CLICK_DEZ19

CLICK im Dezember 2019
Gewerbemuseum Winterthur | Federn
Aargauer Kunsthaus | Auswahl 19
Kunsthaus Zofingen | Manon
Kunsthalle Ziegelhütte | Nesa Gschwend
Wettbewerbe im Dezember
J.S. Bach | Die schönsten Weihnachtskantaten
Museum für Kommunikation | Schweinehunde und Spielverderber
Kunsthalle Luzern | We are the Lion
Kuns(zeug)haus | Paulo Wirz
Vögele Kultur Zentrum | Abhängig?
Luzerner Theater | Der Besuch der alten Dame
arttv Mitgliedereinladung | Bauhaus Imaginista
arttv Mitgliedereinladung | Fiktion Kongo
arttv Bannerwerbung
Pop Schweiz | Nickless
Tanzszene Schweiz | Fumio Inagaki
Dr. Platzspitzhirsch
Spielfilm | Les Particules
Spielfilm des Monats | Deux Moi
Spielfilm | The Farewell
Docfilm | Contradict
Docfilm des Monats | Midnight Traveler
Interview Samir

s o t n a S r e h p o t s i r C : o t o F i » t h g L r o o F 1 K l l l e g u K « : c b u c a m u P / r e d e f h c u B e k e H l i i «Federn – wärmen, verführen, fliegen» inszeniert einen Parcours durch die verführerische Schönheit und Formenvielfalt eines Glanzstücks der Natur. Die geniale Multifunktionalität der Feder sowie ihre aktuelle Bedeutung in Kulturgeschichte, Design, Kunst und Popkultur wird facettenreich beleuchtet. Sei es als aufsehenerregendes Accessoire in Fashionshows oder als Zeichen der eigenen kulturellen Identität. Wie etwa der US-Rapper und Fancydancer Supaman, der für die Rechte indigener Völker kämpft.

Die Feder – schön und komplex Sie sind so alltäglich wie erstaunlich. Tausende Federn bedecken die Körper der Vögel, hochspezialisiert, je nach ihrer Funktion im Vogelkleid. Federn wärmen und kühlen, halten trocken, schmücken und tarnen. Gleichzeitig ist gerade die Schwungfeder ein aerodynamisches Meisterwerk, das den Vögeln etwas ermöglicht, wovon wir Menschen seit Jahrtausenden träumen: das Fliegen. Die Ausstellung «Federn – wärmen, verführen, fliegen» verneigt sich vor diesem äusserst komplexen Gebilde aus Keratin und bietet einen Überblick über seine verführerische Schönheit und Formenvielfalt. Sie untersucht die zahlreichen Funktionen der Federn, ihren kulturgeschichtlichen Gebrauch sowie die aktuelle Bedeutung im Design, in der Kunst und in der Popkultur. Bethan Huws: «Table of Feathers», 2009, © Courtesy Galerie Tschudi, Zuoz & The Artist

© Atelier M. Marceau & Maison Sacco Baret / Artisan d’Art Plumassier Maxime Leroy: «Bike Helmet», 2017 Produkt- und Textildesign, Mode und Schmuck Die lange Tradition des Gebrauchs von Federn in der Mode, in der Gestaltung von Designobjekten, Hüten, Schmuck und anderen Accessoires sowie in der Verarbeitung von Stoffen bringt auch heute bemerkenswerte Arbeiten hervor. Der Produktedesigner Glen Baghurst beispielsweise versieht Möbelstücke mit Leder und Federn, die Designerin Heike Buchfelder kreiert kunstvolle Federlampen. Mit vier Designerinnen und Designern erhält die Metropole Paris eine starke Position in der Ausstellung: Betony Vernon interpretiert erotisches Spielzeug neu und die Schmuckdesignerin Marion Delarue kreiert bemerkenswerte Federpreziosen. Daneben führt der junge Designer Maxime Leroy das alte Handwerk des Plumassiers in einer neuen gestalterischen Sprache weiter und die Textilgestalterin Janaina Milheiro entwirft mit handwerklicher Präzision filigrane, federleichte Stoffe. Die Haute Couture der Belgier Modedesignerin Ann Demeulemeester wiederum betört mit moderner Sinnlichkeit, während der Stop-Racism-Look von Walter van Beirendoncks eine kritische Reflexion unserer Zeit und ein Zeichen gegen kulturelle Aneignung in der Mode ist.

Gay Pride, Amsterdam, 2015 Foto: Kitty Terwolbeck Zeichen des Widerstands In der Popkultur ist die Feder ein häufig eingesetztes Bild. In der Ausstellung findet sie sich als naturnahes und schwereloses Mittel der Inszenierung bei Sängerinnen wie Florence Welch, fotografiert von André Pinces, oder bei PJ Harvey, aufgenommen von Seamus Murphy; aber auch als aufsehenerregendes Accessoire in Fashionshows, etwa bei Victoria Secrets, oder in Musikvideos, unter anderem von Kat Frankie. In Abgrenzung dazu werden Federn als eindringliches Zeichen der eigenen kulturellen Identität genutzt, die gegen die kulturelle Vereinnahmung ankämpft. Der indigene US-Rapper und Fancydancer Supaman trägt seinen traditionellen Federschmuck als Zeichen seiner Herkunft und für den Kampf für die Rechte indigener Völker. Ebenso zeigen sich politische Aktivistinnen aus Südamerika mit Federkopfschmuck und geben ihm die Bedeutung eines Symbols des Widerstandes.

Der Traum vom Fliegen In Märchen, in schamanistischen und magischen Bräuchen, in Träumen und Erinnerungen entfaltet sich die kulturgeschichtliche Symbolik der Feder, der sich die Ausstellung ebenso widmet. Der menschliche Traum vom Fliegen zeigt sich etwa bei Gustav Mesmer und seinen unzähligen, nach dem Vorbild der Natur entworfenen und gezeichneten Flugobjekten. Der Impuls, schwebend in die Lüfte zu steigen, findet sich im schwerelosen Tanz, wie ihn Julie Nioche vollführt, oder im Spiel mit Drachen, wie sie Johann Hallin oder Anna Rubin entwerfen. Und auch wissenschaftliche Arbeiten erkunden das schwerelose Gleiten in den Lüften explizit: Sie zeigen mit Videos und Animationen, wie die Thermodynamik auf den Flug von Vögeln einwirkt, wie die Flugrouten von Störchen über das Jahr verlaufen und wie man sich die Sicht eines Adlers beim Flug über die Landschaft vorstellen kann.

© Lucy Glendinning: «Feather Child 1», 2011 Künstlerische und fotograﬁsche Positionen Künstlerische Arbeiten zeigen eine stete Auseinandersetzung mit der Materialität, dem ästhetischen Ausdruck und den vielfältigen Bedeutungsebenen von Federn. Die Ausstellung zeigt unterschiedliche zeitgenössische Ansätze und internationale Positionen als Installationen oder in Form fotografischer und zeichnerischer Arbeiten. So fängt zum Beispiel der Fotograf Stephen Gill mit seinen Schwarzweiss-Aufnahmen die flüchtige, nicht zu fassende Natur der Vögel ein. Kate MccGwire entwirft aus Federn organische Installationen, die zu pulsieren scheinen, während bei Ulrich Eller Bassmusik die Daunenfedern tatsächlich in Bewegung setzt. Lucy Glendinnings «Feather Child» erklärt die Federn zur menschlichen Haut, Ursula Palla übersetzt die Präsenz der Vögel mit ihrem Federkleid ins Digitale während Bethan Huws Federn «auf den Tisch stellt» und damit eine fundamentale Frage stellt: Jene nach der Beziehung von Kunst und Natur.

