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CLICK CINEMA APRIL 2021
Editorial
Kulturplatz Davos
Streaming Film Davos
Interview Julia Niemann & Daniel Hoesl
Manöverkritik Schweizer Filmpreis
arttv.ch Dossier Schweizer Filmpreis
Visions du Réel 2021
Eröffnungsfilm VdR
Nationaler Wettbewerb VdR
Soldat Ahmet
Burning Lights
Internationaler Wettbewerb VdR - The Bubble
Grand Angle VdR - The Rosselinis
Menschenskind!
Ehrengast VdR Emmanuel Carrère
Oscar-Favorit Nomadland
Rezension Doris Senn
arttv Dossiers Film
Bald im Kino
Sami, Joe und ich
Rezension Madeleine Hirsiger
Free Streaming
Blue my Mind
Home
Reminder Kino
Sweat
Ammonite
Das Neue Evangelium
Réveil sur Mars

Liebe CLICK CINEMA Leser*innen Erneut ist es nicht ganz einfach ein Filmmagazin zu produzieren. Die Kinos sind noch zu und die angekündigten Filmstarts sind ungewiss, ob sie überhaupt stattfinden werden. Glücklicherweise ist eines sicher, Visions du Réel 2021 ﬁndet statt, wenn auch mit allergrösster Sicherheit leider nur als Digitalversion. Die Solothurner Filmtage haben es aber gezeigt, wenn man die Sache gut angeht, stellt das durchaus einen Mehrwert für das Publikum dar, auch wenn ein digitales Festival die Begegnungen vor Ort niemals ersetzten kann. Trotzdem, in Zukunft werden sich die Festivals wohl auch nach der Pandemie als Hybrid präsentieren. Am 6. April ﬁndet in Davos so ein Anlass statt. Der neue Kulturplatz wird eröffnet mit einer Performance auf der Theaterbühne und der anschliessenden Premiere des Dokumentarﬁlmes «Davos». arttv.ch freut sich über die Medienpartnerschaft. Und weil wir von arttv.ch davon überzeugt sind, dass die Kombination von Festivals, die gleichzeitig im realen, physischen und auch im digitalen Raum stattfinden, die Norm werden, sind wir mit Hochdruck an der Planung eines neuen Projektes. Stream Suisse heisst die Plattform, die entstehen soll. Typisch für arttv.ch wird es ein gemeinnütziges Unterfangen sein, das der ganzen Schweizer Kulturszene nützen soll. Mehr davon dann später. Felix Schenker, arttv Chefredaktor

Davos ist bekannt durch das WEF. Aber jetzt kriegt die Stadt in den Bündner Bergen auch ein modernes kulturelles Herz, einen Ort der Begegnung, der Inspiration und des Austausches. Trotz Pandemie, die Initianten mögen nicht mehr länger warten und eröffnen ihren «Kulturplatz Davos». Mit einer Leinwand für Kinomomente sowie einer Bühne für Theater, Musik, Lesungen, Diskussionsrunden und vieles mehr fördert der Kulturplatz das lokale Kulturleben und trägt wesentlich zu dessen Attraktivität und Vielseitigkeit bei. Das Konzept eines multifunktionalen Raumes dürfte gerade ausserhalb der grossen Zentren zukunftsweisend sein. Eröffnet wird das Projekt mit einem Livestream des Dokumentarﬁlmes «Davos».

Zum Film Hinter seiner beruhigenden Fassade liegt Davos jedes Jahr im Herzen der westlichen, kapitalistischen Welt. Jeder Staatschef und jeder, der jemand in der Geldwelt ist, trifft sich im Schweizer Dorf mit Gleichgesinnten. Was steht in Davos wirklich auf dem Spiel? Julia Niemann und Daniel Hoesl schaffen eine faszinierende Beobachtungsdokumentation, in der nie ein Urteil gefällt wird und in der die Dialektik von Konflikten mehr zählt als einfache und beruhigende Antworten. Der Film stellt dem Zuschauer einige unbequeme Fragen, indem er sich auf die Herausforderungen konzentriert, welche die neue globale Wirtschaft der Welt stellt. So beschwören die Regisseure durch diese äusserst präzise Arbeitsstrategie eine fast hyperrealistische Reihe von Konflikten herauf, die durch präzise filmische Entscheidungen nachhallen. «Davos» porträtiert den postmodernen Kapitalismus in einer völlig überzeugenden Weise. Wie er das Leben aller Menschen beeinflusst und wie er unsere Umwelt bedroht. Denn die eigentliche Frage lautet: Ist es akzeptabel, dass eine Handvoll mächtiger weisser Männer darüber entscheiden, wie die Zukunft für alle anderen aussehen soll? Giona Nazzaro, Visions du Réel, Nyon

