CLICK_NOV20

CLICK CINEMA | NOV 2020
Editorial
W. - Was von der Lüge bleibt
A Perfectly Normal Family
Wettbewerbe
Gilles Caron
El Robo del Siglo

Liebe CLICK Leser*innen Und weiterhin tragen wir Masken. Die Pandemie ist noch lange nicht vorbei. Das merken wir auch in dieser Ausgabe unseres multimedialen Kulturmagazins CLICK: Der Heftteil CLICK STAGE ist quasi obsolet geworden. Bühnenproduktionen ﬁnden wenige statt. Mit nur maximal 50 Zuschauer*innen lohnt sich das für die meisten Häuser einfach nicht mehr. Bis auf ein paar Unermüdliche wie etwa die Bühne Aarau, die uns im Dezember mit dem besonderen Projekt «Krebskaraoke» überraschen wird. Aber ich wiederhole mich nun bereits zum dritten Mal: Kein Schaden ohne Nutzen! Denn gemäss Medienberichten sollen die Buchhandlungen boomen. Es wird wieder mehr gelesen und das ist immerhin eine sehr gute Nachricht. Auch jene Kulturbetriebe, die nicht auf ein Massenpublikum angewiesen sind, sondern intensive Kulturerfahrungen im kleinen Rahmen bieten, bekommen mehr Aufmerksamkeit. Das ist wiederum für uns Kulturliebhaber eine Chance, Neues und Spezielles zu entdecken, abseits der Mainstreamhäuser. Und was bedeutet das fürs Kino. Wir spezialisieren uns auf Filme, die wir zu Hause streamen können. Immer aber in der Hoffnung, dass wir bald wieder im Kinosaal, diese faszinierende Kunstform erleben dürfen Felix Schenker, arttv Chefredaktor

Eine emotional starke, kluge und inspirierende Dokumentarﬁlm-Perle! TRAILER Regisseur Rolando Colla ist es gelungen, durch Empathie, Geduld und Unvoreingenommenheit das Vertrauen von Bruno Wilkomirski zu gewinnen, der in «W. – Was von der Lüge bleibt» erstmals einräumt, das Buch «Bruchstücke» sei keine Autobiografie. Collas Film geht den Fragen nach, welches Umfeld und welcher persönliche Hintergrund dazu führten, dass Wilkomirski dieses Buch so geschrieben hat und bis zu welchem Grad etwas universell Menschliches in dieser Täuschung steckt.

arttv Rezension Nur schon die Tatsache, dass es Rolando Colla geschafft hat, Bruno Wilkomirski alias Bruno Doesekker- Grandjean, vor die Kamera zu bekommen, ist eine schier unglaubliche Leistung. Dabei geht es Colla aber keineswegs um Vorführung oder Blossstellung dieses gar nicht so unsympathischen Mannes, der vor über zwanzig Jahren mit seiner erfundenen Autobiografie einer Kindheit im Holocaust die halbe Welt zu täuschen vermocht hatte. Vielmehr schafft es der bisher vor allem durch seine Spielfilme («Giocchi d’estate») bekannte Regisseur – der 2012 mit seinem bis anhin einzigen Dokumentarfilm «Das bessere Leben ist anderswo» schon einmal sein Geschick im Umgang mit Biografien voller extremer Brüche bewiesen hatte – tiefe Einblicke in die seelischen Abgründe eines Betrügers und Hochstaplers filmisch zu vermitteln. Dabei widerspiegelt der Film das Spiel mit Fiktion und Realität seines Protagonisten mittels der animierten düsteren Illustrationen des Zeichners Thomas Ott grosser Perfektion. Es ist nichts weniger als die kongeniale Visualisierung einer Zwischenwelt, in der die Kategorien von Lüge und Wahrheit ausgeschaltet scheinen. Geri Krebs, arttv.ch Filmkritik Geri Krebs

Zum Film Das Buch «Bruchstücke. Aus einer Kindheit 1939–1948» schlug international hohe Wellen – sowohl als es erschien, wie auch als sich später herausstellte, dass die angebliche Autobiografie erfunden war. Der Berufsmusiker Bruno Wilkomirski beschrieb in seinem 1995 erschienenen Werk seine frühste Kindheit in einem Konzentrationslager. Er erhielt Preise, war als Zeitzeuge und Experte weitum gefragt. Nachdem vier Jahre später bekannt wurde, dass es sich bei «Bruchstücke» um eine Art Lebenslegende handelt, Bruno die ganze Kindheit in der Schweiz verbracht hatte, beharrte er zunächst auf der Richtigkeit seiner Erinnerungen. Dann zog er sich zurück und äusserte sich nicht mehr öffentlich – bis jetzt. Eine emotional starke, kluge und inspirierende Dokumentarfilm-Perle mit Illustrationen des Comiczeichners Thomas Ott.

DREI FRAGEN … Rolando Colla, was waren für Sie die Beweggründe, den Fall Bruno Wilkomirski ﬁlmisch aufzurollen? In der Nacht nach der Premiere meines letzten Dokumentarfilmes erschien mir Bruno Wilkomirski im Traum: Er kam in einem orangen Licht vor schwarzem Hintergrund auf mich zu. Am anderen Morgen wusste ich, dass er meine nächste Herausforderung sein würde, sofern es mir gelingen würde, ihn für das Filmprojekt zu gewinnen und sich das Unterfangen finanzieren liesse. Was er getan hatte mit seinem Buch, war im Grunde für niemand so richtig nachvollziehbar, auch wenn es viele Erklärungen zum Fall gab. Ich wollte den Menschen verstehen, an seine Geschichte und seine Persönlichkeit herankommen. Und es reizte mich, zu erfahren, wo er nach all den Jahren stand, was zurückblieb nach dem Skandal, so ganz ausserhalb des Rampenlichts. Ob Dokumentar- oder Spielfilm: Randfiguren und Aussenseiter haben es mir angetan. Wie waren Ihre Begegnungen mit Bruno Wilkomirski? Ich kannte Bruno Wilkomirski von Musikaufnahmen, die mein Bruder und ich anfangs 80er- Jahre für einen Film gemacht hatten. Er spielte bei diesen Aufnahmen Bassklarinette. Wir hatten sogar ein Filmprojekt, das ihn als Klarinettenbauer porträtieren sollte, aber die Finanzierung kam nicht zustande. Ich verlor ihn dann aus den Augen, las sein Buch und hörte vom Skandal, als die Autobiografie als Fälschung entlarvt wurde. Am Anfang war Bruno eher misstrauisch und distanziert, als ich ihn besuchte. Aber ich liess mir Zeit, erzählte auch von mir selbst und brachte die Kamera erst nach einem halben Jahr ein. Er muss gespürt haben, dass ich ihm nicht feindlich gestimmt war. Umgekehrt blieb ich immer eher neutral in meiner Haltung, neugierig, aber nicht wertend. Als ich ihm nach einer Weile vorschlug, mit einem kleinen Team vorbeizukommen, wollte er das nicht. Nur im persönlichen, fast intimen Rahmen zwischen ihm und mir waren die Dreharbeiten möglich. Nach sieben Jahren hatte ich das Material beisammen.