Gastkünster: Jan Hofer Jan Hofer (*1988) interessiert sich in seiner Arbeit für die Wahrnehmung des alltäglichen Lebens und dessen Vermischung mit Fiktion. Er arbeitet mit Materialien, die er aufgrund deren Herkunft zu Bedeutungsträgern macht. In Transport-Performances gibt er gefundenen Objekten aus PVC-Abfall eine Öffentlichkeit, deutet Altkarton-Gebilde fotografisch zu Skulpturen um oder entdeckt eine überlieferte handwerkliche Produktionsmethode neu. Die in der Ausstellung gezeigte Arbeit The New New Material (2019) ist das Resultat eines langen Prozesses der Recherche und des Experimentierens mit dem Ziel, die historische, schallabsorbierende «Rumford Fliese» zu rekonstruieren. Bewusst zu raumakustischen Zwecken entwickelt, erlebte diese Tonplatte im frühen 20. Jahrhundert einen kurzen Boom, bevor sie in Vergessenheit geriet. Ausgehend von diesem Material beschäftigt sich der Künstler mit dem Echo – als akustisches Phänomen und als Metapher für die verschiedenen Herausforderungen in der Kommunikation unserer Zeit. Jan Hofer, The New New Material, 2019 (in Aufba © Jan Hofer

Die Auswahl Für das Ausstellungsformat «Auswahl» können sich Künstlerinnen und Künstler bewerben, die den Wohnsitz im Kanton Aargau haben oder in besonderer Weise mit dem Kulturleben im Kanton in Beziehung stehen. Von den 190 eingereichten Dossiers haben die Jurys des Aargauer Kunsthauses und des Aargauer Kuratoriums unabhängig voneinander 50 Kunstschaffende eingeladen, ihre Werke in den Räumen des Unter- und Obergeschosses des Aargauer Kunsthauses zu präsentieren. Das Aargauer Kuratorium verlieh an der Vernissage vom 15. November 2019 die Werk- und Förderbeiträge im Bereich Bildende Kunst und Performance. Im Rahmen dieses feierlichen Anlasses fand auch die Übergabe des Förderpreises der NEUEN AARGAUER BANK AG statt. INFO WANN & WO Auswahl 19 – Aargauer Künstlerinnen und Künstler | Aargauer Kunsthaus | bis 5. Januar 2020 Eine Ausstellung des Aargauer Kunsthauses und des Aargauer Kuratoriums. VIDEO

Manon – mutig makaber Manon inszeniert zwischen üppigem Glamour und reduziertem, formal strengem Rhythmus in schwarz-weiss. Leere Räume möchten gefüllt werden mit Geschichten. In der neuen Arbeit «Lachgas», die im ehemaligen Ballsaal des Kunsthauses Zofingen zu sehen ist, setzt Manon ein Spitalbett auf einen schwarzen Sockel. Das blinkende Lichtspiel, das im Podest integriert ist, erinnert an eine eine Broadway - Bühne und steht dem Leid als Kontrastprogramm gegenüber. Das Ballkleid aus der Vergangenheit wartet möglicherweise auf den Reigen mit einem künftigen Tod. Bild 3 und 4: Manon, Ausstellungsansicht, zu sehen: Fotografien aus Hotel Dolores 2008-2011, Kunsthaus Zofingen, 2019, Fotos: Rachel Leidenschaft und Gier Die vier Wechselausstellungen im Kunsthaus Zofingen stehen 2019 unter dem Jahresthema «Leidenschaft und Gier». Die glamouröse Welt und die Vergänglichkeit in Manons fotografischen und installativen Arbeiten bilden einen fulminanten Höhepunkt der Saison. Ein roter Faden des breiten Schaffens von Manon konzentriert sich im Spätwerk «Hotel Dolores» (2008-2011), das als eines der Schlüsselwerke gelesen werden kann. Von diesem «Mittelpunkt» aus kann man sowohl in frühere als auch in darauffolgende Werke eintauchen und das Gesamtwerk und die künstlerische Auseinandersetzung erfassen und begreifen. Manon ist und bleibt dabei die Rebellin und stellt sich mutig und tiefgründig der Frage nach dem Älterwerden.

Über die Künstlerin Nach dem Besuch der Zürcher Kunstgewerbeschule und der Schauspielakademie Zürich lebte Manon von 1977 bis 1980 in Paris, danach, mit Unterbrüchen (Amsterdam, Berlin, New York, Genua), in Zürich. Ihr Werk wurde an Ausstellungen in Galerien und Kunsthäusern im In- und Ausland gezeigt. Unter anderem am Centre de la Photographie Genf, dem Kunsthaus Interlaken und dem Swiss Institute New York. Ihre Arbeiten sind in den Sammlungen wichtiger Schweizer Museen vertreten, ihre Fotoarbeiten in Anthologien über zeitgenössische Fotokunst. 2008 wurde sie mit dem «Prix Meret Oppenheim» ausgezeichnet. Manon zurück in Paris Im Anschluss an das Kunsthaus Zofingen wird die Ausstellung im Centre culturel suisse in Paris gezeigt. Manon verbrachte in Paris eine entscheidende Lebensphase (1977-1980) und stellt neben den neuen Arbeiten auch Werke aus, die vor mehr als vierzig Jahren in Paris entstanden sind. VIDEO INFO WANN & WO MANON | Kunsthaus Zofingen | bis 23. Februar 2020 | Im Herbst 2020 wird Manon in einer Einzelausstellung in der Fotostiftung Schweiz in Winterthur mit weiteren Arbeiten präsent sein.

Memories of Textiles Die Werkreihe «Human» begleitet Nesa Gschwend seit den 1980er Jahren. Die Künstlerin fing an, Textilien und selbst die eigenen Haare zu sammeln. Aus diesen biografisch aufgeladenen Materialien schafft sie ihre Objekte. Sie werden zu existenziellen Widerbild der «condition humaine» – zu zeitlosen Zeugen der Existenz. Die Arbeit «Relations», die der Ausstellung den Titel geben, wendet sich zwischenmenschlichen Beziehungen zu. Die Künstlerin schafft fiktive Porträts. Mithilfe von aus der Familie Gschwend stammenden Kleidungsstücken verwandelt die Künstlerin subjektive Erinnerungen in kollektiv erfahrbare. Partizipative Performance Auch das Projekt «Living Fabrics» ist ein Langzeitprojekt, eine textile Installation, die sich über Jahre entwickelt hat. In partizipativen Performances werden Personen aus allen sozialen Schichten und verschiedensten Nationen an dem Werkprozess beteiligt. Bislang haben über 1700 Menschen partizipiert. Aus der Interaktion zwischen Künstlerin und Mitwirkenden haben sich vielgestaltige Objekte entwickelt, die individuelle und kollektive Erinnerung, das Ich und die Welt verknüpfen. So stellt das Werk ein Sinnbild für die Notwendigkeit des Miteinanders dar.

Kunsthalle Ziegelhütte Kurator Roland Scotti nennt Nesa Gschwend (geb. 1959 in St.Gallen) eine «Total-Künstlerin», denn alles würde in ihren Händen zu einem ästhetischen und sozialen Erlebnis. Die Ausstellung, die auf den drei Stockwerken der Kunsthalle präsentiert wird, entstand in enger Zusammenarbeit mit der Künstlerin. Sie arbeitet medienübergreifend, verwebt Videoaufnahmen ebenso geschickt zu dichten Erzählungen wie auch ihre Textilien. Gezeigt werden über 80 Arbeiten: Objekte, Bilder und Videos. Zur Ausstellung erscheint eine zweisprachige Begleitpublikation. VIDEO INFO WANN & WO Nesa Gschwend | Kunsthalle Ziegelhütte Appenzell | bis 15. März 2020

Hemmungen Hemmungen begleiten uns das ganze Leben. Mit ihnen verbinden wir sehr ambivalente Gefühle, in der Regel aber negative. Nur zu oft verwünschen wir sie, weil sie uns vor dem vermeintlichen Glück stehen. Beim genaueren Hinsehen, bewahren sie uns aber auch vor leichtsinnigen Aktionen und bilden einen relevanten Grundpfeiler des gesellschaftlichen Zusammenlebens. Denn wer möchte schon in einer völlig enthemmten Gesellschaft leben? Auf der anderen Seite verhindert Hemmungen auch, dass wir uns frei entfalten können. Diese Ambivalenz, prägt die Wahrnehmung von Hemmungen und eröffnet ein interessantes Spannungsfeld für eine interaktive Ausstellung.

