wenn ihr doch normal reden könnt, wieso singt ihr dann so kompliziert und gekünstelt?» Wann wird denn die Mundart zur Kunst? Eigentlich sollte ich mich tatsächlich nicht aufspielen und darüber entscheiden, was denn Kunst sei und was nicht. Es ist wohl eher so, dass ich einfach sage, was mir gefällt und was mir nicht gefällt. Und insbesondere, was mich berührt. Das ist wohl der grosse Vorteil der Mundart. Ich höre sehr viel amerikanische Musik, eigentlich fast ausschliesslich, manchmal berührt sie mich, manchmal sehr. Aber dann höre ich Trummer und dann ist das mehr als nur ein Berührtwerden - dann laufen mir die Tränen runter. Zum Beispiel bei seinem Song «Im Netz». Den Refrain darüber, dass man als junges Paar nicht ahnt «wie churz die Jahr sind», singt er zusammen mit

Valeska Steiner von Boy. Wirklich Weltklasse – und dass ein Berner Oberländer zusammen mit einer Zürcherin ein Duett macht, das würde sich wohl kein anderer Berner getrauen. Und dann ist halt der Text so berührend, denn wer in meinem Alter hat das nicht auch schon selber gedacht: «Oh, diese Geschichte damals, die hätte ich mehr ausleben sollen, wenn ich bloss damals schon realisiert hätte, dass unsere gemeinsame Zeit begrenzt ist …» Und das ist eben der Riesenvorteil, den die Mundart hat: Sie kann dich berühren. So wie vermutlich ein Neapolitaner die Neapolitaner am meisten berührt, wenn er Dialekt singt, und ein Punjabi-Rapper seine Leute, wenn er Punjabi singt. Es ist einfach die eigene Sprache, die einen am meisten berührt. Und Kunst wird es meiner Ansicht nach dann, wenn es gelingt, Leichtigkeit rüberzubringen, wie beispielsweise Pedro Lenz, bei dem es sich anhört, als würde er einfach so daherplaudern, und du denkst nicht «Oh, jetzt hat er noch einen Reim reingezwängt». Polo Hofer – Gott habe ihn selig – musste ja stets noch einen Reim reinzwängen, bei Pedro hingegen wirkt alles wie das Natürlichste der Welt. Das ist Kunst! Wenn man der Mundartkunst die Kunst nicht anhört. Da habe ich grossen Respekt. Gibt es einen bestimmten Plan für die Zukunft, ein bestimmtes Thema beispielsweise? Wir haben schon gewisse inhaltliche Themen im Kopf. Ich habe kürzlich für das Radio an einem «Totemügerli«-Abend von Radio SRF1 mitgemacht. Im Kleintheater Luzern, «50 Jahre Totemügerli», der Franz Hohler war dort, er hat seine berühmte Nummer auf Französisch und auf Rätoromanisch, das heisst eben Fantasie-Rätoromanisch rezitiert, auch gab es Adaptionen aus dem Schächental, auf Zugerisch und Seislerisch. Solche Ansätze finde ich spannend. Dass man einen Klassiker nimmt und dann eben in allen Genres vom Rocksong bis zum Rap weitertreibt.

Was ich ausserdem möchte, sind noch mehr Debatten, mehr Austausch. Und dann ist es mir wichtig, die verschiedenen Welten wirklich zusammenzubringen, also nicht nur, indem das Publikum die Möglichkeit hat, die verschiedenen Sparten alle zu schauen, sondern dass wir eben auch auf der Bühne diesen Clash zwischen den verschiedenen Genres, aber auch den Generationen und natürlich auch der verschiedenen Landesteile haben. Um so eben auch die ganze Bandbreite aufzuzeigen. Eigentlich sollte ich mich tatsächlich nicht aufspielen und darüber entscheiden, was denn Kunst sei und was nicht. Es ist wohl eher so, dass ich einfach sage, was mir gefällt und was mir nicht gefällt. Du hast es vorher bereits erwähnt, in Arosa ﬁndet auch das Humorfestival statt. Wie grenzt du dich ab, wenn es um den gemeinsamen Bereich Kabarett und Satire geht? Ich rufe ganz einfach den Frank Baumann an und frage, ob er den/die Kunstler*in XY auf dem Ticker hat? Und wenn er dann Nein sagt, dann ist für mich die Piste frei. Wir sprechen uns also einfach ab, da gibt es überhaupt keine Konkurrenz, es ist viel mehr eine Chance, junge Künstler, die sich dann weiterentwickeln und irgendwann abendfüllend werden und reif sind für das Arosa Humorfestival, vielleicht schon drei Jahre vorher bei uns zu engagieren. Und genau das finde ich super. Ein Festival will ja immer auch wachsen. Habt ihr euch schon Gedanken darüber gemacht, wie man das junge Publikum erreichen könnte? Wir waren bis jetzt dermassen beschäftigt, überhaupt diese erste Ausgabe des Festivals zeitgerecht auf die Beine zu stellen, dass wir überhaupt nicht dazu gekommen sind, uns Gedanken über die Zukunft zu machen. Und ich denke, dass es gut war, einfach mal anzufangen, denn wir hatten ein Mega-Echo von allen Fernseh- und

Radiosendern. Es war sicher ein Riesenvorteil, den wir hatten, denn du fängst in Arosa natürlich nicht bei Null an, denn vom Humorfestival hat jeder schon gehört, das ist ein Begriff. Und davon profitieren wir dann ebenfalls. Du hast natürlich recht, ein Festival muss wachsen. Aber das braucht Zeit. Ich schätze es sehr, dass wir klein anfangen durften und dass wir auch erst in drei Jahren zum ersten Mal über Geld werden reden müssen – das finde ich wirklich Hammer. Immerhin dürfen wir sagen, dass wir aber doch schon jetzt wesentlich mehr Leute hatten als das Humorfestival vor 26 Jahren bei seiner Erstausgabe. Interview: Felix Schenker Bänz Friedli und Gülsha Adilji, von der man am ersten Mundartfestival «viel lernen konnte».