Auffällig ist, dass Sie es vermeiden, Bruno Wilkomirski als blossen Täter darzustellen… Der Fall ist tatsächlich ziemlich komplex, Bruno ist als Mensch sehr facettenreich, es wäre uninteressant, ihn bloss als Opfer oder als Täter darzustellen. Er ist für mich – wie wir alle – ein Mensch mit einer Lebensgeschichte, mit Sehnsüchten und inneren Zwängen: Diese Schiene hat mich interessiert. Welches Umfeld und welcher persönliche Background haben das Buch als etwas hervorgebracht, das es nicht war, für das es aber jahrelang gehalten wurde – nämlich die Autobiografie des jüngsten KZ- Überlebenden? Wie lässt sich das im Nachhinein verstehen? Was sagt Wilkomirski dazu, ohne Druck und aus der zeitlichen Distanz? Bis zu welchem Grad steckt etwas universell Menschliches in dieser Täuschung? Das waren einige der Fragen, denen ich nachgehen wollte. Rolando Colla (1957, Schaffhausen) lebt und arbeitet seit 1978 in Zürich, er ist Drehbuchautor, Schauspieler und realisierte als Regisseur seit 1983 Auftragsfilme. Im Jahr 1984 gründete er seine eigene Produktionsfirma Peacock Film AG und ist seit 2002 Dozent an der EICT (Escuela Internacional de Cine y Television), San Antonio de los Baños, Havanna, Kuba. Für seinen Film «Summer Games» (2011) gewann er den Schweizer Filmpreis «Quartz 2012» und wurde in den Kategorien Bester Spielfilm und Bestes Drehbuch ausgezeichnet.

Eine Annäherung an ein grossartiges fotograﬁsches Werk und die Person dahinter. TRAILER GILLES CARON - HISTOIRE D'UN REGARD Der Fotograf Gilles Caron verschwand 1970 spurlos in Kambodscha. Er war kaum 30 Jahre alt und einer der wichtigsten Zeugen seiner Zeit, berichtete über den Sechstagekrieg, den Mai 68, Belfast, Biafra, Vietnam. Mariana Otero machte sich auf die Suche nach dem Menschen hinter den Bildern. Ein Film für alle, die gerne fotografieren. Und ein Stück Zeitgeschichte, vermittelt über Bilder, die sich ganzen Generationen einprägten und für ihre Zeit stehen.

Zum Film Gilles Caron verschwand 1970 plötzlich in Kambodscha. Er war kaum 30 Jahre alt, mitten in einer schillernden Karriere als Fotojournalist. Während sechs Jahren war er einer der wichtigsten Zeugen seiner Zeit und berichtete für die grössten Zeitschriften über den Sechstagekrieg, den Mai 68, den Nordirlandkonflikt, den Prager Frühling oder den Vietnamkrieg. 1967 war er, kurz nach deren Gründung, zur legendären Fotoagentur Gamma gestossen. Als die Regisseurin Mariana Otero das Werk von Gilles Caron entdeckte, erregte ein Foto ihre Aufmerksamkeit, in dem ihre eigene Geschichte widerhallte: Das Verschwinden eines geliebten Menschen, der nur Bilder hinterlassen hatte, die es zu entschlüsseln galt. Dann tauchte sie in die 100’000 Aufnahmen des Fotoreporters ein, um ihm eine Präsenz zurückzugeben und die Geschichte seines so einzigartigen Blicks zu erzählen. Ein Film für alle, die gerne fotografieren. Und ein Stück Zeitgeschichte, vermittelt über Bilder eines Fotografen, die sich uns einprägten. Eine anregende Suche auch nach der Position des Fotografen und wie er sich bewegt, um am Ende ein ikonografisches Bild zu schiessen.

Zum Film Fernando Araujo ist ein argentinischer Künstler mit einer grossen Liebe für Philosophie, asiatische Kampfkünste und Marihuana. Eines Tages hat er eine Art Erleuchtung, bei der ihm seine Berufung erscheint: Er will den perfekten Bankraub planen und diesen auch ausführen. Doch für seinen grossen Coup braucht er Komplizen, die entsprechende technische, juristische und psychologische Fähigkeiten mitbringen. Er findet fünf davon. Nur einer ist Profi in dieser Branche: der auf Einbruch spezialisierte Uruguayer Luis Mario Vitette. An Ideen mangelt es Araujo nicht, die besten kommen ihm beim Kiffen. Und so reift ein Plan, ebenso simpel wie genial: ein Täuschungsmanöver, ein so genannter Express-Raubüberfall. Während zwei Mann die Banco del Rio am helllichten Tag durch die Eingangstür stürmen, klassisch mit «alle auf den Boden und Geld her, sonst knallt’s», dringen die anderen durch einen vorgängig gebauten Tunnel in den Tresorraum ein. Und wenn die Polizei den Gaunern die geforderte Pizza liefert (man will etwas essen, bevor man sich ergibt), ist die Truppe längst durch den Abwasserkanal verschwunden.

