CLICK_ART_Mai

CLICK_ART_Mai_Juni21

CLICK ART MAI/JUNI21
Editorial
Bündner Kunstmuseum | Zilla Leutenegger
Kunst Museum Winterthur
Kunsthaus Zofingen
Junge Kunst #3
Kunstmuseum St.Gallen
Galerieverein Winterthur
Kunst Museum Winterthur
Kunsthaus Grenchen
Fotografie: Werner Gadliger
Kunsthalle Appenzell
Forum Schlossplatz
Kunsthaus Zürich
Bagni Popolari

Liebe CLICK ART Leser*innen Irgendwie merkt man, dass Corona die Museen und Kunsthallen gezwungen hat inne zu halten. Der Zeit-Gap scheint mir, hat den Institutionen gut getan. Er hat ihnen die Möglichkeit gegeben, ihre Ausstellungen noch besser vorzubereiten. Es mag Zufall sein, aber ich kann mich nicht erinnern, wann zur gleichen Zeit so viele grandiose Ausstellungen stattgefunden haben. Gerne erinnere ich nochmals an Rinus Van de Velde mit seiner Ausstellung «I’d rather stay at home, …» im Kunstmuseum Luzern oder an Emma Kunz im Aargauer Kunsthaus. Letztere Ausstellung dauert allerdings nur noch wenige Tage. (Artikel siehe vorherige Ausgaben CLICK ART) Auch in dieser Ausgabe fehlt es nicht an Highlights. Es ist nur eine Auswahl, weitaus mehr finden sich auf unserer Website arttv.ch/ kunst. Es ist mir darum fast nicht möglich zu sagen, was ganz besonders sehenswert ist, dafür müsste ich zu viele aufzählen. Trotzdem erwähne ich an dieser Stelle zwei Ausstellungen explizit: Zilla Leutenegger im Bündner Kunstmuseum Chur, einfach weil ich die Arbeit der Künstlerin seit Jahren verfolge und diese mich sehr beeindruckt, und im Kunsthaus Zoﬁngen «Horizonte». Mit dieser Ausstellung schliesst die Aargauer Institution ihre Reihe zum Thema Natur und Mensch ab. Es ist aber auch die letzte Ausstellung der Kuratorin Claudia Waldner, bevor sie beruflich neue Wege geht. Über die Zeit, die arttv.ch das Kunsthaus Zofingen in den letzten Jahren publizistisch begleiten durfte, habe ich immer mehr gemerkt, was für ein Ausnahmetalent Claudia Waldner als Kuratorin ist. Felix Schenker, arttv Chefredaktor

Zilla Leutenegger | Piano Staccato | 2021 (links) | Installation, Piano bemalt, mechanisiert Wuhrstrasse 2020 (rechts) Öl auf Somerset-Papier (Monotypie), auf Baumwolle aufgezogen Beide: Courtesy the artist and Galerie Peter Kilchmann, Zürich Weitläuﬁge Salons Die Ausstellung ist als grosses Kontinuum eingerichtet und erlaubt den Besuchenden, auf ihrem Rundgang durch Aussen- und Innenräume zu gehen, durch weitläufige Salons und in eine Flucht intimer Zimmer, vom Hellen ins Dunkle und vom Dunkeln ins Helle. Sie integriert ältere Arbeiten und verbindet diese mit neuen Werken, die hier erstmals gezeigt werden. Installationen, Projektionen und grossformatige Bildwerke schaffen zusammen eine Welt, die ganz privat und doch allgemein erscheint, weil wir uns in ihr erkennen und sie uns mit unseren Erinnerungen und Assoziationen zum Teil des Ganzen werden lässt.

