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CLICK ART
Editorial
Kunstmuseum Luzern
Link - Besprechung filmexplorer.ch
Kunst Museum Winterthur
Haus Frau Kunst Uri
Junge Kunst #2
Museum zu Allerheiligen
Kunstraum Hochdorf
Kunst(Zeug)Haus
akku Kunstplattform
Sex-Monster, Massenmörder, Genie
Kunsthaus Zürich
Kunstmuseum Basel
Zentrum Architektur Zürich
Mitgliedereinladung Siegerfilm

Liebe CLICK ART Leser*innen Er war einer der ganz grossen Kuratoren unseres Landes, Harald Szeemann. Ihn vorzustellen wird kaum nötig sein. Ein paar Monate vor seinem Tod hat er arttv.ch eines seiner letzten Interviews gegeben. Wir trafen ihn im Zug. Filmen war damals noch wesentlich schwieriger als heute, insbesondere der Ton. Tatsächlich war im Interview das Rattern der Eisenbahn dann auch fast lauter als seine Antworten. Als ich ihn später anrief, um mich dafür zu entschuldigen, war er sehr liebenswürdig. Er ermunterte uns weiterzumachen, denn so Szeemann, arttv.ch sei ein regelrechtes Geschenk an die Schweizer Kulturszene. Natürlich hat diese Einschätzung uns motiviert und uns sehr viel Auftrieb gegeben. Für mich sind auch die in diesem CLICK ART vorgestellten Ausstellungen ein Geschenk. Auf die Ausstellung Kosmos Emma Kunz haben wir bereits im Heft davor hingewiesen. Ich kann Sie nur nochmals ermutigen, diese einmalige Show nicht zu verpassen. Gerade in der Kombination mit den modernen Positionen, die Kunz gegenübergestellt werden, ist die Ausstellung in Aarau ein einmaliges Erlebnis. Das gilt auch für Rinus van de Velde in Luzern oder in Schaffhausen im Museum zu Allerheiligen die Show Doppio II wie auch die aktuelle Ausstellung im Haus für Kunst in Uri. Mit Sicherheit gegenwärtig eine meiner ganz grossen Lieblingsausstellungen. Felix Schenker, arttv Chefredaktor

Erst auf den zweiten Blick Der Kern seiner Präsentation bilden die Videos «The Villagers» (2019–2020) und «La Ruta Natural» (2019–2021). Der erste erzählt Geschichten verschiedener Protagonisten, die durch ein Bergdorf und das Regenwetter verbunden sind: Ein Abenteurer brät im Wald sein Spannferkel, ein anderer ist im Nirgendwo mit dem Auto unterwegs, während sich der eine Künstler ein Hotelzimmer zu eigen macht und der andere kopfüber im Atelier malt. «La Ruta Natural» («Naturpfad») ist der zweite Film von Rinus Van de Velde. Der Titel ist ein Palindrom, eine Folge von Buchstaben, die vor- und rückwärts gelesen (den gleichen) Sinn ergibt. Im Video verfolgt der Held scheinbar einen Plan, der darin mündet, mittels einer komplizierten Maschinerie einen roten Luftballon aufzublasen und losfliegen zu lassen. Auf seinem Weg fährt er in einem hellblauen Cabriolet eine spektakulär steile Passstrasse hinab. Danach überschüttet er das Gefährt mit Benzin und zündet es an. Der Wagen taucht schon in «The Villagers» auf, der Fahrer trägt nun aber eine Maske mit Rinus Van de Veldes Gesicht, was ihm ein puppenhaftes Aussehen verleiht. Dieser Maske begegnen Besucher*innen am Eingang zur Ausstellung.

Ausstellungsansicht, Rinus Van de Velde. I’d rather stay at home, ..., Kunstmuseum Luzern, 2021, Foto: Marc Latzel Rinus Van de Veldes Kosmos Wie die Filme in endloser Schlaufe laufen, folgt die Ausstellung keiner linearen Erzählung. Dieselben Protagonisten, Requisiten und Szenen tauchen auf Zeichnungen, in Filmen und Kulissen auf und oft erschliessen sich die Objekte erst bei der zweiten Begegnung. So taucht man immer tiefer in Rinus Van de Veldes Kosmos ein und trifft an jeder Kreuzung eine Entscheidung, bis man in den Requisiten beinahe verloren geht, zwischen einem meterlangen Tunnel, durch den der Protagonist im Film in einen unterirdischen Maschinenraum gelangt, und dem Hausdach, dass aus dem Hochwasser ragt und im Film einem Pärchen Schutz bietet.