Fokus auf die Betrachtenden des Löwendenkmals Nachdem die erste L21-Ausstellung sich 2018 unter dem Motto «Löwen Safari» auf die Spur des Löwen machte und dessen Wesen und Bedeutung, hauptsächlich als Symboltier in verschiedenen Kulturen der Welt, künstlerisch ergründete, wird die Perspektive nun umgekehrt. Unter dem Motto «We Are The Lion» – «Der Löwe sind wir» blickt die zweite Ausstellung auf diejenigen, die den Löwen und das Denkmal betrachten. Das Löwendenkmal gehört seit nahezu 200 Jahren untrennbar zum Stadtbild und zum Selbstverständnis der Luzerner Bevölkerung. Gleichzeitig wird es jährlich von geschätzten 1,4 Millionen Touristen aus aller Welt besucht. Zwischen diesen lokalen und globalen Dimensionen eröffnet sich ein soziokulturelles Spannungsfeld. Die Ausstellung und die begleitenden Veranstaltungen versuchen zu ergründen, wie unterschiedlich der Löwe, das Denkmal und generell dieser besondere Ort wahrgenommen werden. Bildliche Erinnerungen Die festgehaltenen Erinnerungen an den Besuch des Löwendenkmals sind überwiegend bildlicher Natur. Ohne Ausnahme werfen sich sämtliche, aus aller Welt anreisenden Gäste für ein Selfie vor dem Denkmal in Pose. Die Ausstellung interessiert sich auch für die Mechanismen, denen ein Kulturdenkmal im Zeitalter der globalen digitalen Vernetzung durch die massenhafte bildliche Vervielfältigung und Verbreitung ausgesetzt ist. Dabei stellt sich die Frage nach dem «semantischen Graben», der sich zwischen der ursprünglichen Absicht hinter der Errichtung des Denkmals und seiner Rezeption nach 200 Jahren auftut. Kann er überbrückt werden? Soll er überbrückt werden?

L21 – Ein transdiziplinäres Mehrjahresprojekt Die Kunsthalle Luzern nimmt das 200-Jahrjubiläum des Luzerner Löwendenkmals zum Anlass, das weltberühmte Denkmal in einem Mehrjahresprojekt mit künstlerischen Mitteln sowie transdisziplinär zu ergründen. Das Löwendenkmal wurde 1821 vom Luzerner Patrizier Carl Pfyffer von Altishofen zu Ehren seiner Offizierskameraden der Schweizer Garde, die am 10. August 1792 – auf dem Kulminationspunkt der Französischen Revolution – bei der Verteidigung des königlichen Tuilerienpalastes in Paris gefallen waren, errichtet. Es besteht aus einem in die Wand eines ehemaligen Sandsteinbruches gemeisselten sterbenden Löwen, umgeben von einem idyllischen kleinen Park. Der Entwurf des Löwen stammt vom damals weltberühmten dänischen Bildhauer Bertel Thorvaldsen. Heute ist das Luzerner Löwendenkmal einer der meistbesuchten touristischen Hotspots der Schweiz. Beteiligte Künstler*innen Ausgewählte Künstlerinnen und Künstler schafften speziell für diese Ausstellung neue Arbeiten, darunter Heidi Hostettler, Andrea Iten, das Künstlerkollektiv LABOR Luzern, Fernando Obieta und Till Velten. Ausserdem werden die künstlerischen Performances, die von Juni bis September vor Ort beim Löwendenkmal für L21 realisiert wurden, in Form von Videodokumentationen und Relikten in der Ausstellung präsent. Sie stammen von: Lisa Bärtschi, Brigitt Bürgi, Zita Malaika Buess-Watson & Benjamin Heller, Klarissa Flückiger & Riccarda Naef, Lilian Frei, Heidi Hostettler, Parvez Imam, Beatrice Schumacher & Thomas Zollinger sowie Andreas Weber.

Mehrdeutig und mehrere Kulturen Paulo Wirz ist Preisträger des «New Heads 2019» aus der Master Abschlussklasse der HEAD Genève (Haute école d’art et de design), und zeigt mit «Hôtes» eine eigens für Rapperswil geschaffene Installation. Auch der französische Titel der Installation ist mehrdeutig, ein Polysem, das zugleich Gast und Gastgeber bedeutet. Paulo Wirz Werke sind essenziell mehrdeutig, vielschichtig, einladend, besinnlich. Wie auch in früheren Werken untersucht er Überlegungen zur Unsterblichkeit, beeinfluss nicht nur vom Weltgeschehen sondern auch von seiner Kindheit, in der er das Aufeinanderprallen verschiedener Kulturen erlebte. Glaubenssysteme und Materialität Die koloniale Architektur seiner Kindheit, die lokalen Legenden und Mythen prägen Paulo Wirz entscheidend. «Ich interessiere mich stark für Glaubenssysteme und für die Bedeutung von Materialität», sagt der Künstler. Er kombiniert in seinen Arbeiten widerstandsfähige, die Zeit überdauernde Werkstoffe, wie Steine oder Spiegel, mit organischen Materialien und flüchtigen Momenten. Altes und Neues, Natürliches und Künstliches, Traditionelles und Modernes erlangen in präzisen Setzungen vielschichtige Bedeutungsebenen. Pflanzen verrotten, Fragiles ist zerbrochen, auch die Zeit spielt mit der Installation und verändert sie.

Fokus Abhängigkeit Wie Abhängigkeiten wirken, lässt sich nicht immer leicht erkennen: Sie bleiben oft unsichtbar und abstrakt. Dagegen ist die Sehnsucht nach Unabhängigkeit in unserer Gesellschaft omnipräsent: Werbung, Politik und Medien suggerieren uns permanent, dass unabhängig sein glücklich macht, während abhängig sein als negativ wahrgenommen wird. Aber sind Abhängigkeiten wirklich so schlecht wie ihr Ruf? Wie wirken alltägliche Abhängigkeiten auf uns? Und was passiert, wenn sie sichtbar werden? Den jungen Platz machen… Das Vögele Kultur Zentrum bietet regelmässig jungen Ausstellungsmachern eine Bühne. Die Ausstellung «abhängig? wer, wie, von wem oder wovon» entstand in Kooperation mit der F+F Schule für Kunst und Design in Zürich. Die oftmals unerwartete Herangehensweise der jungen Kulturschaffenden machte die Zusammenarbeit zu einem freudvollen Experiment und spiegelt sich in einer für das Vögele Kultur Zentrum überraschenden Ausstellung wider. Die Ausstellung realisierten Mirjam Bayerdörfer und Valerie Keller (Kuratorium), für die Szenografie waren Esther Kempf und Nele Dechmann verantwortlich.