Foto: Gian Marco Castelberg Zilla Leutenegger (*1968, Zürich) lebt und arbeitet in Zürich und Soazza. Nach dem Besuch der Handelsschule in Chur und der Textilfachschule Zürich arbeitete die Künstlerin während mehrerer Jahre als Einkäuferin für eine Bekleidungsfirma in Zürich. Von 1995 bis 1999 studierte sie an der Hochschule für Gestaltung und Kunst Zürich, Studiengang Bildende Kunst. Zahlreiche Auszeichnungen, darunter 2001, 2002 und 2004 Stipendium für bildende Kunst der Stadt Zürich, 2004 Manor Kunstpreis Chur und 2005 Eidgenössischer Preis für Kunst. Beteiligung an zahlreichen nationalen und internationalen Gruppenausstellungen. i INFO WEBSITE Bündner Kunstmuseum Chur | Zilla Leutenegger. Espèces d’espaces | bis 1. August 2021 VIDEO Zur Ausstellung erscheint Anfang Juli eine reich bebilderte Publikation mit Texten von Elisabeth Bronfen, Patrick Frey, Max Küng, Stephan Kunz und Juri Steiner. Parallel dazu zeigt das Museum auch den Manor Kunstpreisträger Camillo Paravicini | bis 15. August 2021. Ivan Schumacher dreht gegenwärtig einen Dokumentarfilm über die Künstlerin.

17. 0 4. 21– 20. 06. 21 E s t her A mrein R achel B ühlmann R o s ângela d e A ndr ad e B o s s A gne s M eyer- B r andis K aroline S chreib er R oman S igner U na S ze emann E r ns t Waldner C a s p ar Wol f Öffnungszeiten DO 18 –21 Uhr | SA / SO 11–17 Uhr P fingsten normal geöf fnet. Sonderöf fnungszeiten an Auf fahr t 13. Mai 11–21 Uhr r e l e u h T h a r a S : n g i s e d k fi a r G | 0 2 0 2 , n n a m h ü B l l e h c a R © , d u o l c y m : d l i B www.kunsthauszofingen.ch

Simon Starling *1967 La Decollazione, 2018 Courtesy Galleria Franco Noero, Turin © Simon Starling. All Rights Reserved / 2021, ProLitteris, Zurich Skulptur im Wandel Spätestens in den 1960er Jahren etablierte sich ein Skulpturbegriff, der das traditionelle Verständnis des Kunstwerkes als Artefakt zugunsten prozesshafter Ansätze aufbrach und damit jede Vorstellung ewiger Gültigkeit infrage stellte. Skulptur greift heute die formalen Möglichkeiten der Vergangenheit zwar weiter auf, bestimmt sie indes für die Gegenwart inhaltlich neu. Künstlerische Ansätze müssen sich nicht als radikaler Bruch mit der Tradition behaupten, sondern bauen auf den formalen Recherchen von gestern auf, verbinden diese mit individuellen Erfahrungen und gesellschaftlich aktuellen Themen und schaffen Werke, die vom subjektiven Empfinden der Gegenwart getragen sind.

Simon Starling *1967 La Decollazione, 2018 Courtesy Galleria Franco Noero, Turin © Simon Starling. All Rights Reserved / 2021, ProLitteris, Zurich Zur Ausstellung Nach den Ausstellungen zu den künstlerischen Gattungen Malerei (Frozen Gesture, 2019) und Video (Bewegte Bilder, 2020) befasst sich die Ausstellung «Moment.Monument – Aspekte zeitgenössischer Skulptur» anhand ausgewählter Positionen mit einem weitgehend vernachlässigten Thema der plastischen Gattung: ihrem prekären Zustand zwischen Dauer und Vergänglichkeit, Moment und Monument. Den Kunstschaffenden geht es um Strategien der Erzählung und Erinnerung bzw. der poetischen Aufladung, welche die Kunst zur Welt öffnet – als Monumente einer brüchigen Gegenwart. Die Ausstellung präsentiert sechzehn Positionen im Spannungsfeld zwischen Dauer und Vergänglichkeit von Phyllida Barlow (*1944) und Mona Hatoum (*1952) bis zu Simon Starling (*1967) und Alicja Kwade (*1979).