«Ein mit viel Ironie und Situationskomik durchzogenes Heist- Movie, das von der ersten bis zur letzten Minute fesselt und einen als Zuschauer*in mit einer Mischung aus Bewunderung und Ungläubigkeit im Kinosessel zurücklässt.» – Frame, Sarah Stutte TRAILER i INFO WANN & WO El robo del siglo | Regie: Ariel Winograd | Komödie, Crime | 114 Minuten | Argentinien, 2020 | Verleih: Trigon Film

Zum Film Was liegt in der Luft? Das «Zürcher Tagebuch» ist ein filmischer Essay, der zu reflektieren und zu verorten versucht, was im Moment an schwer fassbaren gesellschaftlichen und politischen Entwicklungen vor sich geht. Der gebürtige Zürcher Regisseur Stefan Haupt geht dabei assoziativ vor, mäandrierend, fragend – und bezieht persönliche Texte, Bilder und Beobachtungen der letzten Jahre mit ein. All dies vor dem Hintergrund seiner eigenen Familie und seiner Heimatstadt Zürich. Einer Stadt, in der vielerorts ein Wandel des Zeitgeistes zu beobachten ist. In der 169 Nationalitäten zu Hause sind und angesichts so brennender Themen wie Flüchtlingsdrama, Finanzkrise, Klimaerwärmung und dem Auftauchen eines neuen Virus ein mulmiges Gefühl aufsteigt. Und das in einer Zeit, in der eine totale Überforderung durch mediale Überflutung und Realtime- Informationen herrscht. Mittendrin genauso: ein Aufbruch, ein Erwachen, das viele Kreise erfasst. Ansätze von Visionen, neue Formen des Zusammenlebens. Momente des plötzlichen Vertrauens in unsere Institutionen, unsere Strukturen, in uns selbst – all dies in einer Stadt, die beste Voraussetzungen hat, sich vorwärts zu bewegen und neue Wege zu erkunden. So spinnt der Film ein dichtes, assoziatives, vielschichtiges Netz, fängt poetisch und experimentierfreudig Gefühle, Gedanken, widersprüchliche Stimmen und Tendenzen ein, stellt Fragen und ist ein Spiegelbild dieser irritierenden, emotionsgeladenen, bedrohlichen und doch auch so spannenden, äusserst lebendigen Zeit.

«Schweren Themen, die nachdenklich machen, setzt der Zürcher Regisseur eine neue Tendenz in der Gesellschaft entgegen: ein Gefühl des Aufbruchs, der Veränderung, eines neuen Miteinanders, getragen von den Jungen.» – SRF, Tagesgespräch TRAILER i INFO WANN & WO Zürcher Tagebuch | Regie: Stefan Haupt | Dokumentation | 100 Minuten | Schweiz, 2020 | Verleih: Xenix Filmdistribution

Sie lebten unter ihnen und starben am Heroinkonsum – eine Engadiner Dorfgemeinschaft bricht endlich das Schweigen. TRAILER In der atemberaubenden Berglandschaft des Engadins, unter dem tiefblauen Himmel, beginnt in den 1980er-Jahren ein Drama: Im Sog der Zürcher Jugendbewegung verbreitet sich das Heroin auch im Oberengadin. Das tragische Schicksal vieler jungen Menschen spaltet die Dorfgemeinschaft bis heute. Der Film «Suot tschêl blau» bricht erstmals das Schweigen und leitet den Prozess der Versöhnung ein.

Zum Film Die atemberaubende Landschaft des Oberengadins ist in den 1980er und 1990er-Jahre Schauplatz einer Tragödie, die lange tabuisiert wurde. Von den Zürcher Unruhen inspiriert, widersetzten sich die Jugendlichen den traditionellen Gesellschaftsregeln. Der Dorfplatz von Samedan wird zum Treffpunkt der Engadiner Jugendkultur. Doch mit dem gemeinsamen Musizieren und Kiffen findet auch das Heroin Eingang in den unbeschwerten Aufbruch der Jugendlichen. Die Drogensucht und der Tod der eigenen Kinder ist ein Schock für die ganze Region. Ohnmacht und Schuldzuweisungen spalten die Dorfgemeinschaft. Eine Aufarbeitung findet nie statt. «Suot tschêl blau» gibt den Erinnerungen, welche Eltern und Freunde so lange für sich behalten haben, einen Raum. Ist heute eine Versöhnung, die Entstehung eines kollektiven Gedächtnisses unter diesem tiefblauen Himmel möglich?

Dimitri Stapfer zeigt als Mike überzeugend, dass er ein äusserst begabter Schauspieler ist. Auch zu sehnen in der aktuellen TV-Serie «Frieden». TRAILER Es kommt selten vor, dass ein Film die arttv Filmredaktion dermassen begeistert, dass gleich zwei Kritiker*innen eine Rezension schreiben möchten. Bei «Beyto» von Gitta Gsell, der gegenwärtig in unseren Kinos läuft, ist das der Fall. arttv Filmjournalistin Madeleine Hirsiger und ihre Zweitmeinung…

