CLICK_MAI18

CLICK im Mai 2018
Rhy Art
Textilmuseum St. Gallen Wohnharmonie
Nidwaldner Museum Luft Seil Bahn Glück
Kunst Museum Winterthur Alberto Giacometti Ferdinand Hodler
Kunsthaus Zürich Fashion Drive
Bieler Fototage Glück
arttv Mitglied werden
Das Schweigende Klassenzimmer - Spielfilm des Monats
Visages Villages - Docfilm des Monats
Luzerner Theater - Väter
Festival für klassische indische Musik
Bürgenstock Festival - Nemanja Radulovic
TOBS Mitridate
Luzerner Theater Maria Stuarda
Bühne 66 Hotel zu den zwei Welten
Bannerwerbung Kultur
General Soworow - Forum Geschichte Schwyz
museum schaffen
Kanla K
Videoex Zürich
Across Oscillations
Rotpunkt - Hunde im Weltall

e r h a J - r e 0 8 9 1 r e d n e n o i t k e l l o K : n o t n a P r e n r e V Ein Architekt als TextildesignerIm Zeitraum von 1971 bis 1981 arbeitete MIRA-X ausschliesslich mit dem dänischen Designer und Architekten Verner Panton. Er verfolgte die Idee, Wohntextilien als koordinierbares Set aus Teppich, Vorhangstoff und Möbelbezugsstoff anzubieten. Mit dem Anspruch, ein ganzheitliches Wohnkonzept zu kreieren, entwickelte er eine serielle Produktpalette, die 1976 mit dem oben genannten Slogan beworben wurde.Neue Textilkollektion vom Schweizer TrioNach der Ära Panton arbeitete MIRA-X ab 1981 zusätzlich mit dem Schweizer Architekten-Duo Trix & Robert Haussmann, die in Kooperation mit dem Fotografen, Grafiker und Konzepter Alfred Hablützel Textilien unter dem Namen H-design entwarfen, die auf eine optisch-architektonische Raumveränderung zielten. Mit ihren koordinierten Textilien strebten sie eine gestalterische Harmonie an, liessen dem Anwender jedoch mehr Freiheiten als Pantons radikales und methodisches Konzept. Dem Anspruch, aufeinander abgestimmte, koordinierte Raumtextilien anzubieten, blieb MIRA-X auch in der Zusammenarbeit mit dem französischen Farbdesigner Jean-Philippe Lenclos Ende der 1980er-Jahre treu. Seine Textilkollektion gründete auf einer systematischen Studie von Wellen und Spiegelungen auf dem Wasser.

2 7 9 1 , I - E N S S E D A R M h c p p e t n n a p S I i : n o t n a P r e n r e V INFO WEBSITE VIDEO Textilmuseum St.Gallen | «Die totale Wohnharmonie? Textile Konzepte 1970-1990» | bis 30. September 2018 MIRA-X und Möbel PfisterBei MIRA-X handelte es sich um eine Tochterfirma des grossen Schweizer Einrichtungshauses Möbel Pfister. Das finanzkräftige Möbelhaus im Hintergrund und der Anspruch als Innovationsabteilung des Hauses zu fungieren, ermöglichte es MIRA-X, den gestalterischen Anspruch höher zu gewichten als den wirtschaftlichen Erfolg. Diese Voraussetzung gestattete es, dass mit namhaften Designern zusammengearbeitet werden konnte und dass grosszügige Mittel sowohl in die Entwurfsphase als auch in die Umsetzung der Kollektionen gesteckt werden konnten.

VIDEO INFO WEBSITE Nidwaldner Museum | Salzmagazin | «Luft Seil Bahn Glück» | Eine Ausstellungstrilogie in Films, Stans und Zürich | Stansstaderstr. 23, 6370 Stars | Mittwoch 14 bis 20 Uhr, Donnerstag bis Samstag 14 bis 17 Uhr, Sonntag 11 bis 17 Uhr Der «Bähnlitag» am 24. Juni 2018 in Emmetten (NW) bietet Gross und Klein die Gelegenheit, die Faszination Seilbahn zu erleben. AtemberaubendWer kennt es nicht, das wunderbare Gefühl, in einer Luftseilbahn still über die Landschaft zu schweben. Doch Luftseilbahnen wecken nicht nur schöne Erinnerungen, sondern verbinden auch effizient und landschaftsschonend zwei Orte über unwegsames Gelände. Eine Tatsache, die im Kanton Nidwalden mit seinen steilen Bergflanken schon früh zum Bau vieler verschiedener Kleinseilbahnen für Menschen, Tiere und Waren geführt hat.Entwicklungsschub für BergkantoneDazu gehören auch die Konstruktionen der Dallenwiler Firma Niederberger. Bereits kurz vor der Wende zum 20. Jahrhundert stellte der findige Remigi Niederberger erste rudimentäre Transportmittel für die Landwirtschaft her. Die Weiterentwicklung führte zu einem Erschliessungsschub in Nidwalden und Luftseilbahnen sind bis heute ein wichtiges Verkehrsmittel im Kanton. Aus diesem Grund wird diesem schwebenden Transportmittel eine Ausstellung gewidmet, die sowohl zurück wie in die Zukunft schaut.

