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Nidwalden Museum - Rudolf Blättler
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Kunst Museum Winterthur - Souvenir Suisse
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Kunstmuseum Luzern - Vom Band zum Byte
Kunstmuseum St.Gallen - La Luce Alpina
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Kunsthaus Zürich - Roswitha Haftmann-Preis
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arttv.ch - Kultur braucht Freiräume
Kunstmuseum Thurgau - Nackte Tatsachen
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Zuger Depot - Technikgeschichte
Historisches Museum Luzern - Kulturfestival 1569
Kulturfestival 1569 - Eröffnungsperformance Ruth Baettig
Kurzkritik - Philippe Tingler
Schweizer Grand Prix Tanz
Schweizer Tanzwettbewerb «Aktuelles Tanzschaffen»
Gewinnen
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Mitgliedereinladung: Kostenlos an die in&out
Theater Marie - Bitte nicht schütteln
Aufgefallen - Ballett Zürich
Spielfilm des Monats - Systemsprenger
Spielfilmempfehlung - So Long My Son
Spielfilmempfehlung - Portrait de la jeune fille en feu
Spielfilmempfehlung - Atlantique
Dokfilm des Monats - For Sama
Dokfilmempfehlung - Ask Dr. Ruth
Interview - René Stettler
Designmesse - in&out

Leben und Preise Rudolf Blättler (*1941 in Kehrsiten NW) lebt und arbeitet in Luzern. Von 1965 bis 1971 besuchte er die Kunstgewerbeschule Luzern sowie Akademien in Wien und Rom. Nebst einem Aufenthalt in Krakau von 1974 bis 1975 reiste er in den 1970er Jahren in die USA, nach Südamerika und Griechenland. Seine Arbeiten wurden in verschiedenen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, so etwa im Kunstmuseum Luzern, im Museum im Bellpark Kriens oder an der Art en plein air in Môtiers. Neben dem Eidgenössischen Kunststipendium in den Jahren 1977 und 1978 erhielt er 1996 für sein Schaffen den Kunstpreis der Stadt Luzern und 2003 den Prix Meret Oppenheim vom Bundesamt für Kultur. Seine Werke sind in verschiedenen öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten. VIDEO INFO WANN & WO Nidwaldner Museum | Winkelriedhaus | Rudolf Blättler – Skulptur | bis 9. Februar 2020

Tempel der Natur Im Zuge des aufkommenden Tourismus begannen Reisende die Landschaft als Erlebnis wahrzunehmen. Man fürchtete sich nicht mehr vor den eisigen Alpen, sondern fing an, die Rohheit und Vielfalt der Natur zu schätzen und die Bergwelt zu erkunden. Die sogenannten Kleinmeister, Landschaftsmaler und Koloristen, stellten mit ihren damals neuartigen, farbigen und für betuchte Touristen erschwinglichen Ansichten der Schweizer Landschaften begehrte Erinnerungsbilder an die Reise her. Häufig waren die Werke die ersten Darstellungen vieler pittoresker Gegenden und überdies die ersten farbigen Souvenirbilder einer fremden Welt. Es entstand ein Schweizbild, das europaweit Verbreitung fand und immer noch nachwirkt.

Aberlische Manier Um der steigenden Nachfrage nachzukommen und den Aufwand zu minimieren, erfand der bedeutende Winterthurer Landschaftsmaler, Zeichner und Radierer Johan Ludwig Aeberli (1723 – 1786) die handkolorierte Umrissradierung, eine klug gewählte Mischung aus Druckgraphik und Aquarell. Als «Aberlische Manier» bekannt, wurde sie in der Folge von anderen Künstlern weiterentwickelt. Heute gehören viele dieser Darstellungen zum kollektiven Bildgedächtnis der Schweiz, so trugen sie auch wesentlich zur Identitätsbildung des Landes bei. VIDEO INFO WANN & WO Kunst Museum Winterthur | Reinhart am Stadtgarten | Souvenir Suisse | Meisterblätter der Stiftung Familie Fehlmann | bis 2. Februar 2020

Restauration, Lagerung und Erhaltung Wann weiss man, dass etwas dringend medial aufbereitet und auf ein neues Trägermedium übertragen werden sollte? Was bedeutet das ursprüngliche Medium heute noch? Wie bewahrt man Videokunst auf? Wie nachhaltig sind digitale Daten? Was bedeutet ein medialer Transfer für die Präsentation? Ist das Werk noch dasselbe, wenn das Rattern von Filmprojektoren oder das Flimmern von Röhrenmonitoren wegfällt? Während bei den klassischen Medien auf die Erfahrung von Jahrzehnten zurückgegriffen werden kann, stellen sich bei der Restauration, Lagerung und Erhaltung von Medienkunst völlig neue Fragen. Ein gezielter Umgang mit Medienkunst ist ein wichtiges und oft vernachlässigtes Thema für Institutionen. Budget und Know-how sind dafür oft zu klein. Das Kunstmuseum Luzern besitzt zahlreiche Videoarbeiten aus den 1960er- bis 1980er-Jahren – damals ein vollkommen neues Medium. Die rasante technische Entwicklung seither hat Filmformate und Abspielgeräte veralten lassen. Mediale Kunst in den Filmformaten 16mm, 32mm und Super8, Schallplatten, Musikkassetten, VHS-, Betacam- und U-matic-Videos waren nicht nur technisch, sondern oft auch inhaltlich experimentell und gelten bis heute in vielerlei Hinsicht als Avantgarde. Damit diese Kunstwerke weiterhin zugänglich bleiben, müssen sie in immer wieder erneuerbare Formen und Formate gebracht werden.

Zeitgemässe Präsentationsformen Die Ausstellung präsentiert die Resultate des Digitalisierungsprozesses und vermittelt die Fragen und Probleme, die sich aus dem Medientransfer ergeben. Beispielsweise: Woran erkennt man, ob ein Film schon oft kopiert wurde und ob der Ursprung womöglich kein Videoband sondern eine Filmrolle war? Gerade bei den frühen Videoarbeiten sind oft Geräteeigenschaften – inklusive eigentlicher Nachteile – Ausgangspunkt für visuelle Ideen. Ein gutes Beispiel dafür sind Hannes Vogels Video- Zeichnungen zur Präsenz: Der Künstler nutzt in diesen Kurzfilmen die Latenz der Röhrenkamera, also die verlangsamte Aufzeichnung bzw. das Verharren des Bildes, um Raumzeichnungen mit Licht zu schaffen. Vom Band zum Byte vermittelt einen Einblick in zeitgemässe Präsentationsformen und erforscht, wie heute welche Werke vorgeführt werden können und sollen. Sie fragt nach dem Status von Medienarbeiten und thematisiert die Digitalisierung nicht nur von Kunst, sondern auch unseres Alltags. In eigens für die Vermittlung der Ausstellung gedrehten Videos erläutert die Expertin Agathe Jarczyk den Prozess der Digitalisierung und Künstler erzählen, was sie damals am neuen Medium interessierte. INFO WANN & WO VIDEO Kunstmuseum Luzern | Vom Band zum Byte – Digitalisierung der Videosammlung | bis 24. November 2019

Mensch und Natur Giovanni Segantini (1858–1899) entwarf in seinen Gemälden das Bild eines Daseins in harmonischem Einklang mit der Natur. Gleichsam als malerischer Gegenentwurf zur Realität grossstädtischer Existenz war sein Werk in den Kunstmetropolen Paris, Wien und Berlin des späten 19. Jahrhunderts hoch geschätzt. Segantini zählt zu den Hauptvertretern des europäischen Symbolismus des Fin de Siècle. Gleichzeitig gilt er durch seine herausragende Stellung im italienischen Divisionismo als wichtiger Erneuerer der Malerei. Seine einfachen ländlichen Figuren sind eingebettet in den ewigen Zyklus der Jahreszeiten, von Geburt, Sein und Tod. Segantini gelingt es, die minutiös erfasste Bündner Bergwelt in allegorische Bildvisionen von strahlender Leuchtkraft zu bannen. Giovanni Segantini, Costume grigionese (Bündnerin am Brunnen), 1887, Öl auf Leinwand, Otto Fischbacher Giovanni Segantini Stiftung, Foto: Stefan Rohner