arttv Rezension Mit «Beyto» setzt die Zürcher Regisseurin Gitta Gsell in der Schweizer Spielfilmszene ein starkes Zeichen. Mit ihrem neusten Werk führt sie uns mit sicherer Hand durch heikle Themenbereiche, die grosses Fingerspitzengefühl abverlangen. Im Zentrum der Geschichte: der junger Türke Filmkritik: Madeleine Hirsiger Beyto, der als kleines Kind mit seinen Eltern in die Schweiz gekommen ist und als junger Mann merkt, dass er schwul ist. Eine explosive kulturelle Mischung mit grossem Erzählpotenzial, das Gitta Gsell geschickt auf die Leinwand bringt. Der junge Beyto ist im Kebab-Laden seiner arbeitsamen Eltern tätig, daneben trainiert er für eine Meisterschaft im örtlichen Schwimmklub. Hier schlägt sein Herz, hier kann er zeigen, wie gut er ist und hier verliebt er sich in seinen Trainer Mike. Als er von zwei Freundinnen seiner Eltern an einer schwul-lesbischen Parade gesehen wird, wird es für ihn zu Hause ungemütlich. Abstreiten ist angesagt, denn darüber reden geht gar nicht. Das, was ist, darf und kann nicht sein. Nicht beim Sohn türkischer Eltern – niemals. Mit dem Argument, seine geliebte Grossmutter liege im Sterben, wird Beyto in die Türkei «entführt». Dort haben seine Eltern arrangiert, dass er seine Jugendfreundin Seher heiraten soll, um das Image einer intakten türkischen Familie aufrecht zu erhalten. Durch die Heirat wird sich alles von selbst ergeben und Beytos sexuelle Orientierung war nur eine zeitweise Verwirrung, so die Hoffnung der Eltern. Auch ihm ist klar, dass er Seher heiraten muss. Sie ist eine junge, gescheite Frau, die Beyto seit seinen Kindertagen gern hat und deren Zukunft er nicht zerstören will. Er offenbart sich ihr. Was folgt, ist ein weiterer gewagter und gelungener Schachzug der Regisseurin Gitta Gsell. Dazu nur so viel: Das Ende des Films ist aufbauend. «Beyto» ist auch eine Art Lehrstück, das für interkulturelles Verständnis plädiert. So soll der Schweizer Mike ebenso verstehen, was es heisst, aus einer türkischen Familie zu stammen, die voll in den Traditionen verwurzelt ist, auch wenn diese schon seit Jahrzehnten in der Schweiz wohnt. Mike muss lernen zu ertragen, dass der familiäre Zusammenhalt für Beytos Eltern das Wichtigste ist und es für Homosexualität in diesem Kulturkreis keinen Platz gibt. Denn da ist «Schwul sein» immer noch des Teufels. Eine heile Familie mit möglichst vielen Kindern, das ist der Traum von Beytos Eltern. Und dafür kämpfen sie mit allen Mitteln. Ihre Integration ist vordergründig, alle Kontakte laufen über türkische Freunde und Familienmitglieder. Der rebellische Beyto verkörpert für uns die Hoffnung, dass sich die nächsten Generationen von Migranten in der westlichen und toleranteren Gesellschaft etablieren können, dass die Integration für sie möglich ist, ohne ihre Herkunft verleugnen zu müssen.

Die eindrücklichen Schauspieler Burak Ates und Dimitri Stapfer geben Gitta Gsells inszenierten Geschichte, die auf dem Buch «Hochzeitsflug» von Yusuf Denn da ist «Schwul sein» immer noch des Teufels. Eine heile Familie mit möglichst vielen Kindern, das ist der Traum von Beytos Eltern. Yesilöz basiert, ein glaubhaftes Gesicht. Für Burak Ates ist es die erste Filmrolle. Er wurde 1994 in Solothurn geboren und ist ausgebildeter Produktionsmechaniker. Seine türkischen Eltern waren nicht erfreut, dass ihr einziger Sohn einen Homosexuellen spielt: Gott sei Dank nur im Film – im realen Leben wäre das für sie grauenhaft. Burak Ates besucht nun die Schauspielschule in Zürich. Und Dimitri Stapfer zeigt als Mike überzeugend, dass er ein äusserst begabter Schauspieler ist. Das beweist er auch bewegt und engagiert in der SRG-Serie «Frieden», die gegenwärtig zu sehen ist. Wir warten auf Fortsetzungen. Madeleine Hirsiger, arttv.ch Beyto | Regie: Gitta Gsell | Drama | 98 Minuten | Schweiz, 2020 | Verleih: Frenetic Films | Der Film läuft gegenwärtig in unseren Kinos

In diesem Jahr ﬁndet das Arab Film Festival Zurich bereits zum fünften Mal statt – ein kleines Jubiläum, das durchaus gefeiert werden darf! Die 5. Ausgabe des Arab Film Festival Zurich findet im Zürcher Filmpodium statt. Zu sehen sind 36 lange und kurze Werke aus arabischen Ländern; erwartet werden zahlreiche Filmschaffende. Erstmals stehen 15 neue Langfilme in einem Wettbewerb und das Festival wird von Zürichs Stadtpräsidentin Corine Mauch persönlich eröffnet. Der Eröffnungsfilm am 19. November, die leise Komödie «Good Morning» von Bahij Hojeij, ist eine Hommage an Beirut, die nach der verheerenden Explosion vom 4. August nun auch als eine Art filmisches Denkmal für die versehrte Stadt gelten kann.

Über das Leben im arabischen Raum 2012 hat der private, konfessionell und politisch neutrale Verein International Arab Film Festival Zurich (IAFFZ) gemeinsam mit dem Filmpodium der Stadt Zürich das Arab Film Festival Zurich gegründet, das seither alle zwei Jahr stattgefunden hat. Ziel des Festivals war es von Anbeginn, zum einen die Vielfalt des Filmschaffens arabischer Länder zu zeigen und zum andern eine Plattform für den kulturellen Austausch zu bieten, die einem Schweizer Publikum die Möglichkeit gibt, jenseits der Berichterstattung in den Medien und aus erster Hand zu erfahren, wie das Leben im arabischen Raum aussieht. Neuer Wettbewerb Eine Premiere in dieser Festivalausgabe ist der Wettbewerb: Die 15 langen Spielfilme und Dokumentarfilme aus den letzten zwei Jahren werden von einer Jury bewertet, die sich wie folgt zusammensetzt: Yasmine Chouikh, die Tochter der algerischen Filmschaffenden Mohamed Chouikh und Yamina Bachir, hat mit ihrem Spielfilmerstling «Until the End of Time» (2017) eine meisterhafte Komödie vorgelegt, die Algerien bei den Oscars vertrat. Rasha Salti, in Toronto geboren und in Beirut aufgewachsen, ist international als Kuratorin für Kunst und Film tätig. Catherine Silberschmidt, Filmwissenschaftlerin und Filmhistorikerin aus Richterswil, beschäftigt sich seit Jahren vor allem mit dem arabischen Filmschaffen. Die Jury verleiht zwei Preise, für den Besten Film und für die Beste Regie.