Das Geld, dessen Anhäufung und der Kapitalismus, der die Funktionsweise unserer Gesellschaften bestimmt, beschäftigt Sie, Daniel Hoesl, seit Ihrem Film «Soldate Jeannette». Was hat Sie für Ihren dritten Langﬁlm bewogen, dokumentarisch zu arbeiten? Daniel Hoesl: Was mich nach Davos gebracht hat, war nicht sein Ruf als Skiort, sondern der Umstand, dass es der Austragungsort des Weltwirtschaftsforums ist. Im Zuge meines ersten Besuchs bei diesem Jahrestreffen der Polit- und Wirtschaftseliten habe ich viele Menschen kennengelernt und bin in einer Stadt gelandet, die dem Bild, das ich von ihr im Kopf hatte, nicht entsprochen hat. Das hat diesen Ort für mich interessant gemacht. Wie sah Ihr vorgefertigtes Bild von Davos aus? Daniel Hoesl: Ich kannte nur Schweizer Skiorte im Wallis, die einen gewissen Glamour ausstrahlen, den ich anfänglich auch mit Davos in Verbindung gebracht hatte. Davos hat aber andere Qualitäten. Der Ort ist eine paradigmatische schweizerische Kleinstadt, mit wenig Glamour und einer Bewohnerstruktur, die vom kleinen Mann bis zur Milliardärin reicht. Julia Niemann: Im Sinne von «Follow the Money» wollten wir dorthin fahren, wo sich das Geld so umschlägt und schauen, was sich dabei ergibt. In Davos zeigt sich auf so unglaubliche Weise, was Globalisierung bedeutet, nämlich, das Nebeneinander von Superreichen und Superarmen auf engstem Raum. Es wurde uns bewusst, dass man so eine Konstellation für einen Spielfilm nur schwer erfinden kann und dass wir, wenn es diese Geschichte nun schon gibt, wir sie am besten dokumentarisch aufzeichnen. Da sich darüber hinaus das Weltwirtschaftsforum seinem 50- jährigen Jubiläum näherte, hielten wir das Timing für besonders günstig. Der Film hat einen sehr simplen Titel «Davos». Ging es Ihnen einerseits darum diesen Projektionsraum der Reichen und Mächtigen auszuloten? Die Substanz hinter dem Phantasma eines Grossereignisses rund um Macht und Geld aufzuspüren? Andererseits auch um das Spannungsfeld zwischen diesen beiden Identitäten der Stadt? Julia Niemann: Es ging uns darum, dem Phantasma das sich rund um das Weltwirtschaftsforum auftut, die Realität gegenüber zu stellen. Im angloamerikanischen Raum wird

«Davos» quasi synonym für das Weltwirtschaftsforum verwendet und nicht als Ortsname. Mit dieser doppelten Bedeutung wollten wir spielen. Wir hatten ja selbst erwartet, dass Davos ein Ort sei, wo sich alles um das WEF dreht und haben dann im Laufe eines Jahres entdecken können, was da alles stattfindet und wie sich aufgrund der Tatsache, dass Davos Gastgeber des Weltwirtschaftsforums ist, sich interessante Kontraste ergeben. Daniel Hoesl: Mein Interesse hat sich immer weiter vom WEF wegbewegt und die Leute, die in Davos leben in den Vordergrund gerückt. An wie vielen WEFs haben Sie teilgenommen? Wie sind Sie an Ihre Davoser Protagonist*innen herangekommen? Julia Niemann: Die Grundidee war, dort einen Jahreszyklus mitzuvollziehen. Wir haben eine Wohnung gemietet und zwischen dem WEF 2018 und dem WEF 2019 ein ganzes Jahr dort verbracht. Genau genommen sind wir etwas länger geblieben, weil wir bei einigen Dingen das Gefühl hatten, dass das letzte Wort nach exakt einem Jahr noch nicht gesprochen war. Davos ist kein grosser Ort, die Protagonisten sind uns gleichsam zugeflogen. Wir waren als Recherche- und Filmteam, das bewusst das Gespräch gesucht hat, wahrnehmbar, dennoch sind unsere Kontakte auch organisch gewachsen. Daniel Hoesl: Ich vermisse die Leute dort sehr. Ich habe eine grosse Sehnsucht und eine Liebe für diese Stadt entwickelt. Ob das WEF überhaupt durchgeführt werden soll, wird in regelmässigen Abständen einer Volksabstimmung unterzogen. Gibt es Stimmen in der Bevölkerung, die das Grossereignis in Frage stellen? Julia Niemann: In Wahrheit muss man sagen, dass die Davoser*innen immer Ja stimmen, weil sie wirtschaftlich enorm davon profitieren. Es gibt eine Promenade im Ort, wo sich das Geschäftsleben abspielt. Diese Geschäfte werden komplett geräumt und anlässlich des WEF einen Monat an das Russian House, an Google oder Facebook vermietet. Davon können die Geschäftsleute mitunter ein ganzes Jahr leben. Es gibt vereinzelt kritische Stimmen, aber der finanzielle Vorteil, den das WEF bringt, ist so gross, dass die Leute dafür stimmen, auch wenn es Nachteile für das Leben dort bringt. Daniel Hoesl: Das kurzzeitige Vermieten ist zu Preisen möglich, die es den Besitzern erlauben, die Lokale für den Rest des Jahres

