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Liebe CLICK Leser*innen Das 16. Zurich Film Festival ist Geschichte. Es war ein grossartiger Anlass, den da der neue Festivaldirektor Christian Jungen auf die Beine gestellt hat. Einerseits, was das hervorragende Programm betrifft und andererseits, weil Jungen überhaupt den Mut hatte, den Anlass durchzuführen. Er hat damit ein starkes Zeichen für die Kultur und insbesondere für den Film gesetzt. Und da bekanntlich kein Schaden ohne Nutzen ist, war das Fernbleiben der grossen Hollywoodproduktionen auch eine Chance für kleinere Filme. Auch der Schweizer Film und Filme von Frauen hatten dieses Jahr mehr Platz. Zwei Produktionen, die beide Kriterien erfüllen, möchte ich Ihnen besonders ans Herz legen. Gitta Gsells wunderbarer Liebesfilm «Beyto» und Bettina Oberlis Tragikomödie «Wanda, mein Wunder». Ein Interview mit den beiden Regisseurinnen, die aus verschiedenen Generationen stammen, aber beide die Leidenschaft fürs Kino verbindet, finden Sie in diesen CLICK, ebenso eine Rezension von mir zu «Beyto» (Kinostart 29. Oktober 2020), während jene zu «Wanda, mein Wunder» (Kinostart 26. November 2020) im nächsten Magazin folgt. Und noch was: Wer immer noch glaubt, dass Zurich Film Festival sei reines Bling Bling, der hat die Filme in der Reihe Border Lines nicht gesehen, die das Festival in Zusammenarbeit mit Amnesty International durchführt. Ich würde sie gerne zum Pflichtanlass für all jene Corona-Jammerer machen, die im Zusammenhang mit der Maskenpflicht von Staatsterror und von missachteten Menschenrechten schwafeln. Wer am ZFF Filme wie «Welcome to Chechnya» gesehen hat, kann das Theater, das um ein bisschen Papier vor dem Mund gemacht wird, nur als Verhöhnung jener Menschen empfinden, die tatsächlich unter Folter und Gewalt durch grössenwahnsinnige, korrupte und menschenverachtende Politiker gelitten haben. In diesem Sinne, bleiben wir dankbar! Felix Schenker, arttv Chefredaktor

Richard Bühler - Fabrikant und Kunstaktivist Der Schweizer Textilfabrikant, Kunstsammler und Mäzen Richard Bühler wurde 1879 in Winterthur geboren, wo er 1967 auch verstarb. Über seinen Künstlerfreund Carl Montag kam er mit der modernen französischen Kunst in Berührung. Nach ausgedehnten Bildungsreisen übernahm er das Familienunternehmen, widmete sich aber zugleich leidenschaftlich der modernen, vorab französischen Kunst. In seiner Cousine Hedy Hahnloser- Bühler fand er eine Geistesverwandte. Beide erwarben umfangreiche Werkgruppen französischer Meister wie Odilon Redon (1840 – 1916), Pierre Bonnard (1867 – 1947) und Félix Vallotton (1865 – 1925). Bühler war von 1913 bis 1938 Präsident des Winterthurer Kunstvereins. Er gehörte der Eidgenössischen Kunstkommission an und war von 1935 bis 1941 Präsident des Schweizerischen Kunstvereins und von 1925 bis 1946 des Schweizerischen Werkbundes. Aufgrund seines Wirkens erwarb der Winterthurer Kunstverein als einer der ersten moderne Kunst. 1916 förderte Bühler die Eröffnung des Kunstmuseums Winterthur. Privat betätigte er sich als Gartenarchitekt und Designer. In den 1930er Jahren veräusserte er aus finanziellen Gründen seine Sammlung mit Schwerpunkt französische Kunst. Teile davon sind jetzt in Winterthur zu sehen.

Links… Giovanni Giacometti 1868 – 1933 Bildnis E. Richard Bühler im Segelboot, 1911 Privatbesitz Rechts: Félix Vallotton 1865 – 1925 Nu couché au tapis rouge, 1909 Petit Palais, Genf VIDEO i INFO WEBSITE Kunst Museum Winterthur | Modernité – Renoir, Bonnard, Vallotton Der Sammler Richard Bühler | 3. Oktober bis 20. Februar 2021 | Reinhart am Stadtgarten

Schön, makellos und traurig Die Frauen auf seinen Bildern sind extravagant schön und makellos gekleidet, leben aber oft in Szenen häuslicher Glückseligkeit ohne die Glückseligkeit. Seine Arbeit ist wie eine Reihe lebendiger Melodramen aus einem einzigen Film: Mütter und Frauen in der Küche, im Kinderzimmer, im Schlafzimmer, in der Stadt, die leer in die Ferne starren, verloren in ihren Gedanken und Frustrationen. Die makellose Erscheinung und der leere Ausdruck dieser glamourösen, schönen Frauen lassen Raum für Interpretationen und weisen wie ein Spiegel für Aldridges Werke insgesamt mit einem Hauch von dunklem Humor auf die perfekte Fassade des Modeglamours und das Bedürfnis nach idealisierter Schönheit hin. Seine Arbeiten zeichnen sich durch lebendige, fluoreszierende Farben, sowie die Hollywood-Beleuchtung und perfektionistische Detailtreue aus und inszenieren surrealistische Geschichten in technikfarbenen, traumhaften Welten.

Spielﬁlmlanger Eistrip Seine neuste Filminstallation «Towards No Earthly Pole» (2019) zeigt schimmernde Eisberge, klaffende Gletscherspalten und wogende Eismeere. Sie tauchen unvermittelt aus der Dunkelheit auf, um alsbald wieder von ihr verschluckt zu werden. In ihr vereint der Westschweizer Künstler verschiedene Eislandschaften unseres Planeten zu einem sinnlich-poetischen Kosmos. Die raumfüllende, spielfilmlange Projektion lässt das Publikum in diese faszinierende, menschenleere Gegend eintauchen. Das Ausstellungssetting verstärkt das Entrückte der Szenerie: Der Raum versinkt in Dunkelheit, die vibrierende Soundkulisse unterstreicht die Atmosphäre des Films und lädt zu einem einzigartigen Trip innerhalb der Museumswände ein. Der Künstler als Forschender Julian Charrière ist als bildender Künstler ebenso Forscher und Reisender als auch Wissenschaftler und Archäologe. Er verbindet mit Leichtigkeit disparate Werke und unterschiedliche Disziplinen miteinander. Der Kontrast zwischen den Elementen Eis und Feuer durchdringt die gesamte Ausstellung. Charrière nutzt die beiden gegensätzlichen Elemente, um Wandel und Transformation zu symbolisieren. Seine Neugier und sein Interesse, die Umwelt zu begreifen, führen ihn in Gebiete, die globale Brennpunkte für unsere Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft sind. Für die Besuchenden wird der Ausstellungsrundgang zu einer Reise durch den künstlerischen Kosmos von Julian Charrière, und bietet gleichzeitig eine Auseinandersetzung mit den Auswirkungen menschlichen Handelns auf die Natur.