Philippe Rahm, Dazzle, 2019, Installationsansicht, Kunstmuseum St.Gallen. Foto: Stefan Rohner Fünf Positionen Spezifische Beiträge von Dove Allouche (*1972), Siegrun Appelt (*1965), Philippe Rahm (*1967), Patrick Rohner (*1959) und Not Vital (*1948) machen die Wahrnehmung des Berges und des Naturerlebnisses aus dem Blickwinkel der Jetztzeit sichtbar und beleuchten damit die Aktualität von Segantinis Schaffen. Die Ausstellung findet aus Anlass des 200-Jahr- Jubiläums der Firma Christian Fischbacher statt und ist eine Hommage an die Otto Fischbacher Giovanni Segantini Stiftung. INFO WANN & WO VIDEO Kunstmuseum St.Gallen | La luce alpina | bis 1. Dezember 2019

S t a d t h a u s s t r a s s e 6 C H - 8 4 0 0 W n t e r t h u r i D o 1 0 – 2 0 U h r M o g e s c h o s s e n l i R e n h a r t a m S t a d t g a r t e n D i b i s S o 1 0 – 1 7 U h r F a m i l i l e F e h m a n n S T I F T U N G Simon Daniel Lafond 1763 –1831, Le Glacier superieur du Grindelwald & le Mont Wetterhorn (Detail), 1788, Sammlung Stiftung Familie Fehlmann Winterthur – Konzept und Gestaltung: Partner&Partner; sofie’s Kommunikationsdesign ! 1 . 9 . ! 0 1 9 – ! . ! . ! 0 ! 0

9 1 0 2 , r e s s i e M a u s r U o t o F © l Preisvergabe im Kunsthaus Zürich Valie ExportsKörper-Aktion «Tapp und Tastkino» war ein Skandal der, gemäss der Jury, zum Gründungsmythos des sogenannten Aktionismus gehört und bis heute nachwirkt. VALIE EXPORT nahm 1977 an der documenta 6 und 2007 an der documenta 12 in Kassel teil und repräsentierte 1980 Österreich zusammen mit Maria Lassnig (ebenfalls Haftmann-Preisträgerin) an der Biennale in Venedig. EXPORT hielt Professuren an den Kunsthochschulen in Wisconsin-Milwaukee, Berlin und Köln inne und ist bis heute in zahlreichen internationalen Ausstellungen vertreten. Sie lebt und arbeitet in Wien. Die Auszeichnung geht auf die Initiative von Roswitha Haftmann (1924–1998) zurück. Seit 2001 vergibt ihre Stiftung den Preis an lebende Künstlerinnen und Künstler, deren Werk von überragender Bedeutung ist. Wer die Auszeichnung erhält, wird vom Stiftungsrat bestimmt. Ihm gehören die Direktorinnen und Direktoren des Kunstmuseums Bern, des Kunstmuseums Basel, des Museum Ludwig in Köln und des Kunsthaus Zürich an. Hinzu kommen Mitglieder, die vom Stiftungsrat berufen werden.

Die Stifterin Roswitha Haftmann wurde am 11. Januar 1924 in St. Gallen (Schweiz) geboren. Sie absolvierte die dortige Kantonsschule und erwarb 1944 an der Eidgenössisch Technischen Hochschule Zürich ein Sportlehrer-Diplom. 1948 kamen das Fachlehrdiplom für Deutsch, Französisch und Englisch hinzu. Zwischen 1949 und 1955 verbindet sie das Lehren mit dem Lernen und schlägt sich in den USA mit Gelegenheitsjobs. 1949 lernt sie ihren französischen Mann Claude Violett kennen, den sie 1950 heiratet. Bis 1955 arbeitet sie als Modell für amerikanische Zeitschriften und Agenturen. Zurück in der Schweiz bekleidet sie zwischen 1956 und 1959 mehrere Lehrämter in Zürich. Dann beginnt ihre lebenslange Liaison mit der Kunst: Direktorin der Galerie Internationale d’Art Contemporain, Paris (1960); Mitarbeiterin der Galerie Krugier, Genf (ab 1963); Leiterin der Galerie Marlborough, Zürich (1971); Eröffnung ihrer eigenen Galerie Modern Art (1973). Hier zeigt sie Künstler, die sie kennt oder schätzt, wie Hans Arp, Max Ernst, Hans Hartung, Oskar Kokoschka oder Georges Mathieu. Von ihrem ersten Mann 1960 geschieden, heiratete sie 1967 Dr. Werner Haftmann und zieht mit ihm, der gerade zum Direktor der Nationalgalerie ernannt worden ist, nach Berlin. Aus dieser Zeit stammen die meisten ihrer Künstler-Kontakte. Drei Jahre später scheitert die Ehe. Roswitha Haftmann inszeniert sich, nicht frei von Selbstzweifeln, in ihrer Rolle als Galeristin. Am 29.01.1998 wählte die Geniesserin des Diesseitigen in Zürich den Freitod.

Buch über Roswitha Haftmann Auf Anregung des Stiftungsrates hat die Kunsthistorikerin und -kritikerin Ludmila Vachtova, das ungewöhnliche Leben von Roswitha Haftmann nachgezeichnet. Die Autorin (Jahrgang 1933) studierte und promovierte in Prag. Seit 1973 schreibt sie unter anderem für die Neue Zürcher Zeitung, den Tages-Anzeiger und die Weltwoche und veröffentlichte eigene Publikationen über Frantisek Kupka, Varlin oder Hanny Fries. Das Buch «Roswitha Haftmann – Leben und Vermächtnis» (Hrsg. Roswitha Haftmann- Stiftung Zürich) ist im Jahr 2000 im Verlag Scheidegger & Spiess AG, Zürich und Frankfurt/M. erschienen und stützt sich ausschliesslich auf Material aus dem Nachlass der Roswitha Haftmann-Stiftung. INFO WANN & WO VALIE EXPORT ist die neunzehnte Künstlerin, der Europas höchstdotierter Kunstpreis zuteil wurde. Dr. Christoph Becker, Präsident des Stiftungsrats der Roswitha Haftmann-Stiftung, begrüsste rund 200 geladene Gäste. In einer Laudatio würdigte Dr. Yilmaz Dziewior, Direktor des Museum Ludwig, Köln, und Mitglied im Stiftungsrat, VALIE EXPORTS Verdienst als künstlerische Pionierin in mehreren Kunstgattungen. Die Preisverleihung fand am 27. September 2019 im Kunsthaus Zürich statt. VIDEO

Ganz Natur Das Schützen und Verhüllen des Körpers ist eine der wichtigsten zivilisatorischen Errungenschaften der menschlichen Kultur und genauso bedeutungsvoll ist es, wenn Menschen ihre Kleider ablegen und sich nackt zeigen. Der nackte Körper funktioniert genauso als Zeichen wie der bekleidete. Während die Kleidung aber gesellschaftliche Bedeutung zum Ausdruck bringt, steht der nackte Körper für andere Werte. Ist der Mensch nackt, so offenbart er seine ehrliche, unverhüllte Persönlichkeit. Der nackte Mensch ist ganz Natur, ist verletzlich, empfindsam, ist ganz er selbst. Solche Bedeutungsaufladung des Körpers manifestiert sich nicht zuletzt in der Kunst. In der Sammlung des Kunstmuseums Thurgau gibt es so Hunderte von Aktdarstellungen, in denen sich der Wandel des Blicks auf den menschlichen Körper fassen lässt. Existenzielle Verletzlichkeit Früh tritt der nackte Körper in der Kunst da auf, wo Geschichten erzählt werden sollen. Adam und Eva streifen in unschuldiger Nacktheit durch ihr Paradies. Die Frau von Potiphar versucht Joseph mit ihrem nackten Körper zu verführen, und nur ein Fetzen verdeckt die Blössen des leidenden Jesus am Kreuz. Die Bibel, die griechische Mythologie oder die Märchenerzählungen sind voller Szenen, in denen entblösste Körper die existenzielle Verletzlichkeit des Menschen oder aber deren Verführbarkeit demonstrieren.

Aktfotograﬁe Mit dem massenhaften Aufkommen der Fotografie verändert sich auch der Blick auf den nackten Körper. Mit der Anwesenheit einer Kamera bricht immer eine potenzielle Öffentlichkeit in einen Raum ein. Was allenfalls eine intime Situation war, ist es nicht länger. Ein Fotoapparat kann in Sekundenbruchteilen eine unverfängliche Szene in ein Skandalbild verwandeln, weil bis heute der Fotografie Zeugnischarakter zugebilligt wird. In der Ausstellung «Nackte Tatsachen» markieren Fotografien von vier Männern – Eugene van Bruenchenhein, Miroslav Tichy, Peter Koehl und Barnabas Bosshart – die Breite des Felds, das die Fotografie vom voyeuristischem Starren bis zum einfühlsamen Schauen aufspannt.