Hodler und Giacometti 2018 jährt sich der Todestag von Ferdinand Hodler zum 100. Mal. Ein Grund, das Schaffen des grossen Schweizer Malers der Jahrhundertwende zu würdigen und mit einem völlig frischen Blick einem breiten Publikum zu präsentieren. Dabei werden entschieden neue Wege beschritten, indem Hodler nicht mehr im Kontext seiner Zeit betrachtet wird, sondern dialogisch mit einer zweiten gleichermassen herausragenden Künstler- persönlichkeit. So sollen unkonventionelle gedankliche Zugänge eröffnet und das Werk des Künstlers auf seine inhaltliche Dimension und seine Relevanz für nachfolgende Generationen – und damit auch für uns heute – befragt werden. Im überraschenden Dialog mit Alberto Giacometti wird das Existentielle seines Werks deutlich spürbar. In den Vordergrund rücken grundlegende Fragestellungen des Menschseins und damit auch Aspekte seines Schaffens, welche die kulturellen Phänomene seiner Epoche weit überstrahlen. Gerade die intensive Beschäftigung mit dem Menschen, mit dem eigenen Ich, mit dem Sterben und dem Tod ist für die heutige Generation so aktuell wie eh und je. Giacometti der Existenzialist Gleiches gilt für Alberto Giacometti, dessen Schaffen in den letzten Jahren ebenfalls unter verschiedenen Aspekten aufbereitet und erforscht wurde. In der Begegnung mit Ferdinand Hodler, dessen Werk ihm bestens vertraut war, deuten sich Traditionslinien an, von denen aus Giacometti seine genuine Bildwelt entwickelte, die exemplarisch für das Lebensgefühl der Nachkriegszeit steht. Dabei finden sich überraschende Analogien in der permanenten Befragung menschlicher Existenz. Auf formaler Ebene zeigen sich bisher wenig beachtete Parallelen, etwa in Kompositionsschemata und der tastenden Formfindung im zeichnerischen Werk, wo einzelne Themenkreise intensiv umkreist und ausgelotet werden.

Zwei Ikonen Ist Hodlers Darstellung der eindrücklichen Alpenlandschaft längst ins helvetische Bildgedächtnis eingegangen, so stehen Giacomettis Figuren exemplarisch für den Existentialismus der Nachkriegszeit. Die Ausstellung präsentiert zwei Ikonen der Moderne, die mit ihren zeitlosen Bildfindungen wesentliche Beiträge zur Kunst des 20. Jahrhunderts geleistet haben. Der Dialog zwischen Ferdinand Hodler und Alberto Giacometti eröffnet ungewohnte Perspektiven auf deren Werk und verspricht unbekannte Einblicke ins Werk der beiden Grossen der Schweizer Kunst. Die Ausstellung Die Ausstellung «Ferdinand Hodler – Alberto Giacometti. Eine Begegnung» vereint über siebzig Exponate, darunter Hauptwerke und solche, die noch nie öffentlich zu sehen waren. Im Erweiterungsbau des Kunst Museums Winterthur | Beim Stadthaus werden sie in einer thematischen Gliederung präsentiert, die ausgewählte Motive der Künstler unmittelbar miteinander in Dialog setzt.

Ein Ritter in Drag Die Ausstellung beginnt mit einer beeindruckenden Rüstung aus dem Besitz des Kunsthistorischen Museums Wien. Dieser glänzend polierte und reich verzierte Harnisch ist angelehnt an die höfische Mode seiner Entstehungszeit um 1526 und ist einem weit aufstehendem Faltenrock nachempfunden, der heute erstaunlich feminin wirkt und Bezüge zum Cross Dressing und Drag einlädt. Bei Hofe Von hier aus macht die Ausstellung einen Parforceritt durch die Darstellung der Mode in herrschaftlichen Portraits der letzten 500 Jahre und zeigt dabei heute abstrus wirkende Beispiele wie die Schamkapsel, die männliche Virilität betonen sollte, oder solche wie die Schlitzmode, die ebenso gut dem Atelier von Vivienne Westwood entstammen könnte. Dabei stehen stets Repräsentation und Herrschaftsanspruch im Vordergrund, die insbesondere durch die zur Schau gestellte Mode kommuniziert werden. Tamara de Lempicka | «Kizette en rose» | 1927 | Öl auf Leinwand | 116 x 73 cm | Musée d’Art de Nantes | Foto © RMN-Grand Palais / Gérard Blot | © Tamara Art Heritage / 2018 ProLitteris, Zürich Fashion Forward Die zweite Hälfte der Ausstellung beginnt mit der Befreiung des Körpers und der Demokratisierung der Mode zu Beginn des 20. Jahrhunderts.

Mode wird Massenware, und für Künstler zur Möglichkeit ein neues Zeitalter auszurufen. Das Zeitalter des Maschinenmenschen, des Menschen des Fortschritts und der Zukunft. Kunst und Mode nähern sich einmal mehr einander an als Mittel des gesellschaftlichen Aufbruchs und der Demokratisierung. Kritik und Subkultur Jüngere Positionen setzen sich wieder kritisch mit Mode und ihrer Hinwendung zur Massen- und Wegwerfkultur auseinander. Sie untersuchen aber auch die Möglichkeiten, die Mode als Mittel der Selbstvergewisserung und Emanzipation sozialer Randgruppen und Subkulturen bietet. So schliesst die Ausstellung mit einer Installation der Österreicherin Jakob Lena Knebl, deren Arbeiten mit schwarzem Latex einen Bogen zur Rüstung am Eingang der Ausstellung schliessen. Wie das polierte Eisen der Ganzkörperrüstung, kann das glänzende Latex Schutz und Anonymität versprechen, dabei gleichzeitig expressives Kommunikationsmittel sein. So ist «Fashion Drive» ein Schaulaufen der Eitelkeiten, Befreiung und Selbstdarstellung. Und unbedingt sehenswert. Sylvie Fleury | «Mondrian Dress Rack» | 1993/2016 | (Detail) | 3 Mondrian-Kleider, 1 Kleiderständer, 3 Kleiderbügel | Masse variabel | Courtesy the artist and Karma International, Zurich und Los Angeles | © Sylvie Fleury INFO WEBSITE Kunsthaus Zürich | «Fashion Drive – Extreme Mode in der Kunst» | April bis 15. Juli 2018 | Heimplatz 1, 8001 Zürich