Pseudo-autobiograﬁsche Momente Rinus Van de Velde baut die Kulissen in seinem Atelier mit viel Liebe zum Detail aus Holzlatten, Karton und Pappmaché. Die Helden in seinem Werk erinnern an die Typen aus Filmen und Geschichten, Figuren, die ihre Gültigkeit verloren haben: Das schweigsame Grossmaul, das sich alleine durch die entlegensten Regionen kämpft, der introvertierte Held, der einsam im Atelier an seinem Lebenswerk schafft. Die Vergeblichkeit ihrer Expeditionen und Absurdität ihrer Unternehmungen weckt Neugierde und lässt uns über die menschliche Unzulänglichkeit lächeln. Rinus Van de Velde nutzt die Zeichnung, um einer Idee oder einem Plan Form zu geben, für die Visualisierung von Ideen und der Schaffung seiner fiktiven Universen. Die Zeichnungen zitieren pseudo-autobiografische Momente aus dem Leben des Künstlers: Als Forscher im Einbaum oder als Maler im Studio nimmt er beliebige Identitäten an. Dabei bedient er sich frei im kunsthistorischen Repertoire von Malstilen. Verspielte Keramiken mit Referenzen zu Bob Dylan oder Gustave Courbets «L’Origine du monde» sind eigenständige Objekte. Ausstellungsansicht, Rinus Van de Velde. I’d rather stay at home, ..., Kunstmuseum Luzern, 2021, Foto: Marc Latzel VIDEO i INFO WEBSITE Rinus Van de Velde | I’d rather stay at home, … | Kunstmuseum Luzern | bis 20. Juni 2021 | Zur Aiusstellung erschein ein Katalog

Change! Aufbruch! Veränderung! Die Welt ist im Wandel – und wir mit ihr!? Woran halten wir fest? Wie gestalten wir Wandel mit? Was können wir von Wendepunkten in der Geschichte und aktuell stürmischen Zeiten für die Zukunft lernen? Wohin brechen wir auf?Die Kulturlandsgemeinde 2021 untersucht Momente der grossen und kleinen Verände-r ungen, des Stillstands, des Widerstands und der unaufhaltsamen Transformation. Sie wagt weder Prognosen noch liefert sie Antworten, sondern stellt – gemeinsam mit Vielen – Fragen.mit Dorothee Elmiger • Rolf Bossart und Thomas Stüssi, Erfreuliche Universität Palace • Ann Katrin Cooper, Pamela Dürr und vielen weiteren Kulturkosmonaut*innen • Kurt Forster • Freddy Gaffa, vertreten durch seine Neffen • Christian Hörler • Judith Stokvis und weiteren.Digital und physisch – das Programm passt sich der Entwicklung der Pandemie an. Besuchen Sie unsere Website und abonnieren Sie unseren Newsletter!Sonntag 9. Mai 2021 – Zeughaus Teufenkulturlandsgemeinde.challes bleibt anders

17. 0 4. 21– 20. 06. 21 E s t her A mrein R achel B ühlmann R o s ângela d e A ndr ad e B o s s A gne s M eyer- B r andis K aroline S chreib er R oman S igner U na S ze emann E r ns t Waldner C a s p ar Wol f Öffnungszeiten DO 18 –21 Uhr | SA / SO 11–17 Uhr P fingsten normal geöf fnet. Sonderöf fnungszeiten an Auf fahr t 13. Mai 11–21 Uhr r e l e u h T h a r a S : n g i s e d k fi a r G | 0 2 0 2 , n n a m h ü B l l e h c a R © , d u o l c y m : d l i B www.kunsthauszofingen.ch