Intimität bis zur Schmerzgrenze Nicht jeder Blick auf einen nackten Körper ist zwangsläufig voyeuristisch. Manche Bilder scheinen frei von ungleichen Machtverhältnisse zu sein: Dies sind dann intime Bilder für den privaten Gebrauch. Hier kann der nackte Körper Akteur im erotischen Spiel sein. Er wird Projektionsfeld von lustvollen Empfindungen, von Gefühlen und starken Emotionen. Nacktheit ist Teil eines lustvollen Spiels von Verführung und Zärtlichkeit. Wer solche Bilder betrachtet, wird Zeuge von Lust und Begehren, tritt ein in einen emotionalen Raum, was manche geniessen, andere verdammen werden. Für solche Bilder ist der Museumsraum eigentlich schon viel zu öffentlich. In einer Gesellschaft, in der der private und der öffentliche Raum längst bruchlos ineinander übergehen, gibt es eigentlich keine intimen Bilder mehr. In der zeitgenössischen Kunst ist Intimität nicht mehr mit Zärtlichkeit verbunden, sondern nur noch mit einer Nähe bis zur Schmerzgrenze. Simone Kappeler oder Roland Iselin treten mit ihrer Kamera ganz nahe an den nackten Körper heran. Jedes Haar, jede Pore wird sichtbar und weil das Gegenüber «nur» ein Bild ist, haben wir Voyeure, zu denen wir alle werden, keine Hemmungen, genau hinzusehen. Oder doch? Solche Fotografien zeigen den nackten Körper in unbarmherziger Schärfe und manch einer fragt sich, ob er das überhaupt so genau sehen will. VIDEO INFO WEBSITE Kunstmuseum Thurgau | Konstellation 10 – Nackte Tatsachen | bis 13. April 2020 Donnerstag, 5. Dezember 2019, 19 Uhr | Kuratorenrundgang mit Markus Landert, Museumsdirektor

DAS MYSTERIUM DES BEWUSSTSEINSTHE MYSTERY OF CONSCIOUSNESS 13.SCHWEIZER BIENNALE ZU WISSENSCHAFT, TECHNIK + ÄSTHETIKTHE 13TH SWISS BIENNIAL ON SCIENCE, TECHNICS + AESTHETICS18.Januar 2020, Verkehrshaus der Schweiz, LuzernVeranstalter: Neue Galerie Luzern – Swiss Academic Association (NGL – SAA)Konzept: Dr. phil. René Stettler Anmeldung und Information unter: www.neugalu.chKEYNOTE SPEAKERS 2020Prof. Dr. Dr. h.c. mult. Emeritus Niels Birbaumer, Neurobiology and Psychology, The Wyss Center for Bio and Neuroengineering, GenevaDr. Travis J. A. Craddock, Biophysics and Consciousness Research, Institute for Neuro-Immune Medicine, Nova Southeastern University, Ft. Lauderdale, FL – USA Prof. Dr. William Edelglass, Indian and Tibetan Buddhist Philoso-phy, Environmental Philosophy and Environmental Ethics, Marlboro College, Marlboro, VT – USA Prof. Dr. Owen Flanagan, James B. Duke Professor of Philosophy, Philosophy and Neurosciences, Center for Cognitive Neuroscience, Duke University, Durham, NC – USAProf. Dr. Emeritus Christoph , Physics and Neu-robiology, Frankfurt Institute For Advanced Studies (FIAS), Mindfire Foundation, Zug – SwitzerlandDr. Rupert Sheldrake, Institute of Noetic Sciences (IONS), Petaluma, CA – USADr. Rosalind Watts, Clinical Psychology and Psychedelic Research, Psychedelic Research Group, Imperial College London Prof. Dr. Catrin Misselhorn, Philosophy of Science and Philosophy of Mind, Philosophisches Seminar, Georg-August-Universität GöttingenDr. Jeanne Rubner, Journalist and Author, Leiterin der Redaktion Wissen und Bildung aktuell, Bayerischer Rundfunk (BR), MünchenDr. Magaly Tornay, History of Psychoactive Substances, Forschungsstelle für Sozial- und Wirtschaftsgeschichte, Universität ZürichProf. Dr. Natsue Yoshimura, Brain Signal Decoding Research, Tokyo Institute of Technology, Institute of Innovative Research (TITech) – JapanPanel discussion leaderSteve Paulson, Executive Producer and Co-Founder of To the Best of Our Knowledge at Wisconsin Public Radio, Distinguished Scholar at the Wisconsin Institutes for DiscoveryEntrance ticketsNormal ticket: CHF 190.00 Concessions (students, senior citizens against ID):Students: CHF 120.00Senior citizens (AHV): CHF 150.00No seat reservation. Admittance to the conference hall at 08.15 AM.Registration / Ticket orderSend a normal e-mail. You can order your ticket(s) by sending an e-mail to Please, mention your first and last name, profession, address, city, country, telephone number, e-mail address as well as the number and category of the desired ticket(s): normal ticket for CHF 190.00, student ticket (against ID) for CHF 120.00, senior citizen ticket (against ID) for CHF 150.00.Your registration / ticket order will be confirmed within a working day by a personal e-mail (not by an automatically generated response to the sender). You will be billed (pdf) via e-mail and the ticket(s) will be sent to you by normal post (also to destinations abroad) once your payment has been received.CHAIRPERSONSImage credit: William Creswell, 1905

Zahlreiche Raritäten Seit der Industriellen Revolution schreitet vor allem die Technik konstant voran. Was gestern noch neu war, ist heute schon veraltet. Das Schöne an dieser Form des technischen Fortschritts ist, dass er materielle Zeugen hinterlässt, die wir heute bestaunen können. So kann das Zuger Depot Technikgeschichte auf eine sehr vielfältige Sammlung solcher Exponate quer durch die Bereiche Öffentlicher Verkehr, Militär, Feuerwehr und Industriegeschichte stolz sein. Hier stehen Brückenlegepanzer neben VW- Feuerwehrbusse und einer Reihe von Oldtimern der Marken Berna, Saurer und Jeep. Ebenso Teil der Sammlung ist ein Exemplar des nach einer Pferderasse benannten militärischen Geländewagens «Haflinger» der Firma Steyr-Daimler-Puch AG. Doch auf dem Rundgang durch das Depot, das in einem ehemaligen Zeughaus in Neuheim bei Sihlbrugg untergebracht ist, findet man auch unscheinbare Begleiter unserer Alltage, wie etwa Stromzähler und alte Billettautomaten. Das Herzstück der Sammlung bildet «Orion», der erste Omnibus der Zuger Automobil- Gesellschaft aus dem Jahre 1904. Ein Gefährt, das noch unübersehbarer Ähnlichkeiten zur Kutsche aufweist. Aus Sicht des Vereins soll das Depot Technikgeschichte kein Museum im herkömmlichen Sinn sein. Die Fahrzeuge werden hier nicht nur ausgestellt, sondern gewartet und an Besuchstagen in Betrieb genommen! Besonders stolz ist Vereinspräsident Fredy Heer darauf, dass der «Orion» noch immer betriebstüchtig ist.

Kulturfestival 1569 Das Programm des «Kulturfestivals 1569» bietet spannende Exkursionen für Gross und Klein. Mal bedacht ernst, mal heiter unbeschwert, aber immer unterhaltsam geht es in den einzelnen Beiträgen um Erinnerungen, Traditionen und Identitäten. Die performative Aufführung «Ort(s)wechsel» beispielsweise, erzählt von Heimweh, Sehnsucht und der Einsamkeit in der Ferne. In anderen Beiträgen wird gesungen und improvisiert. Aussderdem wird verkündet: Mit dem Stück «Orloge Zeitreisen» sind Zeitreisen neu machbar! Und auch die Kinder erobern die Bühne. Die Theaterkids zeigen inspirierende Geschichten über beeindruckende Mädchen und junge Frauen der letzten 450 Jahre.

VIDEO arttv Beitrag zur Ausstellung Ein Haus stellt sich selbst vor Das alte Haus führt die Besucher*innen in der aktuellen Ausstellung «Rocky Docky» in einem Audiorundgang durch seine bewegte Vergangenheit und erzählt von Gästen und Geistern, sowie von Triumphen und Katastrophen, die sich in seinem Innern und rundherum ereignet haben. Objekte, Zeitzeugen und Dokumente aus 450 Jahren berichten von Wendepunkten und Episoden des Hauses: von Napoleon und seiner helvetischen Regierung, dem Stadtschreiber Cysat, der einen Tsunami in der Reuss beobachtete, einem verwegenen Kunstdieb und vielen anderen. Ein umfangreiches Begleitprogramm lädt ein, die Zeughaus- Protagonisten von heute zu treffen und sich vertieft mit Fragen der Geschichte, Erinnerung und Identität auseinanderzusetzen.