Publikation Zur Ausstellung erscheint eine Publikation in Deutsch und Englisch. Sie widmet sich der Arbeit «Towards No Earthly Pole» und setzt sie in einen Kontext mit Essays führender Wissenschaftler*innen aus den Disziplinen Philosophie, Filmwissenschaft, Polarforschung und Kunstgeschichte sowie Auszügen aus wichtigen literarischen und naturhistorischen Texten. Mit Beiträgen von: Francesca Benini, Amanda Boetzkes, Katherine Brodbeck, Dehlia Hannah, Scott MacKenzie & Anna Westerstahl Stenport, Shane McCorristine, Nadim Samman und Katrin Weilenmann sowie einem Gespräch zwischen dem Künstler und dem diesen Sommer verstorbenen Konrad Steffen, Professor für Klima und Kryosphäre an der ETH Zürich und der EPFL. Julian Charrière. Towards No Earthly Pole, Mailand, Mousse Publishing, 2020. ISBN 978-88-6749-434-7. Erscheinungsdatum: Mitte Oktober 2020

Virus Kunst Nichts ist bekanntlich mehr so, wie es vor «Corona» noch als sicher galt. Ein Virus verändert die Wahrnehmung der Welt und unsere Selbstverständlichkeit. Wir sind gezwungen, zu Hause zu bleiben, zurückgeworfen auf die Region und das unmittelbare Lebensumfeld. Die ungewohnte Situation lädt ein, die Beziehung zu sich selbst, zur Umgebung und zur Welt zu hinterfragen. Die Ausstellung «BeZug» geht diesen Fragen nach und richtet mit Werken aus der Kunsthaus-Sammlung ihren Fokus auf das ‹Eigene›. Die Aussensicht wird ausdrücklich miteingeschlossen: Die Ausstellung vereint internationale Künstler*innen, die sich in ihren Arbeiten auf Zug beziehen – mit Kunstschaffenden der Region. Was ist ‹das Eigene›? Und was zeichnet es aus? Werke für und zu Zug Beispielhaft für diese Auseinandersetzung steht Olafur Eliassons Werk «Analemma for Kunsthaus Zug»: Während eines Jahres wurde die Sonne zur immer gleichen Zeit aus dem Dachfenster des Kunsthauses aufgenommen. Die Arbeit bildet somit gleichzeitig den universellen Lauf der Zeit ab – die Erde umkreist die Sonne –, und den eigenen, geografischen Standort des Kunsthauses auf dem Globus. Auch die Künstler Tadashi Kawamata und Till Velten setzten sich als Aussenstehende mit der Stadt, der Natur, den Menschen und dem Kunsthaus auseinander. Und Christoph Rütimann hat für sein mehrjähriges Projekt Sammlung zu den baulichen Veränderungen des Kunsthauses eine neue Installation konzipiert. Christoph Rütimann, BeZug (Ausschnitt) Titelbild Ausstellungsflyer, 2020, © Christoph Rütimann Von den Anfängen bis in die Gegenwart Die Ausstellung führt aber auch zurück zu den eigenen Wurzeln: Im Kontrast zu traditionellen Porträts von Zuger*innen und der lokalen Landschaft von Meinrad Iten und Emil Dill markieren Werke von Louis Amann, Armin Haab, Walter F. Haettenschweiler, Maria Hafner, Eugen Hotz, Hans Potthof, Christian Staub und Alex Stocker den Anfang der modernen Kunst im Kanton Zug zwischen Expression und Abstraktion. Manchen Arbeiten aus der Zeit um den Zweiten Weltkrieg spürt man das Abgekapselte und die Angst an. Parallelen zu heute?

VIDEO Annelies Štrba verwischt in ihren fotografischen Arbeiten ganz bewusst die Generationengrenzen und zeigt ihr Selbst in Überlagerung mit jenem ihrer Familie, das Heute in Erinnerung an das Gestern und Vorgestern. Die Ausstellung spannt den historischen Bogen und vereint Zeichnung, Malerei, Fotografie, Video, Skulptur, Objekt und Installation. Bekanntes, Vertrautes und Neues. Viele Werke sind erstmals zu sehen, so das zeichnerische Schaffen von Peter Herbener und Fritz Roth, dessen Skulpturen mit Arbeiten seiner früheren WG-Mitbewohnerinnen Rut Himmelsbach und Hannah Villiger in einen skulpturalen Dialog treten. Grossformatige Arbeiten von Guido Baselgia und Lukas Hoffmann reagieren aufeinander, die grosse «Koi»- Arbeit von Annelies Štrba spiegelt sich mit den Betrachtenden in einer Farbplatte von Adrian Schiess auf dem Boden. Sinn und Bewusstsein Während sich Kunstschaffende seit jeher mit ihren Bedingungen beschäftigen bei der Arbeit – Wahrnehmung, Körper, Gesellschaft, Geschichte, Natur, Umwelt –, ist dies für viele Menschen in Zeiten von Corona eine neue Herausforderung geworden. Oder eine Entdeckungsreise. Im Zurückgeworfen-sein auf sich selbst kann ein Potenzial zur Schärfung der Sinne und des Bewusstseins liegen. INFO WEBSITE BeZug – Eine Entdeckungsreise zum Eigenen | Kunsthaus Zug | bis 10. Januar 2021 i

Jos Näpﬂin - Werkjahr 2020 Die Frey-Näpflin-Stiftung und der Kanton Nidwalden sind vor drei Jahren eine langfristige Partnerschaft eingegangen. Die Zusammenarbeit beinhaltet unter anderem die Schaffung eines sogenannten Werkjahres, das in diesem Jahr Premiere feiert. Eine fünfköpfige Jury hat aus 44 Bewerbungen Jos Näpflin (*1950 in Wolfenschiessen, lebt und arbeitet in Zürich) für das Werkjahr 2020 ausgewählt. Seit anfangs Jahr arbeitet der Künstler intensiv an der (Weiter-)entwicklung neuer Arbeiten, die er im Frühling 2021 in seiner Einzelausstellung im Nidwaldner Museum in Stans präsentieren wird. Seit den frühen 1980er Jahren schafft Jos Näpflin ein reichhaltiges Werk, das sich in unterschiedlichen Medien, in bildhaften, skulpturalen und installativen Anordnungen mit Raum, Wahrnehmung, Welt und letztlich mit der Suche nach Identität auseinandersetzt. Im Bericht der Jury heisst es dazu: «Stets pointiert und mit der nötigen Portion Humor greift er aktuelle brisante Themen auf. Sein Werk wirkt frisch und jung. (…) Sehen und Denken gehen im Werk von Jos Näpflin Hand in Hand. Ideen werden mittels Materialien konkretisiert, in eine Form gebracht, um dann wieder bei der Betrachterin oder dem Betrachter Gedanken herauszufordern. Die Materialien, seien es Gebrauchsgegenstände wie Wecker, Messer, Spanngurte oder speziell angefertigte Objekte, werden zu Botschaftsträgern. Sie werden gezielt ausgewählt, um sich mit dem aktuellen Weltgeschehen oder mit der Geschichte auseinanderzusetzen.» Werkjahr der Frey-Näpﬂin-Stiftung Das Werkjahr wird in der Regel alle zwei Jahre an eine Künstlerin, einen Künstler oder eine Künstlergruppe aus den Zentralschweizer Kantonen vergeben. Diese oder dieser muss aus dem Bereich der bildenden Kunst kommen und professionell tätig sein. Im Anschluss an das Werkjahr findet jeweils eine Ausstellung im Nidwaldner Museum in Stans statt, die das künstlerische Schaffen und die Arbeiten, die während des Werkjahrs entstanden sind, abbilden soll. Die fünfköpfige Fachjury für das Werkjahr 2020 setzte sich zusammen aus den drei ständigen Mitgliedern Stefan Zollinger (Leiter Nidwaldner Museum; Jurypräsident), Gabriela Christen (Stiftungsrätin), Patrizia Keller (Nidwaldner Museum, Kuratorin für Kunst) und den beiden Expertinnen Edit Oderbolz (Künstlerin, Basel) und Annamira Jochim (Kuratorin Benzeholz – Raum für zeitgenössische Kunst Meggen).