Ensor – Picasso – Maskeraden Die Maske als Objekt und Symbol und die Verkleidung als Spiel mit Identität und Inszenierung sind bei James Ensor wie auch Pablo Picasso zentrale Fragen des künstlerischen Schaffens. Die Maske als Objekt und Symbol impliziert auch immer ein Spiel mit Identität und Inszenierung. Damit verbunden ist nicht zuletzt die Auseinandersetzung mit dem eigenen Ich und dem Alter Ego – eine Selbstbefragung, die für Picasso wie für Ensor von zentraler Bedeutung war. Gerade der späte, inzwischen weltberühmte Picasso spielte gerne mit der Selbstdarstellung und wurde nicht müde, sich in immer anderen Maskierungen in Szene zu setzen. Die Ausstellung im Kunst Museum Winterthur spürt diesen Fragen auf sehr angenehme Weise nach und präsentierte die Formen der Maskerade im Schaffen der beiden Meister der Moderne. Ausgehend von ihren zeichnerischen und druckgrafischen Arbeiten, kombiniert mit ausgewählten Gemälden und Skulpturen, entsteht ein spannungsreicher Dialog, der einen neuen wechselseitigen Blick auf ihr Werk ermöglicht und dabei auch unseren eigenen Umgang mit dem Verhüllen reflektiert.

Pablo Picasso (1881 – 1973) Der berühmte Künstler war früh fasziniert vom Zirkus, dem Schauspiel der Harlekine und Akrobaten. Die Werke aus der Rosa Periode zeugen davon. Dabei versuchte er, hinter die Inszenierung zu blicken, den Vorhang und die Masken zu lüften. Seiner ersten grafischen Serie, den Saltimbanques, kommt dabei eine Schlüsselrolle zu. Wenig später entdeckte er die Masken aussereuropäischer Kulturen als Inspirationsquelle und entwickelte aus der Beschäftigung mit ihnen eine völlig neue Gestaltungsform, den Kubismus. James Ensor (1860 – 1949) Er ist «der Maler der Masken». Er kannte Masken und skurrile Objekte schon als Kind aus dem Souvenirladen seiner Eltern. Der heimatliche Karneval lieferte das Schauspiel dazu. Zeitlebens setzte er sich mit dem Thema auseinander und führte dabei exemplarisch vor, wie die Menschen erst durch die Maskerade ihr wahres Gesicht zeigen – gerade, wenn sie als Masse im Festtaumel zusammenkommen. Die Grenze zwischen Gesicht und Fratze, Verhüllung und Entblössung sind dabei fliessend.

VIDEO Etikette und Maskerade – Miniaturbildnisse des Barock Unter Louis XIV avancierte Frankreich zur führenden Herrschaft Europas. Das Schloss Versailles erstrahlte in voller Pracht und war Ausdruck von Grösse und absolutistischer Macht – der König wurde göttergleich verehrt. Der Sonnenkönig zog den hohen Adel an den Hof und begünstigte ihn zeremoniell, um ihn zugleich zu kontrollieren. Eine Wohnung in Versailles zugewiesen zu bekommen, war ein bedeutendes Privileg. Die Etikette beschrieb und regelte hierbei jeden Vorgang und wies jedem Mitglied des Hofes einen für alle sichtbaren Rang innerhalb dieser Gesellschaft zu. Trotz opulenter Inszenierung in kostbaren Roben aus Seide und Spitze mit Allongeperücken und Fächern spielten Aspekte der Convenance, Zurückhaltung und Takt eine herausragende Rolle. Zeitgleich begann der Aufstieg des Königreichs England zur führenden Kolonialmacht und später zum Zentrum von Handel und Industrie. Grossbritanniens konstitutionelle Monarchie bildete eine reiche Aristokratie aus, die in repräsentativen Landsitzen ihr gesellschaftliches Zentrum fand. Etikette und Maskerade jener Zeit, dienten dabei sowohl als Symbol der Selbstdefinition als auch der Täuschung. Dies veranschaulicht eine konzise Auswahl von Miniaturbildnissen des Hochbarock aus Frankreich und England aus dem reichen Fundus der Miniaturensammlung im Kunst Museum Winterthur. i INFO WEBSITE Ensor – Picasso – Maskeraden | Kunst Museum Winterthur | Reinhart am Stadtgarten | bis 20. Juni 2021 | Etikette und Maskerade – Miniaturbildnisse des Barock | Kunst Museum Winterthur | Reinhart am Stadtgarten | bis 16. Januar 2022