Esther Amrein und Rosângela de Andrade Boss «Cortina», 2019, Ausstellungsansicht «Horizonte», Kunsthaus Zofingen, Foto: © ullmann.photography, 2021 Sinnbild für Sehnsüchte Wie weit reicht mein Horizont? Diese scheinbare Trennlinie, die den Himmel von der Erde abgrenzt, dient als Sinnbild für Sehnsüchte, Utopien und gedankliche Erweiterung des persönlichen Blickfeldes. Immer wieder reizt es Künstler*innen diese Linien auszuloten, sie zu beobachten, sie festzuhalten und aufzuzeigen. Vom Berggrat bis zum Meeresspiegel, stetig dem Fluss der Zeit folgend, löst sich der Horizont in Wolken auf und trifft dort auf reale Begebenheiten und Imagination im Gedankenraum. Ein Verschieben unseres Blickwinkels auf diese unterschiedlichen Horizonte birgt das Wechselspiel zwischen Bewegung und Stillstand – zwischen hier und dort. Die Wolken des Kernkraftwerks Beim Betreten der Ausstellung begeben sich die Besucher*innen direkt in das Reich der Wolken. Im Werk «Die Wolke» zeigt Karoline Schreiber (1969) eine plastische Gedankenwolke, die eine enorme Kraft in sich birgt und im Weiss einen starken Kontrast zum ruhigen Schwarz im Hintergrund bildet. Die Künstlerin zeichnet bis zur Erschöpfung. Unermüdlich bringt sie ihre Gedankenwolken auf die Leinwand, das Papier und jeglichen Untergrund, den sie finden kann. Um eine andere Art Wolkenbild geht es der Künstlerin Rachel Bühlmann (1977). Sie fotografiert seit mehreren Jahren die Wolke des Kernkraftwerks in Gösgen und zeigt in Zofingen erstmals Auszüge aus der Serie. Auch wenn das Licht in der Wolke romantisch bricht und sich wie ein erhabenes Naturphänomen präsentiert, bleiben beim Betrachten stets die nüchterne Erkenntnis über den Ursprung und die dahinter verborgene Gefahr mit einem fahlen Gefühl zurück.

© Roman Signer, 2002 | Foto: Aufdi Aufdermauer Roman Signer Wasser, Feuer, Luft und Erde sind Elemente, die immer wieder in die Gestaltung der Aktionen von Roman Signer (1938) eingreifen und sie vollenden. Die Videoarbeit Don’t Cross the Line (2002) beginnt mit einer Kameraeinstellung auf eine Schachtel, in der sich gelbes Markierungsband mit der Aufschrift Police Line Do Not Cross befindet. Drei rote, mit Gas befüllte Ballons sind an einem Ende des Bandes befestigt. Sie spulen, einmal befreit, das Band aus der Schachtel ab und zeichnen eine vorüberziehende, gelbe Demarkationslinie in die Landschaft der Mojave-Wüste. Um den Lauf der Zeit, den Fluss der Dinge und das «Hinterlassen von Spuren unsichtbarer Phänomene» geht es im Werk LES MAINS NÉGATIVES, 2020 der Künstlerin Una Szeemann (1975). Ein aus dem Maggiatal stammender Granitblock, in den ein bronzener Ankerring geschlagen wurde, bildet den ruhenden Pol einer Zeitreise in zwei Richtungen. Im Rahmen der Ausstellung «Horizonte» wird der Granitblock im Kunsthauses Zofingen installiert, mit Ausblick durch die Bogenfenster auf die vielbefahrene Strasse am Rande der Altstadt. Die Arbeit lädt zum Sitzen und Verweilen ein. Sich Zeit nehmen mit dem Blick auf den Fluss des Verkehrs, des Treibens der Stadt. Das Verweilen und die damit verbundene Entschleunigung und das genaue Hinschauen sind ebenfalls die Intension des Malers Ernst Waldner (1949). Er widmet sich den klassischen Gattungen der Malerei und sucht seine Motive vor allem in Landschaftsgenres. Das intensive Schaffen des Malers, der sich im Werk und Leben mal auf der einen, mal auf der anderen Seite der Alpenkette bewegt, beinhaltet immer wieder auch den Blick aus verschiedenen Richtungen. Berglandschaften, die vor vierzig Jahren entstanden sind, ergänzen neuere Arbeiten, Zeichnungen, Forschungen und Berechnungen rund um das Thema Horizont.