leerstehen zu lassen. Das führt dazu, dass dem gesellschaftlichen Leben in der Stadt eine Stütze genommen wird. Es findet kaum Leben auf dieser zentralen Promenade statt. Da wo einst Thomas Mann promenierte und wo so viel Kunst passierte, gibt es heute Leerstand. Die Auswirkungen der Globalisierung sind sehr gut spürbar, weil das gesellschaftliche Leben verdrängt wird, die Bauern ebenso. Sie können mit ihrer Milchwirtschaft keinen Milchpreis mehr erzielen, der ihre Existenz sichern könnte. Solche Zusammenhänge werden da auf kleinstem Raum sichtbar. Julia Niemann: Es gibt auf politischer Ebene schon auch kritische Stimmen, eher von jungen Leuten, u.a. auch den Punks, mit denen wir gefilmt haben. Sie haben aus ihrer politischen Überzeugung heraus ein Problem damit, dass das WEF grundsätzlich stattfindet. Aber auch unter ihnen finden sich manche, die im einen Jahr gegen das WEF demonstrieren und im Jahr darauf für die Security arbeiten, d.h. im weiteren Sinn im Kontext des WEFs ihr Geld verdienen. Daniel Hoesl: Gerade das macht es so nachvollziehbar, warum es so interessant war, diesen Film in Davos zu machen. Dieser Ort bringt das Dilemma so besonders gut auf den Punkt. Wie verhält man sich im Kontext der Globalisierung und des einfachen Lebens? Der Einstieg in den Film erfolgt über drei Sequenzen, die internationale Korrespondent*innen bei der Arbeit während des WEF zeigt. Man sieht später ein TV Interview mit dem Gründer und Leiter des WEFs Klaus Schwab. Wie sehr ging es Ihnen auch darum, zu zeigen, wie sehr das WEF auch oder vor allem ein mediales Ereignis, ein Hype ist Daniel Hoesl: Das WEF ist ein riesiges Medienevent. Wenn man sich vorstellt, dass es nur drei Tage dauert und dabei so eine immense mediale Präsenz weltweit erreicht. Es ist ja auf bizarre Weise sehr beeindruckend, wie sie es hinkriegen, dass das ohnehin Erwartbare immer wieder auf so grosses Interesse stösst. Wenn man sich während des WEFs auf der Promenade bewegt, dann kann es sein, dass einem möglicherweise die Königin der Niederlande, der Emir von Bahrein, Angela Merkel, James Cameron oder Bill Gates über den Weg laufen. Wenn wir von den Medien sprechen, möchte ich aber auch von der Davoser Zeitung reden, wo ein weiterer Kontrast spürbar wird.Ich habe die Davoser Zeitung jede Woche gelesen. Sie ist vielleicht in Wien mit der

Bezirkszeitung vergleichbar: Todesanzeigen, Chronik, Inbetriebnahme eines neuen Schilifts, Hoteleröffnung, Sondermüllabholung. Die Redakteure dort halten die Stadt am Leben. Auf dieses Paradoxon hinzudeuten, ist mir viel wichtiger als diese Chimäre vom WEF zu thematisieren. Das WEF hat uns sehr unterstützt. Es war nicht selbstverständlich, dass wir da reindurften. Man ist uns mit einer Offenheit begegnet, die alle bis heute überrascht. Ich wollte es nur ein wenig entzaubern. Das WEF ist eine Art Gartenbaumesse des internationalen Wirtschaftslebens. Jeder hat einen Stand, jeder muss sich marktschreierisch behaupten und es macht die Welt unheimlich klein. Wie sehr kommt man auf eine inhaltliche Ebene. Man hört von 400 Arbeitsgruppen, gibt es etwas wie ein Arbeitsthema? Oder ist es eher das Treffen einer Blase, die sich darin bestärkt, wie es ein Redner auf den Punkt bringt, «dass der Handel frei bleiben muss und als fair wahrgenommen werden soll»? Daniel Hoesl: Es gibt schon eine Agenda, sonst hiesse es nicht Weltwirtschaftsforum. Es werden mehrere Ziele verfolgt, manches gelingt ihnen besser, manches schlechter. Julia Niemann: Was am WEF schon sehr spannend ist, ist, dass die Spitzen sämtlicher Disziplinen zusammenkommen und diskutieren. Ob es dabei je ums Eingemachte geht, bleibt eine andere Frage. Es gab beim letzten WEF eine Diskussion zum Thema The Cost of Inequality, u.a. mit dem Philosophen Rutger Bregman, der irgendwann meinte, er fühle sich wie auf einer Feuerwehr-Tagung, bei der niemand über Wasser reden dürfe. Das zeigte für mich ganz gut, dass es vielleicht doch eher diplomatisch zugeht und um den heissen Brei herumgeredet wird. Wenn ich an Szenen denke wie jene mit der Geburt des Kalbes, mit den Jugendlichen Geﬂüchteten, die gemeinsam rappen oder mit den Erläuterungen im Kirchner Museum, so entsteht der Eindruck, dass Sie Ihren Bildern sehr viel Zeit gegeben haben. Was war Ihr Zugang zur Zeit und zum Rhythmus im ﬁlmischen Erzählen bei diesem Projekt? Daniel Hoesl: Wir hatten einen Schweizer Kameramann, der die Ruhe selbst ist und wir hatten vierzehn Monate in Davos. Dazu noch den Luxus, dass wir dank eines selbstlosen Teams sehr viele