Ausstellungsort Das Vögele Kultur Zentrum beschäftigt sich mit gesellschaftsrelevanten Themen, die unser Leben im Alltag prägen und die Schweiz oder die Welt auf Trab halten. Dabei stehen grosse Fragen im Fokus: In welcher Welt möchten wir leben? Wie beeinflusst jeder einzelne von uns die Zukunft? Wie verändern sich die Werte der Gesellschaft? Die Ausstellungen vereinen Erkenntnisse aus Wissenschaft, Kunst und Alltag zu einem aufwendig szenografierten Gesamterlebnis, das Jung und Alt inspirieren und anregen soll, über sich und unsere Gesellschaft nachzudenken. VIDEO INFO WEBSITE «abhängig? wer, wie, von wem oder wovon» | Vögele Kultur Zentrum Pfäffikon SZ | Eine interaktive Kunstausstellung | 17. November 2019 bis 22. März 2020

MASKE In der Kunst der Gegenwart *Aargauer Kunsthaus 1. 9. 2019 – 5. 1. 2020 Eine starke Kombi: IHRE BANNERWERBUNG AUF ARTTV - UND IM CLICK Rufen Sie uns an: Sylvia Wettstein, 076 335 0309

Starproduzent Thomas Fessler als Mentor Nach einer über einjährigen Schaffenspause meldet sich mit «All My Life» einer der erfolgreichsten Newcomer der letzten Zeit zurück: Nickless! Mit der Single kündigt der Zürcher Musiker sein zweites Album an. Nun, Schaffenspause ist wohl nicht ganz korrekt, denn neben einer ausgedehnten Festival- und Clubtour im letzten Jahr, hat Nickless sich in sein Studio zurückgezogen und da durchgehend an neuen Songs gefeilt und getüftelt. «All My Life» ist das erste Ergebnis seiner fleissigen Arbeit. Aufgenommen hat er den Titel wieder mit Produzent und Mentor Thomas Fessler, einem der erfolgreichesten Schweier Musikproduzenten (Florian Ast, Plüsch, Sina, Adrian Stern.) Der Senkrechtstarter «Waiting» war 2015 die meistgespielte Single eines Schweizer Künstlers am hiesigen Radio, verkaufte sich bis heute über 20’000 Mal und wurde dafür mit Gold ausgezeichnet. Als Krönung gab es 2016 an den Swiss Music Awards den Preis für den «Best Hit National». Das darauffolgende erste Album von Nickless erreichte Platz 4 in den Albumcharts und brachte mit «Princess», «Looking For Your Love» und «Clouds» drei weitere erfolgreiche Radiosingles hervor. VIDEO INFO WEBSITE «NICKLESS» | Homeshow in Zürich | Papiersaal Sihlcity | 14. März 2020 | 20 Uhr

Über die Musik zum Tanz 21. November 2019: Fumio Inagaki wird 87 Jahre alt. Für eine abendliche Geburtstagsfeier hat der in Taiwan geborene Japaner aber keine Zeit. Er unterrichtet, wie jeden Dienstag- und Donnerstagabend, an der Ballettschule für das Opernhaus eine «Open Class». Zwanzig bis dreissig Schülerinnen und Schüler im Alter von 15 bis 65 Jahren erwarten ihn da regelmässig. Ruhig, freundlich und mit geradezu unerbittlicher Präzision vermittelt er ihnen die weltberühmte Waganowa- Methode des klassischen Tanzes; Woche um Woche, Jahr um Jahr. Sein Leben war nicht immer leicht. Kurz nach dem Zweiten Weltkrieg kehrten seine Eltern mit ihrem Sohn aus Taiwan nach Japan zurück – ausgerechnet nach Hiroshima, wo im August 1945 eine Atombombe alles zerstört hatte. Nur einen Monat nach ihrer Ankunft starb der Vater an einer Lungenkrankheit. Die Mutter hielt die Familie als Lehrerin über Wasser, sodass Fumio die Universität besuchen konnte. Dort liess sich der junge Mann zum Pianisten ausbilden, und dort sah er zum ersten Mal eine Aufführung in klassischem Tanz. als Pianist in Night Clubs und Bars. Weil er seit frühster Kindheit stark im Sport gewesen war, lernte er rasch, sodass ihn sein Ballettlehrer in Hiroshima bald nicht mehr fordern konnte. Darum ging er nach seinem Uni-Abschluss als Pianist und Musiklehrer nach Tokyo, wo an der Ballettschule Gastlehrer*innen aus St. Petersburg unterrichteten. Als der Schule fünf Jahre später das Geld ausging und die russischen Tanzlehrer ausblieben, folgte Fumio Inagaki seinen Vorbildern nach Paris. Alleine in der grossen Stadt fand er schon nach wenigen Tagen Arbeit als Pianist und einen Platz an der Ballettschule der Pariser Oper. Alle seien sie da gewesen, erinnert sich Fumio: Der grosse Roland Petit, die unvergleichliche Zizi Jeanmaire … Er sah sie tanzen, auf der Bühne und im Ballettsaal. Um die Stunden bezahlen zu können, schrubbte Fumio die Böden der Schule und half im Sekretariat – bis bekannt wurde, dass er Klavier spielt. Von da an war er auch Pianist in den Klassen seiner Vorbilder. Ihre Bewegungen haben sich bis ins kleinste Detail in sein Gedächtnis gebrannt. Das ist das Geheimnis seines Erfolgs als Pädagoge. Hiroshima, Tokyo, Paris Fumio war 18 Jahre alt und wusste sofort: Er wollte tanzen. Das Geld für den Unterricht verdiente er sich Kannst du helfen, Samurai? Nach Zürich kam Fumio Inagaki am 15. Dezember 1967. Doris Catana, damals Ballerina am Opernhaus,

heute Leiterin der Ballettschule für das Opernhaus, hatte ihn während eines Sommerkurses in Paris kennengelernt. Ihr Mann, Nicholas Beriozoff, der Ballettdirektor in Zürich, versuchte den damals knapp 34-Jährigen als Pianist zu kapern und machte ihm schliesslich ein Angebot als Tänzer im Corps de Ballett. So ebneten Fumios Musik- Kenntnis und sein Auge für die Bewegungsqualität der Waganova-Schule seinen Weg in den Trainingssaal. Denn «Papa» Beriozoff, wie Fumio ihn immer noch nennt, bat seinen «Samurai» schon bald um Mithilfe im Unterricht. So wurde aus dem Tänzer und Pianisten in den 1970er Jahren ein Ballettlehrer. Noch heute unterrichtet Fumio Inagaki drei Mal pro Woche am Opernhaus und zwei Mal pro Woche in einer Tanzschule am Limmatplatz. Dazwischen gibt er Privatstunden, oft für japanische Profitänzer*innen, die sich auf Prüfungen in aller Welt vorbereiten. Glück in der Perfektion Und man staunt, wenn er sagt: Auch wenn er «immer nur tanzen, immer nur tanzen» wollte, habe er stets auch andere Interessen gepflegt. In der japanischen Blumensteckkunst Ikebana brachte er es deshalb bis zum Meister. Wie die Blumen behandelt er auch die Menschen: mit grösstem Respekt. Sie sollen glücklich sein, wenn sie unter seinen Händen und seiner Anleitung zur Perfektion gelangen, sagt er in seinem immer noch stark japanisch gefärbten Deutsch: «Nicht, was sie können ist wichtig, sondern dass sie nach der Stunde glücklicher sind als davor». Seine Werkzeuge dazu sind die Musik und der Tanz, aber auch seine sanfte Unerbittlichkeit, mit der er Ausdruck, Arm- und Kopfhaltung korrigiert. Denn das Glück entspringt für Fumio Inagaki nicht zuletzt aus dem Streben nach Perfektion. Text: Nina Scheu

Das Portrait über Fumio Inagaki entstand im Rahmen der Serie «Tänzer*innen im Wandel», die dank Unterstützung der Else v. Sick Stiftung realisiert werden konnte. Darin werden Protagonisten*innen der Schweizer Tanzszene portraitiert, die den ständigen Wandel der Szene als Herausforderung annehmen. Das für diesen Artikel verwendete Bildmaterial ist Archivmaterial zum Dokumentarfilm «Fumio» von Beatrice Blackwell und Ibrahim Yaghi. Der Film ist aktuell im Entstehungsprozess. Unter folgendem Link findet sich eine Vorschau: https://vimeo.com/379228189 VIDEO