Caspar Wolf – Pionier der Landschaftsmalerei In der Ausstellung werden Parallelen aus verschiedenen malerischen Perspektiven und in Bezug auf die Bergbegehungen von damals zu heute gestellt. Als Pionier der europäischen Landschaftsmalerei des 18. Jahrhunderts gilt Caspar Wolf (1735-1783). Als einer der Ersten überhaupt malte der aus Muri stammende Künstler vor 250 Jahren die Welt der Alpen genau so, wie er sie mit eigenen Augen sah. Ausschnitte aus dem Film «Reisen im fast unbekannten Gebürg», der für das Museum Caspar Wolf in Muri produziert wurde, veranschaulicht die Bergketten und Panoramen von damals bis heute. Durch die Gegenüberstellung der Sicht des Malers auf die heutigen Horizonte der Gletscherregionen werden die starken Veränderungen in Bezug auf die Gletschersituation und deren Schmelzprozess deutlich. Die beiden Künstlerinnen Esther Amrein (1968) und Rosângela de Andrade Boss (1966) untersuchen in gemeinsamen Arbeiten immer wieder die Beziehungen zwischen materiellen und immateriellen Systemen. Das Duo wurde immer wieder durch die Vorgehensweise des Malers Caspar Wolf inspiriert, sowohl durch seinen Blick auf die landschaftliche Wahrnehmung, als auch die starken Kontrastdarstellungen zwischen dunkel und hell. Neben dem grossen Gemeinschaftswerk «Cortina» ist die Künstlerin Esther Amrein mit weiteren raumgreifenden Arbeiten vertreten. Es ist immer der Standpunkt, der den Blick und somit den Horizont bestimmt. Amrein verbindet Einzelteile eines fiktiven Horizontes zu einer langen Linie, die sie im Laufe der Ausstellung mehrmals umbaut, ergänzt und verändert. Agnes Meyer-Brandis (1973) verlässt die Erde über den Grat des Horizontes auf der Brücke der Wissenschaft und Phantasie. Ihre Interessen gelten der «Erforschung der Welt und ihrer Realitäten durch den Einsatz von erweiterten fantastischen Realitätsanwendungen», wie sie selbst schreibt. Am komplexen Projekt «Moon Goose Experiment» arbeitet die multimediale Künstlerin seit 2008. Das Werk ist inspiriert von der fantastischen Erzählung «Man in the Moone» von Frances Goodwin aus dem 17. Jahrhundert. In dieser beschreibt Goodwin eine abenteuerliche Reise zum Mond mit einem von Gänsen gezogenen Gefährt und schildert dabei sehr eindrücklich die Effekte der Schwerelosigkeit. VIDEO i INFO WEBSITE Horizonte | Kunsthaus Zofingen | 17. April bis 20. Juni 2021 | Vielfältiges Begleitprogramm

VIDEO Mahtola Wittmer lebt und arbeitet als freie Künstlerin in Luzern. Vor ihrem Masterstudium an der Hochschule Luzern Design & Kunst hat sie eine Ausbildung als Grafikerin absolviert. Im Dezember 2021 wird sie im Kunstmuseum Luzern eine Soloausstellung zeigen. Seit 2015 stellt sie in Deutschland und der Schweiz aus, 2019 auch im Aargauer Kunsthaus, im Format Caravan, 2020 im Fotomuseum Winterthur an der Plat(t)form. Ihre Schauen werden oft von Performances begleitet oder ergänzt. INFO WEBSITE Mahtola Wittmer | Atelierbesuch April 2021| Luzern Emmenbrücke i