Drehtage absolvieren konnten. Als Filmteam bringt man allein durch seine Präsenz schon etwas ins Rollen. Je öfter man kommt, umso unwichtiger wird man und umso eher kommt die Realität zutage. Der Rhythmus des Alltags war es, was wir gesucht haben. Julia Niemann: Wir haben uns nie etwas gewünscht, uns aber sehr viel Zeit genommen, als Team die Bauernfamilie besucht und haben mit ihnen gegessen. Wir haben mit unseren Protagonist*innen viel Zeit ohne Kamera verbracht und auch wenn die Kamera dabei war, zunächst einmal abgewartet, was passiert. Wir haben in diesem Film auf Zeit gespielt und das sieht man wahrscheinlich auch. Wie gross kann man sich das Team für so ein langfristiges Projekt vorstellen? Julia Niemann: Für gewöhnlich waren wir zu viert: Daniel und ich, unser Kameramann Andi Widmer und für den Ton waren entweder Eva Hausberger oder Andreas Pils verantwortlich. Manchmal hatten wir eine Person als Assistenz dabei. Daniel Hoesl: Es ist ja dort mitunter sehr steil. Wie hat sich dieses Zeitkonzept in den Schnitt übertragen? Julia Niemann: Wir haben uns für den Schnitt sehr viel Zeit gelassen und mit Unterbrechungen ein Jahr lang dafür verwendet. Habt ihr somit einmal mehr nicht zuletzt aufgrund der Rahmenbedingungen ein neue, unkonventionelle Zugangsweise entwickelt und mit wenig Budget und dem Luxus Zeit eine besondere Qualität erreicht? Julia Niemann: Man muss unser Projekt in Referenz zu unserem letzten Film setzen. Die Arbeit an «WinWin» war sehr anstrengend und fordernd. Mit dem zur Verfügung stehenden Budget hat es uns alles abverlangt. Für «Davos» haben wir uns vorgenommen, mehr zu leben als zu arbeiten, im Sinne von dort an diesem Ort zu leben, viel mitzufilmen und beides zu vereinen. Wir können uns schon vorstellen, nochmals dokumentarisch zu arbeiten und nochmals einen Ort unter die Lupe zu nehmen. Es war schlicht wohltuend, sozusagen ein Jahr im Film zu leben, noch dazu in den Schweizer Bergen. Und es war ein ganz anderes, viel tieferes, ruhigeres, kontemplativeres Arbeiten als das rasende Arbeiten an einem Spielfilm. Diese beiden Formen immer wieder abzuwechseln ist eigentlich sehr gut vorstellbar. Bei «WinWin» standen das Leben und die Arbeit in einem harten Widerspruch zueinander, wir

hatten schlicht kein Leben für ein paar Jahre. Dieser Film hat uns in ein Burnout getrieben. Ich will dieses Burnout durchaus wieder spüren. Ich will aber nicht eines nach dem anderen. Dazwischen braucht man auch ein Jahr in Davos oder wo auch immer. Für unseren neusten Film haben wir versucht, das in Einklang zu bringen und es hat funktioniert. Es hat sich so angefühlt, als hätten wir einen Lebensabschnitt in und mit Davos verbracht und der Film ist das Ergebnis. Es war eine sehr schöne Arbeit und eine sehr schöne Zeit. Daniel Hoesl: Es ist fast eine Liebesgeschichte. Interview: Karin Schiefer Ist es akzeptabel, dass eine Handvoll mächtiger weisser Männer darüber entscheiden, wie die Zukunft für alle anderen aussehen soll?