Tunesien und Marokko Dieses Jahr widmet das Arab Film Festival Zurich nicht nur einem Filmland einen Schwerpunkt, sondern gleich zwei: Tunesien und Marokko, früher unter europäischer Fremdherrschaft, haben sich beide seit ihrer Unabhängigkeit sehr unterschiedlich entwickelt, was sich auch in ihrem Filmschaffen niederschlägt. Am Samstag, dem 21. November, findet eine Podiumsdiskussion zum Filmland Tunesien statt, am Samstag, dem 28. November folgt die Podiumsdiskussion zum Filmland Marokko. Moderiert werden beide Veranstaltungen von Beat Stauffer, freischaffender Journalist und Buchautor mit Schwerpunkt Maghreb. Als Gäste erwartet werden Filmschaffende und Fachleute zur kulturellen und politischen Lage der beiden Länder, wobei in einigen Fällen die Teilnehmenden via Internet zugeschaltet werden. Aus Tunesien und Marokko sind neben neuen Filmen auch Klassiker zu sehen, die den heutigen Cineast*innen den Weg bereitet haben: «Une porte sur le ciel» (Marokko 1989) von Farida Benlyazid, «Le collier perdu de la colombe» (Tunesien 1991) von Nacer Khemir und «La saison des hommes» (Tunesien 2000) von Moufida Tlatli.

Das Arab Film Festival Zurich (AFFZ) feiert sein erstes kleines Jubiläum – worauf dürfen wir uns besonders freuen? Freuen darf man sich natürlich auf die Filme: eine starke Auswahl, deren Titel fast alle aus den letzten zwei Jahren stammen. Und freuen darf man sich nach heutigem Stand auch auf einige Gäste, die Begegnungen und Gespräche ermöglichen werden. Das Mini- Jubiläum zeigt, dass das Festival sich nach vier Durchführungen etabliert hat und akzeptiert wird, Zuspruch erfährt – seitens der Filmschaffenden, aber auch des Publikums. Seit der ersten Ausgabe des zweijährlich stattfindenden AFFZ 2012 (nach der ersten Protestwelle des Arabischen Frühlings 2010) konnte man verfolgen, wie die Filmschaffenden sich mit den Entwicklungen seither auseinandergesetzt haben. Wie zeigt sich der Umgang mit den Folgen des Arabischen Frühlings an den Titeln des diesjährigen Festivals? Es gibt Filme, die sehr direkt Kritik am System üben und den Freiheits- oder Emanzipationsgedanken der Protestbewegung weitertragen. Etwa «Sofia» der marokkanischen Regisseurin Meryem Benm’Barek, die zeigt, wie zweitrangig die Stellung der Frau noch immer ist. Dabei geht es um ausserehelichen Sex, der nach wie vor strafbar ist, und darum, dass eine Frau kein Kind zur Welt bringen kann, ohne den Namen des Vaters zu registrieren. Den Widerstand gegen die traditionellen Moralvorstellungen und rückständige Gesetze inszeniert der Film dabei sehr präzis. Andererseits ein Werk wie der tunesische «Tlamess» von Ala Eddine Slim, in dem ein junger Soldat – dazu abgeordert, die ‹Rebellen› zu verfolgen – aus dem ‹Apparat› und der Zivilisation aussteigt und sich in die Wälder zurückzieht. Eine kuriose Parabel mit der klaren Botschaft: Dieses System taugt so nicht! Natürlich geht es auch um Bürgerkriegssituationen, wie sie immer noch herrschen, etwa im syrischen Film «Between Two Brothers» von Joud Said, der die Auseinandersetzung explizit als «Bruderkrieg» inszeniert. Die Auswahl umfasst 36 Titel aus neun Ländern, fast die Hälfte davon von Regisseurinnen. Ist das der Auswahl zu verdanken oder einer unvermutet progressiven arabischen Filmlandschaft? Wir vom Filmpodium haben eine Vorauswahl erhalten seitens des Programmteams des Vereins IAFFZ, der die Festivals besucht und die Selektion anhand von Qualitätskriterien macht. Aber es ist

sicher nicht zufällig, dass so viele starke Regisseurinnen darunter sind. Es gibt in verschiedenen Ländern nicht nur die Möglichkeit, als Frau gefördert zu werden, sondern auch einen grösseren Antrieb, sich Ausdruck zu verleihen. Dafür spricht zudem, dass es auch in Filmen von Regisseuren viele starke Frauenfiguren gibt. Meiner Meinung nach ein Zeichen des Fortschritts, wirkt man doch über die indirekte filmische Auseinandersetzung an einer Veränderung gewisser Wertvorstellungen im entsprechenden Kulturraum mit. Im Fokus des Festivals sind dieses Jahr gleich zwei Länder – was prägt die Filme aus Marokko, was jene aus Tunesien? In welchem Dialog oder Kontrast stehen die beiden Schwerpunktländer? In Marokko sind die Verhältnisse noch sehr viel konservativer als in Tunesien. Tunesien gilt als Vorzeigeland des Arabischen Frühlings – das Land hat sich wahrscheinlich am meisten verändert, auf demokratische Art, ohne Gewalt. So befinden sich tunesische Filme, in deren Fokus eher «moderne» Probleme stehen (die uns im Norden/Westen aus unserem Alltag vertraut sind) an einem ganz anderen Ort in Bezug auf Kultur und Politik als etwa marokkanische Filme, die (noch) die alten Gesetze und Wertvorstellungen hinterfragen (müssen). Es gibt also eine gewisse Phasenverschiebung im Vergleich der beiden Länder. Wie steht es um die Finanzierung: Gibt es eine nennenswerte Filmförderung in den arabischen Ländern? Und was für eine Rolle spielt die staatliche Zensur? In Marokko gibt es eine staatliche Kunsthochschule in Marrakesch, die ESAV, die von einer Schweizer Stiftung gegründet wurde. Dort findet seit einigen Jahren eine systematische Ausbildung von Filmschaffenden statt – das diesjährige Plakat des Festivals wurde von Studierenden der ESAV kreiert. Ebenso gibt es viele Koproduktionen – etwa mit Frankreich, aber auch anderen Ländern, die vermehrt Projekte aus dem arabischen Raum unterstützen – was wiederum zu einer breiteren Rezeption der Filme führt. Eine spezielle Position hat Syrien inne, wo man ausschliesslich mit staatlicher Förderung Filme drehen kann. Der syrische Regisseur Joud Said etwa, von dem wir schon mehrere Filme gezeigt haben und der dieses Jahr mit «Between Two Brothers» am Festival teilnimmt, operiert sehr vorsichtig, wenn es darum geht, die Kriegssituation zu thematisieren, ohne die staatliche