Herr Seidenberg, in den Credits von «Platzspitzbaby» werden Sie als «ärztlicher Berater» aufgeführt. Was muss man sich darunter vorstellen? André Seidenberg: Ich habe Hauptdarstellerin Sarah Spale vor etwa einem Jahr kennengelernt. Das war im Zusammenhang mit dem Kurzfilm «Fensterlos» von Samuel Flückiger. Sie spielte darin die Hauptrolle, eine junge Frau, die als Baby von ihrer Mutter in einem Babyfenster abgegeben wurde. Sarah Spale erzählte mir damals von «Platzspitzbaby» und dass sie mit mir gerne einmal ausführlicher über dieses Projekt sprechen wolle. Es ging vor allem darum, dass ich sie coache, ihr bei der Vorbereitung auf ihre Rolle als drogensüchtige Mutter ein paar Tipps gebe. Das war allerdings keine grosse Sache, Frau Spale ist so professionell, dass sie von mir nur bezüglich einiger Details Ratschläge und Anregungen brauchte. Das Drehbuch zu «Platzspitzbaby» war also schon fertig, als Sie mit Sarah Spale arbeiteten? Ja, ich hatte damit nichts zu tun – und das Drehbuch beruht zu grossen Teilen auf dem 2013 erschienenen gleichnamigen Buch von Michelle Halbheer, in welchem sie ihre Kindheit als Tochter einer drogenabhängigen Mutter beschreibt. Kannten Sie das Buch bereits? Nein, ich las es erst, nachdem ich das Drehbuch gelesen hatte. Falls Sie nun von mir wissen wollen, ob ich Frau Halbheer kannte, muss ich Sie leider enttäuschen. Ich hatte in jenen Jahren von Platzspitz und Letten bei meiner Tätigkeit als Arzt sicher mit 100 ähnlich gelagerten Schicksalen drogenabhängiger Mütter mit Kindern zu tun, aber ich kann mit grosser Sicherheit sagen: Michelle Halbheer und ihre Mutter waren nicht darunter. Was halten Sie nun von dem fertigen Film? Ich finde ihn sehr gelungen. Er vermittelt die damalige Realität Anfang der 90er Jahre, nach der Schliessung des Platzspitz, adäquat und er gibt auch die Stimmung gut wieder, die damals herrschte. Und das Protagonstinnenpaar ist schlicht brillant. Die beiden Figuren geben einen perfekten Eindruck davon, wie komplex und unheilvoll ihre gegenseitige Abhängigkeit ist. Der Film zeigt den unglaublichen

Loyalitätskonflikt und die Überforderung, in der die Tochter Luna steckt. Sie haben keine Kritikpunkte? Nein, oder höchstens einen kleinen. Es gibt eine einzige Szene im Film, bei der ich sagen muss: Das entspricht nun wirklich nicht der Realität. Es handelt sich um jene Szene, in der die Mutter von ihrer Tochter in leblosem Zustand aufgefunden und schliesslich von einem Notarzt reanimiert und gerettet wird. Die betreuende Sozialarbeiterin, die schon länger für die Frau zuständig ist, erfährt von dem Vorfall und unternimmt nichts. In Wirklichkeit würde und hätte sich keine Sozialarbeiterin so verhalten. Sie würde auf jeden Fall einen Antrag auf Obhutsentzug stellen. Sie werfen hier eine Frage auf, die ich mir während des Films mehrmals gestellt habe: Waren die zuständigen Behörden damals naiv? Nun, wenn man das Buch von Frau Halbheer liest, dann strotzt es nur so von Vorwürfen gegen die Behörden, die einfach untätig waren – Vorwürfe, die aus heutiger Sicht durchaus verständlich sind. Im Film ist dieser Teil abgeschwächt, was ich richtig finde, denn die damalige Realität war komplexer. Ich will nicht in Abrede stellen, dass man zu jener Zeit, in den 90ern von amtlicher Seite sehr zurückhaltend war, was den Entzug der elterlichen Obhut bei Kindern von Drogenabhängigen betraf. Aber man muss sich vergegenwärtigen, dass noch wenige Jahre davor, konkret: bis 1981, die «Bestimmungen über administrativ Versorgte» galten und es auch dieses monströse Projekt «Kinder der Landstrasse» gab. Mit diesen gesetzlichen Grundlagen hatten die Behörden freie Hand Eltern die Kinder unter den abstrusesten Vorwänden wegzunehmen. Derartige schlimme Geschichten wollte man in den 90ern auf gar keinen Fall mehr, weshalb man dann bezüglich Zwangsmassnahmen bisweilen ins andere Extrem verfiel. Waren Sie bei Ihrer ärztlichen Tätigkeit mit Drogenabhängigen und ihren Kindern mit diesen Fragen konfrontiert? Ja, es gab einige wenige Fälle, bei denen ich Anzeige bei den Vormundschaftsbehörden (heute KESB) machte oder mich mit der Kinderschutzgruppe des

involvierten Spitals absprach. Dabei ging es immer um die heikle Abwägung zwischen Kindswohl und ärztlicher Schweigepflicht – denn wenn ich jemanden anzeige, begehe ich als Arzt einen extremen Vertrauensbruch. Der Film zeigt ein Einzelschicksal, er kann nicht die ganze Realität von damals vermitteln. Trotzdem frage ich: War die Situation der Zürcher Drogenszene nach der Schliessung des Platzspitz in Wirklichkeit nicht noch weit schlimmer als im Film dargestellt, gerade was die Verwahrlosung der Süchtigen betrifft? Da muss man differenzieren: Natürlich gab es jene Süchtigen, die obdachlos und total verwahrlost waren. Und viele von diesen Elendsgestalten sah man auf dem Platzspitz und später am Bahnhof Letten. Aber der Grossteil der Drogenabhängigen war nicht verwahrlost, und einige waren etwa so wie die Figur der Mutter im Film. Ich hatte während meiner 40- jährigen Tätigkeit als Arzt mit allen Arten von Süchtigen zu tun: Es gab sowohl die Elendsgestalten, aber es gab auch den Banker, der sich auf dem Platzspitz mit Stoff eindeckte und danach wieder zur Arbeit ging oder den Jus- Studenten, der sein Studium erfolgreich abschloss – mit Methadon, oder die heroinabhängige Maturandin, die alle Prüfungen bestand. Ein Vierteljahrhundert ist vergangen, seit der Letten geräumt wurde. Damit ist auch die offene Drogenszene aus dem Stadtbild verschwunden. Zustände wie im Film scheinen heute Lichtjahre entfernt. Was kann heutigen Generationen, die diese Zeit nicht erlebt haben, dieser Film noch sagen? Das ist eine schwierige Frage, ich bin ein alter Mann und als solcher lebe ich in der Vergangenheit (lacht). Ich schaue oft zurück und erinnere mich, wie wir, die damals für eine Drogenpolitik der Vernunft kämpften, weg vom Irrglauben der Abstinenz um jeden Preis, doch einiges erreicht haben. Ich möchte nur zwei Zahlen nennen: 1994 starben in der Schweiz rund 1000 Menschen am Konsum von Drogen und ihren Folgeerkrankungen, 2018 waren es deutlich weniger als 100. Mir ist klar, dass solche Überlegungen nur indirekt mit dem Film zu tun haben. Aber die Tatsache, dass wir heute in der Schweiz eine Drogenpolitik haben, die weltweit Vorbildcharakter hat,