Der Wolf als Sinnbild Der Titel der Ausstellung verdichtet den Moment des Ausgeliefertseins und fügt der Arbeit eine zeitliche Komponente hinzu. Der Wolf steht in Märchen häufig für Unbekanntes und Gefahr. Die dunklen Monate des Winters gilt es ähnlich zu überdauern und auszuhalten wie das Erfassen der vorliegenden Situation im Museum. Zudem wird es im Raum über die gesamte Dauer der Ausstellung fortwährend ein wenig kühler – Baumgartner hat die Heizung abgestellt. Der langsame Prozess des Abkühlens ist Teil der Installation. Die Folie verbirgt einerseits, was im Raum nach unten drückt, und schafft zu gleich aber auch einen Moment der Entspannung: Das resistente Material wird den unsichtbaren Kräften standhalten, die Last tragen und die Besuchenden schützen. Aussen liegt die Gefahr Die scheinbar instabilen und unsicheren Konnotationen der Installation sind Gegensätze zu dem, was Räume idealerweise vermitteln. Räume sind Rückzugsorte, bieten Schutz und Beständigkeit und schaffen in ihrer Übersichtlichkeit ein Gefühl von Kontrolle und Geborgenheit. In Zeiten, in welchen vom Aussenraum und unserem direkten Umfeld eine reale Gefahr ausgeht, ist die Installation aktueller denn je. Wohnräume und ihre Schutzfunktion haben in den letzten Monaten gegenüber imaginären Räumen existenziell an Bedeutung gewonnen. Individuelles Wahrnehmen Baumgartner möchte für die Installation im Kunst(Zeug)Haus möglichst wenige Leserichtungen vorgeben. Im Fokus steht die unbeeinflusste und individuelle Wahrnehmung seines Eingriffs im Kabinettraum, dem gewöhnlich mit Fenstern nach Aussen gerichteten Zimmer. Damit werden Besuchende zurückgeworfen auf subjektive innere Vorstellungen von Räumen und Materialien.

Die Reihe «Seitenwagen» zeigt Nachwuchspositionen von Kunstschaffenden unter 30 Jahren in den Kabineträumen des Kunst(Zeug)Haus. Die Ausstellung wird unterstützt durch die Kulturförderung des Kantons Glarus und Swisslos sowie durch die Stiftung Anne- Marie Schindler. VIDEO i INFO WEBSITE Ein sehr harter Winter ist, wenn ein Wolf den anderen frisst | Tomas Baumgartner | In der Reihe Seitenwagen | Kunst(Zeug)Haus | bis 7. Februar 2021

Dieser Beitrag wurde ermöglicht dank der Zusammenarbeit mit dem SCHWEIZER KUNSTVEREIN Wenn Kreaturen mit ihrem Umfeld verwachsen und mutieren, war die junge Künstlerin Anna Shirin Schneider am Werk. Der Kunstverein Oberaargau gibt ihr und anderen aufstrebenden Künstler*innen mit dem Kunsthaus Langenthal eine Plattform. Professionell kuratiert! Kunstverein Oberaargau | Kunsthaus Langenthal | Aktuelle Ausstellung bis 15. November 2020 Max Hari. Ich schaue mir beim Sehen zu Soft Shell. Natacha Donzé, Ray Hegelbach, Ivan Mitrovic, Anna Shirin Schneider, Nora Steiner

Blick in die Ausstellung Neue Sichtweisen In sorgfältig ausgewählten Gegenüberstellungen von historischen Objekten zu Arbeiten von Kunstschaffenden und Kunsthandwerkern aus der Region zeigt die Ausstellung, wie tradierte Elemente angeeignet, umgeformt oder ironisiert werden. Die Werke fokussieren nicht nur auf das Schöne und Typische, sie öffnen auch den Blick für kaum beachtete Details und ermöglichen neue Sichtweisen. Die in der Ausstellung präsentierten Beiträge zeigen vielfältige Herangehensweisen und Motivationen: das Weitertragen kunsthandwerklicher Traditionen, die kritische Infragestellung fest verankerter Bilder, die poetische Umdeutung oder die trendige Anlehnung. Die kreative Auseinandersetzung mit scheinbar unveränderbaren Elementen offenbart das Potenzial einer lebendigen und dynamischen Kultur.

Was für ein Mensch ist Greta Thunberg eigentlich, was treibt sie an? TRAILER «I Am Greta» gewährt überraschende Einblicke in die so faszinierende wie zerbrechliche Persönlichkeit der jungen Schwedin, in ihren Umgang mit dem Asperger-Syndrom, in die Motivation für ihr Engagement. Ein gefühlsstarker, dichter, intelligenter Film über eine Mut-Macherin, die unermüdlich und kompromisslos für effiziente Klimaschutz-Massnahmen und damit für eine bessere Zukunft für alle kämpft.

arttv Rezension Greta Thunberg ist nun 17 Jahre alt. Eine junge, selbstbewusste Frau, die vor mehr als zwei Jahren mit ihrem Streik die Politiker zu mehr Engagement gegen die Klimaerwärmung drängen wollte. Sie konnte nicht anders, der Klimawandel begann ihr Leben zu bestimmen. Ganz allein hat sie sich in Stockholm vor die Mauern des Parlaments gesetzt, auch in der Kälte, mit ihrem mittlerweile weltberühmten Kartonplakat. Sie hat damit eine Lawine Filmkritik: Madeleine Hirsiger losgetreten, die auf ganz Europa, ja in die Welt übergeschwappt ist. Die Freitagsdemos nahmen ihren Lauf. Auch in der Schweiz. Schon ganz am Anfang hat der schwedische Regisseur Nathan Grossmann mit Greta vor dem Parlament geredet, dort, wo sich allmählich immer mehr Leute, vor allem junge, zusammenfanden und sich für ihre Anliegen interessierten. Grossmann war von der hartnäckigen Aktivistin fasziniert und konnte sie und ihre Eltern von seinem Vorhaben überzeugen, einen Dokumentarfilm zu drehen. So kamen innerhalb eines Jahres 100 Stunden Material zusammen. Nun kann man sagen, dass man ja alles kennt: ihre Auftritte vor internationalen Gremien, ihre Entrüstung vor der UNO-Generalversammlung in New York, wie sie überall umschwärmt und in Beschlag genommen wird, die zahllosen Interviews mit den Medien – international. Alle wollen sie haben, wollen etwas von ihrem Glanz abbekommen. Doch der Dokumentarfilm leistet einiges mehr. Durch das Vertrauen, das Nathan Grossmann gewinnen konnte, hatte er einen engen Zugang zu Greta, ging ihr hintennach, unablässig. Man lernt sie als extrem seriöse und exakte Person kennen, die alle Fakten und Zahlen in ihrem Kopf hat, aber auch, wie sie hadert mit ihren Texten, immer alles noch besser machen will und ihr Vater sagt: es ist doch jetzt gut genug, hör auf. Verzweiflung macht sich breit. Man schliesst sie ins Herz, als Jugendliche, als Kämpferin, stark und verletzlich zugleich.

Die Kamera ist stets die Beobachterin. Grossmann hat sich nicht hinreissen lassen, mit Greta oder ihrer Familie klassische Interviews zu machen. Er hat die Version von «Dokument» gewählt, ohne kreative Einschübe, ohne narrative Geschichte. Und man bekommt mit, gerade auch bei diesen grossen Auftritten, wie die hohen Politiker*innen fasziniert hinhören, weil da ein junger Mensch mit all seinen Möglichkeiten eindringlich versucht, die Welt zu retten und ihnen die Leviten liest. Aber nach dem artigen Klatschen der Mächtigen geht alles seinen gewohnten Weg. Man sieht Greta auch mal genervt, gerade bei einem EU-Gipfel, wo sie die Kopfhörer ablegt und nicht mehr hören kann, was Jean-Claude Junker für Banalitäten von sich gibt. Eindrücklich dann die Segelfahrt nach New York an den UNO-Gipfel, über den Atlantik, wo man so nah an ihrer Not, an ihrem Limit ist, wo sie sagt, es ist alles zu viel für mich, ich kann nicht mehr, ich will nach Hause und man weiss, sie muss das stürmische Wetter durchhalten. Es ist das einzige Mal, wo man echt Mitleid mit ihr hat, weil wir mitfühlen können und auch wir es wohl in dieser extremen Wettersituation mit der Angst zu tun bekämen, obwohl der Kapitän stets beteuerte, es könne nichts passieren. Ja, und Greta leidet am Asperger-Syndrom, einer Art von Autismus. Leiden? Nein, sie leide nicht, sie habe einfach das Asperger-Syndrom und lebe damit. Als Kind sei es nicht immer einfach gewesen, sie sei auch einsam gewesen. Von ihren Kameradinnen sei sie nie eingeladen worden, weil sie anders war. Und die Tatsache, dass Greta diese Krankheit hat, war für viele Politiker, die oft selbst ziemliche Defizite vorzuweisen haben, ein Steilpass: das arme Mädchen werde manipuliert, ihr Vater instrumentalisiere sie, Greta sei zu bedauern, vielleicht zu bewundern, aber sicher nicht ernst zu nehmen. Das sagen nicht etwa nur Donald Trump oder Jair Bolsonaro, das hört man auch hierzulande immer wieder. «Ich bin Greta» ist eine erhellende Dokumentation über eine eindrückliche junge Frau, die versucht, die Welt zu retten, mit all ihren Kräften und bewundernswertem perfekten Englisch. Madeleine Hirsiger, arttv.ch