VIDEO arttv Beitrag zu «Die grosse Menschenschau» eines der Kulturprojekte, die im Rahmen des Festivals zum Jubiläum zu sehen sein werden. Foto: ©Marco Sieber INFO WEBSITE Kulturfestival 1569 | Historisches Museum Luzern | 19. bis 27. Oktober 2019 Eröffnungsperformance Ruth Baettig: Samstag, Samstag, 19. Oktober um 19:30.

Eine poetische Hommage an die Wanderschaft Einerseits vereint das Projekt Performance, Lesung und Kunstobjekte in einer Aufführung. Andererseits werden in dem Stück Innen- und Aussenwelten über die Brieftexte verwoben. ORT(S)WECHSEL bietet eine Möglichkeit, über die aktuelle Migration (gewollt oder forciert) nachzudenken und die Situation der Migrierenden besser zu verstehen. Mehr noch, der menschliche Kern soll sicht- und greifbar werden. In den Geschichten geht es um das Weggehen und das irgendwo Ankommen. Sie verdichten sich zu einer poetischen Hommage an die Menschen, die auf Wanderschaft sind. Migrare – Migrieren – Wandern hat einen essayistischen Kern. Baettigs Arbeit ist eine Versuchsanordnung, in der es darum geht, Geschichten zu ertasten. Briefe aus hundert Jahren Am Anfang des Projektes stand eine umfangreiche Briefsammlung von Migrantinnen und Migranten, die diese nach Hause an ihre Liebsten schickten. Die Briefe erzählen von Heimweh, Sehnsucht, der Einsamkeit in der Fremde, aber auch von Neugier und unbeirrbarem Optimismus. Eröffnet das Festival mit ihrer Arbeit: Videokünstlerin Ruth Baettig Sie stammen aus verschiedenen Familienarchiven und persönlichen Kontakten, sowie von einem Aufruf in den Sozialen Medien. Die Sammlung umfasst handschriftliche Briefe und E-Mails. Dabei stammen die Textstücke nicht nur aus den letzten Jahren, sondern gehen bis zu hundert Jahre zurück und wurden von Menschen aller Altersgruppen geschrieben. Für das Stück werden statt der eigentlichen Namen die Bezeichnung der Familienmitglieder verwendet: Grossmutter, Grossvater, Vater, Mutter, Tante, Onkel, Bruder, Schwester…

Setzten die Idee von Ruth Baettig in Szene: Schauspielerin Annina Polivka und Schauspieler Matthias Koch. Stimmen der Abwesenden Für das Stück ORT(S)WECHSEL wird der szenische Raum mit Kunstobjekten des in Paris lebenden Künstlers Denis Collet Park, zwei performenden Schauspielern und den gefalteten Briefen ausgestattet. Obwohl die Briefe ursprünglich in sehr unterschiedlichen Sprachen geschrieben wurden, wurden sie für die Performance auf Deutsch übersetzt. Die Performer, eine Frau und ein Mann, tragen schlichte, schwarze Kleidung und rote Socken, die das Unterwegssein verbildlichen. Die Reduktion der Ausstattung soll dazu verhelfen, dass die Zuschauer*innen leichter zur Fiktionalisierung der einzelnen, in den Briefen vorkommenden Personen gelangen. Die Performer verkörpern die Stimmen der abwesenden Menschen und lesen sitzend, stehend, liegend Auszüge aus den Briefen. Die zwei Stimmen verkörpern Briefe, die eine Nähe in der Ferne suchen, die eine geliebte Person in Gedanken zu berühren versuchen. Zuhause sein – nicht mehr zuhause sein. Das Zuhause träumen – das Zuhause wiederherstellen. INFO WEBSITE Eröffnungsperformance Ruth Baettig | Kulturfestival 1569 | Historisches Museum Luzern | Samstag 19. Oktober | 19:30 Uhr

Schweizer Grand Prix Tanz 2019 Maria Robot Die in Spanien geborene La Ribot lebt und arbeitet seit 2004 in Genf. Mit ihrem Stück «Happy Island» von 2018 zeigt sie eine neue Facette ihres breiten künstlerischen Schaffens. Dieses Gruppenstück schuf La Ribot zusammen mit der inklusiven Compagnie «Dançando com a Differença» aus Madeira/Portugal. La Ribot tritt auf Theaterbühnen, aber auch in Galerien auf und bewegt sich zwischen Tanz, Performance, Videoarbeiten und bildender Kunst. 2017 zeigte das Berliner Festival «Tanz im August» eine Retrospektive der spanisch-schweizerischen Künstlerin. In diesem Herbst widmet ihr das «Festival d’Automne» in Paris eine grosse Retrospektive. In diesem Rahmen steht sie in ihrem neuen Werk «Please Please Please» zusammen mit der französischen Choreographin und Tänzerin Mathilde Monnier auf der Bühne des Centre Pompidou.

Vier Preise im Schweizer Tanzwettbewerb «Aktuelles Tanzschaffen» Aus 76 Eingaben für den Wettbewerb zum aktuellen Tanzschaffen wählte die Eidgenössische Jury für Tanz vier herausragende Stücke aus den Saisons 2017/2018 und 2018/2019 aus. «Vicky setzt Segel», ein Stück von Teresa Rotemberg und ihrer Company Mafalda für Kinder, wirkt durch eine starke Bildsprache mit starken Charakteren und bunten Kostümen. «Vicky» erinnert an «Alice im Wunderland» und «Nils Holgersson» mit Ingredienzen und einer Dramaturgie, die ein junges Publikum ab vier Jahren mitsamt Familie anspricht. «Flow» ist eine Choreographie der Cie Linga von Katarzyna Gdaniec und Marco Cantalupo. Die ehemaligen Béjart-Tänzer wirken seit 25 Jahren in Pully und touren mit ihren Werken auch im Ausland. «Flow» zeichnet sich durch eine enge Zusammenarbeit mit den beiden franko- koreanischen Musikern Keda aus und überzeugt durch einfache und gleichzeitig intensive räumliche Gruppenformationen. «Speechless Voices» der Cie Greffe, choreographiert von Cindy Van Acker und inspiriert von den Gemälden des belgischen Künstlers Michaël Borremans, ist ein intelligent gebautes, herausragendes Werk rund um Gesten des Abschieds. Cindy van Acker, die bereits 2013 mit einem Preis im aktuellen Tanzschaffen ausgezeichnet wurde, beweist darin ihren virtuosen Umgang mit Bewegung, Musik und choreographischer Struktur.

Spezialpreis Tanz: Dominique Martinoli Dominique Martinoli engagiert sich seit 2002 für die Vermittlung und Vernetzung des zeitgenössischen Tanzes im Jura. Sie gründete das interjurassische Festival «évidanse», das auch über die Grenze mit dem benachbarten Frankreich zusammenarbeitet. Heute funktioniert «évidanse» als dezentrales Saisonprogramm mit begleitenden Projekten wie etwa Workshops für Jugendliche, in Zusammenarbeit mit der Association Interjurassienne des Centres Culturels (AICC) sowie Viadanse in Belfort und Nebia in Biel. 2018 lancierte Dominique Martinoli mit AICC und Viadanse das mit europäischen Mitteln unterstützte Projekt TDC – «Territoires Dansés en Commun», um jungen Menschen Zugang zu zeitgenössischer Kultur und besonders zum Tanz zu verschaffen. Sie gründete und leitet ausserdem «Danse!», den Verband für zeitgenössischen Tanz im Jura.