Ein Versuchslabor der zeitgenössischen Fotografie. Unter neuer Führung setzt die 22. Ausgabe der Bieler Fototage auf frische Synergien. Vermessung des Glücks Die 22. Ausgabe der Bieler Fototage hinterfragt den Begriff «Glück». Die Erfüllung des Glücks steht in unseren Gesellschaften ganz weit oben auf der Liste. Gemessen wird es mittels «Bruttosozialglück» oder anhand der Anzahl Follower, welche die Generation Y zu mobilisieren vermag. Das Glück scheint mess- und kontrollierbar zu sein. Ob das Glück nun real, herbeifantasiert oder schlicht illusorisch sei, die ausgestellten Bilder legen Zeugnis ab von den verschiedenen Formen, welche die persönliche oder kollektive, manchmal paradoxe Jagd nach ihm und dessen Konstruktion annehmen kann.

i k s w o k r a M n o m y T © | 6 1 0 2 l | » w o F « | i k s w o k r a M n o m y T Das Glück des sozialen Tiers Vielleicht ist das Glück deshalb zu einem so hohen Ziel, zu einem in unzähligen Ratgeber-Büchern zur Persönlichkeitsentwicklung oder an Optimierungsseminaren weit entwickelten Marketingprodukt geworden, weil es in der Unabhängigkeitserklärung der Vereinigten Staaten als unveräusserliches Menschenrecht verankert wurde. Die emotionale Bindung, die Gemeinschaft und das Kollektiv sind Quellen des Glücks für das sozial veranlagte Tier, das der Mensch ist. Welches politische oder soziale System führt eine Bevölkerung am ehesten zum Glück? Und zu welchem Preis setzt sich dieses System durch? Wo ist Glück anzusiedeln: in den wirtschaftlich erfolgreichsten Regionen, auf dem Mars oder im Jenseits? Sind am Ende unsere Avatare glücklicher als wir selbst?

r e g i l i e r K r i m o r a J © | 6 1 0 2 i | » a i z e c m A « | r e g i l i e r K r i m o r a J Drei abwechslungsreiche Wochen Die erste Festivalwoche fokussiert im Rahmen von Workshops auf die virtuelle Welt. Die Workshops werden geleitet von drei Berufsfotografen («Photographing Virtual Spaces»). In der Folgewoche werden die schönsten Bilder ausgezeichnet, die Forscher*innen im Rahmen ihrer praktischen wissenschaftlichen Arbeit gemacht haben («Preisverleihung des SNF-Wettbewerbs wissenschaftliche Bilder»). Anschliessend widmen sich zwei Konferenzen den soziologischen und historischen Aspekten der Fotografie («Panorama der Dokumentarfotografie vom 19. bis zum 21. Jahrhundert» & «Fotografie und Soziologie: sich überkreuzende Geschichten»). Das Festival geht zu Ende mit Denkanstössen zur kulturellen Beteiligung und zur Art und Weise, wie verschiedene Publika angesprochen und neue gewonnen werden können. Die Denkanstösse werden im Rahmen des Anlasses «Kulturvermittlung und Fotografie: Perspektiven» geliefert.

Zum Film 1956: Bei einem Kinobesuch in Westberlin sehen die Abiturenten Theo (Leonard Scheicher) und Kurt (Tom Gramenz) in der Wochenschau dramatische Bilder vom Aufstand in Budapest. Zurück in Stalinstadt entsteht spontan die Idee, im Unterricht eine solidarische Schweigeminute für die Opfer des Aufstands abzuhalten. Diese Geste zieht jedoch viel weitere Kreise als erwartet: Während ihr Rektor (Florian Lukas) zwar zunächst versucht, das Ganze als Jugendlaune abzutun, geraten die Schüler*innen in die politischen Mühlen der noch jungen DDR. Der Volksbildungsminister (Burghart Klaussner) verurteilt die Aktion als eindeutig konterrevolutionären Akt und verlangt von den Schüler*innen innerhalb einer Woche den Rädelsführer zu benennen. Doch die Schüler*innen halten zusammen und werden damit vor eine Entscheidung gestellt, die ihr Leben für immer verändert…

TRAILER INFO WANN & WO «Das schweigende Klassenzimmer» | Regie: Lars Kraume | Drama | 111min. | Deutschland, 2018 | Verleih: Look Now! | Cast: Jonas Dassler, Judith Engel, Tom Gramenz, Michael Gwisdek, Max Hopp, Rolf Kanies, Burghart Klaussner. Warum man sich den Film anschauen sollte!«Nur schwer vorstellbar, dass das Kinojahr 2018 einen emotionaleren Moment bereithält als da wo …Aber schauen Sie selbst.» arttv.ch, Felix Schenker | «Das West-Kino spricht hier ein nachträgliches Machtwort über die autoritäre DDR.» – FAZ | «Lars Kraume kreiert einen Film, der neben gesellschaftlichen Fragen auch ganz zeitlose Themen anspricht – und die Zuschauer nicht erst beim hochemotionalen Ende ergreift.» – Apa | «Zeigt, […], dass diese Periode in der Geschichte beider deutschen Staaten noch sehr viel spannenden Stoff zu bieten hat, aus dem sich weiterhin Parallelen ins Jetzt ziehen lassen. Denn auch jetzt ist es an der Zeit, ein politischer Mensch zu werden.» – Sonja Hartl, kino-zeit.de.

Zum Film Agnès Varda und JR treffen auf verschiedenste Menschen – einen Briefträger, einen Fabrikarbeiter oder die letzte Bewohnerin eines Strassenzugs im ehemaligen Bergbaugebiet –, und ihnen widmen sie ihre Kunst. Sie fangen Blicke und Gesichter auf überlebensgrossen Fotografien ein und integrieren sie auf bemerkenswerte Weise in die Umgebung. Entstanden ist ein poetischer Dokumentarfilm voller Herzlichkeit und Humor. «Visages, villages» verschmilzt die Leidenschaft zweier aussergewöhnlicher Talente mit den abenteuerlichen Elementen eines Roadmovies. Der Film wurde 2018 für den Oscar in der Kategorie Bester Dokumentarfilm nominiert.