hat damit zu tun, dass man die damals herrschenden Vorstellungen von Drogenkonsum überwunden hat. Auf der Seite des Staates hiess das damals: Sünde und Gesetzesbruch – den man mit aller Härte bekämpfen muss – und auf der Seite der Konsumenten hiess das: Aufmüpfigkeit und grenzenlose Freiheit. Solch fataler Irrglaube führte dann zur Katastrophe auf dem Platzspitz und am Bahnhof Letten. Interview: Geri Krebs André Seidenberg Der Zürcher André Seidennerg (*1950) praktizierte von 1978 bis 2018 als Arzt und war einer der Pioniere einer ärztlich kontrollierten Drogenabgabe an Süchtige. In den 80er und 90er Jahren wurde er schweizweit und international bekannt als «Drogenarzt von Zürich». Er stellte sich konsequent gegen eine repressive, abstinenzorientierte Drogenpolitik und scheute dabei den Konflikt mit den Behörden nicht, so setzte er sich 1986 über das damals von amtlicher Seite verfügte Spritzenabgabeverbot hinweg und war einer der Mitorganisatoren ärztlicher Nothilfe auf dem Platzspitz. Nach dessen Räumung war er der Erste, der 1992 eine niedrigschwellige Abgabestelle für Methadon eröffnete. André Seidenberg machte sich nicht nur als Kämpfer für eine liberale, pragmatische Drogenpolitik einen Namen, sondern auch in der Prävention von Aids und im Kampf für straflosen Schwangerschaftsabbruch. Neben seiner ärztlichen Tätigkeit war er in zwei Nebenrollen in Schweizer Spielfilmen zu sehen (2004 in «Strähl» von Manuel Flurin Hendry und 2018 in «Vakuum» von Christine Repond). Zurzeit ist André Seidenberg damit beschäftigt, die Erinnerungen an seine Jahre als Drogenarzt in Buchform niederzuschreiben. Das Buch soll den Titel «Platzspitzhirsch» tragen und im Laufe dieses Jahres veröffentlicht werden.

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Zum Film Am Fusse des Jura in Pays de Gex absolvieren der 17- jährige P.A. und seine Clique ihr letztes Jahr des Gymnasiums. Und als wäre das nicht schon Aufruhr genug, reproduzieren Wissenschaftler am CERN mit dem stärksten Teilchenbeschleuniger der Welt nur 100 Meter unter ihnen die Energieverhältnisse des Big Bangs. Mitten in seinem Alltag bemerkt P.A. die immer auffälligeren, ungewöhnlichen Phänomene und Veränderungen in seinem Umfeld – und es geht nicht lange, bis sein Leben aus den Fugen gerät. Der vielversprechende und authentische Coming-of-Age- Film des französisch-schweizerischen Regisseurs Blaise Harrison feierte seine Weltpremiere in der prestigeträchtigen «Quinzaine des réalisateurs» in Cannes und wurde im internationalen Wettbewerb des Neuchâtel Fantastic Film Festivals NIFFF gezeigt.

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Warum man sich den Film anschauen sollte! «Ein extrem feiner Film über das ungesicherte, unstabile Leben in der Adoleszenz, über diese Zustände, die keine sind, sondern dauernde Übergänge. Was der Film mit seiner langsamen, bestimmten, sorgfältigen Art an Aufmerksamkeit aufs Spiel setzt, das holt er sich rückblickend um ein Mehrfaches zurück, mit Momenten, die man nie mehr vergessen wird.» – Sennhausers Filmblog | «Etwas Wichtiges über die Erfahrung der Adoleszenz selbst, keine Seifenkistendidaktik, sondern etwas viel Subjektiveres, Desorientiertes und Undefinierbares.» – Alexandra Heller-Nicholas, The Blue Lenses | «Das konsequent aufgebaute Unbehagen des Films wird durch eine exzellente, angstverstärkende Partitur noch verstärkt.» – Lisa Nesselson, Screen International | «Meisterhafter Mix von Stimmung und Atmosphäre» – The Hollywood Reporter TRAILER INFO WANN & WO «Les Particules» | Regie: Blaise Harrison | Drama | 98min. | Frankreich, Schweiz, 2019 | Verleih: Cineworx | Cast: Thomas Daloz, Salvatore Ferro, Léo Couilfort, Nicolas Marcant, Néa Lüders, Emma Josserand, Johana Untersinger, Valder Lärka. Kinostart Deutschschweiz: 9. Januar 2020

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Zum Film Sie leben Wand an Wand, kaufen im selben Quartierladen ein und ihre Wege kreuzen sich immer wieder. Beide sind aber so sehr mit ihrem Leben und der virtuellen Welt beschäftigt, dass sie sich nicht bemerken: Mélanie handelt sich auf Partnersuchportalen einen Misserfolg nach dem anderen ein, während Rémy sich abmüht, ein erstes Date zu bekommen. Beide sind sie Opfer ihrer Einsamkeit – und das ausgerechnet in einer Zeit, in der jeder mit jedem verbunden zu sein scheint und noch dazu in einer Grossstadt lebend, wo es von jungen und attraktiven Menschen nur so wimmelt. Doch die Wahrheit ist, dass die heutige Zeit mit ihren unbeschränkten Möglichkeiten bei der virtuellen Partnersuche auch eine Zeit der Isolation und des Hinhaltens ist, in der man sich nicht recht entscheiden kann, was man eigentlich will. Werden sie sich irgendwann eines Tages vielleicht doch noch kennenlernen?

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arttv Filmkritik «Was für eine Seltenheit, dass in einem Film alle guten Gedanken, die kreative Genauigkeit, das schauspielerische Zusammenspiel und die stimmige Atmosphäre zusammenkommen – genial zusammenkommen. Das neuste Werk des Franzosen Cédric Klapisch «Deux moi» (was mit ‘Einsam Zweisam übersetzt wird) ist so ein Film. Nach der rasanten Bildabfolge für die Titelsequenz kommt der Film in einen adäquaten, angenehmen Erzählfluss. Es ist eine Art Melancholie, der die beiden Protagonisten Rémy und Mélanie begleitet, die auf der Suche nach dem Sinn des Lebens und dem Glück sind, in einem Lebensabschnitt, wo es für die beiden wenig zu lachen und viel zu verstehen und zu akzeptieren gibt. Es ist eine einfühlsame und nachvollziehbare Geschichte, die uns Cédric Klapisch erzählt, einnehmend und überraschend. Und zur qualitativen Seltenheit gehört das Drehbuch, das vom Regisseur selbst und Santiago Amigorena ausgedacht worden ist: diese Reichhaltigkeit bis ins letzte Bild, die Genauigkeit der Dialoge – da fällt keine Plattitüde, kein falsches Wort – und das gilt auch für alle Nebendarsteller. Eine bildstarke Inszenierung und die Schauspielkunst von Ana Girardot und Francois Civil machen diesen Film zu einem Erlebnis. Ja, man könnte sagen: Es ist eine Art Weihnachtsgeschichte – in der Versöhnlichkeit.» Madeleine Hirsiger, arttv.ch

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Weitere Stimmen zum Film «Klapisch ist ein Regisseur mit offenem Herzen, dessen täuschend einfache Filme oft einen zweiten Blick belohnen, um zusätzliche Schichten zu enthüllen.» – Mark Keizer, variety.com | «Kapisch zeichnet eine dramatische Pirouette, die darin besteht, einen der wiederkehrenden und unvermeidlichen Momente des romantischen Kinos zu dekonstruieren.» – Rubén Romero Santos, Cinemanía (Spain) | «Cédric Klapisch kehrt zur bittersüssen Komödie seiner frühen Zeit zurück.» - Art Info INFO WANN & WO «Deux Moi» (Einsam Zweisam) | Regie: Cédric Klapisch | Komödie, Drama | 90min | Frankreich, 2019 | Verleih: Frenetic | Cast: Ana Girardot, François Civil, François Berléand. Filmstart Deutschschweiz: 19. Dezember 2019 TRAILER

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Zum Film Als die in New York aufgewachsene und lebende Billi (Awkwafina) von ihren Eltern erfährt, dass ihre geliebte Grossmutter in China an Krebs erkrankt ist, steht ihr Leben Kopf. Die Familie beschliesst, ihre geliebte Nai Nai im Ungewissen zu lassen und ihr die tödliche Krankheit zu verschweigen. Um die plötzliche Anwesenheit der ganzen Familie plausibel zu erklären, wird kurzerhand eine Spontan-Hochzeit organisiert. Billi, die sich in ihrem Heimatland gänzlich fehl am Platz fühlt, ringt je länger je mehr mit der Entscheidung ihrer Familie, die Wahrheit zu verheimlichen. Wie lange kann sie das Geheimnis für sich behalten?