«Ich vermisse die Leute dort sehr. Ich habe eine grosse Sehnsucht und eine Liebe für diese Stadt entwickelt. Es ist fast eine Liebesgeschichte.» Daniel Hoesl TRAILER Davos | Regie: Daniel Hoesl und Julia Niemann | Dokumentation | Österreich | 99 Minuten | Verleih Spot-On Distribution | Anlässlich der Eröffnung vom Kulturplatz Davos fand am 6. April 2021 eine Vorpremiere als Stream statt. Voraussichtlicher Filmstart Deutschschweiz: demnächst Am Abend der Online-Premiere (6. April 2021) streamte der neue Kulturplatz Davos ein Online-Podium zum Film. Es diskutierten: Julia Niemann und Daniel Hoesl (Regie) Philipp Wilhelm (Landammann Davos) Michèle Mischler (WEF)

Gewinnt in der Kategorie Bester Spielfilm «Schwerstelein» von Stéphanie Chuat und Véronique Reymond. Das berührende Geschwister-Drama mit Nina Hoss und Lars Eidinger in den Hauptrollen feierte an der Berlinale seine Premiere. Ein schüchternes Hallo Hängt es nur an den auf Promptern abgelesenen Reden von Berset, Kummer & Co., welche den Eindruck erweckten, hier werde etwas vorgeführt, das den Realitäten nicht ganz entspricht? Merkwürdig, dass eine virtuelle Preisverleihung, welche via Zoom in die Arbeits- und Wohnzimmer der Nominierten dringt, nur so wenig über eine solche Fragmentierung der Wahrnehmungs- welten aussagt. So dürfen die Zugeschalteten gerade mal ein schüchternes «Hallo» platzieren, kein Wörtchen mehr. Und auch von den Gewinner*innen erfährt man kaum etwas Substanzielles: Der Moderatorin ist es wichtiger, sie auf den im Hintergrund sichtbaren «Fanclub» oder die auf den Knien sitzenden Kinder anzusprechen, was nun wirklich herzig ist, aber nichts aussagt, über das in den letzten zwölf Monaten Erlebte. Mit keinem Wort wird erwähnt, dass die Kinosäle gerade acht Monate geschlossen waren. Noch, dass sich jetzt Filme seit Monaten in der Warteschleife befinden, es immer mehr werden und eine – vom Filmchef mit der Ankündigung des noch nicht einmal zu Ende gedachten Vorschlags zehn Mal 50’000 Fr. für Schweizer Filme noch befeuerte – Überhitzung absehbar ist.

Gewinnt in der Kategorie Bester Dokumentarfilm «Das Neue Evangelium» von Milo Rau, ein soziales Manifest für die Würde des Menschen und ein vielschichtiges Beispiel für Filmkunst. Vergeblich hat man darauf gewartet, dass jemand es anspricht: Die Schwächung einer ganzen Branche, die abgesagten Dreharbeiten und die unterbrochenen oder immer wieder verschobenen Kinoauswertungen, die existenziellen Zweifel und Ängste, wie morgen beschaffen sein wird… Obwohl wir der Filmpreisverleihung vom Kanapee aus zuschauen, muss sie noch lange keine Therapiestunde sein. Dieser Einwand ist völlig richtig. Aber soll sie nur ein Wohlfühlakt im Glashaus sein? Kommentar Mischa Schiwow . Die Verleihung des Schweizer Filmpreises fand am 26. März 2021 online statt und konnte als Livestream über die Internetseite des Schweizer Filmpreises «quartz.ch» miterlebt werden.

Im Programm stehen dieses Jahr 142 Filme aus 58 Ländern. 83 Filme werden in Weltpremiere und 15 in internationaler Premiere vorgestellt. Dabei wird die Veranstaltung «so virtuell wie nötig und so physisch wie möglich» sein, sagt Raymond Loretan, der Präsident des Festivals. Die Auswahl 2021 zeigt einmal mehr die Unabhängigkeit und Freiheit eines zeitgenössischen Kinos des Realen, das sich von den mitunter entfremdenden Vorgaben der Fiktion und von den oft zu engen inhaltlichen und formalen Definitionen des ‹Dokumentarfilms› fernhält. arttv stellt an dieser Stelle einzelne Trouvaillen vor, die dem Festivalmotto besonderen Nachdruck verleihen.

Zum Film Dr. Hildebrand ist kurz davor, in Rente zu gehen und das Steuer an jüngere Ärzte zu übergeben. Der Hausarzt sucht einen Nachfolger für seine Landarztpraxis. Obwohl es an der medizinischen Fakultät von Absolvent*innen nur so wimmelt, gestaltet sich diese Suche alles andere als einfach. Am Kreuzweg von Generationen und Praktiken hinterfragt «Les Guérisseurs» die Berufung und den tiefen Sinn der Heilung anderer Menschen. Marie- Ève Hildebrand interessiert sich für die menschliche Dimension der Medizin, in einem sich wandelnden Gesundheitswesen, das immer grösseren Wert auf innovative Technologien statt auf Qualitäten wie das Zuhören legt, die der medizinischen Praxis innewohnen. Aus fesselnden Porträts, darunter das ihres Vaters, der auch Arzt ist, komponiert sie einen introspektiven Film, der die Zweifel und die Fragestellungen durchscheinen lässt, mit denen sich mehrere Personen, die in der Region Lausanne traditionelle und alternative Medizin praktizieren, auseinandersetzen. MEHR ZUM FILM i Les Guérisseurs | Regie: Marie-Eve Hildbrand | Weltpremiere | 80 Minuten | Schweiz, 2021 Auf visionsdureel.ch online verfügbar vom 17.04. um 11:00 Uhr bis am 20.04. um 11:00 Uhr.