TRAILER INFO WANN & WO «Visages, Villages» | Regie: JR, Agnès Varda | Dokumentarfilm | 89min. | Frankreich, 2017 | Verleih: Agora Films. | Goldenes Auge am Filmfestival Cannes 2017 Filmstart Deutschschweiz: 31. Mai 2018 Warum man sich den Film anschauen sollte!«Ein liebevoller und poetischer Dokumentarfilm.» – Le Parisien | «Die beiden sind ebenso berührend wie ihr Film grossartig ist.» – L’Express | «Ein Abbild der beiden kreativen Köpfe: poetisch, unabhängig und aufrührerisch.» – Marie-Claire | «Ein spielerischer und philosophischer Spaziergang auf den Strassen Frankreichs und den Spuren der Erinnerung.» – Le Temps | «Ein aussergewöhnlicher Dokumentarfilm über zwei Künstler und ihre Leidenschaft für das Bild.» – La Liberté | «Charmant und entzückend.» – Screen International.

Nach den «Müttern» überlässt das Luzerner Theater nun sechs Vätern die Bühne: Was haben wir mitbekommen von unserem Vater und was geben wir weiter? Ist der Kampf mit dem Vater ein universeller? Gibt es auch andere Modelle der Begegnung Vater und Sohn? Die Frage stellt sich: Sehe ich meinen Vater als Identifikationsfigur, als Held, der vielleicht zum Freund wurde? Oder kann man auch ohne Bitterkeit feststellen, dass der eigene Vater eigentlich ein Fremder ist?

«Väter sölled au zeige, das de Alltag, Alltag isch» «I ha wahnsinnig Mühe, wenn öbert Papi- Tag seit, oder: «I mues mini Chinder hüete». Als Vater musch du nöd dini Chinder hüete, als Vater sind da dini Chind! I bi ume. I bi nöd eine vo dene Papis, wo Papi-Täg zelebriert. Die lässige Super-Papis, wo denn e bizeli mit de Chind in Tierpark Goldau gönd, das s Mami mol cha d Böde füecht ufneh, oder rodle am Wuchenend. Und da isch jo immer lässig und luschtig. Ja, das gits bi mir au. Da macht mi würklich hässig. Da macht mi wahnsinnig hässig. I find Väter sölled au zeige, das de Alltag, Alltag isch und nöd nur Schoggi und Rodle.» Was geben wir weiter Nach den «Müttern» überlässt das Luzerner Theater nun sechs Luzerner Vätern die Bühne, um ihre Rolle in diesem ältesten Stück der Welt zu befragen: Was haben wir mitbekommen von unserem Vater und was geben wir weiter? Ist der Kampf mit dem Vater ein universeller? Gibt es auch andere Modelle der Begegnung Vater und Sohn/Tochter? Die Frage stellt sich: Sehe ich meinen Vater als Identifikationsfigur, als Held, der vielleicht zum Freund wurde? Oder kann man auch ohne Bitterkeit feststellen, dass der eigene Vater eigentlich ein Fremder ist? VIDEO INFO WEBSITE Luzerner Theater | «Väter» | bis 10. Juni 2018 | Inszenierung: Maximilian Merker | Väter: Otto Burri, Matthias Bürgler, Michael Graber, Markus Diebold, Marcus Herzog, Selmir Krajinovic, mit Fionn Berchtold (Statisterie des LT) | Chor: Yves Kammermann, Livio Schmid, Benjamin Widmer, Tobias Wurmehl

In diesem prächtigen Saal, der im Jahre 1876 ohne Säulen gebaut wurde, finden d ieKonzerte statt. Der Guru Der indische Guru mit dem langen Haar und dem mächtigen weissen Bart war seit den späten 1960er Jahren der wohl bekannteste spirituelle Lehrer. Zu den Anhängern der von ihm praktizierten Transzendentalen Meditation ™ gehörten die Beatles sowie zahlreiche andere Stars aus der Musik- und Filmbranche wie etwa Clint Eastwood, Mia Farrow oder die Beach Boys. Über zehn Jahre lang wohnte Maharishi Mahesh in Seelisberg, und noch heute gastiert dort ein Ayurveda-Gesundheitszentrum sowie die MERU Maharishi European Research University. Kein Wunder also, dass auch das jährlich stattfindende Festival der Klassischen Indischen Musik kein Gewöhnliches ist: Es handelt sich bei den insgesamt 8 Konzerten und einer Tanzaufführung stilistisch nämlich allesamt um Gandharva-Veda, eine Musiktradition der uralten Vedischen Kultur: Die Melodien spiegeln die Rhythmen und Schwingungen der Natur wider. Gemäss Quantenphysik sollen bei dieser Musik alle Naturgesetze in einem Einheitlichen Feld vereint sein, weshalb die Musik äusserst integrierend und harmonisierend wirke.