Tradition der Reﬂexion im Selbstportrait Was kann er uns heute noch sagen, der schmerzgetrübte Blick der Lucretia, gemalt um 1530 von Cornelis Bazelaere? Wenn sich Ferdinand Hodler 1917 – im Jahr vor seinem Tod – selbst im Spiegel fixiert hat, so schaut er heute uns prüfend an. Auch in den neuen Medien bleiben Blicke zentral: In fotografischen Selbstinszenierungen paraphrasieren Manon und Urs Lüthi gesellschaftliche Rollenbilder, zugleich nehmen sie die klassische Tradition der Reflexion im Selbstporträt auf. Die Videos von Keith Sonnier, Pipilotti Rist und Candice Breitz analysieren das zeitgenössische Körpergefühl und die Stellung des Individuums in der modernen Gesellschaft. In unserer Epoche überbordender Bildkommunikation wird augenfällig: Blicke überbrücken Zeiten. Aus der Vergangenheit kommend, vermögen sie Gegenwarten zu schaffen. Sie kommunizieren innerhalb des Kunstwerks, bestimmen Richtungen, stellen Beziehungen her und konstruieren damit Räume nach innen wie nach aussen. Sie konfrontieren uns mit Geschichten oder sie richten sich direkt auf uns Heutige.

Von links nach rechts: Sylvie Fleury, *1963 Genf, lebt und arbeitet in Genf, «Are you too «fat» for sex?», (Playgirl, February 1991), 1994, Fotografie auf Aluminium,160 x 124 cm, Dauerleihgabe aus der Sammlung Felix Falkner, St.Gallen 2013 | Ikone, Griechenland, 17. Jahrhundert , «Christus Pantokrator», Eitempera und Blattgold auf Holz,, 70,4 x 50,9 cm Schenkung Dr. René und Lotti Gürtler, Liebefeld 2013 | Richard Schaupp, t.Gallen 1871– 1954 St.Gallen, «Urner,» 1913, Öl auf Leinwand, 90 x 75 cm, Schenkung Maja Rietmann 2012 VIDEO INFO WEBSITE i Blicke aus der Zeit | Sammlungsperspektiven I | Kunstmuseum St.Gallen | bis 24. April 2022

Vereinsgeschichte 1913 wurde der Galerieverein als «jüngerer Bruder» des Kunstvereins Winterthur gegründet. Der jüngere Bruder war auch der vermögendere, denn der Kunstverein war nicht in der Lage, für das im Bau begriffene neue Kunstmuseum aus eigenen Mitteln eine Sammlung aufzubauen. So übernahm der Galerieverein diese Aufgabe und war damit auch sehr erfolgreich. Wenn er im April 2013 seinen 100. Geburtstag begeht, blickt er zurück auf eine reichhaltige Folge von Erwerbungen, die in der Schausammlung des Museums starke Akzente setzen – sie werden im Jubiläumsjahr besonders hervorgehoben. Der junge Verein engagierte sich für Künstler wie Bonnard, Redon, Renoir und Hodler. Einen Höhepunkt bildete 1952 die Erwerbung des grossformatigen Seerosenbildes von Monet. In den letzten Jahrzehnten kamen Werke von James Bishop, Mario Merz, Giorgio Morandi, David Rabinowitch, Gerhard Richter, aber auch von Vija Celmins, Isa Genzken und Marisa Merz und anderen dazu. Der Galerieverein hat sich auch am Neubau des Kustmuseums im Jahr 1995 aktiv beteiligt. Sein neustes Engagement ist die Neonarbeit von Bethan Huws.