Schweizer Grand Prix Tanz 2019 Die Schweizer Tanzpreise werden seit 2013 alle zwei Jahre vergeben. Der Grand Prix Tanz (40’000 CHF) würdigt eine künstlerische Karriere. Der Spezialpreis Tanz (40‘000 CHF) wird an einen herausragenden Beitrag für den Tanz verliehen, beispielsweise im Bereich der Vermittlung, Dokumentation oder Kulturpolitik. In der Kategorie «Herausragende Tänzerin/ Herausragender Tänzer» werden eine Tänzerin und ein Tänzer gewürdigt (je 25‘000 CHF). Diese Auszeichnungen werden von der Eidgenössischen Jury für Tanz vorgeschlagen. Vier weitere Preise (je 25‘000 CHF) wählt die Jury aus dem Wettbewerb «Aktuelles Tanzschaffen» aus. Der June Johnson Dance Preis wird gemeinsam mit der Stanley Thomas Johnson Stiftung vergeben (25’000 CHF) und würdigt den tänzerischen Nachwuchs. VIDEO INFO WEBSITE Die Preisträger des Schweizer Grand Prix Tanz 2019 stehen fest. Unter ihnen die in Spanien geborene Maria Ribot, alias «La Ribot», die seit 2004 in Genf wirkt. Den Spezialpreis Tanz erhält die im Jura tätige Tanzvermittlerin Dominique Martinoli. Als herausragende Tanzende werden Marie-Caroline Hominal und Edouard Hue ausgezeichnet. Ebenfalls prämiert werden vier aktuelle Stücke.

EXKLUSIVE EINLADUNG FÜR ARTTV MITGLIEDER in&out ARTTV MITGLIED WERDEN Ein Begrüssungsgeschenk und exklusive Einladungen warten aus Sie! > WEITERE INFOS ARTTV MITGLIEDER ERHALTEN KOSTENLOSEN EINTRITT für einen Tag nach Wahl. in&out - Messe für Schweizer Design | Aarau, Aeschbachhalle Freitag, 25. bis Sonntag, 27. Oktober 2019 Die Designmesse «in&out» ist eine feste Grösse in der einheimischen Design-Szene. Neu findet sie in der Aarauer Aeschbachhalle statt.

MASKE In der Kunst der Gegenwart *Aargauer Kunsthaus 1. 9. 2019 – 5. 1. 2020 Eine starke Kombi: IHRE BANNERWERBUNG AUF ARTTV - UND IM CLICK Rufen Sie uns an: Sylvia Wettstein, 076 335 0309

Einstimmig mehrstimmig Sie verstehen sich gut. Sie hören einander. Sie singen zusammen. Immer achtsam, immer konzentriert. Sie sind konfliktscheu. Sie wollen ungern aufgerüttelt werden. Sie sind eine Art Harmonie Task Force. Drei Menschen treffen sich zur Untersuchung zwischenmenschlicher Bruchlinien. Sie wollen in Harmonie leben und Harmonie verbreiten. Das gemeinsame Singen steht für den Höhepunkt des harmonischen Kollektivgefühls. Sie proben den Song «You’re nobody ‘til someone loves you». Zu dritt sind sie in einer ewig dynamischen Konstellation gefangen. Nähe und Einigkeit zwischen zwei Anwesenden bedeutet immer schleichende Einsamkeit für die dritte Person. Sie geraten sich in die Haare und finden wieder zur Konzentration für das nächste Lied. Sie singen mehrstimmig. Sie wollen die Harmonien treffen. Sie wollen der Teppich sein, auf dem die anderen gehen können. «Bitte nicht schütteln!» ist eine Versuchsplattform für Mechanismen des Zusammenseins. Entstehung des Projekts Theater Marie ist ein Ort, wo das Wohlergehen der Mitarbeiter*innen und die gelungene Zusammenarbeit im Kollektiv einen eminent hohen Wert geniessen. Das Projekt «Bitte nicht schütteln!» feiert die Freude an der gesungenen Musik auf der Bühne, es verbindet uns mit konfliktscheuen Menschen in unserem Pool und befragen die Kraft und die Schwäche unseres Strebens nach harmonischen Arbeitszusammenhängen. Gemeinsam mit Herwig Ursin ist das Team zum Schluss gekommen, ein Projekt basierend auf diese musikalische Herangehensweise zu kreieren und dabei Harmoniebedürftigkeit und Angst vor Konflikten zu untersuchen. Der Wunsch und die Anstrengung, miteinander im Einklang zu sein und zu singen, sind im privaten und gesellschaftlichen Kontext sehr nahe und bekannte Eigenschaften. Ein weiterer wichtiger Schritt war die Zusage von Barbara Heynen und Diego Valsecchi für die Teilnahme an diesem Projekt. Simon Hari als musikalischer Leiter begleitet diese Arbeit kompositorisch und musikdramaturgisch. VIDEO INFO WEBSITE Theater Marie | Bitte nicht schütteln! | Vorstellung in der Schweiz und in Österreich bis Mai 2020

Aufrüttelndes Drama über ein neunjähriges Mädchen, das die Gesellschaft überfordert. TRAILER Pflegefamilie, Wohngruppe, Sonderschule: Egal, wo Benni hinkommt, fliegt sie sofort wieder raus. Denn das zartgliedrige neunjährige Mädchen hat eine Wut in sich, die sich nicht kontrollieren lässt. Benni ist das, was man im Jugendamt einen «Systemsprenger» nennt. Dabei will Benni nur eines: Liebe, Geborgenheit und wieder bei Mama wohnen. Doch diese fühlt sich von ihrer unberechenbaren Tochter einfach überfordert, kommt sie doch mit ihrem eigenen Leben kaum klar.

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Zum Film Die deutsche Regisseurin und Drehbuchautorin Nora Fingscheidt lässt sich in «Systemsprenger» ganz auf ihre Hauptfigur ein: Wenn Benni austickt, dann überlagern sich Bildfetzen, wird die gesamte nicht zu bändigende Energie deutlich, die sie überkommt. «Mich faszinieren Kinder, die nicht zu bändigen sind und die vor Lebensenergie nur so strotzen», erzählt Nora Flingscheidt. Sie habe vor ein paar Jahren ein solches Mädchen kennengelernt, das für niemanden tragbar war, und das Thema habe sie seit damals beschäftigt. «Der Strudel aus Wohnorten, der dauerhafte Wechsel von Bezugspersonen. Wie soll ein Kind, dessen einzige Kontinuität der Wechsel ist, irgendwo Halt finden?», so fragt sie provozierend. Sie wollte mit ihrem Film Verständnis schaffen für Kinder wie Benni: «Bennis Verhalten mag schockieren, doch die Zuschauer sollen sie lieben und um sie fürchten. Denn Gewalt von Kindern ist ein Hilfeschrei. Immer.»

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Warum man sich den Film anschauen sollte! «Beschönigt nichts, liefert keine einfachen Antworten, geht da hin, wo es weh tut – und trotzdem ist das Spielfilmdebüt von Nora Fingscheidt alles andere als ein trockener Problemfilm, sondern eine mitreissende, berührende Leinwand-Tour-de-Force, in der das Kinopublikum die Machtlosigkeit aller Beteiligten am eigenen Körper zu spüren bekommt.» – filmstarts.de | «Das Wunder dieser Berlinale.» – Die Welt | «Von der überzeugenden Kinderdarstellerin Helena Zengel so wuchtig und unvergesslich gespielt, dass alles was folgt, wie eine Fussnote wirkt.» – swr.de | «Ein kraftvoller, konsequenter und ehrlicher Film, der die Zuschauenden nicht mehr loslässt.» – fbw- filmbewertung.de | «Ein seltener Glücksfall.» – epd-film.de. TRAILER INFO WANN & WO «Systemsprenger» | Regie: Nora Fingscheidt | Drama | 118min. | Deutschland, 2019 | Verleih: cineworx | Cast: Helena Zengel, Albrecht Schuch, Gabriela Maria Schmeide, Lisa Hagmeister, Melanie Straub, Victoria Trauttmansdorff, Maryam Zaree, Tedros Teclebrhan.