Das Festivalprogramm Oindrila Roy Mallick eröffnet am Dienstag-Abend das diesjährige Festival. Sie ist in Indien eine bekannte Tänzerin, welche ihre Tanzfähigkeiten im Bharataatyam Stil unter der Leitung des legendären Guru Khagendra verfeinerte. Sugato Bhaduri erfreut am Donnerstagabend mit seiner Mandoline. Der tiefe, resonante Ton seines Instrumentes bringt Schattierungen der indischen Instrumente Vînâ, Sarod, Sitar oder arabischen Rabâb hervor. Diptesh Bhattacharya steht am Freitag-Abend auf dem Programm. Er gilt als aufsteigender Stern in der Galaxie der indischen klassischen Musiker und gewinnt die Herzen der Zuhörenden durch seinen besonderen, persönlichen Stil und seine einzigartige Tonqualität. Ankita Joshi ist eine überaus talentierte klassische Sängerin und wird die Gäste in Seelisberg am Samstag-Abend erfreuen. Sie war Schülerin des renommierten Pandit Jasraj. Mit seinem tiefen Verständnis der klassischen Musik Indiens, seiner atemberaubenden Virtuosität und seiner emotionalen Ausdrucksstärke wird Partha Bose am Sonntagabend das Publikum verzaubern. Er gilt schon lange nicht mehr nur als Geheimtipp unter den Liebhabern der Musik Indiens gehandelt, sondern geniesst internationales Ansehen bei Konzerten rund um die Welt. Indranil Mallick bildet am Sonntagmorgen den Abschluss des Festivals. Er ist ein Tabla-Spieler mit absolut seltenen Fähigkeiten, welcher sich sowohl als Solist wie als Begleiter etabliert hat und mittlerweile unter der Anleitung von Pandit Swapan Chaudhuri konzertiert. VIDEO INFO WEBSITE Festival für Indische Klassische Musik | Maharishi Gandharva Vedi | MERU Maharishi European Research University, Dorfstrasse 63, Seelisberg | 22. bis 27. Mai 2018.

Absolutes Gehör Mit Nemanja Radulović präsentiert das kleine aber sympathische Festival einen der brillantesten und aufregendsten Violinisten der Gegenwart. 1985 in Serbien geboren, begann er im Alter von sieben Jahren mit dem Geigenspiel. An einer Musikschule erkannte man, dass der Junge das absolute Gehör hat, zwei Wochen später erreichte er bereits das Ende des eigentlich dreijährigen Kurses. Den schwierigen Verhältnissen im damaligen Jugoslawien zum Trotz, konnte das musikalische Wunderkind an europäischen Musikwettbewerben teilnehmen und seine Ausbildung in Belgrad, Saarbrücken und schliesslich in Paris fortsetzen, wo er u.a. mit Dejan Mihailović, Joshua Epstein, Patrice Fontanarosa, Yehudi Menuhin und Salvatore Accardo zusammenarbeitete. 2015 gewann Radulović den Echo Klassik als Nachwuchskünstler des Jahres und hat inzwischen acht Alben veröffentlicht, die letzten zwei bei der Deutschen Grammophon. «Journey East» Radulović wird gemeinsam mit Andreas Ottensamer (Klarinette) und José Gallardo (Klavier) Werke von Dvořák, Bartók, Stravinsky, Shostakovich und Khachaturian präsentieren, eine «Journey East» also über Osteuropa bis nach Russland. Nicht fehl am Platz ist auch der Franzose Maurice Ravel, den die aus dem Volkstum inspirierte Musik zu seiner «Tzigane» – einem «Virtuosenstück im Stile einer ungarischen Rhapsodie» – bewegte. VIDEO INFO WEBSITE Bürgenstock Festival | Sommerkonzerte 2018 – «Journey East» | Samstag, 9. Juni 2018, 17.30 Uhr Sonntag, 10. Juni 2018, 11.00 Uhr | Bürgenstock Kapelle Vorverkauf: Stiftung Bürgenstock Festival, info@buergenstock-festival, T 041 210 66 55

Zur Inszeinierung Für seine Inszenierung der Oper verknüpft der italienische Regisseur Francesco Bellotto die Geschichte um Mitridate und seine Söhne mit dem Leben und Werk des Basler Malers Arnold Böcklin. In dessen Gemälden, Figuren und insbesondere seinem berühmten Bild «Die Toteninsel» sieht Bellotto den idealen Anknüpfungspunkt, um die komplizierte Handlung für ein Publikum des 21. Jahrhunderts emotional greifbar und zugänglich zu machen. Am Dirigentenpult steht der serbische Maestro Predrag Gosta, welcher sich in der vergangenen Saison mit «Lucio Silla» dem Publikum von Theater Orchester Biel Solothurn als versierter Kenner der zwischen Barock und Klassik oszillierenden Musik des jungen Mozarts bewiesen hatte.

Es ist dem Theater Orchester Biel Solothurn hoch anzurechnen, dass es diese wenig bekannten und doch erstaunlich meisterlichen Jugendwerke Mozarts dem Publikum näher bringt. Daniel Andres, Swissclassic.org INFO WEBSITE VIDEO Theater Orchester Biel Solothurn | «Mitridate, re di Ponto» | Wolfgang Amadeus Mozart | Inszenierung: Francesco Bellotto | Vorstellungen in Biel und Solothurn bis 15. Juni 2018

Der dramatische Kampf um den englischen Thron. Reduziert auf die Kraft der menschlichen Stimme. Das ist grossartig! VIDEO LUZERNER THEATER INFO WEBSITE Luzerner Theater | «Maria Stuarda» | bis 30. Mai 2018 | Musikalische Leitung: Rolando Garza Rodríguez | Szenische Einrichtung: Friederike Schubert | Bühne: Vanessa Gerotto | Kostüme: Claudio Pohle | Licht: Clemens Gorzella | Dramaturgie: Caterina Cianfarini | Choreinstudierung: Mark Daver |

Hotel oder Klinik? Stücke auf die Bühne bringen, die nicht schon landauf, landab gespielt wurden – diesen Anspruch hat der Schwyzer Theaterverein Bühne 66. Für die aktuelle Produktion hat sie sich einen Stoff des französischen Autors Eric-Emmanuel Schmitt («Monsieur Ibrahim et les fleurs du Coran») ausgewählt. Wie jeweils für die Bühne 66 üblich, wurde die Vorlage in Schwyzer Mundart übersetzt. Schauplatz des 1999 erschienenen Bühnenstücks «Hotel zu den zwei Welten» («Hôtel des deux mondes») ist eine traumartig-zwiespältige Mischung aus Hotel und Klinik. Wer dort landet, schwebt zwischen Leben und Tod. Zeit, um übers eigene Leben nachzudenken, Bilanz zu ziehen und Werte und Bewertungen zu überprüfen. Ein durchaus tiefgründiges Thema bringt der Verein damit auf die Bühne – zu Lachen gab es fürs Testpublikum aus dem Umfeld der Vereinsmitglieder dennoch. Denn wo es Tiefsinn gibt, ist auch humoristisches Potenzial.