Filmförderung zu gefährden. Das Thema Zensur lauert dabei ständig im Hintergrund bei seinem Schaffen. Apropos internationale Koproduktionen: Hat dies Auswirkungen auf die Erzählweise in den Filmen, auf deren Inhalt? Zumindest teilweise ist das sicher und doch wirkt der ‹westliche› Dokumentarfilm dank der Erzählungen der Frauen sehr, sehr authentisch. Doch man muss abwägen: So ist die monumentale ägyptische Produktion «Diamond Dust» des hochgelobten und erfolgreichen Regisseurs Marwan Hamed, basierend auf dem so. Etwa bei der britisch- amerikanisch-syrisch-dänischen Produktion «We Are Not Princesses» der US-Filmemacherin Bridgette Auger und der in London lebenden Syrerin Itab Azzam über eine Theateraufführung von «Antigone» durch syrische Flüchtlingsfrauen in Beirut. Das ganze Projekt wurde vom Westen initiiert und getragen, Bestseller eines ägyptischen Autors, erzählerisch hoch professionell gemacht, ein Thriller, wie ihn Hollywood realisieren könnte, und doch extrem verwurzelt in der ägyptischen Geschichte und Politik – nämlich eine taffe, unerbittliche Chronik darüber, wie der ägyptische Staat seit Jahrzehnten versagt. Andererseits gibt es Filme, die man FilmTIPP von Michel Bodmer: ISLAM OF MY CHILDHOOD Nadia Zouaoui, 1988 als 19-Jährige aus Algerien nach Montréal ausgewandert, spürt in ihrer Heimat jenem toleranten Islam nach, den sie als Kind erlebte, der aber seither von radikaleren Ausprägungen verdrängt wurde. Bei den Alten findet sie Spuren des Islamverständnisses von früher, bei manchen Jungen Kritik am Salafismus. Eine differenzierte Diskussion einer Religion mit vielen Facetten.

Ein Mustsee ist für mich «Islam of My Childhood»: Nadia Zouaoui ist eine algerischstämmige Filmemacherin, die – nach Montreal ausgewandert – in ihr Ursprungsland zurückkehrt, um dem Islam den Puls zu fühlen. In ihrer Kindheit erfuhr sie ihn als weltoffene, tolerante Religion, bis der Salafismus aufkam. Sie interviewt in der Folge Menschen aus der Generation ihrer Eltern oder Zeitgenoss*innen, die von früher erzählen – andererseits junge Leute, auch aus eher konservativen ländlichen Regionen, die nunmehr eine kritische Haltung gegenüber dem Salafismus einnehmen. Wenn immer wieder nach einer innerislamischen Diskussion gerufen wird, um die Radikalisierung zu überwinden – dieser Film führt sie exemplarisch vor Augen: nicht nur im Hinblick darauf, wie vielfältig der Islam ist, sondern auch, was die unterschiedlichen Meinungen dazu bis hin zu den allerjüngsten Entwicklungen und Öffnungen im Islam betrifft. Interview: Doris Senn diesbezüglich als dezidiert «arabisch» wahrnimmt: etwa der marokkanische «The Healer» von Mohamed Zineddaine über eine Heilerin und eine merkwürdige Dreiecksbeziehung. Ein Film, der in seiner ‹Urtümlichkeit› in dieser Form im Westen nicht gemacht werden könnte. Andererseits haben wir aus demselben Kulturraum Ali Essafi und sein «Before the Dying of the Light» über die Unterdrückung der kulturellen Aufbruchsbewegung in den 70ern – eine hochmoderne Collage. Ägypten ist, was Filmproduktion, Filmmarkt und Starsystem angeht, das «Hollywood» im arabischen Raum. Was bedeutet das für die anderen arabischen Länder und ihre Filme? In der Distribution gibt es sicher Rivalitäten. Doch gerade durch internationale Koproduktionen gibt es für die Filme aus anderen arabischen Ländern Start- und Schützenhilfe in einem: Sei es, dass sie vermehrt an internationale Festivals geladen werden oder international sogar ins Kino kommen. Welchen Titel aus dem reichhaltigen Programm möchten Sie dem Publikum besonders ans Herz legen?

2006 ist Bagdad unter US-Besetzung. Die Haifa Street wimmelt von Heckenschützen. Dennoch wagt sich der aus den USA heimgekehrte Iraker Ahmed dorthin, weil er seine Geliebte ausser Landes bringen will. Vor ihrem Haus streckt ihn der Sniper Salam nieder. Die Gründe dafür sind zunächst unklar. Mohanad Hayal, 1985 im südirakischen Nasiriya geboren, zeigt mit «Haifa Street» am Festival seinen Spielfilmerstling. i INFO WANN & WO International Arab Film Festival Zurich | Filmpodium Zürich | 19. bis 29. November 2020