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Stimmen zum Film «Eine Komödie der Wärme und belebenden Ehrlichkeit. Einer der besten Filme des Jahres.» – Clarisse Loughrey, Independent (UK) | «Dieser smarte Film mischt geschickt Komödie und Tragödie und schafft es, tief zu berühren, ohne je überheblich oder sentimental zu sein.» – Adam Graham, Detroit News | «So wie seine Charaktere bleibt auch der Film vom Drama weit entfernt und sagt alles schweigend.» – Daniel de Partearroyo, Cinemanía | «Obwohl es in dieser wunderbar charakterstarken Komödie um den Tod geht, ist jede Sekunde davon mit herrlichem, lobenswertem Leben gefüllt.» – Jeff York, Creative Screenwriting TRAILER INFO WANN & WO «The Farewell» | Regie: Lulu Wang | Komödie, Drama | 100min. | USA, 2019 | Verleih: Elite Film | Cast: Awkwafina Tzi Ma, Gil Perez- Abraham, Diana Lin, Jim Liu. Kinostart Deutschschweiz: 26. Dezember 2019

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Zwei Freunde sammeln in den Strassen Accras Geld für Amerika. Ist das Spass, politische Provokation oder vielleicht sogar eine Prophezeiung? TRAILER Wie sieht man die Entwicklungen und den Wertewandel unserer Zeit vom afrikanischen Kontinent aus? Wie will man ihnen entgegentreten, widersprechen? Können Visionen für die Zukunft neue globale Realitäten werden? Zwei Schweizer Filmemacher gehen diesen Fragen gemeinsam mit sechs Musikerinnen und Musikern aus Ghana auf den Grund. Denn die Ideen und Trends von morgen entstehen in einer globalisierten Welt, dezentraler denn je.

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Zum Film «Contradict» zeigt eine neue Generation von afrikanischen Musikerinnen und Musikern, die auch die postkolonialen Kämpfe ihrer Eltern und Grosseltern mit neuen Mitteln fortführt. Dank neuer Software können sie ihre Songs günstig selber produzieren und ihre Anliegen rasend schnell übers Internet verbreiten. In ihrer Musik fordern sie eine neue Rolle für Afrika in der heutigen Welt. Sie kämpfen für das Selbstbewusstsein der Frauen und gegen den Plastikwahn, sie lehren ihre Altersgenossen Selbstakzeptanz, Selbstvertrauen und Selbstwertgefühl. Sie sinnieren über alternative Lebensstile, neue Karrierewege und widersprechen den Mainstream-Auffassungen von Nachbarn, Minister*innen und den omnipräsenten Priestern in den zahlreichen Megakirchen.

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In der Zusammenarbeit mit den ghanaischen Künstlerinnen und Künstlern wird klar: Wer etwas verändern will, geht auf einem schmalen Grat zwischen Kreativität, Wut, Erschöpfung und Depression. «Contradict» wird so zum dringlichen, humorvollen und fragilen Appell. INFO WANN & WO TRAILER «Contradict» | Thomas Burkhalter, Peter Guyer | Dokumentarfilm | 89min. | Schweiz, 2019 | Verleih: Filmbringer Distribution AG.

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ARTTV DOKFILM DES MONATS «Wenn die Notlage von Flüchtlingen jemals abstrakt schien, sorgt dieser Film dafür, dass man weiss, wie real sie ist.» – Kenneth Turan, LA Times TRAILER Schicksalhafte Entwicklungen und überraschende Wendungen im Leben ihrer Darsteller*innen sind für Dokumentarfilmende willkommene Zutaten. Aber wenn der Regisseur und seine Familie selbst Protagonist*innen im eigenen Film sind, wird jede bedrohliche Lage zum Gewissenskonflikt. Soll man die dramatischen Momente filmen oder ist der Gedanke an eine gute Filmszene mitten im Unglück unmoralisch?

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Zum Film Eine Todesdrohung der Taliban bringt den afghanischen Regisseur Hassan Fazili und seine Frau Fatima Hussaini, ebenfalls Filmemacherin, im Jahr 2015 dazu zusammen mit ihren beiden Töchtern Nargis (11) und Zahra (6) aus Afghanistan zu fliehen. Das Ehepaar und auch die beiden Kinder filmen die mehrjährige Reise von Afghanistan ins verheissungsvolle Europa mit ihren Mobiltelefonen. Auf der Balkanroute, während langer und ungewisser Aufenthalte in verschiedenen Flüchtlingslagern, gibt das Dokumentieren ihnen die Kraft, ihre schwierige Situation auszuhalten. Trotz Widrigkeiten und Rückschlägen verlieren die Eltern nie ihre Menschlichkeit. Sie nehmen alle Entbehrungen auf sich und hoffen auf eine bessere Zukunft für ihre Töchter, die sich auf der langen Reise allmählich emanzipieren.

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Warum man sich den Film anschauen sollte! «Mit drei Handys als Kamera haben sie ein Roadmovie gemacht, das viel mehr ist als ein Logbuch der Selbstrettung einer Familie. Angst, Frust und zermürbender Langeweile setzen sie eine Poesie des Augenblicks entgegen, die sich aus Wolkenformationen, Vogelschwärmen, dem Lachen der Kinder, den Gesprächen der Eltern ergibt.» – Tagesspiegel | «Ein sehr persönlicher, unvorhergesehener Blick auf die globale Migrationskrise – ein zeitgemässer, essenzieller Film.» – Vanessa H. Larson, Washington Post | «Sie diskutieren ihre Umstände prägnant und bieten pointierte Ansichten der religiösen und populären Kultur – und der Rolle und Macht des Kinos selbst.» – Richard Brody, New Yorker | «Ein notwendiges Korrektiv für die weitverbreitete Behauptung, dass Flüchtlinge den Ländern, in denen sie landen, nichts zu bieten haben.» – Noel Murray, AV-Club TRAILER INFO WANN & WO «Midnight Traveler» | Regie: Hassan Fazili | Dokumentarfilm, Kriegsfilm | 90min. | USA, 2019 | Verleih: trigon-film | Hassan Fazili, Nargis Fazili, Zahra Fazili, Fatima Hossaini.

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Warum ist das Café in Samirs neustem Film nach dem arabischen Dichter Abu Nawas benannt? Warum spielt «Baghdad in My Shadow» in London? Wird der Film auch im Irak zu sehen sein? Durfte der Regisseur die homoerotischen Szenen in Kairo zeigen und wie reagierte das Publikum an den Hofer Filmtagen? Samir lässt sein Heimatland Irak nicht los. So schildert er in seinem jüngsten Spielfilm, wie Emigranten in London versuchen, ein neues Leben zu beginnen. Sie treffen sich im Café Abu Nawas, benannt nach einem arabischen Dichter aus dem 8. Jahrhundert. Das Café wird von einem kurdischen Aktivisten geführt. Dort arbeitet auch die Architektin Amal (Zahraa Ghandour). Stammgäste sind etwa der Dichter Taufiq (Haytham Abdulrazak) und der homosexuelle IT-Spezialist Muhanad (Waseem Abbas). Sie alle haben ihre Geheimnisse und mussten untertauchen. Der öffentliche Sammelpunkt ist gefährdet, als Taufiqs fanatischer Neffe Nasseer (Shervin Alenabi) einem radikal-islamischen Prediger mehr glaubt als seinem Onkel. Als dann noch Amals Ex-Mann als Kulturattaché auftaucht, wird’s lebensgefährlich für die «Gottlosen». Cafés sind beliebte Sujets, Synonyme für Kommen und Gehen, Abschied und Aufbruch, für ﬂüchtige und feste Bekanntschaften und auch für Hoffen und Bangen – wie das berühmte «Rick’s Café» im Filmklassiker «Casablanca». Ein idealer Schauplatz für deinen Film? Samir: Natürlich denkt man auch an «Rick’s Cafe». Nur bestehen hier gravierende Unterschiede. Damals, zur Nazizeit in Casablanca flüchten Menschen, brachen auf und hofften auf eine bessere Zukunft. Das Café Abu Nawas in London hingegen, ist eine feste Begegnungsstätte, ein sicherer Hafen und Endpunkt. Ein solches Café hat sich angeboten – ein Ort an dem Menschen verschiedener Generationen aufeinandertreffen, die in anderen Zeiten aus unterschiedlichen Gründen den Irak verlassen mussten. Sei es aus politischen Überzeugungen, wegen fehlender wirtschaftlicher Perspektiven oder wegen ihrer sexuellen Orientierung. Ein Café Abu Nawas gab es vor etwa