Magier, Putzfrau, Präsident Und darum geht’s im Stück: Der 40-jährige Sportjournalist und Frauenheld Julien findet sich unversehens unter Fremden in einem Hotel. Verwirrt erkennt er, dass er sich wie die anderen Gäste in einem Stadium zwischen Leben und Tod befindet: Während ihre Körper in den Händen der irdischen Ärzte sind, in einem chirurgisch betreuten Koma, müssen sich die Wartenden im «Hotel zu den zwei Welten» den Fragen nach ihrem bisherigen Leben stellen. Julien schockiert die Einsicht, mit der ihn die geheimnisvolle Doktor S. konfrontiert, dass er im Trakt der «Freiwilligen» untergebracht ist: Sein exzessiver Alkoholismus wird als Selbstmord in Raten gewertet. Wie er zynisch und angstvoll am Leben vorbeigelebt hat, erfährt er im Gespräch mit anderen Wartenden: dem Magier, der vom Verkauf von Hoffnungen lebte, mit der Putzfrau, die von Ängsten beherrscht wurde, dem Präsidenten mit seinen hohlen Überzeugungen. Und mit Laura, die schon zum zweiten Mal im Hotel ist, glücklich über die Befreiung von ihrer angeborenen Krankheit. Die kein Mitleid will und in die sich Julien verliebt.

Vitrine mit russischen Taschen- tryptichen und russischer Metallikone um 1790. Im Hintergrund grossformatiges Abbild der Schlacht zwischen Russen und Franzosen auf der Teufelsbrücke. | © Schweizerisches National- museum, Foto Mara Truog Siegreich, aber ohne Gebirgserfahrung Die Schweiz wird Ende des 18. Jahrhunderts zum Kriegsschauplatz zwischen dem revolutionären Frankreich und den europäischen Monarchien. Französische Truppen besetzen die Schweiz. 1799 befehligt der russische Zar einen siegreichen General von den Schlachtfeldern Italiens in die Schweiz, um die Franzosen zu besiegen: Alexander Suworow. Strapaziöser Rückzug aus dem Muotatal Der dramatische Feldzug des russischen Generals über die Schweizer Alpen hat einen Mythos geschaffen, der bis heute anhält. Die Ausstellung zeigt die Stationen von Suworows Marsch über die Alpen, thematisiert die grossen Strapazen der russischen Soldaten sowie das Leid der Bergbevölkerung. Schliesslich stellt die Ausstellung den Feldzug in den historischen Kontext der Französischen Revolution, der Koalitionskriege und der Helvetischen Republik.

Rein ins Vergnügen der Arbeit: Eingang des museum schaffen in der Lokstadt in Winterthur. Foto: Milena Palm Wandel der Arbeitswelt Arbeit – ein Thema, das wie kaum ein zweites unseren Alltag prägt. Wir «chrampfen», leisten, erschaffen und verbinden unsere Arbeit mit der Suche nach Sinn, dem Bedürfnis nach Ausdruck und Anerkennung oder mit der Sorge um den Lebensunterhalt. Dabei werden wir auch Zeugen von Zeitgeist und Wandel. Wir verändern und entwickeln uns. Die Welt verändert und entwickelt sich. Immer mehr, immer schneller. War das schon immer so? Wie fühlte und fühlt sich dieser Wandel an? Und sind wir ihm ausgeliefert – oder gestalten wir ihn vielmehr mit? Menschen im Wandel «Zeit. Zeugen. Arbeit. Ein Ausstellungsparcours» thematisiert den Wandel der Arbeitswelt der letzten Jahrzehnte und fragt, was dieser Wandel mit uns macht. Entsprechend stehen im Zentrum der Sonderausstellung von museum schaffen keine Texte und Objekte, sondern Menschen. Über dreissig Frauen und Männer unterschiedlichen Alters aus Winterthur und Umgebung, die die Besucher*innen einladen, anhand ihrer Erfahrungen und Gedanken den Wandel der Arbeit zu reflektieren – und nicht zuletzt ihren eigenen Werdegang neu zu betrachten.

Neues schaffen: An mehreren Intensivwochenenden wurde mit den Mitwirkenden am Inhalt der Ausstellung gearbeitet. Foto: Regula Lustenberger Menschen als Schaffende im Mittelpunkt Warum arbeiten wir? Wie unterscheidet sich Arbeit von Freizeit? Und wie ist unser heutiges Verhältnis zur Arbeit entstanden? Das museum schaffen stellt den Menschen als Schaffenden in den Mittelpunkt. Es verhandelt ein Thema, das wie kaum ein zweites unseren Alltag prägt. Noch vor wenigen Generationen bedeutete Arbeit für den grössten Teil der Bevölkerung grosse (körperliche) Anstrengung, verbunden mit einer existenziellen Notwendigkeit. Bis heute hat sich unsere Arbeitswelt – die Gefahren, die Anstrengungen, die Arbeitszeiten, die Löhne – stark verändert. Industrialisierung, Digitalisierung, Globalisierung, Individualisierung, weibliche Bildungsrevolution oder der Wertewandel sind nur einige Prozesse, die zu einer Neuordnung von Gesellschaft, Kultur und Ökonomie geführt haben.