Tanz Luzerner Theater - IRIS by Jasmine Morand © Ingo Hoehn «Faded» Cie Ioannis Mandafounis Der Genfer Tänzer Ioannis Mandafounis hat sich längst auch als erfolgreicher Choreograf etabliert. Nun tritt er von der Bühne ab. In «Faded» schlüpft er ein letztes Mal in die Rolle des klassischen Tänzers und liefert eine facettenreiche, tiefgründige und humorvolle Tour de Force des Tanzes – kongenial unterstützt von der Künstlerin und Performerin Antigone Frida. 17. Oktober 2020 bis 22. Mai 2021 «I am who I am who I am» Tanz Luzerner Theater In ihrer Produktion für Tanz Luzerner Theater setzen sich drei Choreografinnen auf individuelle Art und Weise mit dem Thema «Identität» auseinander. Die Israelin Ella Rothschild inszeniert in «PIGULIM» absurde gesellschaftliche Szenen um eine gedeckte Tafel. In «IRIS» befasst sich die Genfer Choreografin Jasmine Morand mit dem Verschmelzen von Individuum und Gruppe. «personae», das Stück der Britin Caroline Finn wird als Tanzfilm uraufgeführt und handelt von gesellschaftlichen Maskeraden in einer skurrilen Zwischenwelt. Drei intelligente Blickwinkel auf das zeitlose Thema «Identität». 28. Oktober 2020 bis 5. November 2020

SPIELORTE & TOURDATEN: www.steps.ch «Nothing Left» Tabea Martin Jede Bewegung verfliegt in dem Moment, in dem sie geboren wird, bereits wieder unwiederbringlich. Was spiegelt unsere Vergänglichkeit, wenn nicht Tanz? In «Nothing Left» beleuchtet die Basler Choreografin Tabea Martin die Auswirkungen, die der Tod von anderen auf uns hat. Dabei eröffnet der Tanz für das Unaussprechliche eine neue Ebene der Kommunikation. 28. November 2020 bis 16. Juni 2021 «LUDUM» Anton Lachky Company Choreografiert wie eine Spielshow, präsentieren sich die Kandidat*innen in «LUDUM» mit kurzen, kraftvollen Soli. Sie tanzen im Zeitraffer, in rasender Hollywood- Perfektion oder mit asiatischem Kampfkunst-Furor. Die Spielregeln bleiben offen. Eine bizarre Fantasie ohne Grenzen – das ist der anarchische Spass dieses Abends mit der belgischen Anton Lachky Company. 8. April 2021 bis 1. Mai 2021 Anton Lachky Company | LUDUM | ©Hichem Dahes

Zum Buch Heranwachsen im Dazwischen-Sein: Für die zehnjährige Ich-Erzählerin ist vieles nicht so, wie es sein sollte. Zwischen ihren Eltern herrscht ein Ungleichgewicht, ihr Vater wird von der Nachbarin ignoriert und ständig wird sie gefragt, woher sie komme. Und warum wollen ihr eigentlich alle Menschen in die Haare fassen? Ihre Mutter ist eine emanzipierte Schweizerin, ihr Vater ein stiller, entwurzelter Mann aus Sansibar, der als Koch arbeitet und nicht viel über seine Herkunft preisgibt. Nur, wenn er zuhause in der Küche steht, fühlt er sich seiner Heimat nahe und lässt andere über das Essen daran teilhaben. Dann verliert er die Arbeit. Immer mehr entfremdet er sich seiner Familie und dem Leben in der Schweiz. Die Erzählerin fühlt sich als in der Schweiz geborenes Schwarzes Kind ebenfalls zunehmend heimatlos. Anstatt sie zu unterstützen, will der Vater ihr einreden, dass die Schweiz auch nicht ihr Heimatland sei.

VIDEO «Die Autorin macht spürbar, wie sich Rassismus im Schweizer Alltag anfühlt. […] Samira El- Maawi erzählt bewusst schlicht, assoziativ und in kurzen Szenen. Für die Erfahrung des Kindes findet sie prägnante Bilder.» – Martina Läubli, NZZ am Sonntag INFO WEBSITE i In der Heimat meines Vaters riecht die Erde wie der Himmel | Samira El-Maawi | Zytglogge

Schreiben über die Krankheit Die Montage, als die «Tage wie Hunde» konzipiert ist, hat es in sich, der Text wirkt improvisiert und fragmentarisch, als ob er weniger auf Perfektion als auf Polyphonie zielte. Mit scharfem Blick schaut Ruth Schweikert aufs Leben, schreibt über die Welt der Gesunden und der Kranken und die unsichtbaren Grenzen dazwischen, kraftvoll, berührend und bitterkomisch. Das Buch erschien im März 2019 und löste sehr viel positive Resonanz unter den Literaturkritiker*innen aus. ZKB Schillerpreis Der ZKB Schillerpreis wird jedes Jahr durch die Zürcher Kantonalbank auf Vorschlag des Stiftungsrates der Schweizerischen Schillerstiftung ausgerichtet. Der mit 10’000 Franken dotierte Literaturpreis zeichnet im Kanton Zürich lebende Autor*innenfür Werke von herausragender literarischer Qualität aus. Auf Vorschlag des Stiftungsrates der Schweizerischen Schillerstiftung geht der Preis dieses Jahr an die Autorin Ruth Schweikert für ihr Buch «Tage wie Hunde».

Ruth Schweikert wurde 1965 in Lörrach geboren und ist in der Schweiz aufgewachsen. Heute lebt sie mit ihrer Familie in Zürich, ist als Schriftstellerin sowie als Theaterautorin tätig und meldet sich immer wieder engagiert in politischen Debatten zu Wort. 1994 sorgte sie mit dem viel beachteten Debüt, dem Erzählband «Erdnüsse. Totschlagen» für Aufsehen. Es folgten die Romane «Augen zu» (1998), «Ohio» (2005) und «Wie wir älter werden» (2015). Für ihre Arbeit wurde sie u. a. beim Ingeborg-Bachmann-Wettbewerb mit dem Bertelsmann-Stipendium (1994), mit dem Preis der Schweizerischen Schillerstiftung (1999), als Stadtschreiberin von Bergen-Enkheim (2015), mit dem Kunstpreis der Stadt Zürich (2016) und dem Solothurner Literaturpreis (2016) ausgezeichnet. INFO WEBSITE i VIDEO Öffentliches Gespräch der Schillerpreisträgerin Ruth Schweikert mit Giuseppe Garcia | Literaturhaus Zürich | 9. Dezember 2020 | 19.30 Uhr