Ausdauer, Präzision und Sorgfalt Das Rohmaterial der Fotoserie «Vorgartenkosmologie» sind Beeren, welche in den Frühlingswochen vor den Fenstern des Ateliers von Lorenz Olivier Schmid heranwachsen. Die zwischen Glasscheiben gepressten entleerten Beerenhäute und den ausgetretenen Saft fotografiert er mit dem Licht, das via Glaskante einfällt. Die forschende Vorgehensweise erschafft Bilder von ergreifender Magie. Im Verborgenen findet der Künstler einen Kosmos von wesenhaften Gebilden, welche an organische Zellen, wuchernde Bakterien oder schwarze Löcher erinnern. Seine Fotografien offenbaren uns geheime Bildwelten voller Poesie. Lorenz Olivier Schmids künstlerische Praxis zeichnen sich insbesondere durch die Ausdauer, Präzision und Sorgfalt aus, mit der er sie stetig und konsequent vorantreibt. Freiräume für kreative Prozesse Das Aargauer Kuratorium fördert die Vielfalt, Qualität und Lebendigkeit des aktuellen künstlerischen Schaffens. Es unterstützt die Entstehung herausragender Werke und die Auseinandersetzung mit ihnen, schafft Freiräume für kreative Prozesse und den Austausch zwischen Künstler*innen und Publikum sowie zwischen den Kunstschaffenden. Das Aargauer Kuratorium sensibilisiert die Öffentlichkeit für die Ansprüche und Belange der Kunst sowie für die Erhaltung und Weiterentwicklung einer lebendigen künstlerischen Landschaft im Kanton Aargau.

VIDEO Lorenz Olivier Schmid studierte Fine Arts an der Hochschule für Gestaltung und Kunst Luzern und schloss sein Studium mit einem Master ab. Noch während des Studiums verbrachte er prägende Auslandsaufenthalte in Finnland und Südchina. Nach seinem Abschluss absolvierte er zahlreiche Atelieraufenthalte, unter anderem in Paris und Den Haag. Von 2016 bis 2019 war er Teil der Kunstkommission der Stadt Aarau, seit 2019 ist er Mitglied der städtischen Kulturförderkommission. INFO WEBSITE Lorenz Olivier Schmid | Atelierbesuch März 2021 | Küttigen, Aargau i

Prozessorientiert und dynamisch Für «DOPPIO II» konnte Kurator Julian Denzler den Künstler Beni Bischof (St. Gallen) und das Künstlerduo fructuoso/wipf (Schaffhausen/Zürich) gewinnen. Was verbindet ihre Arbeiten und worin liegt der Mehrwert dieser Kombination? Beiden Positionen gemeinsam ist die prozessorientierte dynamische Arbeitsweise sowie die Fähigkeit, mit unterschiedlichsten Medien raumbezogen zu arbeiten. Inhaltlich haben sich zwei Themen als zentrale Verbindungselemente für das Doppel-Ausstellungsprojekt herauskristallisiert: die Frage nach dem Original eines Werks sowie nach Spielräumen von Autorschaft. Poppige Knalligkeit Die Möglichkeiten des World Wide Web als Werkzeug und Recherchetool spielen in der Ausstellung eine wichtige Rolle. Die Ausstellung orientiert sich in ihrer poppigen Knalligkeit an der schnellen, bunten Wischkultur der Smartphone-Welt und stellt dabei zwangsläufig die Sehgewohnheiten in Räumen der Hochkultur in Frage. Die Künstler verbinden in ihren Arbeiten traditionelle Medien wie Fotografie, Malerei und Bildhauerei mit digitalen Parametern wie Fragment, Überfluss, Gleichzeitigkeit, Interaktion und Recycling.

Ein Pendel aus Beton und Holz Im Zentrum der Ausstellung und des Ausstellungsraums ist die Plastik «il peso della vita» positioniert. In einem Holzgestell, wie es eventuell Steinmetze bei den Bauhütten benutzt haben, liegt ein schweres Pendel aus Beton und Holz. Das Pendel ist durch die horizontale Lagerung seiner Funktion enthoben und verweist auf Stillstand von Zeit und Raum, auf Endlichkeit. Der Titel «il peso della vita» wie auch andere Titel der in der Ausstellung gezeigten Arbeiten wie «Eisen», «la vita», «broken glass», «conceptual orange», «squares» oder «la buddha» führen poetisch durch einen Kosmos materialisierter Bildwelten. INFO WEBSITE i VIDEO Kunstraum Hochdorf | proposte | Henri Spaeti | | bis 25. April 2021