Zum Film Sie ist die Ikone der Klimabewegung, wurde in kürzester Zeit global bekannt. Doch was für ein Mensch ist Greta Thunberg eigentlich, was treibt sie an? Antworten gibt der spannende, sensible Dokumentarfilm «I Am Greta» von Nathan Grossman. Zwei Jahre begleitet der Regisseur Greta mit der Kamera: bei ihrem Schulstreik 2018 als 15-Jährige in Stockholm – aus dem sich die internationale «Fridays for Future»-Bewegung entwickelt –, bei Treffen mit Wirtschaftsleuten und Politikern in den verschiedensten Ländern. Nathan Grossman zeigt die Klimaschutz-Aktivistin nicht nur im Rampenlicht, er ist vor allem in sehr vielen privaten Momenten ganz nah bei ihr: auf strapaziösen Reisen, im Kreis ihrer Familie, in Hotelzimmern oder zwischen aufreibenden Terminen mit Momenten von Heimweh, Erschöpfung, Überforderung.

BABYTEETH Ein lustiger, zärtlicher und einfühlsamer Blick auf eine seltsam neurotische Familie, die langsam zusammenﬁndet. TRAILER Voller Energie und ansteckender Lebenslust ist Shannon Murphy mit «Babyteeth» nicht nur ein hervorragendes Debüt gelungen, sondern auch ein sehr heller und sehr komischer Film. Vater, Mutter, Milla und Freund Moses suchen nach ihren eigenen Wegen, mit Millas Krankheit umzugehen. Dass sie dabei auch immer wieder nachvollziehbar scheitern dürfen, zeichnet Shannon Murphy als grosse Humanistin aus.

Zum Film Milla (Eliza Scanlen) trifft Moses (Toby Wallace) – vielmehr wird sie bei der ersten Begegnung buchstäblich von ihm umgehauen. Obwohl Moses sich als Herumtreiber und Gelegenheitsdealer entpuppt, nimmt sie ihn mit zu sich nach Hause, um ihn ihren Eltern vorzustellen. Anna (Essie Davis) und Henry (Ben Mendelsohn) – eine ehemalige Konzertpianistin und ein ziemlich entspannter Psychiater – sind alles andere als begeistert von Millas neuem Freund. Doch Millas Lebensfreude und ihre Sehnsucht, die Liebe und die Welt zu entdecken, stellen die Familie auf den Kopf. Als die Eltern merken, dass Moses ihrer kranken Tochter sichtlich guttut, nehmen sie ihn trotz ihrer Bedenken bei sich auf und werden dabei mit ihren eigenen Schwächen konfrontiert.

Zum Film 1942, der junge Belgier Gilles wird zusammen mit anderen Juden von der SS verhaftet. Er gibt vor, kein Jude, sondern Perser zu sein – eine Lüge, die ihn zunächst rettet. Doch dann wird er im KZ mit einer unmöglichen Aufgabe konfrontiert: Er soll Farsi unterrichten, das er nicht beherrscht. Sturmbannführer Koch, Leiter der Lagerküche, träumt nämlich davon, nach Kriegsende ein Restaurant im Iran zu eröffnen. Wort für Wort muss Gilles eine Sprache erfinden – dabei wird ihm schmerzhaft bewusst, dass ihn ein Fehltritt das Leben kosten kann. Eine aussergewöhnliche Geschichte, inspiriert von wahren Begebenheiten und beeindruckend besetzt mit Lars Eidinger und Nahuel Pérez Biscayart.

Stimmen zum Film «Überzeugend und eindringlich.» – BERLINERSTÜCK.DE | «Zwischen humanistischer Tragödie und absurder Komödie.» –*| «Packt und bewegt.» – KINO-ZEIT.DE | «Ein dringend notwendiger Beitrag, Geschichte lebendig zu halten und Empathie zu fördern.» – MOZ | «Zwischen Spannung, Lachen und Tränen.» – SCREENDAILY.COM | « Ein Highlight der Berlinale 2020. » – FILMPLUSKRITIK.COM | «Ein zutiefst humanistischer Film.» – KULTURA-EXTRA TRAILER i INFO WANN & WO Persian Lessons | Regie: Vadim Perelman | Drama | 127 Minuten | Deutschland, Russland 2019 | Verleih: Frenetic Films

Eine konzentrierte, aufwühlende, intensive Geschichte, die ihre Spannung aus der Unerbittlichkeit seines Hauptprotagonisten bezieht. TRAILER «Dark Waters» erzählt die wahre Geschichte des Anwalts Rob Bilott, der es im Alleingang mit einem der weltweit grössten Chemiekonzerne aufnahm und den sogenannten Teflon-Skandal ans Licht brachte. Seinen aufopferungsvollen Kampf, für den Bilott bereits 2017 mit dem Alternativen Nobelpreis ausgezeichnet wurde, inszeniert nun Erfolgsregisseur Todd Haynes präzise und punktgenau als packenden Wirtschaftsthriller.

Zum Film Cincinnati, 1998. Der erfolgreiche Wirtschaftsanwalt Rob Bilott (Mark Ruffalo) gerät in einen Zwiespalt, als ihn zwei Farmer auf merkwürdige Vorgänge in Parkersburg, West Virginia, aufmerksam machen, wo eine grosse Zahl von Kühen auf rätselhafte Weise verendet ist. Die Farmer vermuten dahinter den Chemiekonzern DuPont, für den Bilott selbst als Anwalt arbeitet. Trotz dieses Interessenskonflikts will der gewissenhafte Jurist den Fall vorbehaltlos aufklären und findet tatsächlich schnell belastende Indizien, die auf einen Umweltskandal von ungeheurem Ausmass hindeuten. Unterstützt von seinem Boss Tom Terp (Tim Robbins) und seiner Frau Sarah (Anne Hathaway) stürzt sich Bilott aufopferungsvoll in eine langwierige Auseinandersetzung, die ihn seinen Ruf, seine Gesundheit, privates Glück und vielleicht sogar sein Leben kosten könnte…

Filmkritik Geri Krebs arttv Rezension Nach der Bob-Dylan-Biografie «I’m Not There» (2007), dem lesbischen Melodrama «Carol» (2015) und dem Jugendfilm «Wonderstruck» (2017) nimmt Todd Haynes sich nun erstmals dem Genre des Wirtschaftskrimis an – und beweist einmal mehr seine Vielseitigkeit und Fähigkeit, die Emotionsmaschine Kino zu immer neuen Höhepunkten zu führen. Auf dem realen Fall des Wirtschaftsanwalts und Umweltjuristen Rob Bilott basierend, der während 19 Jahren juristisch gegen den Giganten DuPont kämpfte und dessen Verurteilung zu Schadenersatzzahlungen von 671,7 Millionen US-Dollar erwirkte, ist «Dank Waters» ein atemlos spannendes Umwelt- und Gerichtsdrama, das unter die Haut geht. Mark Ruffalo, der den Film auch produziert hat, ist gleichzeitig Protagonist und als Rob Bilott in einer seiner stärksten Rollen zu bewundern. Geri Krebs, arttv.ch