Neonschrift für das Kunst Museum Winterthur «A work of art without emotion is not a work of art», das Statement, welches die 1961 in Bangor, Wales geborene und heute in Paris und Berlin lebende Bethan Huws als Neonschrift für das Kunst Museum Winterthur realisiert, ist programmatisch zu verstehen, auch wenn die Künstlerin die Aussage gleich selbst wieder in Frage stellt. Denn sie erwidert mit der Frage: «Are you sure?» Die vom Galerieverein in Auftrag gegebene, zweiteilige Neonarbeit wird die beiden Gebäude des Museums visuell und gedanklich miteinander verbinden. Um die Einweihung des Werks zu feiern und dieses in Bethan Huws’ Schaffen einzubinden, präsentiert das Kunst Museum Winterthur zwei wesentliche Aspekte im multimedialen und konzeptuellen Œuvre der Künstlerin: «Works on Paper» und «Word Vitrines». Neonschrift für das Kunst Museum Winterthur «A work of art without emotion is not a work of art», das Statement, welches die 1961 in Bangor, Wales geborene und heute in Paris und Berlin lebende Bethan Huws als Neonschrift für das Kunst Museum Winterthur realisiert, ist programmatisch zu verstehen, auch wenn die Künstlerin die Aussage gleich selbst wieder in Frage stellt. Denn sie erwidert mit der Frage: «Are you sure?» Die vom Galerieverein in Auftrag gegebene, zweiteilige Neonarbeit wird die beiden Gebäude des Museums visuell und gedanklich miteinander verbinden. Um die Einweihung des Werks zu feiern und dieses in Bethan Huws’ Schaffen einzubinden, präsentiert das Kunst Museum Winterthur zwei wesentliche Aspekte im multimedialen und konzeptuellen Œuvre der Künstlerin: «Works on Paper» und «Word Vitrines».

links: Bethan Huws *1961 Untitled (Go0d…), 2003 © 2020, ProLitteris, Zurich VIDEO Blick in die Ausstellungen Bethan Huws’ «Works on Paper» sind Aquarelle von einer unvergleichlichen Zartheit und Verletzlichkeit. Der Akt des Zeichnens ist auch einer der persönlichen Erinnerung. Das kann eine Reminiszenz an bestimmte Orte oder Dinge sein. Die Künstlerin konzentriert ihre Erinnerungsbilder so, dass sie etwas Allgemeingültiges erhalten bzw. die Grenzen zur Abstraktion überschreiten. Daneben entstehen feingliedrige abstrakte Strukturen, die die Bildfläche subtil gliedern. Bei den «Word Vitrines» handelt es sich um handelsübliche Metallkästen mit Glasfront und schwarzer Rückwand, die der Information dienen, beispielsweise als Preisliste im Restaurant. Die Künstlerin bespielt diese Alltagsobjekte mit kurzen Texten und verwandelt sie so in komplexe Sprachbilder, die sie in der Ausstellung in den Bezug zum Raum setzt. Bethan Huws‘ Werk wird seit den frühen 1990er Jahren weltweit ausgestellt, so u.a. 2006 im Bonnefanntenmuseum in Maastricht oder 2016 im Kunstmuseum des Erzbistums Köln Kolumba. Das Kunst Museum Winterthur konzentriert sich gezielt auf zwei wesentliche Aspekte ihres Schaffens, die Ausstellung ist zweiteilig angelegt, um zusätzlich die Verbindung der beiden Ausstellungshäuser zu betonen. i INFO WEBSITE Bethan Huws | «Works on Paper» und «Word Vitrines» | Kunst Museum Winterthur | Beim Stadthaus und Reinhart am Stadtgarten | bis 5. September 2021

Esther van der Bie (*1962, Arbon), «Wälder und Verwandtes III (Nr. 2)», 2004, Ilfochrome hinter Weissglas, 140 x 97,5 cm ©Esther van der Bie Alex Hanimann (*1955, Mörschwil SG), «Trapped (Wolf)», 2018, Leuchtkasten, 79 x 110 x 5 cm, (Ed. 1/2) ©Alex Hanimann, Courtesy Galerie Skopia, Genf Mythen, Märchen, Volksglauben Der Wald hat in der Gesellschaft und der Kultur seit je eine besondere Stellung. In Mythen, Märchen und Volksglauben ist er nicht nur Schauplatz, sondern mit einer eigenen Funktion belegt, indem er beispielsweise die Grenze zwischen dem Bekannten und dem Fremden markiert. Die Gruppenausstellung zeigt Werke von Yann Amstutz, Julian Charrière, Teresa Chen, Marianne Engel, Alex Hanimann, Angela Lyn, Marcus Maeder, Luca Mengoni, Nico Müller, Felix Studinka und Esther van der Bie.