Federführend bei der neuen Ausstellung: die Winterthurer Szenografin Melanie Mock und Ausstellungsmacher Martin Handschin. Foto: Andrea Keller museum schaffen Das museum schaffen ist die grundlegende Neuausrichtung des Winterthurer Stadtmuseums, welches vom Historischen Verein Winterthur (HVW) getragen wird. Dabei ist museum schaffen als neuartiger Museumstyp konzipiert: Im Fokus steht auch die Prozesshaftigkeit seiner Entstehung. Das museum schaffen ist ein modernes Historisches Museum, das den Menschen als Schaffenden in den Mittelpunkt rückt. Angesiedelt im Zentrum der ehemaligen «Arbeiterstadt» Winterthur, lädt das Museum dazu ein, über den Wandel unseres Verhältnisses zur Arbeit nachzudenken. Dabei versteht es sich als Ort des Austausches für ein breites Publikum. Dank multifunktionaler Räume und niederschwelliger Vermittlungs- und Veranstaltungsangebote erlaubt es einen vielgestaltigen Zugang zum Thema. Das museum schaffen visiert mittelfristig eine nationale Ausstrahlung an – als Kompetenzzentrum mit Winterthurer Wurzeln. Dabei setzt es auf Teilhabe der Bevölkerung und auf unterschiedlichste Kooperationen: In der Zusammenarbeit mit anderen entstehen Angebote, die eine vertiefte Auseinandersetzung mit dem Thema Arbeit erlauben. Als Schauplatz dient in einer ersten Phase und bis Sommer 2019 die Lokstadt Halle Rapide im Herzen von Winterthur.

Arbeit gestern, heute und morgen Geschichte und Gegenwart stehen im Mittelpunkt des museum schaffen, das Fragen rund um unser Verhältnis zur Arbeit stellt: Welchem Zweck dient Arbeit in der freien Marktwirtschaft? Wie schauten oder schauen die gesellschaftlichen Voraussetzungen der beruflichen Selbstbestimmung aus? Können wir Arbeit und Freizeit überhaupt noch voneinander unterscheiden? Wie lässt sich Arbeit gerecht verteilen? Was sind die Optionen für die Arbeitswelt von morgen? Wie sieht ein gelingendes Leben aus? Die Mitwirkenden erkunden beim Workshop-Wochenende die Räume der Sonderausstellung. Bild: Milena Palm INFO WEBSITE VIDEO museum schaffen | «Zeit. Zeugen. Arbeit. Ein Ausstellungsparcours» | bis 16. September 2018 | Lokstadt Halle Rapide, Winterthur

Jürg Morgenegg: KanalK Geschäftsführer Musik- und MitmachradioKanal K versteht sich als Musik- und Mitmachradio. Als Komplementärradio (Ergänzung zu den schon existierenden Sendern), verbreitet Kanal K vorwiegend lokale und regionale Informationen. Die Musik ist Bestandteil der komplementären Sendungsgestaltung, wobei Nischen-Musiksparten bevorzugt werden und speziell auf aktuelles Schaffen Wert gelegt wird. Aufgrund des angestrebten Zielpublikums wird im Musikprogramm Musik gespielt, die nicht älter als 2 Jahre ist. Der Anteil von Schweizer Musik auf Kanal K liegt bei 20%. Als Mitmachradio bietet Kanal K Jugendlichen, ausländischen Mitbürger*innen, Musik-, Politik- und Kulturinteressierten, gesellschaftlichen Randgruppen sowie dem Radio nahestehenden Organisationen eine professionell animierte und begleitete Plattform.Zielgruppe Mitmachhörer*innenEinerseits mit Schwergewicht Vor- und Spätabendprogramm mit den Sendungsschienen SoNaR, Klips, K-Punkt, ohrbar und taktlos. Andererseits Mitmachhörer*innen im Bereich Migration mit der Sendeschiene Kompass. Diese Hauptzielgruppe lässt sich über die Macher*innen (Praktikant*innen, freie Mitarbeiter*innen, Stagiaires) gut beschreiben. Oft hört diese Zielgruppe Kanal K, weil sie selber Leute kennt, die Sendungen machen oder ähnliche Interessen haben. Bei den Kompass- Sendungen hören die Konsument*innen gezielt ihre Sendungen und betrachten ihre Sendungen als eigenen Sender auf dem Sender. Die Zielgruppe Mitmachhörer*innen hat Interesse, sich bei Kanal K zu engagieren. Mit dieser Gruppe sind sowohl die Hörer*innen als auch die Macher*innen der Sendungen gemeint.

Bei KanalK herrscht eine ausgeprägte Mitmachkultur der Hörer*innen. Zielgruppe Musikhörer*innen Schwergewicht auf Tageskonsum. Nutzung oft als Begleitmedium. Sendeschiene: K-Tracks Nonstop-Tagesmusik. Kanal K konzentriert sich auf das Alterssegment der 15 bis 35-Jährigen. Die Konsument*innen sind Menschen zu Hause, am Arbeitsplatz, im Auto, in Beizen, Lehrlinge, Schüler*innen, Studierende, Berufstätige, Arbeitslose, sowohl Jugendliche als auch Erwachsene etc. Sie verbindet ein besonderes Attribut: Es sind mehrheitlich Leute, die nicht unbedingt so genannten Mainstream mögen und ein Interesse an neuer, eigenständiger, progressiver Musik haben. INFO WEBSITE VIDEO Radio Kanal K | Musik- und Mitmachradio | Im Verbreitungsgebiet auf allen Kanal K Frequenzen (94,9/103,4/92,2 MHz) und online