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zwanzig Jahren tatsächlich – allerdings in Berlin. dass der Film dort spielt und nicht in Zürich. Das Café ist nach dem arabischen Dichter Abu Nawas benannt. Was hat es damit auf sich? Er ist einer der weniger, aber wichtigen arabischen Dichter. In der westlichen Welt wurde er nie richtig rezipiert, denn es gibt keine Übersetzung. In der arabischen Welt ist er dagegen ein Klassiker. Seine Spezialität sind Liebesgedichte, erotische Gedichte auch über die Schönheit der Jünglinge. Trotz aufwendigem Casting unter den jungen Schauspielern in Bagdad fanden wir keinen Darsteller, der einen Homosexuellen spielen wollte. Der Schauplatz deines Spielﬁlms ist London. Das hat sicher Gründe? Etwa vier Millionen Iraqis leben im Exil, davon allein drei Millionen in Grossbritannien, 700 000 davon in London. Da ist es schon natürlich, Du suchst nach Authentizität, wolltest für die massgeblichen Rollen «echte» Iraki. Wie schwierig war das? Das war in der Tat eine grosse Herausforderung, denn ich wollte unbedingt Darsteller, die sowohl den irakischen Dialekt als auch Englisch beherrschen. In London suchte ich vergebens und eine irakische Filmindustrie gibt es nicht mehr. Der Hauptdarsteller Haytham Abdulrazaq stammt aus Kirkuk. Es war letztlich ein Glücksfall, denn er ist Professor an der Schauspielakademie in Bagdad und ein Star im Irak. Trotz aufwendigem Casting unter den jungen Schauspielern in Bagdad fanden wir keinen Darsteller, der einen Homosexuellen spielen wollte. Zum Glück trafen wir dann in England Wasseem Abbas, einen jungen Schauspiel-Absolventen mit irakischen Eltern, der kein Problem mit der Rolle hatte. Und wie war das mit der Hauptdarstellerin Zahraa Ghandour, die Amal, eine Frau spielt, die ihren Mann in Bagdad verlassen hat?

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Ich habe drei Anläufe unternommen. Ältere Schauspielrinnen aus dem Irak kamen nicht infrage, weil sie sich chirurgisch verschönert hatten. Das wollte ich nicht. Dann bin ich ins Ausland gegangen, habe in England auch einige gefunden, doch sie waren zu «white». Ich wollte Frauen, wie ich sie als Kind Ihre Realität hat sich übergestülpt, sie hat drei Wochen vor Drehbeginn abgesagt – aufgrund eines Rieseneklats in der Familie. erlebt habe: Sie waren alle dunkel. Zahraa Gahndour war ideal, sie ist die Frau, wie ich sie im Film postuliere. Und das war auch das Problem. Ihre Realität hat sich übergestülpt, sie hat drei Wochen vor Drehbeginn abgesagt – aufgrund eines Rieseneklats in der Familie. Die Rolle war in diesem Moment vakant, sie stand unter Druck. Zahraa Gahndour kämpft für das, was sie im Film vertritt, und hatte sich zurückgezogen. Ein kritischer Moment. Dann hat sie ihre Absage zurückgenommen. Wie war das für Sie, Zahraa? Ältere Schauspielrinnen aus dem Irak kamen nicht infrage, weil sie sich chirurgisch verschönert hatten. Zahraa Ghandour: Es war eine Herausforderung, aber alles lief gut. Ich habe in meinem Leben dafür gekämpft, ein freier Mensch zu sein. Ich bin eine Frau – gegen das System, aber man ignoriert mich. Wird der Film auch im Irak zu sehen sein? Zahraa Ghandour: Ich bezweifele es, denn er behandelt drei kritischen Themen: Korruption, Homosexualität und eine Frau, die ihr Leben in die Hand nimmt und ihren Mann verlässt.» Samir, was meinst du, besteht die Gelegenheit, dass dein Film im arabischen Raum gezeigt wird? Samir: Der Film wurde am 20. November in Kairo gezeigt. Er schlägt eine Brücke zwischen Orient und Okzident und hält dem arabischen Publikum den Spiegel vor: Was ist schief gelaufen? Dabei geht mehr als um Toleranz. Wer

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die Augen davor verschliessen will, lebt nicht in der Realität einer globalisierten Welt. Problem, in London wäre das unmöglich. Samir, deine Filme sind an den Hofer Filmtagen aufgeführt worden. Wie war dort die Reaktion? Grossartig. Die Hofer Filmtage sind ein Publikumsfestival – und zwar in Franken, in der deutschen Provinz sozusagen. Die Zuschauer waren hingerissen. Ich habe alle Filme begleitet. Ein wunderbarer Anlass – sehr familiär zum Schluss. Die Leute waren neugierig und überrascht über die Breite meines Filmschaffens. Kurz darauf am Filmfestival in Washington DC, Sektion «Arabian Sites» habe ich den Zuschauerpreis gewonnen. Wie wichtig sind solche Anlässe? Für Deutschland war die Aufführung von «Baghdad in My Shadow» sehr wichtig. Nach der erfolgreichen Aufführung und der enthusiastischen Rückmeldung des Publikums, entschloss sich der Verleih, den Film im April 2020 in Deutschland zu starten. Interview: Rolf Breiner Gab es keine Auﬂagen für Kairo? Doch, ich musste die Liebesszenen zensieren. Welche Probleme gab es bei den Dreharbeiten in Bagdad? Es war schwieriger in London, weil die Auflagen höchst bürokratisch und mühsam waren. Sie haben unseren Fahrplan In Bagdad war das Problem, dass dort keine Filmindustrie existiert. Aber die Aufnahmen mit Drohnen über der Innenstadt waren kein Problem, in London wäre das unmöglich. durcheinandergebracht. Dreharbeiten im Britischen Museum wurden uns beispielsweise verboten. In Bagdad war das Problem, dass dort keine Filmindustrie existiert. Aber die Aufnahmen mit Drohnen über der Innenstadt waren kein

CLICK im Dezember 2019

Gewerbemuseum Winterthur | Federn

Aargauer Kunsthaus | Auswahl 19

Kunsthaus Zofingen | Manon

Kunsthalle Ziegelhütte | Nesa Gschwend

Wettbewerbe im Dezember

J.S. Bach | Die schönsten Weihnachtskantaten

Museum für Kommunikation | Schweinehunde und Spielverderber

Kunsthalle Luzern | We are the Lion

Kuns(zeug)haus | Paulo Wirz

Vögele Kultur Zentrum | Abhängig?

Luzerner Theater | Der Besuch der alten Dame

arttv Mitgliedereinladung | Bauhaus Imaginista

arttv Mitgliedereinladung | Fiktion Kongo

arttv Bannerwerbung

Pop Schweiz | Nickless

Tanzszene Schweiz | Fumio Inagaki

Dr. Platzspitzhirsch

Spielfilm | Les Particules

Spielfilm des Monats | Deux Moi

Spielfilm | The Farewell

Docfilm | Contradict

Docfilm des Monats | Midnight Traveler

Interview Samir