Rundbilder von Guido Nussbaum, Foto: Andri Stadler, Kunst(Zeug)Haus Das Naturelement Wasser besticht durch seine Vielschichtigkeit. Die Ausstellung öffnet einen breiten Blick auf diejenigen Werke in den Beständen der Sammlung von Peter und Elisabeth Bosshard, welche sich in direkter oder indirekter Weise mit dem Element Wasser beschäftigen. LINK GANZEN ARTIKEL AUF ARTTV.CH ANSEHEN Kunst(Zeug)Haus | I’ll Be Your Mirror – Wasser in der Sammlung Bosshard | bis 27. Februar 2022

Der Welt mit Distanz begegnen Die drei Gattungen Landschaft, Stillleben und Porträt bestimmen den roten Faden der drei Hauptausstellungen in der Akku Kunstplattform. Den Auftakt macht die thematische Gruppenausstellung «Der Welt gegenüber. Landschaftsräume» mit fünf zeitgenössischen Positionen. Der Titel formuliert den unmöglichen Wunsch, nicht mittendrin zu sein, sondern einmal zurückzutreten, um der Welt mit Distanz zu begegnen, sich einen Überblick zu verschaffen und sich in Ruhe zu verorten. Gleiches gilt auch für das Erleben von Landschaften: Erst aus der Entfernung können wir uns ein Bild ihres Wesens machen, werden sie für uns fassbar. Aus nächster Nähe verliert sich unser Blick in der mosaikartigen Umgebung. Übersetzung, Interpretation und Abstraktion Die hier gezeigten Bildwelten ermöglichen uns, der Welt – oder eher: grossen und kleinen Welten – für einen Moment gegenüberzustehen. Die Gemälde, Zeichnungen und Fotografen funktionieren als Fenster nach draussen, in die Landschaft, um den Vergleich des Humanisten und Architekten Leo Battista Alberti (1404-1472) aufzugreifen, der das Bild als Illusion des Blickes durch ein offenes Fenster definiert. Die Gemälde, Zeichnungen und Fotografien zeugen von der Suche nach Übergängen und dem Wunsch nach Verortung, machen die Kraft der vier Elemente sichtbar und zeigen den Versuch, die Welt begreifen zu wollen. Die Bilder sind dabei immer auch Übersetzung, Interpretation und Abstraktion «der Welt gegenüber». Textgrundlage: Patricia Bieder

Die Ausstellung zeigt mit Jeroen Geel (*1976), Monika Müller (*1969) und Andri Stadler (*1971) drei Kunstschaffende aus Luzern und weitet mit der in Berlin und in Solothurn lebenden Künstlerin Esther Ernst (*1977) und dem in Burgdorf arbeitenden Maler und Zeichner Heinz Egger (*1937) den regionalen Horizont. Im Mittelpunkt stehen Landschaftsdarstellungen – Waldausschnitte, unbestimmte Räume ebenso wie durchwanderte Gebiete und kartografierte Eindrücke. VIDEO i INFO WEBSITE Der Welt gegenüber. Landschaftsräume | akku Kunstplattform | Gastkuratorin: Patricia Bieder | bis 25. April 2021

Spektakulärer Diebstahl Ein Werk von Benvenuto Cellini machte 2003 Schlagzeilen. Der Alarmanlagen-Techniker Robert Mang hatte mit «unerträglicher Leichtigkeit» das veraltete Sicherungssystem des Kunsthistorischen Museums in Wien überwunden und die «Saliera» geraubt. «Ich bin betrunken am Gerüst gestanden und hab’ mir keine Gedanken gemacht, was ich nehmen soll. Es ist mir ums Reinkommen gegangen.» Nach Einschlagen einer Vitrine hatte er das erstbeste Exponat an sich genommen, ohne zu wissen, was es ist. Die «Sally» wie der Dieb das vergoldete Salzfass später liebevoll nannte, sei recht handlich gewesen, «ein Gemälde hätte ich nicht abtransportieren können». Der Alarm wurde zwar ausgelöst, aber vom Personal zurückgesetzt, da man an einen Fehlalarm glaubte. Vor Gericht hatte Mang erklärt, dass er sich bei einem früheren Museumsbesuch zweierlei angesehen habe: «Die feschen Italienerinnen und die bemitleidenswert altertümliche Alarmanlage». Der Versuch des Täters von der Versicherung des Museums für «Sally», zehn Millionen Euro zu kassieren, sorgte für Aufregung, drohte er doch andernfalls Cellinis Meisterwerk, das heute auf einen Wert von 50 Millionen Euro angesetzt wird, einzuschmelzen. Mang wurde schliesslich eine von ihm verwendete Handy-Wertkarte zum Verhängnis, so konnte er zweieinhalb Jahre nach der Tat ausgeforscht werden. Das Salzfass hatte Mang zuerst in seiner Wiener Wohnung unter dem Bett versteckt und später in einem Wald in Niederösterreich vergraben. Nach seiner Festnahme führte er die Beamten widerstandslos zum Fundort. Heute ist die «Saliera» im Museum zu einem beliebten Motiv für Selfies geworden.