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Familienepos, welches die tiefen Narben unter der Oberﬂäche der scheinbar bruchlosen chinesischen Erfolgsgeschichte spürbar macht. TRAILER Einst waren sie eine glückliche Familie, bis ihr Sohn beim Spielen am Rückhaltebecken eines Staudamms ertrank. Yaojun und Liyun verlassen die Heimat und tauchen in die Grossstadt ein. Auch Adoptivsohn Liu Xing bringt nicht den erhofften Trost, trotzig verweigert er sich den fremden Eltern und verschwindet ebenfalls eines Tages. Immer wieder werden die Eheleute von ihren Erinnerungen eingeholt und kehren schliesslich an den Ort der verlorenen Hoffnungen zurück

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Zum Film «Wir warten darauf, alt zu werden.» – Ein bitterer Satz, der die Lebenswahrheit von Yaojun und seiner Frau Liyun in knappen Worten zusammenfasst. Das Familienepos «So Long My Son» umschliesst drei Jahrzehnte chinesischer Geschichte. Privates und Politisches verschmelzen, das Individuum gerät ins Getriebe einer Gesellschaft im permanenten Wandel. So führt der Film vom Aufbruch nach der Kulturrevolution in den 1980er-Jahren bis in den prosperierenden Turbokapitalismus der Gegenwart und ist dabei Zeitkritik und Melodram zugleich. In grossen Tableaus macht er die tiefen Narben unter der Oberfläche einer scheinbar bruchlosen Erfolgsstory sichtbar. Aufgrund der Ein-Kind- Politik, die die chinesischen Behörden verordnet hatten, war Liyun gezwungen, eine Abtreibung vorzunehmen, als sie ein zweites Mal schwanger wurde. Die Operation verlief schlecht, was zur Sterilität der jungen Frau führte. Als danach ihr Bub beim Spielen ertrank, beschloss das Paar, die Industriestadt im Norden zu verlassen. Aus dieser einfachen Anlage entwirft Wang Xiaoshuai (Beijing Bicycle) eine grossartige Sozialchronik, die uns an das Ende der Kulturrevolution zurückführt, um eine Reise ins heutige China zu unternehmen und dabei das Aufkommen des chinesischen Kapitalismus zu erleben. Yaojun und Liyun (verkörpert von den an der Berlinale ausgezeichneten Wang Jingchun und Yong Mei) treten im Spiel zurück, um so die Wirkung des historischen Hintergrundes sich umso stärker entfalten zu lassen. Der Film geht nahe, als Zuschauende glaubt man, die sozialen Folgen der Umbrüche im heutigen China zu spüren.

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Warum man sich den Film anschauen sollte! «Mit ‘So Long, My Son’ kehrt die epische Form ins Kino zurück. Drei Stunden lang sehen wir Menschen bei ihrem Alltag zu, ihrem Glück und ihren Verlusten, ihrem Ringen um Würde und um den Trost der Gemeinschaft. […] Was Wang Xiaoshuais Film schafft, kann keine Streaming-Serie leisten, denn er entwirft in einem einzigen Atemzug eine Welt, wo die Serien nur hechelnd von Station zu Station hüpfen.» – Andreas Kilb, Frankfurter Allgemeine Zeitung | «Eine Grösse und Tiefe, die fast jedem anderen Film fehlte.» – Berliner Zeitung | «Einer der schönsten Filme des Jahres. Der herzzerreissendste.» – Paris Match | «Eine grosse humanistische Fabel, kondensiert und komprimiert im Schicksal zweier Familien. Ein Meisterwerk.» – Kinozeit. INFO WANN & WO TRAILER «So Long My Son» | Regie: Xiaoshuai Wang | Drama | 180min. | China, 2019 | Verleih: trigon- film | Cast: Liya Ai, Jiang Du, Zhao-Yan Guo- Zhang, Jingjing Li, Xi Qi.

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Zum Film Für Marianne beginnt eine heimliche Suche nach ihrem Motiv. Vordergründig wird sie zur Gesellschafterin von Héloïse, aber nur, um sie mit ihren Augen einzufangen und nachts am Bild weiterzumalen. Im Stillen wächst zwischen den beiden derweil eine seltsame Vertrautheit, eine fragile Intimität. Nach «Tomboy» und «Bande de filles» hat Céline Sciamma eine malerische Liebesgeschichte geschaffen, die im diesjährigen Cannes-Wettbewerb nicht unbemerkt blieb. Die Regisseurin und Drehbuchautorin – unter anderem bekannt für ihre Arbeit im Animations-Hit «Ma vie de Courgette» erhielt für «Portrait de la jeune fille en feu» die Palme für das Beste Drehbuch. Viel Lob bekamen auch die beiden Hauptdarstellerinnen Adèle Haenel und Noémie Merlant.

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Warum man sich den Film anschauen sollte! «Überzeugt durch seine feinfühlige Inszenierung und die richtige Dosis an Emotionen. […] Ein Film für alle Sinne.» – outnow.ch | «Céline Sciamma zeichnet in einem der aufregendsten Filme des Jahres das leuchtende Porträt einer befreienden Liebe im Korsett gesellschaftlicher Zwänge.» – ZFF.com. | «Die Neugierde, mit der die Malerin ihr Modell heimlich beobachtet, lässt sich unschwer als Allegorie auf ein unterdrücktes, weil tabuisiertes lesbisches Begehren deuten. Zugleich entfaltet sich ein äusserlich keusches, aber erotisch flirrendes Wechselspiel von Verbergen und Enthüllen, Hin- und Wegschauen. Auch wenn Héloïse die Blicke Mariannes bald erwidert und die beiden Frauen sich anfreunden, geht die Initiative von Marianne aus. Sie ist diejenige, mit der sich das Publikum identifizieren soll.» – filmbulletin.ch TRAILER INFO WANN & WO «Portrait de la jeune fille en feu» | Regie: Céline Sciamma | Drama, Romanze, Historisch | 119min. | Frankreich, 2019 | Verleih: Cineworx | Cast: Noémie Merlant, Adèle Haenel, Luàna Bajrami, Valeria Golino. Kinostart Deutschschweiz: 24. Oktober 2019

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Flüchtlingsdrama der anderen Art: poetisch, traumähnlich und tiefgründig. TRAILER In einem Vorort von Dakar beschliessen die betrogenen Arbeiter einer Baustelle, das Land übers Meer zu verlassen und in eine bessere Zukunft zu reisen. Unter ihnen auch der verzweifelte Suleiman, der seine Geliebte Ada zurücklässt, da diese in wenigen Tagen mit einem anderen verheiratet werden soll. Am Tag der Hochzeit zerstört ein Feuer die Feier und ein mysteriöses Fieber befällt die Mädchen in der Nachbarschaft. Es heisst, Suleiman sei zurückgekehrt …

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Zum Film Die französisch-senegalesische Filmemacherin Mati Diop greift geschickt das Thema Hexerei und Magie auf, das oft im afrikanischen Kino vorkommt. Doch sie erzählt nicht von Zauberern oder Gris-Gris- Glücksbringern, sondern vielmehr von Frauenkörpern, welche von den Seelen ihrer vermissten Männer in Besitz genommen werden. Die junge Ada ist dabei der Faden der Ariadne, der uns durch das Labyrinth von Dakar führt. Dieses Dakar, fantastisch bei Nacht, kakofonisch tagsüber, liegt zwischen dem Meer und gigantischen Turmbauten. Unüberwindbare Barrieren mitten im Smog, welche die Kamera mehr bedrückend und hypnotisch als schön und poetisch zeigt. Es sind die Frauen, die im Stadtbild dominieren. Es sind die starken Figuren, die sich widersetzen und Gerechtigkeit für ihre Freunde und Ehemänner fordern. «Atlantique» wirkt nachhaltig wie ein zärtlicher Weckruf an die weibliche Solidarität und zollt einen wunderschönen Tribut an die afrikanische Jugend.

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Warum man sich den Film anschauen sollte! «Eine moderne Version des Mythos von Atlantis, dem versunkenen sechsten Kontinent. Junge Afrikaner, die sich mit einer fantastischen Obsession ins Meer stürzen, um ein Land der Legenden zu erreichen oder sich einem anderen Schicksal zu stellen, sind die Helden dieses hypnotisierenden und beängstigenden Films.» – Arte.tv | «Traumähnliche afrikanische Fantasy- Variante, wo es um die Erinnerung an die Verschwundenen geht und die Idee des ‘Black Atlantic’.» – Tages- Anzeiger | «Wunderbar poetischer Film, in dem sich verschiedene Erzähl- und Glaubenstraditionen kreuzen, jedem empfohlen, der meint, er müsse für Verständnis der Sorgen von wohlversorgten Menschen in Europa werben.» – Frankfurter Allgemeine Zeitung. TRAILER INFO WANN & WO «Atlantique» | Regie: Mati Diop | Spielfilm | 104min. | Frankreich, Senegal, Belgien, 2019 | Verleih: trigon-film | Cast: Abdou Balde, Aminata Kane, Ibrahima Mbaye, Amadou Mbow, Mame Bineta Sane, Diankou Sembene. Kinostart Deutschschweiz: 31. Oktober 2019

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Mutige Bestandesaufnahme Syriens, geﬁlmt von einer politischen Kämpferin. TRAILER Waad al-Kateab studiert im syrischen Aleppo Wirtschaftswissenschaften, als die Menschen auf die Strasse gehen und Freiheit einfordern. Während der Demonstrationen lernt sie den Arzt Hamza kennen, die beiden heiraten und bekommen eine Tochter: Sama. Ihr schreibt sie diesen filmischen Brief, denn mit ihrer Kamera dokumentierte Waad in den Jahren seit dem Aufstand gegen den Diktator Assad das Leben und Sterben in Aleppo.