TRAILER Zum Film Ahmet «Ronin» Simsek ist ein junger österreichischer Meister im Boxen aus einer türkischstämmigen Familie. Doch seine Interessen gehen weit über den Ring hinaus. Als Berufssoldat trainiert er rigoros, um seinem Land zu dienen, aber es ist die Welt des Theaters, die kürzlich seine Neugierde geweckt hat. Ist es wirklich möglich, einen Zugang zu dem so geradlinigen und eigenwilligen Mann zu finden, dessen Identität immer im Aufbau begriffen zu sein scheint? MEHR ZUM FILM i Soldat Ahmet | Regie: Jannis Lenz | Weltpremiere | 75 Minuten | Österreich, 2021 Auf visionsdureel.ch online verfügbar vom 15.04. um 15:00 Uhr bis am 18:04. um 15:00 Uhr

Zum Film The Villages in Florida ist heute die am schnellsten wachsende «Gemeinde» des Landes: 155’000 BewohnerInnen, 54 Golfplätze, 70 Schwimmbäder, bald viermal so gross wie Manhattan, alles makellos gepflegt und instand gehalten. Alle Ruheständler*innen haben ihre eisige Heimat im Norden verlassen, um ihren Lebensabend in diesem Paradies zu verbringen, wo Freizeit und Sorglosigkeit auf der Tagesordnung stehen und das Alter keine Rolle mehr spielt. Vom Rest der Welt isoliert, lässt die Bevölkerung das goldene Zeitalter eines stolzen, republikanischen und weissen Amerikas, das die Welt eroberte, den Konsum (neu) erfand und sich von allen Komplexen befreite, weiterleben. Es ist der Erfolg eines Führungsmodells, das hier auf einem Familienbetrieb basiert, dem es mit der Unterstützung einer internen Pressestelle gelungen ist, einen «Lifestyle» zu verkaufen. Valerie Blankenbyl und ihr Team kratzen am Lack dieser Utopie, in der Drehgenehmigungen nicht selbstverständlich sind und die Geschäftsführung scheinbar jedem, der die heile Welt zu stören droht, einen Maulkorb verpassen will. Denn draussen tobt die Wut der Bevölkerung. Die Annexion von neuem Land und die energieverschwendende Lebensweise der Bewohner*innen belasten ein bereits fragiles Ökosystem immer mehr. i MEHR ZUM FILM The Bubble | Regie: Valerie Blankenbyl | Weltpremiere | 92 Minuten | Österreich und Schweiz, 2021 Auf visionsdureel.ch online verfügbar vom 21.04. um 19:00 Uhr bis am 24. April um 19:00 Uhr

TRAILER Der Enkel des Grossmeisters wirft einen kritischen und liebevollen Blick auf seine Familie – die Rossellinis Ein Familienname, der so sehr mit der Filmgeschichte verwoben ist, dass es unmöglich scheint, um ihn herumzukommen: Rossellini, Roberto Rossellini. Er gehörte zu einer Generation, die aus den Trümmern des Zweiten Weltkrieges heraus Grosses geschaffen haben. Doch wie gehen seine Nachfahren heute mit den mythenhaften Geschichten rund um ihren Familienpatron um? L E É R U D S N O S V I I

TRAILER Zum Film Erzählt in der ersten Person von Alessandro Rossellini, dem Enkel des berühmten italienischen Filmemachers Roberto Rossellini, gräbt der Film in der Vergangenheit, einschliesslich der kontroversen Beziehung des letzteren mit Ingrid Bergman. Die Geschichte schafft es, die Vergangenheit mit der Gegenwart zu verknüpfen, um das Leben, die Familie, die Vielfalt, das Kino und das kulturelle Erbe zu feiern. Stimmen «Alessandro Rossellinis Arbeit ist ein seltenes Beispiel für Authentizität in der Welt des Films, die Persönlichkeit des Regisseurs schimmert mit grosser Kraft durch.» – Davie Abbatescianni, cineuropa | «‹The Rossellinis› geht von dem streitbaren Erbe aus, das der Meisterautor den Nachkommen seiner drei Ehefrauen – darunter natürlich Ingrid Bergman – im Laufe seiner glorreichen, wenn auch wechselhaften Filmkarriere hinterliess.» – Nick Vivarelli, Variety MEHR ZUM FILM i The Rossellinis | Regie: Alessandro Rossellini | Schweizer Premiere | 90 Minuten | Italien und Lettland, 2020 Auf visionsdureel.ch online verfügbar vom 16.04. um 19:00 Uhr bis am 19.04. um 19:00 Uhr

L E É R U D S N O S V I I s l e t r A n e v e t S & TRAILER i n a v o r s o h K h e z u o r i F n o v » y l i m a F a f o h p a r g o d a R « : i o t o F SEKTION GRAND ANGLE ALLE FILME Die Sektion Grand Angle präsentiert auch dieses Jahr 11 Langﬁlme, die das Publikum bereits auf anderen Festivals überzeugt haben oder sich im kommenden Jahr durchsetzen werden, darunter auch der in der Weltpremiere präsentierte Film «My Place is Here», der in einem Krankenhaus in Norditalien während der ersten Welle der Pandemie gedreht wurde.