Scheinbar Unscheinbar Das Layout mit den oftmals verblüffenden Bild- Gegenüberstellungen ermöglicht einen spannenden Dialog zwischen den Aufnahmen. Die Fotografien sind alle datiert und wurden nach der Vorgabe des Verlegers alphabetisch Burgenland 1977 © Werner Gadliger nach den jeweiligen Aufnahmeorten eingeordnet. Ob in Basel oder Buenos Aires, Riehen oder Rijeka, Zürich oder Zadar, überall sind es kleine Szenen am Strassenrand, Skurrilitäten des Alltags, zufällige Begegnungen unterwegs, denen Gadligers Hauptaugenmerk gilt; Momentaufnahmen einer mitunter wunderlichen Gegenwart, die er mit der Kamera festhält. Die bewusst nicht thematisch oder chronologisch gestaltete Bildfolge lenkt die Aufmerksamkeit auf das Unspektakuläre in Gadligers Dokumentarfotografie. Auf Reisen reizt ihn nicht das Exotische, das Touristen anzieht. Er geht lieber dem scheinbar Unscheinbaren nach, dem Nebensächlichen. Im Alltäglichen wird er fündig. Im Sucher hat er zufällige Begegnungen und Strassenszenen, deren Witz sich oft erst auf den zweiten Blick erschliesst. Gadligers ältere analoge Aufnahmen unterscheiden sich in dieser Hinsicht wenig von den neueren digitalen.

Kulturelles Perpetuum mobile Die Ausstellung wurde seit Beginn mehrmals umgebaut, als Fixpunkte waren vier Eröffnungen geplant, allesamt in enger Kooperation der Künstler*innen mit dem Team der Heinrich Gebert Kulturstiftung realisiert, die die Kunsthalle Ziegelhütte führt. «APP’N’CELL NOW» sollte und wurde in dieser Zeit vielfältig genutzt, nicht nur um Kunstwerke zu präsentieren, sondern um Vernetzungen, Diskurse, Kooperationen in Gang zu setzen. Um das überaus reiche Kunstschaffen des Appenzellerlandes und dessen Vermittlung als Motor des Kulturlebens vorzustellen, mit seinen Auswirkungen weit über die Region hinaus. Ohne übergeordnetes Konzept Insgesamt wurden 126 Künstler*innen eingeladen. Diese sind auf zwei Listen aufgeführt, welche von den Kulturämtern der Kantone Appenzell Innerrhoden und Ausserrhoden zur Verfügung gestellt wurden. Sie sind im Appenzellerland geboren, arbeiten aktuell ebenda oder sind in besonderer Weise mit der Kunstlandschaft verbunden. Von den 126 Eingeladenen nahmen 69 Künstler*innen an dem Ausstellungsexperiment teil, das ohne übergeordnetes Konzept, ohne Jury, ohne Hierarchie funktioniert. Ein sich selbst entwickelndes Ausstellungsrhizom. Temporär wurde daher die Kunsthalle Ziegelhütte in Kunsthalle Appenzell umgetauft. Für die letzte Ausstellungsphase, hat Roman Signer am 3. Mai 2021 im Erdgeschoss der Kunsthalle eine Intervention mit Holz und Farbe gemacht, die «4 Sterne» heisst.

VIDEO Digitales Arbeitsarchiv Das gleiche Ziel des hierarchielosen Ausstellungsformats verfolgt auch die Kooperation mit dem digitalen Arbeitsarchiv «Kleio – The living catalog». Dort wurde eine Plattform eingerichtet, die im virtuellen Raum weit über die Ausstellungsdauer hinaus die künstlerische Community der Region in den öffentlichen Raum trägt. «APP’N’CELL NOW» wird zum Proberaum für verschiedenste Formen einer Kunstvermittlung, die im ländlichen Raum für viele Bevölkerungs- und Interessensgruppen wirksam werden können: das Gespräch, der Marktplatz, das Netzwerk, das Gestalten… das Miteinander. i INFO WEBSITE APP’N‘CELL’NOW 4 | Kunsthalle Appenzell – Kunsthalle Ziegelhütte | bis 24. Mai 2021 Das Werk von Roman Signer ist bis am 31. Mai 2021 zu sehen.