Diktat des Kapitals «Critical Care. Architektur für einen Planeten in der Krise» beweist anhand der gezeigten Beispiele, dass Architektur und Urbanismus dafür sorgen können, den Planeten «wiederzubeleben» – verweist der Begriff «Critical Care» doch auf beides, die Intensivstation und das Sorgetragen. Die verschiedenen Fallbeispiele demonstrieren, dass Architektur und Stadtentwicklung sich nicht dem Diktat des Kapitals und der Ausbeutung von Ressourcen und Arbeit unterwerfen müssen. In jedem der Projekte werden die Beziehungen zwischen Ökonomie, Ökologie und Arbeit neu bestimmt. Die Ausstellung ist eine Produktion des Architekturzentrum Wien und wurde dort erstmals 2019 gezeigt. Kuratorinnen der Schau sind Angelika Fitz (Direktorin AZW) sowie Elke Krasny (Stadtforscherin, Kulturtheoretikerin und Kunstpädagogin). Open Call Zusätzlich sind in der Ausstellung die Einreichungen des Open Call zu sehen, den das ZAZ im Vorfeld der Schau veranstaltet hat. Die Ausschreibung richtete sich an engagierte Akteur*innen der Schweizer Baukultur, die realisierte und nicht-realisierte Projekte einreichen konnten. Vorgabe war, Architektur als eine nachhaltige und kritische Disziplin zu betreiben. Die Beiträge ergänzen die Wiener Schau, bilden eine Verbindung zum lokalen Architekturschaffen und bieten neuen Nährboden zur Diskussion.

Oben: Paulo Mendes da Rocha und MMBB Architekt*innen haben ein modernistisches Kaufhausgebäude in São Paulo in ein soziales Kultur-, Sport- und Gesundheitszentrum umgebaut, das natürlich ventilierte öffentlich zugängliche Räume bietet, mit Swimmingpool auf dem Dach. Foto: Ana Mello | Unten; EAHR aktiviert gemeinsam mit Bewohner*innen und geflüchteten Menschen in der Nähe des Za’atari Flüchtlingslagers in Jordanien traditionelle Baumethoden zur Errichtung von 100 Klassenräumen. Foto: Martina Bo Rubino INFO WEBSITE i ZAZ Zentrum Architektur Zürich | Critical Care. Architektur für einen Planeten in der Krise | 26. März bis 29. August 2021 | Höschgasse 3, Zürich | Mittwoch bis Sonntag, 14 bis 18 Uhr

SCHWESTERLEIN GEWINNERFILM SCHWEIZER FILMPREIS ARTTV MITGLIED WERDEN Ein Begrüssungsgeschenk und exklusive, kostenlose Einladungen warten auf Sie! > WEITERE INFOS Das berührende Geschwister- Drama mit Nina Hoss und Lars Eidinger in den Hauptrollen gewinnt gleich fünf Auszeichnungen beim Schweizer Filmpreis 2021. Er ging als Favorit ins Rennen und hat alle Erwartungen erfüllt. Der Spielfilm von Stéphanie Chuat und Véronique Reymond, der auf der Berlinale 2020 seine Premiere hatte, räumt in den Kategorien «Bester Spielfilm», «Bestes Drehbuch», «Beste Nebendarstellerin» (Marthe Keller), «Beste Kamera» (Filip Zumbrunn) und «Beste Montage» (Myriam Rachmuth) ab. arttv Mitglieder erhalten Streaminggutscheine. Persönliche Einladung folgt.

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