y r d u o B e n i l u a P & z n e r o L e t a n e R n o v » t n e l i S « Ein neuer Entwurf für Afrika Das Herzstück der Jubiläumsausgabe bildet das Programm rund um die afrikanischen Städte Lagos, Dakar, Johannesburg, Kinshasa, Lubumbashi und Luanda. Die Werke aus den sechs Metropolen spiegeln die zahlreichen Widersprüche des afrikanischen Kontinents wider, thematisieren die bis in die Gegenwart wirkenden (post)kolonialen Strukturen und die damit verbundenen Fragen um Zugehörigkeit, Rassismus, Diaspora sowie soziale und ökonomische Ungleichheit. Das aktuelle Filmschaffen der Künstler*innen verbindet utopischen Science Fiction mit kolonialen und postkolonialen Erfahrungen und stellt Fragen über den Entwurf einer anderen Zukunft Afrikas. Filipa César und Salomé Lamas Im Rahmen des Artist Focus zeigt Videoex die Werke zweier junger Filmemacherinnen: Filipa César und Salomé Lamas. Beide verstehen es, die Grenzen dokumentarischen Arbeitens herauszufordern. Sei es in Césars Film «Spell Reel» (2017), der die koloniale Geschichte ihres Herkunftslandes Portugals und das revolutionäre Kino Guinea Bissaus verbindet, oder in Lamas Dokumentarfilm «Eldorado XXI» (2016), der auf eindringliche, aber zugleich unaufgeregte Weise das Leben peruanischer Goldminenarbeiter*innen porträtiert (siehe Trailer).

Wie der Onkel, so die Nichte Ein weiteres Jubiläums-Highlight ist der mehrfach ausgezeichneter Film «Touki Bouki» (1973). Der Regisseur Djibril Diop Mambéty gilt als enfant terrible und mit seinem experimentellen Stil beeinflusste er den afrikanischen Film über Generationen. Mati Diop, erfolgreiche Schauspielerin, Filmemacherin und Nichte Mambétys, schuf mit ihrem Film «Mille Soleils» (2013) eine poetische Hommage an das Werk ihres Onkels und den afrikanischen Film. Als Fortsetzung an sein Meisterwerk spannt sie dabei einen Bogen zur (Film)Geschichte Senegals. Kolonialismus, Migration und Apartheid Als Teil des Johannesburg- Fokus zeigt das Videoex Werke von William Kentridge. Er war und ist eine der wichtigsten Figuren der internationalen, «Touki Bouki» von Djibril Diop Mambéty zeitgenössischen Kunstszene und der Filmszene Johannesburgs. Neben den wiederkehrenden Themen Kolonialismus, Migration und Apartheid sind auch philosophische Sujets, wie die existentialistische Auseinandersetzung mit der Zeit, Teil seines Schaffens. Für das diesjährige Festival arbeitet Videoex mit Partner*innen aus den jeweiligen Städten zusammen: unter anderem mit dem Künstler und Kurator Jude Anogwih, dem Videoart Network Lagos, dem Kunstraum RAW Material Company und der Kuratorin und Kulturproduzentin Koyo Kouoh aus Dakar und Jyoti Mistry von der Witwatersrand Universität in Johannesburg.

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o b m a G a m h a R n o v a y n u s t a T i i Neue Utopien in der Genderdiskussion Der diesjährige CH-Fokus zeigt das Werk von Pauline Boudry und Renate Lorenz. Das Künstlerinnen-Duo befragt in ihren Performances und Videoeinstallationen die binäre Geschlechterordnung und fordert normative Repräsentationen und dominante Geschichtsschreibung heraus. Dabei beziehen sie sich häufig auf Werke anderer Künstler*innen, produzieren unleserliche Momente und entwerfen neue Utopien. YTVIDEO INFO WEBSITE «20 Jahre Videoex» | Jubiläumsausgabe des Videoex Experimentalfilm- und Videofestivals | Kanonengasse 20, 8004 Zürich | 26. Mai bis 3. Juni 2018.

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LESEN | BUCHTIPP Langstrasse bis Moskau Matthias Amanns Figuren, auf der Zürcher Langstrasse, vor Susan’s Tattoo-Shop, im Kosmonautenmuseum in Moskau oder in Oman unterwegs, ahnen, dass sie die Fährte verloren haben. Das Leben war einfach schneller. Wie sich der verträumte Einzelgänger im Dachstock, das junge Paar im Schrebergarten, der Fahrradkurier ohne Fahrrad langsam an eine unsichtbare Linie herantasten, sie berühren und manchmal überschreiten, davon erzählen die klug gebauten und sprachlich dichten Geschichten. Und nicht zuletzt vom Unbehagen an einer Welt, in der man Hunde im All vergisst. Über den Autor Matthias Amann, 1972 geboren, lebt in Zürich. Nach seiner Ausbildung zum Juristen Studium am Schweizerischen Literaturinstitut in Biel. Publikation von Lyrik und Prosa in Anthologien und Zeitschriften. Für die Erzählung «Mit an Sicherheit grenzender Wahrscheinlichkeit» wurde er mit dem Zentralschweizer Literaturpreis 2012 ausgezeichnet. INFO WEBSITE Matthias Amann | «Hunde im Weltraum» | Erzählungen | 160 Seiten | 20.4 × 12.5 cm, gebunden | Edition Blau im Rotpunktverlag | ISBN 978-3-85869-784-4 | 1. Auflage

CLICK im Mai 2018

Rhy Art

Textilmuseum St. Gallen Wohnharmonie

Nidwaldner Museum Luft Seil Bahn Glück

Kunst Museum Winterthur Alberto Giacometti Ferdinand Hodler

Kunsthaus Zürich Fashion Drive

Bieler Fototage Glück

arttv Mitglied werden

Das Schweigende Klassenzimmer - Spielfilm des Monats

Visages Villages - Docfilm des Monats

Luzerner Theater - Väter

Festival für klassische indische Musik

Bürgenstock Festival - Nemanja Radulovic

TOBS Mitridate

Luzerner Theater Maria Stuarda

Bühne 66 Hotel zu den zwei Welten

Bannerwerbung Kultur

General Soworow - Forum Geschichte Schwyz

museum schaffen

Kanla K

Videoex Zürich

Across Oscillations

Rotpunkt - Hunde im Weltall