Stimmen zum Film «Ein intensiver, atmosphärisch dichter Film. Die Brüder D’Innocenzo sind eine Entdeckung.»– Screen Daily | «Favolacce wirft einen Blick auf das Grauen im Alltag und die Schönheit im Elend. Ein so wunderschöner wie wichtiger Film.» – La Repubblica | «Überraschend, beunruhigend, wild, impressionistisch.» – Hollywood Reporter | «Virtuos erzählt, zugleich spannend und berührend, widersprüchlich und verstörend.» – rbb kultur TRAILER i INFO WANN & WO Favolacce | Regie: Damiano D’Innocenzo und Fabio D’Innocenzo | Drama | 98 Minuten | Italien, Schweiz 2020 | Verleih: Filmcoopi

NEVER RARELY SOMETIMES ALWAYS Einer nervenaufreibenden Reise, getragen von Freundschaft, Mut und Mitgefühl. TRAILER «Never Rarely Sometimes Always» von Regisseurin und Drehbuchautorin Eliza Hittman zeichnet ein intimes und inniges Porträt zweier Teenager- Mädchen. In einem minimalistischen Stil auf 16mm gefilmt zeigt Regisseurin Eliza Hittman, wie Autumn die Entscheidungshoheit über ihren Körper und ihre Seele zurückgewinnen will. Für arttv Filmkritikerin Madeleine Hirsiger ist das starkes Kino: das Elend, die Verzweiflung, die Verletzung, die Hilflosigkeit.

arttv Rezension Der Titel des Films «Never Rarely Sometimes Always» nennt die vier Möglichkeiten, um auf die Frage in einer Klinik in New York zu antworten: ob man beim Sex geschlagen, vergewaltigt oder sonst malträtiert worden sei. So ergeht es auch der 17jährigen schwangeren Autumn, die für eine Abtreibung zuerst Hilfe bei einer Beratungsstelle in ihrer Nachbarschaft sucht. Dort wird sie wird zum Austragen des Kindes gedrängt, um es zur Filmkritik: Madeleine Hirsiger Adoption freizugeben. Weil Autumn das nicht will, nimmt sie den Weg nach New York unter die Füsse, in der Hoffnung auf Hilfe. Begleitet wird sie von ihrer Cousine Skylar (Talia Ryder), die im selben Supermarkt wie Autumn ihre Tage an der Kasse verbringt. Daraus zweigen sie ein paar Geldscheine ab, um heimlich in einen Nachbus zu steigen, wortkarg und deprimiert. Ziel New York! Es ist die junge Amerikanerin Sidney Flanigan, die mit ihrer ersten Filmrolle den Zuschauer – wohl noch eher die Zuschauerin – sofort in ihren Bann zieht. Beim Casting hat sie alle Profis und Halbprofil ausgestochen. Sie spielt Autumn mit einer leisen Eindringlichkeit. Sie hat ihre Rolle so internalisiert, dass man der Intensität kaum ausweichen kann. Wir werden mitgenommen auf eine Reise ins Ungewisse, in einem Film, der fast ohne Worte auskommt. Es ist beachtenswert, was die amerikanische Regisseuren Eliza Hittman hier gelingt, die Kamera immer nah an den beiden jungen Frauen, schnörkellos und fast dokumentarisch. Und wir sind dabei, wenn Autumn die erste Untersuchung in einer Klinik machen muss. Hier erfährt sie, dass sie bereits in der 18. Woche schwanger ist. Endlich bekommt sie die erhoffte Unterstützung. Der Eingriff muss an zwei Tagen durchgeführt werden. Das heisst, sich zweimal eine Nacht in New York um die Ohren schlagen. Die Stunden sind lang und kühl, auf den Strassen, in der Metro, in

Wartehallen, irgendwo in der Grossstadt zwischen Obdachlosen und Einsamen. Man ist nah dran an den beiden jungen Frauen und der Einsatz von 16mm Filmmaterial bringt eine Grobkörnigkeit auf die Leinwand, die dem Geschehen weiter Autentizität verleiht. Und während Autumn in der Klinik auf die Frage nach der an ihr verübten Gewalt die vier zur Verfügung stehenden Antworten abwägt, bleibt die Kamera auf dem Gesicht von Sidney Flanigan ruhen. Was sie uns da zeigt, ist starkes Kino: das Elend, die Verzweiflung, die Verletzung, die Hilflosigkeit. Nicht umsonst wurde der Film an der diesjährigen Berlinale mit dem Grossen Preis der Jury ausgezeichnet. Kein Zweifel: Von Sindney Flanigan wird man weiterhin hören. Madeleine Hirsiger, arttv.ch «Never Rarely Sometimes Always» Photo Call an der 70. Berlinale: Eliza Hittman, Sidney Flanigan, Talia Ryder

Zum Film Die 17-jährige Autumn (Sidney Flanigan) arbeitet im ländlichen Pennsylvania als Supermarkt-Kassiererin, ihr Leben verläuft in wenig überraschenden Bahnen. Als sie bemerkt, dass sie ungewollt schwanger geworden ist, kann Autumn nicht mit der Unterstützung ihrer Eltern rechnen. Gemeinsam mit ihrer Cousine Skyler (Talia Ryder) kratzt sie ein wenig Geld zusammen und die beiden machen sich im Bus auf den Weg nach New York City. Im Gepäck haben sie nur die Adresse einer Klinik – und sonst keinen Plan. «Never Rarely Sometimes Always» wurde beim Sundance Film Festival 2020 mit dem US Dramatic Special Jury Award ausgezeichnet. Bei der Berlinale 2020 gewann der Publikumsliebling den Silbernen Bären, Grosser Preis der Jury.

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arttv Rezension Seine Choreografien waren visuelle Erlebnisse – und ihrer Zeit voraus. Merce Cunningham (1919– 2009) begann als begnadeter Tänzer in den 40ern Filmkritik: Doris Senn und schuf bald gewagte eigene Choreografien – in künstlerischer Allianz mit John Cage, seinem Partner, und Robert Rauschenberg, der bis in die 60er fürs Bühnenbild zeichnete. Cunningham liebte es auch, seinen Tanz draussen zu inszenieren – in natürlicher oder urbaner Umgebung. Zu Beginn belächelt, setzte der Erfolg paradoxerweise erst ein, als seine grosse Zeit als Tänzer vorbei, die erste Generation seiner illusteren Dance Company schon von der nächsten abgelöst wurde. Die russische Dokumentarfilmerin Alla Kovgan, die sich seit 15 Jahren der Verbindung von Tanz und Film widmet, bringt sein Leben und Werk auf die 3-D-Leinwand – und realisiert damit das erste und bisher einzige Filmprojekt, für das der Cunningham Trust seine Erlaubnis gab. «Cunningham» schafft räumliches Erleben und kreiert ein faszinierendes multiperspektivisches Tanzspektakel. Doris Senn, arttv.ch

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Zum Film Als eine Sherpa-Familie von einer Gruppe Bergsteiger angefragt wird, einen Treck über die bisher unbezwungene Ostwand des imposanten Kumbhakarna in Nepal anzuführen, steht sie vor einem Dilemma. Der Gipfel ist nicht nur anspruchsvoller als der Mount Everest, sondern er gilt in der lokalen Kirant-Religion als heiliger Berg, der nicht bestiegen werden darf. Der Vater möchte mit der Expedition das nötige Geld für die Ausbildung seines Sohnes verdienen. Doch die Mutter, eine kämpferische Frau, ist dagegen den Körper Gottes zu besteigen. Um ihrem Sohn den Traum, Arzt zu werden, zu ermöglichen, willigt sie schliesslich ein, die drei Ausländer auf den Berg zu führen. Die Regisseurin Eliza Kubarska begleitet die Expedition und zeigt wie die Familie versucht, dem Druck, die Besteigung zu ermöglichen, den extremen Bedingungen und ihren religiösen Überzeugungen gerecht zu werden. Eliza Kubarska, eine erfahrene Alpinistin, fängt atemberaubende Bilder der majestätischen Bergwelt ein und lenkt damit den Blick auf die spirituelle Dimension von Natur und Umwelt.