TRAILER Braucht eine Frau zwingend einen Mann, um ein Kind zu bekommen? «Menschenskind!» handelt vom einem anspruchsvollen Weg: Er zeigt die Geschichte von Marina Belobrovaja, der Regisseurin selbst, die ein dringliches Bedürfnis verspürt, ein Kind zu bekommen. Um ihren Wunsch Wirklichkeit werden zu lassen, sucht sie nach einem Samenspender, den sie später in einem anonymen Hotelzimmer trifft. Ist es an der Zeit, das Konzept der Kleinfamilie als die einzig adäquate Form der Elternschaft zu verabschieden? L E É R U D S N O S V I I

Marina Belobrovaja über ihren Film Meine Geschichte ist keineswegs einzigartig. Im Gegenteil, ich habe einfach das durchgezogen, worüber viele in vergleichbarer Situation nachdenken, es aber nicht tun, beispielsweise aus Angst, ihren Kindern kein angemessenes Leben bieten zu können oder aus der Mehrheitsgesellschaft ausgeschlossen zu werden. Doch wenn kinderlose Paare heute immer öfter Hilfe der Samenbanken beanspruchen, deren Zugänglichkeit für lesbische Paare vor einigen Monaten endlich auch in der Schweiz Realität geworden ist; wenn sich immer mehr Familien mit zwei Müttern oder Vätern zu ihrer Lebensform bekennen und wir vermehrt über die Leihmutterschaft diskutieren, die zwar noch nicht in der eidgenössischen Gesetzgebung, aber schon längst in der Schweizer Wirklichkeit angekommen ist, dann ist es an der Zeit, das Konzept der Kleinfamilie als die einzig adäquate Form der Elternschaft zu verabschieden. Denn unabhängig davon, welchen Lebensentwurf jede*r von uns für sich beansprucht, sind sie alle Teil einer vielfältigen Wirklichkeit und sollen daher offen und legal gelebt werden können. Dass meine und unsere Geschichte nicht veränderbar ist, ist eine Tatsache. Nicht zuletzt deswegen besteht das Anliegen dieses Films in einer aufmerksamen Reflexion der vielen Fragen und Widersprüche, die sich sowohl in Hinblick auf meine Entscheidung, auf diese Weise Mutter zu werden, als auch im Zusammenhang mit dem Entschluss, unsere Geschichte filmisch zu verarbeiten, stellen. Wenn ich mich heute frage, was meine Tochter in absehbarer Zukunft von ihrer Herkunft, aber auch von diesem Film halten wird, kann ich das nur soweit beantworten, dass ich als Mutter dem Alter und der Reife meiner Tochter entsprechend offen mit unserer Familiengeschichte umgehe und dass ich als Filmemacherin diesen Film nicht zuletzt auch deswegen machen musste, um meiner Verantwortung ihr gegenüber gerecht zu werden. Marina Belobrovaja

Zum Film Ist Elternschaft die einzig logische Fortsetzung eines jeden Lebens? Hat das traditionelle Konzept der Kleinfamilie ausgedient? Die Filmemacherin Marina Belobrovaja hat einen Weg gewählt, über den viele Frauen in einer vergleichbaren Situation nachdenken, ihn aber doch nicht gehen. In «Menschenskind!» setzt sie sich, ausgehend von der Zeugungsgeschichte ihrer Tochter mit Hilfe eines Samenspenders, mit den bestehenden gesellschaftlichen Vorstellungen, Rollenmustern und Konventionen rund um Elternschaft und Familie auseinander. Stimmen «Ich hätte noch eine Stunde weiterschauen können.» – Markus Tschannen, Mamablog | «Eine radikal intime Auseinandersetzung mit dem Thema «Samenspende», die auch den schmerzhaften Zweifeln/Ambivalenzen nicht ausweicht. Viele Grautöne statt plumpes Schwarz-Weiss.» – Claudia Senn, annabelle TRAILER MEHR ZUM FILM i Menschenskind! | Buch und Regie: Marina Belobrovaja | Dokumentarfilm | 82 min | ki Verleih Schweiz: Valerio Bonadei | FilmBüro Voraussichtlicher Kinostart Deutschschweiz: 13. Mai 2021 Auf visionsdureel.ch online verfügbar vom 22.04. um 11:00 Uhr bis am 25.04. um 11:00 Uhr