Keine Ausstellung, keine Veranstaltungsreihe Der Begriff «Residenz» kann das eigene Zuhause bezeichnen, aber auch den Sitz einer Regierung und ist zudem im Kunstkontext allgegenwärtig. Das «Haus zum Schlossgarten» wurde als privates Wohnhaus errichtet, war erstes Bundeshaus der Schweiz und ist heute Ausstellungshaus. Diese einzigartige historische Mischung bildete den Ausgangspunkt für das Projekt. «Residenz Residenz» öffnete Türen und stiess Begegnungen zwischen dem Haus, dem Publikum und der Kunst an. Dabei war es weder eine Ausstellung noch eine klassische Veranstaltungsreihe, kein fertiges Produkt, sondern eine Ausgangslage. Und so füllten sich die Räume des Forum Schlossplatz im Frühjahr 2021 nicht mit Exponaten, sondern mit Anwesenheit, Ereignissen und Erlebnissen. Kuratiert wurde «Residenz Residenz» von Lena Friedli.

VIDEO Keine Ausstellung, keine Veranstaltungsreihe Der Begriff «Residenz» kann das eigene Zuhause bezeichnen, aber auch den Sitz einer Regierung und ist zudem im Kunstkontext allgegenwärtig. Das «Haus zum Schlossgarten» wurde als privates Wohnhaus errichtet, war erstes Bundeshaus der Schweiz und ist heute Ausstellungshaus. Diese einzigartige historische Mischung bildete den Ausgangspunkt für das Projekt. «Residenz Residenz» öffnete Türen und stiess Begegnungen zwischen dem Haus, dem Publikum und der Kunst an. Dabei war es weder eine Ausstellung noch eine klassische Veranstaltungsreihe, kein fertiges Produkt, sondern eine Ausgangslage. Und so füllten sich die Räume des Forum Schlossplatz im Frühjahr 2021 nicht mit Exponaten, sondern mit Anwesenheit, Ereignissen und Erlebnissen. Kuratiert wurde «Residenz Residenz» von Lena Friedli. INFO WEBSITE Residenz Residenz | Forum Schlossplatz | Aarau | Das Projekt lief bis am 9. Mai 2021 i

VIDEO Glocken für Kanonen Kirchenglocken sind komplexe Instrumente, mit denen sich ganz unter-schiedliche und z.T. auch widersprüchliche Geschichten verbinden: Im Mittelalter sprach man ihnen Zauberkräfte zu und das Glockenläuten sollte sich positiv auf das Leben auswirken. In Konflikten und Kriegen setzte man sie zur Warnung vor feindlichen Angriffen ein, und während des zweiten Weltkrieges wurden in Europa mehr als hunderttausend Glocken eingeschmolzen und zu Kanonen und Waffen umgeschmiedet. «Diese Glocken sind wie Geister der Geschichte europäischer Konflikte», so Forsythe. Der Neubau als Klangkörper In seiner Inszenierung von Chipperfields Bau betrachtet und versteht Forsythe das Gebäude selbst als eine Art Innenohr oder Trommelfell – ein Sinnesorgan – durch dessen Volumen wir hören und fühlen können. «The Sense of Things» lässt uns den Ort «Museum» neu erleben und ist auf Personen in allen sensorischen Erfahrungswelten zugeschnitten. Das zeigt sich auch im Rahmenprogramm, welches Führungen mit Personen vorsieht, die aufgrund ihrer körperlichen Verfasstheit eine andere Sinneswahrnehmung mitbringen – wie z.B. blinde oder gehörlose Menschen, aber auch Kinder. INFO WEBSITE i Kunsthaus Zürich | William Forsythe | «The Sense of Things» | bis 24. Mai 2021 | Zur Ausstellung existiert ein PodCast Freier Eintritt über Pﬁngsten

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