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arttv Rezension Ein polnischer Bergsteiger, der zusammen mit zwei Russen den Bergriesen Kumbhakarna (7712 m) über die Ostwand bezwingen will, erkennt erst spät: «Die machen gar keinen Film über die Besteigung, sondern über Menschen.» Exakt, die polnische Bergsteigerin und Regisseurin Eliza Kubarska begleitet die Expedition in Nepal. Dabei ging es ihr nicht um die verwegene Klettertour, nicht um den Akt des Aufstiegs und des vermeintlichen Triumphs, sondern um zwischenmenschliche Konflikte, um eine Sherpa-Familie, die eigentlich gegen ihren Willen und Glauben, dieser Expedition zudiente, um die Schändung eines Heiligen Berges und um vermessenen Ehrgeiz. Das eindrückliche Dokudrama «The Wall of Shadows» beschreibt Extremsituationen angesichts eines majestätischen, aber auch gefährlichen Berggiganten. Selten wurden die Gewalt der Natur, die Verlockung eines mächtigen Gipfels, die Kleinheit und Widersprüchlichkeit der Menschen so fesselnd und dramatisch eingefangen wie in diesem Bergdrama. Rolf Breiner, arttv.ch Filmkritik: Rolf Breiner

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Eliza Kubarska ist Regisseurin, Bergsteigerin und Reisende. Sie wurde in Łódź, Polen geboren und absolvierte die Akademie der Bildenden Künste in Warschau und die Wajda-Filmschule in Polen. Seit 2004 führt sie Regie bei weltweit preisgekrönten Dokumentarfilmen, die oft an extremen Orten produziert werden: «What happened on Pam Island», gedreht auf Grönland, «Walking Under Water», gefilmt auf den Meeren um Borneo und unter Wasser, sowie «K2.Touching the Sky», gedreht in Karakorum, der seine Premiere in der Semaine de la Critique am Locarno Film Festival feierte. Eliza Kubarska nahm an vielen anspruchsvollen Bergsteigerexpeditionen teil, unter anderem in Grönland, Pakistan, Mali, Marokko, Mexiko und China. 2008 gründete sie das Filmstudio Vertical Vision.

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Wie hat sich die Pandemie und der Lockdown auf Ihre Arbeit ausgewirkt, respektive sie beeinträchtigt? Bettina Oberli: Sehr stark, ich war im März gerade in der Endphase der Vorbereitung für meine erste Operninszenierung, Tschaikowskys «Eugen Onegin», am Luzerner Theater, als der Lockdown verkündet wurde – vier Tage bevor die Premiere hätte stattfinden sollen. Meinen neuen Film «Wanda, mein Wunder» hatte ich zu jener Zeit bereits fertiggestellt, seine Weltpremiere hätte im April in New York am Tribeca Film Festival über die Bühne gehen sollen. Das Festival fand dann ausschliesslich online statt, und das nur in sehr eingeschränktem Rahmen. In meinem Fall hiess das, «Wanda, mein Wunder» konnten nur die Mitglieder der Jury und einige Medienvertreter sehen, seine Weltpremiere vor Publikum wird also am ZFF sein. Gitta Gsell: Wir waren in Bern und Umgebung mitten drin in Postproduktion, Sounddesign und Color Grading von «Beyto» und am Schneiden meines neuen Projektes; eines Dokumentarfilms über die Camera obscura, als plötzlich alles stillstand. Ich arbeitete also intensiv am Schnitt des neuen Projekts weiter, hatte dauernd Zoom-Meetings mit meinen Mitarbeitern, reiste aber auch öfter in leeren Zügen herum. Doch mit der Zeit wurde das ziemlich mühsam, mir schlug das auch aufs Gemüt – und ich bin jetzt sehr froh, dass sich mit dem ZFF dieses Fenster geöffnet hat, mit «Beyto» endlich herauszukommen, nach so vielen Monaten der Ungewissheit. Meine wichtigste Erfahrung in der Zeit des Lockdowns war aber die Erkenntnis: Wir sind hier in der Schweiz nicht im sicheren Hafen. Welches sind Ihre bisherigen Erfahrungen mit dem ZFF? Bettina Oberli: Ich kenne das Festival eigentlich vor allem als Zuschauerin. Es ist nun das erste Mal, dass ein Film von mir am ZFF gezeigt wird, ich war einzig 2007, an der 3. Ausgabe des Festivals Mitglied in der internationalen Jury. Den Festivaldirektor Christian Jungen kenne ich schon seit Langem, aus seiner Zeit als Filmjournalist. Ich habe nun gewisse Hoffnungen, dass unter seiner Leitung dem Arthouse Kino am ZFF noch mehr Platz als bisher eingeräumt wird – das diesjährige Programm verspricht in dieser Hinsicht ja schon viel. Was die Präsenz meines Films am Festival betrifft, so passt er natürlich nur schon deshalb gut, weil er in der Umgebung von Zürich spielt. Gitta Gsell: Für mich ist das ZFF Neuland. Ich kannte das Festival bisher nur als gelegentliche Besucherin, nun bin ich natürlich umso mehr gespannt, wie «Beyto» hier ankommen und aufgenommen wird.

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Das Festival trumpft damit auf, dass der Anteil neuer Filme, die von Frauen realisiert wurden, mit 38,6 Prozent ungewöhnlich hoch ist. Spielt das für Sie eine Rolle? Gitta Gsell: Ich entstamme einer Generation, die es noch erlebt hat, als Frau in der Filmwelt ein ziemlich exotisches Wesen zu sein. In den USA bewegte ich mich in der Welt des Experimentalfilms, dort war zwar die totale Dominanz der Männer etwas weniger ausgeprägt, aber als ich dann 1990 in die Schweiz zurückkam, war das anders. Schlimm war vor allem, dass es nicht nur sehr wenige Frauen in der Schweizer Filmszene gab, sondern dass in meiner Generation diese immer weniger wurden. Zwar gab es in der «Ich entstamme einer Generation, die es noch erlebt hat, als Frau in der Filmwelt ein ziemlich exotisches Wesen zu sein.» Gitta Gsell Westschweiz Jacqueline Veuve, Patricia Plattner oder Léa Pool – die aber bald nach Kanada auswanderte – oder in der Deutschschweiz Marlies Graf und Gertrud Pinkus. Doch gerade Letztere beide verlegten sich nach einigen Erfolgen, die sie in von den 1970ern bis Anfang der 1990er hatten, danach auf andere Gebiete als auf Kinofilme. Für Ihre Generation Bettina Oberli, präsentierte sich die Situation ja dann schon etwas anders. Bettina Oberli: Ja, das stimmt. Aber ich kann mich auch noch erinnern, dass ich 1994, als ich das erste Mal als Zuschauerin an den Solothurner Filmtagen war, «Mouvements du désir» von Léa Pool sah. Und damals war es immer noch etwas Besonderes, wenn ein Film von einer Frau realisiert wurde. Als ich dann im darauffolgenden Jahr meine Ausbildung an der ZHdK begann, erlebte ich allerdings eine ziemlich andere Umgebung: Die Schule wurde von zwei Frauen geleitet und eine Filmklasse vor mir bestand sogar ausschliesslich aus Frauen. Man muss aber auch dazu sagen, dass es damals überhaupt erst sehr wenige Leute gab, die eine Filmausbildung absolvierten. Aber es waren Institutionen wie die ZHdK, die einen wesentlichen Anteil daran hatten, dass sich die Situation in Bezug auf Frauen im Schweizer Film zu ändern begann. Und gerade beim Spielfilm sind heute ein paar Absolventinnen der ZHdK, die meiner Generation angehören, herausragend: Sabine Boss, Anna Luif, Andrea Štaka – oder von der jüngeren Generation