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Die Hölle erfahren bis auf die Eingeweide Das ist kein Dokumentarfilm im engeren Sinn, keine Analyse der politischen Situation in Syrien. Über die Menschen, die wir sehen, erfahren wir das, was ihr Handeln zum Ausdruck bringt. Das schmälert die Qualität und Bedeutung dieses «Zeugnisses aus erster Hand» nicht, denn der immense Verdienst des Filmes ist es, uns die Hölle bis auf die Eingeweide erfahren zu lassen, die Waad, Hamza und Sama und all die Opfer dieses mörderischen Wahnsinns erleben mussten und müssen. Das Geräusch von Bomben und der Staub, der durch die Explosionen aufgewirbelt wird, verstärken den Eindruck, in den Kellergängen eingesperrt zu sein. Vollgepackt mit verwundeten und verängstigten Menschen, die von aussen bedroht sind. Draussen haben Drohnen die trostlose Ruinenlandschaft aufgenommen. Draussen sollten wir atmen, aber ist das noch möglich? Notwendige, unvergessliche Bilder.

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Über Gewalt und Grosszügigkeit Der Film beginnt mit einem Chaos von Bildern, die unter Bomben aufgenommen wurden. Es herrscht Hysterie, als die Kamera das Baby Sama sucht. «In welches Leben habe ich dich gebracht?», fragt die Filmemacherin ihre kleine Tochter aus dem Off. Dann blendet sie zurück zu den freudigeren Bildern aus der Zeit, in der es mit den Demonstrationen 2012 losging und Studierende gegen die Diktatur von El-Assad protestierten. Die Euphorie endet abrupt, als die Leichen von Folteropfern auf dem Fluss treiben. Viele sind in jenen Tagen aus Aleppo geflüchtet, aber Waad blieb bei Hamza, der ein provisorisches Krankenhaus in einem Keller einrichten konnte. Verwundete jeden Alters kommen ununterbrochen an. Waad al-Kateab hört nicht auf zu filmen und hält den Schrecken, wie auch den Mut der Ärzte und Pflegenden fest, die retten, wer gerettet werden kann. Die Gewalt der einen unterstreicht die Grosszügigkeit der anderen.

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Warum man sich den Film anschauen sollte! «Mutige Bestandesaufnahme einer politischen Kämpferin und Filmerin in Syrien.» - arttv.ch | «Einer der bemerkenswertesten Filme, der je über den syrischen Aufstand gedreht wurden.» – Der Hollywood Reporter | «Eine sehr kraftvolle, persönliche Dokumentation … Eine der seltenen weiblichen Perspektiven in einem Kriegsgebiet.» – Screen Daily | «Höchst beeindruckend … Kraftvoll.» – Cineuropa | «Waad al-Kateab and Edward Watts finden einen neuen Art der Kommunikation, indem sie einen sehr einfachen und persönlichen Zuganng wählten.» – The Wrap | «Eine erschütternde, aber zarte Liebesgeschichte. Wunderschönes, bewegendes Filmemachen.» – SXSW Grand Jury | «One of the most important films you will ever see in your life.» – The Times INFO WANN & WO TRAILER «For Sama» | Regie: Waad Al-Khateab, Edward Watts | Dokumentarfilm | 95min. | UK, 2019 | Verleih: trigon-film.

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Zum Film Ihre erste Radiosendung «Sexually Speaking» wurde schnell ein Grosserfolg. Ausgestrahlt wurde sie ab 1980. Wenn zu jener Zeit überhaupt öffentlich über Sexualität gesprochen wurde, dann kaum so, wie Dr. Ruth Westheimer es damals tat und heute noch tut: völlig unbefangen, mit Sachkenntnis, Empathie, Charme, ansteckender Humor und Offenheit. 1928 in Deutschland geboren, schickten sie ihre jüdischen Eltern – die später Opfer des Holocaust wurden – 1939 in die Schweiz, wo sie bis zum ihrem 17. Lebensjahr in einem Kinderheim lebte. Später studierte Ruth Westheimer in Paris und New York Psychologie und Soziologie. Ihrer ersten Radiosendung folgten bald TV-Shows, Dr. Ruth wurde zur international bekannten Kultfigur und bezog immer klar Position. So trat sie in der Diskussion um Aids homophoben Argumenten vehement entgegen und beflügelte mit ihren unverblümten Äusserungen die Gender-Debatte. Ruth Westheimer ist heute 91 Jahre alt, hält noch immer Vorträge, unterrichtet und schreibt.

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Warum man sich den Film anschauen sollte! «Einer der besten Dokumentarfilme des Jahres – nicht verpassen!» – Hollywood News | «Ein wunderbarer Film, der das ‹Phänomen Dr. Ruth› auf grossartige Art und Weise in den historischen Kontext einbettet.» – RogerEbert.com | «Ein überzeugender, mitreissender Film über eine Frau, die vielen geholfen hat, sich selbst zu erkennen.» – Entertainment Weekly | «Ein herzerwärmender Film.» – UK Film Review. | « … eine kurzweilige und äusserst unterhaltsame Dokumentation über die bekannte US-Sexualtherapeutin Dr. Ruth Westheimer. Der Dokumentarfilm beleuchtet ihr Leben und ihren Werdegang und lässt sie selbst ebenfalls zu Wort kommen. Die grösste Stärke dieses Filmes ist eindeutig die Frau, um die es darin geht. So witzig, schlagfertig und energiegeladen wie Dr. Ruth immer noch ist, kann man schon fast gar nicht aufhören, ihr zuzuhören.» - outnow.ch TRAILER INFO WANN & WO «Ask Dr. Ruth» | Regie: Ryan White | Dokumentarfilm | 100min. | USA, 2019 | Verleih: Filmcoopi | Cast: Ruth Westheimer, Susan Brown, Jonathan Capehart, Leora Einleger, Ari Einliger, Pierre Lehu, John Lollos, Walter Nothmann.

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Die Schweizer Biennale zu Wissenschaft, Technik und Ästhetik feiert das 25- Jahre-Jubiläum. International bekannte Referenten der Fachgebiete Neurowissenschaft, Philosophie des Geistes, Buddhismus, Umweltphilosophie, Physik und der Künstliche Intelligenz-Forschung sowie dem Forschungsgebiet, das sich mit der Wirkung bewusstseinserweiternder Substanzen beschäftigt, treten an ihr auf. Die Referenten kommen aus Deutschland, Japan, der Schweiz, UK und den USA. Rene Stettler, was sind die an der 13. Biennale diskutierten Themen? RS: Seit einem Vierteljahrhundert öffnet die Biennale neue Wege zum Verständnis des Bewusstseins. Neue Erkenntnisse über veränderte Bewusstseinszustände, Anästhesie, Träumen, Meditation, Spiritualität, KI, Hirnverletzungen und Bewusstseinsstörungen wie Koma sowie unser «Selbst» stehen diesmal im Zentrum. Warum ist das Bewusstsein ein Mysterium? RS: Der US-amerikanische Philosoph Owen Flanagan, der die Biennale eröffnen wird, kritisierte 1991 im Buch «The Science of the Mind» die Auffassung einiger postmoderner Denker, dass das Bewusstsein nie vollständig erklärt werden könne. Er nannte sie die «die neuen Mysterianer». Heute geht es beim sehr schwierig mit wissenschaftlichen Methoden zu erklärenden Bewusstsein im Kern um die philosophische Position, dass der Mensch nicht über die intellektuelle Fähigkeit verfügt das Bewusstsein zu verstehen. Der Mensch verklärt das Bewusstsein, weil er mit wissenschaftlichen Erklärungsansätzen scheitert? RS: Es handelt sich beim Bewusstsein um etwas, das sich wissenschaftlichen Erklärungen zu entziehen scheint. Jene, die sich damit vertiefter auseinandersetzen, landen mitten in einem philosophischen Minenfeld. Die in Luzern auftretenden Referentinnen und Referenten werden den Erkenntnisstand der Philosophie des Geistes mit neuen empirischen Erkenntnissen aus der Bewusstseinsforschung beleben. Zum ersten Mal tritt Rupert Sheldrake in Luzern auf. Mit seinen umstrittenen Studien mit Hunden, Tauben und Menschen postuliert er telepathische Fähigkeiten von Menschen und Tieren. RS: Mit Sheldrake kommen Fragen zu Vorstellungen von den Abläufen in der Natur und in den Naturwissenschaften aufs Tapet. Das hat an der Biennale Tradition. Sheldrakes Untersuchungen ermöglichen auch kritische Fragen zu potenziellen Theoriemängeln. Dies öffentlich zu verhandeln scheint mir heute besonders wichtig, denn in Grossbritannien und Amerika tobt ein Kulturkampf, der sich auch in Europa manifestiert. Es scheint darum zu gehen, dass die von Wissenschaftlern wie Sheldrake geforderte Pluralität und Offenheit im Kontext einer heute dominanten materialistischen Sichtweise unerwünscht sind. Ist der Materialismus im Vormarsch? RS: Eine Position wie die des einflussreichen amerikanischen Philosophen Daniel Dennett, der ein