LINK GANZEN ARTIKEL ANSEHEN TEXT: RUDOLF AMSTUTZ VIDEO Seit 2018 hat die FONDATION SUISA mit der Vergabe von neuen Werkbeiträgen begonnen. Unter dem Titel Get Going! werden kreative und künstlerische Prozesse ﬁnanziell angestossen, die sich ausserhalb der gängigen Kategorien beﬁnden. In einer Porträtserie stellen wir jedes Jahr die Empfänger*innen dieser Get Going!-Beiträge vor. Alle Portraits ﬁnden Sie auf arttv.ch

Zum Stück Graf Almaviva liebt Rosina, Rosina liebt den Grafen. Nein, halt! Eigentlich liebt niemand niemanden. Der Graf sucht bloss ein bisschen Wärme in dieser kalten Welt, in der sich zwar keiner zu nahekommen darf und doch niemand auf Annehmlichkeiten verzichten muss. Rosina kommt da wie gerufen. Doch die will vor allem eines: raus und was erleben. Denn unter der strengen Aufsicht ihres Vaters Doktor Bartolo ist dies fast unmöglich, zu sehr fürchtet er sich vor dem infektiösen Draussen. Als die beiden Kämpfer für die Freiheit der Liebe Figaro und Fiorello die Revolution ausrufen und den Grafen und Rosina für ihre Pläne einspannen, gerät die scheinbar perfekt ausgemessene Welt aus ihren Fugen … In Kooperation mit Radio 3FACH bietet das Luzerner Theater mit seinen Audio-Einführungen schon vor den Vorstellungen Wissenswertes über die jeweiligen Inszenierungen.

VIDEO Tiefgründigkeit und Situationskomik Gioacchino Rossinis Vertonung der Komödie von Pierre Augustin Caron de Beaumarchais strotzt vor Melodien, die zum Nachpfeifen leicht auf den Lippen liegen. Auf diese konzentriert sich Regisseur Martin G. Berger in seiner Neuinterpretation der Oper und spürt dem zukunftsweisenden Geist der Vorlage ebenso nach, wie der Tiefgründigkeit ihrer Situationskomik. Dabei führt er die Figuren nicht nur in schwindelerregende Höhen, sondern stellt buchstäblich alles auf den Kopf. INFO WEBSITE Il barbiere di Siviglia | Luzerner Theater | bis 31. Dezember 2020 i

LINK GANZEN ARTIKEL ANSEHEN VIDEO Bruno und das Hasenvelo | Jörg Bohn | Text und Regie: Paul Steinmann Das Stück ist noch bis Mai 2021 an diversen Theaterbühnen in der Deutschschweiz zu sehen.

Zwei Lebenswelten: Patrons und Arbeiterfamilien Gleich zu Beginn der Ausstellung entscheiden sich die Besucher*innen, wessen Lebenswelt sie zuerst betreten möchten. Jene der Arbeiter*innen? Oder jene des Fabrikbarons und dessen Familie? Wer die Welt des Patrons wählt, erhält anhand von Erzählungen lebhafte und zuweilen ungewohnte Einblicke in die grossbürgerliche Lebenswelt: Wie führte der Patron sein Unternehmen zum Erfolg? Welche fernen Länder bereiste er? Und wie war es im Unternehmen um die Rechte der Arbeiterschaft bestellt? Wer zuerst die Welt der Arbeiter*innen betritt, fühlt sich unmittelbar in deren harten Lebensalltag versetzt: 15- Stunden-Arbeitstage, ungesunde Arbeitsbedingungen, knappe Entlöhnung und beengte Wohnverhältnisse in Kosthäusern auf dem Fabrikgelände. Die Ausstellung zeigt, wie sich die Arbeiterschaft im Aargau organisierte, sich bessere Arbeitsbedingungen erkämpfte und wie die Arbeit von Kindern im Laufe des 19. Jahrhunderts gewisse Einschränkungen erfuhr.

Spiegelsaal der Objekte In einem spektakulären Spiegelsaal zeigt die Ausstellung über 150 Produkte, die der Aargau im Zuge der Industrialisierung hervorgebracht hat. Ob Skibindung, Würfelzucker oder Knetmaschine: Die vielen Objekte lassen staunen, wie viele bekannte Produkte und Erfindungen aus dem Aargau stammen. Die Ausstellung verweist auch auf das Zeitalter der Massenproduktion: Mit der Industrialisierung ist die Ökonomisierung des Lebens gekommen, dessen oberstes Credo Schnelligkeit und Zeitersparnis ist. Auch der Blick in die Zukunft wird gewagt und regt die Besucher*innen an, sich mit dem Umbruch der Arbeits- und Konsumwelt durch künstliche Intelligenz und Robotic auseinanderzusetzen. VIDEO INFO WEBSITE Von Menschen und Maschinen | Museum Aargau | SBB Historic | bis 1. Mai 2021 i

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VIDEO Der Macher Mit viel Enthusiasmus und Leidenschaft für die Kunst betreibt der frühere Marketing- und Verkaufsfachmann Christoph Oeschger, der auch als Musiker auftritt, seit 2018 das Label «Nomadic Art Projects». An wechselnden Orten, im öffentlichen Raum oder in alternativen Ausstellungsräumen, realisiert er Projekte mit Schweizer, aber auch internationalen Kunstschaffenden. Aktuell dient ein vorübergehend leerstehendes Kleidergeschäft in Olten als Ausgangspunkt für die raumgreifende Installation der Künstlerin Maya Rochat. Mit Language of Color wollen der Ausstellungsmacher und die Künstlerin in dieser belasteten Zeit möglichst vielen Menschen ein weites und nachhaltiges Zeitfenster öffnen, das Angst vergessen und Schönheit wahrnehmen lässt. INFO WEBSITE i Nomadic Art Projects Olten, Baslerstrasse 9 (Pop-up) | Language of Color / Maya Rochat | bis 12. Dezember 2020 Die Tanzperformance von Reut Nahum ist während der Ausstellung auf Video zu sehen.

CLICK CINEMA | NOV 2020

Editorial

W. - Was von der Lüge bleibt

A Perfectly Normal Family

Wettbewerbe

Gilles Caron

El Robo del Siglo