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Lisa Brühlmann. Wichtig für die weitere Entwicklung waren dann aber auch jene Studien, die in den letzten Jahren im Auftrag des BAK realisiert wurden und die die immer noch herrschende Untervertretung von Frauen im Schweizer Film belegten. Diese Studien hatten dann auch Konsequenzen bezüglich vermehrter Förderung von Frauen. «Den Festivaldirektor Christian Jungen kenne ich schon seit Langem, aus seiner Zeit als Filmjournalist. Ich habe nun gewisse Hoffnungen, dass unter seiner Leitung dem Arthouse Kino am ZFF noch mehr Platz als bisher eingeräumt wird – das diesjährige Programm verspricht in dieser Hinsicht ja schon viel.» Bettina Oberli Machen Frauen andere Filme als Männer? Bettina Oberli: Ja, vielleicht schon (lacht). Doch naturgegeben schaut man als Frau gewisse Dinge anders an, man setzt vielleicht andere Schwerpunkte. Und doch: Jeder Mensch macht andere Filme. Ich habe immer mit Männern und mit Frauen zusammengearbeitet. So habe ich etwa seit meinem Diplomfilm bei fast all meinen Filmen mit dem gleichen Kameramann, Stéphane Kuthy, zusammengearbeitet. Für «Wanda, mein Wunder» arbeitete ich nun erstmals mit einer Kamerafrau, Judith Kaufmann zusammen. Dies einfach deshalb, weil ich ihre Arbeit kannte und ich fand, dass ihr Stil ideal zu «Wanda» passt. Gitta Gsell: Natürlich gibt es Unterschiede bei den Genres. So werden beispielsweise immer noch nur sehr wenige Actionfilme von Frauen realisiert. Generell kommt es auf die Person an, ich selber kann nicht sagen, ob ich grundsätzlich lieber mit Männern oder mit Frauen zusammenarbeite. Interview: Geri Krebs

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Bettina Oberli, 1972 in Interlaken geboren, studierte nach einer Ausbildung zur Primarlehrerin von 1995-2000 an der 1991 gegründeten Zürcher Hochschule der Künste (ZhdK) Film. Bereits ihr erster langer Spielfilm «Im Nordwind» (2004), ein Drama um einen seine Arbeitslosigkeit verbergenden Familienvater, wurde in den Wettbewerb des Filmfestivals San Sebastián eingeladen. Ihr zweiter Spielfilm, «Die Herbstzeitlosen», 2006 auf der Piazza Grande in Locarno uraufgeführt, avancierte in der Folge zum zweiterfolgreichsten Schweizer Film überhaupt. 2018 kehrte Bettina Oberli mit dem Beziehungsdrama «Le vent tourne» erneut auf die Piazza in Locarno zurück. In den Jahren davor hatte sie die Spielfilme «Tannöd» (2009), «Lovely Louise» (2013), sowie die TV- Miniserie «Private Banking» (2017) und darüber hinaus unter anderem zwei Kurzfilme und Theaterarbeiten realisiert. Mit ihrem neuen Spielfilm «Wanda, mein Wunder», einer Tragikomödie um eine polnische Pflegerin eines Patriarchen in einer Zürichseevilla, wurde das 16. ZFF offiziell eröffnet.

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Wanda, mein Wunder besticht durch ein hochkarätiges Schauspiel- Ensemble: Marthe Keller und André Jung spielen das alteingesessene Ehepaar Wegmeister-Gloor. Marthe Keller wurde für ihre Rolle neben Dustin Hoffmann in Marathon Man für einen Golden Globe nominiert und feierte erfolgreiche Engagements am Broadway. André Jung erhielt den begehrten Gertrud- Eyesoldt-Ring und ist in Kino- und Fernsehspielfilmen wie dem Publikumserfolg Giulias Verschwinden zu sehen. Die Rollen der Kinder, Sophie und Gregi, werden von Birgit Minichmayr und Jacob Matschenz übernommen. Anatole Taubman spielt Sophies Ehemann Manfred. Und Agnieszka Grochowska verkörpert die polnische Pflegerin Wanda.

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TRAILER Subtil, sinnlich und voller Sommerwärme erzählt Gitta Gsell die Liebesgeschichte von drei jungen Menschen. Er ist beliebt in seinem Freundeskreis, ein motivierter Lehrling und der aufstrebende Star eines Berner Schwimmclubs. Doch Beyto, die Hauptfigur des gleichnamigen Films, ist auch ein junger Secondo, der entweder den Rückhalt seiner Familie oder die eigene Identität zu verlieren droht. – Gitta Gsells Drama ist die Adaption des literarischen Werkes «Hochzeitsflug» von Yusuf Yesilöz, erschienen 2011 im Limmat Verlag.

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Gitta Gsell, 1953 in Zürich geboren, hat ihre künstlerischen Wurzeln in bildender Kunst, Fotografie, Performance und Tanz. Von 1979-89 lebte sie in New York, realisierte in jener Zeit diverse Kunstprojekte, Experimentalfilme und multimediale Theaterarbeiten. 1997 drehte sie in der Schweiz ihren ersten langen Kinospielfilm «Propellerblume» eine bittersüsse Liebeskomödie aus dem Künstlermilieu. Der Film erzielte einen Achtungserfolg und war 1998 für den damals ganz neu ins Leben gerufenen Schweizer Filmpreis nominiert. Noch grössere Bekanntheit erreichte Gitta Gsell nach ihrer definitiven Rückkehr in die Schweiz dann mit ihren Musikdokumentarfilmen «Irene Schweizer» (2005), «Bödälä» (2010) und «Melody of Noise» (2016). «Bödälä» erhielt 2010 den Publikumspreis an den Solothurner Filmtagen. Mit «Beyto», einem schwulen Liebesdrama um einen türkischen Secondo in der Schweiz, hat Gitta Gsell nach «Propellerblume» wieder einen Kinospielfilm realisiert. «Beyto» läuft am ZFF im «Fokus Wettbewerb», der zwölf Filme aus den drei deutschsprachigen Ländern umfasst.

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Zum Film Er ist ein talentierter Schwimmer, ein motivierter Lehrling, ein cooler Kumpel: Beyto steht mitten im Leben, vor sich eine rosige Zukunft. Eigentlich. Doch als sich der einzige Sohn türkischer Einwanderer in seinen Trainer Mike verliebt, bricht die heile Welt zusammen. Schockiert und beschämt sehen seine Eltern nur einen Ausweg: Beyto muss heiraten, Tradition und Ehre wahren. Sie locken ihren Sohn in ihr Heimatdorf und planen ihn mit Seher, seiner Freundin aus Kindheitstagen, zu verheiraten. Plötzlich befindet sich Beyto in einer zerreissenden Dreiecksbeziehung: Wie kann er zu Mike zurückfinden ohne Seher ihrer Zukunft zu berauben?