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bekennender Materialist, Darwinist und Atheist ist, geniesst heute breiten Zuspruch. Für Dennett sind wir Menschen nicht mehr als ein komplexes Stück Materie, das den Naturgesetzen unterworfen ist. Eine solche Sichtweise steht diametral zu jener eines Rupert Sheldrake, der sich mit seinem Werk auch den kniffeligsten Fragen stellt, die für unser Menschsein prägend sind: Wie ist es möglich, dass aus materiellen Vorgängen im Gehirn Gefühle, die Menschen subjektiv erleben, entstehen können? Was sind weitere Fragen, die an der Biennale diskutiert werden? RS: Owen Flanagan wird buddhistische und hinduistische Konzeptionen für eine allgemeine Theorie des Bewusstseins heranziehen. Er vertritt eine Position, die eine Erklärung mentaler Phänomene im Rahmen einer materialistischen Konzeption nicht vollständig ausschliesst. Der US-amerikanische Philosoph William Edelglass wird über die Beziehung des Buddhismus mit dem ökologischen Bewusstsein sprechen. Dieser Beitrag ist mir wichtig. Es geht darum, wie wir heute als einzelne Menschen in Zeiten des Klimawandels und der Umweltzerstörung verantwortungsvoll handeln können. Worum geht es in dem Beitrag der Psilocybin-Forscherin Rosalind Watts? RS: Bei diesem Beitrag geht es nicht um die heute im Silicon Valley von vielen praktizierte Form der Leistungssteigerung und Selbstoptimierung mittels halluzinogenen Pilzen oder LSD. 2017 wurden in der Schweiz 3,6 Millionen Packungen Antidepressiva verkauft. 20 bis 30 Prozent der Bevölkerung leiden einmal im Leben an einer Depression. Watts wird neueste Studien vorstellen, die zeigen, dass Psilocybin depressive Symptome verringern kann. Was darf man in Luzern am 18. Januar 2020 insgesamt erwarten? RS: Die Besucher erwartet ein geistig und intellektuell erlebnisreicher Tag sowie viele anregende Vorträge und Podiumsdiskussionen, für die ein interdisziplinärer Dialog die Basis ist. Vielen Dank für das Interview Mit Dr. phil. René Stettler, 64, sprach arttv Chefredaktor Felix Schenker. René Stettler ist Kulturwissenschaftler und Gründer der Schweizer Biennale zu Wissenschaft, Technik + Ästhetik www.rene-stettler.ch | Der Anlass findet am 18. Januar 2020 im Verkehrshaus der Schweiz in Luzern statt. | Informationen und Kartenverkauf via http://www.neugalu.ch

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CLICK MEDIENPARTNERSCHAFT ARTTV MITGLIEDER sind konstelos dabei. > WEITERE INFOS Die Designmesse «in&out» ist eine feste Grösse in der einheimischen Design- Szene. Neu ﬁndet sie jetzt in der Aarauer Aeschbachhalle statt. Die wichtigste Messe für Schweizer Design macht Ende Oktober wieder Halt in Aarau. Wegen des Umbaus der Alten Reithalle gastiert die «in&out» für die nächsten zwei Ausgaben in der neuen Aeschbachhalle. Der temporäre Umzug in dieses architektonische Schmuckstück verspricht zusätzliche Design-Erlebnisse für das Publikum.

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TRAILER Ein weiteres angesagtes Modelabel an der in&out: Designerin Ly-Ling Vilaysane über die in den Schweizer Kinos gegenwärtig ein Doc-Film läuft. Neulinge, Preisgewinner*innen und Dokﬁlme Die 82 Aussteller der Ausgabe 2019 stammen aus den Bereichen Mode, Möbel, Wohnaccessoires, Schmuck, Textil, Keramik, Karten und Papeterie. Dazu kommen Start-ups, die zu günstigen Konditionen die Möglichkeit haben, sich zum ersten Mal einem grossen Publikum zu präsentieren. Neu mit dabei an der «in&out» sind unter anderem die Marke «Inox» mit ihren soliden Pfannen, der Bildungsgang HF Textildesign der Schule für Gestaltung Basel und das Label «Cabrix». Letzterer brillierte mit seiner aussergewöhnlichen Outdoorbekleidung und ergatterte den zweiten Rang beim Zuger Jungunternehmerpreis. Unter den Ausstellern sind auch weitere Gewinner*innen oder Nominierte für Designpreise, Leuchtenhersteller «Kinisi» gewann in der «Selection 2018» beim «Iconic Awards: Innovative Interior». Und Schmuckmacherin Salome Späth holte an der Blickfang 2017 den Designpreis in der Kategorie «Mode und Schmuck». Aussergewöhnlich ist auch das Modelabel «Aéthérée» der Designerin Ly-Ling Vilaysane. Sie hat bereits mehrere internationale Designpreise gewonnen. Dieses Jahr wurde der von ihr handelnde Dokumentarfilm «Ly-Ling und He»rr Urgesi an den Solothurner Filmtagen für den Publikumspreis nominiert.

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Ersatz gefunden Die letzten drei Jahre war die wichtigste Messe für in der Schweiz entwickelte und hergestellte Designprodukte mit Erfolg in der Alten Reithalle in Aarau heimisch. Und dort wäre sie auch gern geblieben. Doch der derzeitige Hallenumbau – der unter anderem das Heizungsproblem der «in&out» lösen wird – hat einen temporären Umzug nötig gemacht. Einen guten Ersatz im zentral gelegenen Aarau zu finden, war nicht einfach, ist jetzt aber geglückt. Die beiden Messemacherinnen Brigitte Hürzeler und Maja Baumann können sich mit der «in&out» zu ihrer grossen Freude für zwei Jahre in der nagelneuen Aeschbachhalle einquartieren.

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PORTRAIT Die beiden Macherinnen von in&out Brigitte Hürzeler und Maja Baumann (v.r.) Das arttv.ch Porträt stammt von 2017. Damals war die Messe in in der Alten Reithalle in Aarau heimisch. Und dort wäre sie auch gern geblieben. Doch der derzeitige Hallenumbau – der unter anderem das Heizungsproblem der «in&out» lösen wird – hat einen temporären Umzug in die Aeschbachhalle nötig gemacht.

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Designerlebnis in der Aeschbachhalle «Für uns ist das die beste Lösung überhaupt», sagt Brigitte Hürzeler. «Die neu gestaltete ehemalige Industriehalle erfüllt dank ihrer tollen Architektur höchste Designansprüche und passt so wunderbar zu unserer Messe.» Gleichzeitig liegt die Halle in unmittelbarer Nähe des Bahnhofs. Dies ist wichtig, weil sehr viele der über 5000 Besucher*innen mit dem Zug aus der ganzen Schweiz anreisen. Ein Wermutstropfen sind allerdings die beschränkten Raumverhältnisse in der Aeschbachhalle. Deshalb finden diesmal etwas weniger Aussteller als gewohnt an der «in&out» Platz. Doch für die Besucher*innen bietet der neue Standort auch so jede Menge Entdeckungen.

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Objekt von Alexander Curtius, Scuol, www.alexandercurtius.ch Top-Infrastruktur für die Besucher*innen Daneben bietet die neue Aeschbachhalle für die Besucher*innen eine Top-Infrastruktur, garantiert warme Temperaturen und ein reichhaltiges kulinarisches Angebot – mit Restaurant und Bars in der Halle. Einem tollen Design-Erlebnis dürfte an der kommenden «in&out» damit nichts im Wege stehen. TRAILER INFO WANN & WO «in&out» Aarau | Messe für Schweizer Design | Aeschbachhalle | Freitag, 25. bis Sonntag, 27. Oktober 2019

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