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arttv Rezension Ihre subtile Geschichte eines jungen schwulen Türken, der als Secondo in der Schweiz lebt und in Anatolien mit seiner Cousine zwangsverheiratet wird, brilliert nicht zuletzt durch hervorragende schauspielerische Leistungen. Etwa Beren Tuna, die die Mutter von Beyto spielt. Tuna gewann 2016 den Schweizer Filmpreis für ihre Hauptrolle in «Köpek». In «Beyto» steht sie für die Zerrissenheit vieler konservativer Eltern, die in den Filmkritik: Felix Schenker modernen Westen eingewandert sind. «Weisst du, warum ich schwul bin? Weil es schön ist!» Begeisterte Premiere am Zurich Film Festival von Gitta Gsells neuem Spielﬁlm «Beyto». Subtile Gewalt Die Szene, in der sie ihren Sohn auf die Hochzeit vorbereitet und ihm das weisse Hemd zuknöpft, geht unter die Haut. Hier trifft Mutterliebe auf subtile Gewalt. «Es zählt die Familie, nicht die Liebe», sagt sie zu ihrem Sohn, der keine Schande über ihren Clan bringen soll. Das Aufeinanderprallen zweier Lebenswelten – auf der einen Seite die liberale Schweiz, auf der anderen das traditionelle Anatolien, wird in «Beyto» bestechend, temporeich und farbenfroh von Regie und Kamera in Szene gesetzt. Einen entscheidenen Beitrag, dass das so hervorragend gelingt, trägt auch Schauspieler Dimitri Stapfer bei, er verkörpert Mike, Beytos Schwimmtrainer. Bald sind die beiden jungen Männer schwer verliebt. «Weisst du, warum ich schwul bin? Weil es schön ist!», sagt Mike locker zu seinen neuen Lover. Dass das für Beyto nicht ganz so einfach ist, muss Mike erst lernen. Diesen Prozess hat Regisseurin Gitta Gsell feinfühlig herausgearbeitet. Ihr Film, der auf der Romanvorlage «Hochzeitsflug» von Yusuf Yesilöz basiert, präsentiert sich modern und frei von Klischees.

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Anspruchsvolle Dreharbeiten Um den Film realisieren zu können, sah man sich mit einigen Schwierigkeiten konfrontiert, lässt die Regisseurin verlauten. Die Adaption des Drehbuchs und die Organisation von Drehbewilligungen in der Türkei stellten Herausforderungen dar. Auch war es nicht leicht, in der Schweiz einen jungen Mann zu finden, der die türkische Kultur verkörpert und dennoch bereit war, eine homosexuelle Rolle zu spielen. Gsell sah sich mit etlichen Absagen konfrontiert. Fündig wurde sie mit Burak Ates. Und das ist dann auch die eigentliche Sensation des Films. Der mittlerweile 25-jährigen Schweizer ohne jegliche Schauspielerfahrung ist zum allerersten Mal in einem Spielfilm zu sehen. Von Beruf ursprünglich Produktionsmechaniker meistert er seine erste Rolle mit Bravour. Wer «Beyto» gesehen hat, hat also gute Chancen, bei der Geburtsstunde eines neuen Schweizer Filmstars zugegen zu sein. Felix Schenker, arttv.ch

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Das Festival lädt zum 19. Mal ein, den kulturellen Untergrund der Musik- und Filmszene zu entdecken. Etwa mit einer Retrospektive des japanischen Punk- Regisseurs Masashi Yamamoto. Seine sozial-durchgedrehte Komödie «Wonderful Paradise» wird als Europapremiere das Festival eröffnen. Musikalisch I R U T L U K V T A N R E T L A Poesie und Sanftheit, Sex und Satan, mit nach Äther duftenden Traumﬁlmen, das LUFF wird auch dieses Jahr wieder richtig wild. explosiv geht es etwa mit Officine zu und her, einem brutal wütenden Anti- Grunge- und No- Wave-Trio oder Alessandra Zerbinati, eine der extremsten Figuren der italienischen Harsh- noise Szene.

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Film Der japanische Punk-Regisseur Masashi Yamamoto wird in einer selektiven Retrospektive zu sehen sein, in der vier massgebliche Filme aus verschiedenen Epochen seiner Karriere vorgestellt werden. Sein neuester Spielfilm Wonderful Paradise, eine sozial- durchgedrehte Komödie, wird das Festival mit seiner Europapremiere eröffnen. Parallel dazu werden in der Reihe Japanese 8mm Madness Filme gezeigt, die in den 80er Jahren in der japanischen Underground-Szene entstanden sind und sich um heutige Kultfiguren wie Sono Sion oder Shinya Tsukamoto drehen. Als Abschlussveranstaltung wird eine respektlose Adaption von Shakespeares «The Tempest» gezeigt: #ShakespeareShitStorm, der neue Spielfilm des berühmten amerikanischen Filmemachers und Chefs von Troma Entertainment, Lloyd Kaufmann, der darüber hinaus Pate stand für die erste Ausgabe des LUFF im Jahr 2002. Während das Adieu au langage Cinerama eine Auswahl von Spielfilmen präsentiert, die auf Dialoge verzichten oder wenig bekannte Sprachen verwenden, wie zum Beispiel Leslie Stevens Film Incubus – einer der wenigen Spielfilme in der Geschichte des Kinos, der vollständig auf Esperanto gedreht wurde – mit William Shatner in der Hauptrolle, kehrt Maxime Lachaud mit einem Programm rund um Films-rêves, auch Trip-Filme genannt, zum LUFF zurück.

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Playdurizm TRAILER Diese Arbeiten, die eine Reise an die Grenzen von Hypnose und Unterbewusstsein darstellen, spiegeln sich wie Träume wider, durchdrungen von Symbolik, Erotik und besorgniserregender Fremdheit. In den Kinosälen wird auch ein Programm, kuratiert von den beiden befreundeten Festivals 2300 Plan 9 und Fête du Slip, zu sehen sein, die im Frühjahr ihre diesjährige Edition absagen mussten. Während das Festival aus Chaux-de-Fonds 2300 Plan 9, zwei Spielfilme des Jahrgangs 2020 präsentiert, wird das multidisziplinäre Festival, La Fête du Slip, das sich auf Körper und Sexualität in der Kunst konzentriert, dem Publikum des LUFF seinen internationalen Kurzfilmwettbewerb zeigen.

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Musik Brennend erwartet wird dieses Jahr unter anderem Künstlerin Käthe Kruse (14.10), die Mitglied der Berliner Kultgruppe «Die Tödliche Doris» war. Nicht nur wird sie mit einem Konzert das Musikprogramm eröffnen, sondern sie hat auch eine Einzelausstellung im Centre d’art Circuit. Ebenfalls am Mittwoch findet die die Grenzen des Soundsystems austestende Performance « sacrifice de subs » der multidisziplinären Künstlerin SOUHARCE (14.10) statt. Erwan Keravec (14.10) hingegen wird, nur mit seinem Dudelsack bewaffnet, Soundsystem sowie Elektrizität einfach links liegen lassen und ohrenbetäubend aber völlig unplugged spielen. Der Donnerstagabend wird wild und explosiv sein mit den Auftritten von Officine (15.10), einem brutal wütenden Anti-Grunge- und No-Wave- Trio von Alessandra Zerbinati (15.10), einer der extremsten Figuren der italienischen Body-perf und Harsh-noise Szene sowie von völlig hyperaktivem Künstler Vestas (15.10), der auf seiner akustischen Gitarre ein Noise-surf-rave improvisieren wird.

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Hervorzuheben wäre ebenfalls der Auftritt der kanadischen Künstlerin Crys Cole (16.10), die auf dem LUFF ihr neuestes Stück «Neither here, nor there». aufführen wird, das Beiträge von Oren Ambarchi und Seiji Morimoto beinhaltet. Am selben Abend laden Inga Huld Hákonardóttir und Yann Leguay (16.10) zu einer skulpturalen und klanglichen Reise durch Zyklus und Wiederholung ein, während La Race (16.10) die Codes der Industriemusik ad absurdum führt, zwischen Zufalls-doom und nervösem No-Wave oszilierend. Und am Abschlussabend gibt es dann noch zwei Weltpremieren: eine spezielle Covid-19-Kreation für das LUFF von Luciano Chessa (17.10), Komponist und Spezialist für den Lärmokkultismus der italienischer Futuristen: Performer, die Nichtmusiker sind, werden das Publikum umringen und für sie auf ihren eigenen Hörgeräte spielen. Zum Anschluss gibt es einen Auftritt von Antoine Chessex, Nina Garcia und Louis Schild, die für das LUFF ihr erstes gemeinsames Konzert geben werden. Die Ausgabe 2020 endet mit dem Projekt Petronn Sphene (17.10) – bestehend aus der Hälfte der Mitglieder der britischen Gruppe Guttersnipe -, das diese vier Tage intensiver, atemberaubender und befreiender Performances abschliesst.