TRAILER Ehrengast Emmanuel Carrère wurde aufgefordert dem Publikum seine Lieblingsﬁlme anderer Regisseur*innen zu präsentieren. Einer davon ist «Sans soleil» von Chris Marker (Frankreich, 1983). Der Film ist ein Must-See für alle Cineast*innen. Ein experimenteller Essayfilm, der seit seinem Erscheinen 1983 vielen Regisseur*innen, Künstler*innen und Kreativen als Inspiration galt. Was zuerst als eklektischer Bilderwall erscheint, verbindet sich mit der darüberliegenden Erzählerin zu einem zeitlosen Gedankenexperiment.

Emmanuel Carrère 2003 bei den Dreharbeiten zum Film «Retour à Kotelnitch» «Der rohe Dokumentarfilm über die unzähligen Faktoren des Realen, die wir mehr oder weniger zähmen können, und die zur Fiktion führen (oder auch zum Dokumentarfilm), faszinieren mich im Grunde stärker als diese Fiktion. Alles, was gefilmt wurde, fasziniert mich, ich sortiere erst später und das in einem radikal anderen Verfahren. Man kann über das Reale nicht richten, wie mir scheint.» Emmanuel Carrère in seinem Essay «Warum ich das Kino liebe» LINK GANZEN ARTIKEL AUF ARTTV.CH ANSEHEN TRAILER Sans soleil | Regie: Chris Marker | Frankreich, 1983 | Auswahl: Ehrengast Emmanuel Carrère | 104 Minuten

TRAILER Die Geschichte über den amerikanischen Traum – und sein Scheitern gilt als haushoher Favorit für den Oscar 2021. Ein Film, der ungeschminkter kaum daher kommen könnte und das Schicksal einer Einzelkämpferin in den Mittelpunkt stellt. Hauptdarstellerin Fern (Frances McDormand) begibt sich als Nomadin auf die Reise durch ein karges Amerika. Heraus kommt ein einfühlsames, halb-dokumentarisches Roadmovie, mit dem Regisseurin Chloé Zhao vielleicht einen neuen amerikanischen Realismus begründet. Eine Leistung, die auch die Academy anerkennt und gleich sechs Nominierungen ausspricht.

arttv REZENSION Porträt eines prekären Amerika von Doris Senn Schlicht grossartig, wie Frances McDormand in «Nomadland» die eigenwillige Fern auf der Leinwand zum Leben erweckt. McDormand («Fargo», «Three Billboards Outside Ebbing, Missouri»), die den Film auch produziert hat, verkörpert die ebenso unscheinbare wie unbeirrte Fern, die ihren Mann, ihre Arbeit und ihre Heimat verlor. Ihrer Stadt mit dem pompösen Namen «Empire» wurde sogar die Postleitzahl aberkannt. Nun kurvt Fern mit ihrem Wohnmobil und wenigen Erinnerungsstücken durch die Badlands in den Nordstaaten – immer auf der Suche nach Arbeit. Verfilmt wurde «Nomadland» von der 40-jährigen Chloé Zhao, die – ursprünglich aus China – heute in den USA lebt. International Furore machte Zhao bereits mit ihren Erstlingsfilmen «Songs My Brother Taught Me» über ein Lakota-Sioux-Geschwisterpaar und «The Rider», einen Western, im Jetzt angesiedelt. Der nun sechsfach für die Oscars nominierte «Nomadland» handelt vom amerikanischen Traum – und seinem Scheitern. Er handelt von den grossen existenziellen Fragen, von Liebe, Lebenssinn, Freiheit, Freundschaft, aber auch von Tod, Verlust und Einsamkeit. Und man wundert

wenn Fern auf Gleichgesinnte trifft – echte Nomad*innen, für die Zhao charakterstarke Laiendarsteller*innen gefunden hat. So zeichnet der halbdokumentarische «Nomadland» ein prekäres Amerika, dessen Protagonist*innen sich zwischen familiärer Bilderbuch-Idylle und nomadischer Wildnis für Letzteres entscheiden. «Das letzte Stückchen Freiheit in Amerika ist ein Parkplatz», schrieb Jessica Bruder, die als Journalistin über drei Jahre im Van den Wanderarbeiter*innen des 21. Jahrhunderts in den USA gefolgt ist und deren Aufzeichnungen Chloé Zhao nun in so eindringliche und atmosphärische Bilder gebannt hat. Doris Senn, arttv.ch sich nicht, dass Zhao, die bei Spike Lee studiert hat, als wichtige Inspiration Terrence Malick nennt, der mit seinem «Tree of Life» (2011) auf erzählerisch ähnlich beiläufige und doch epische Art einen Blick auf Menschen und ihre Schicksale warf. Die Kamera (Joshua James Richards von «God’s Own Country») zeigt ein «Das letzte Stückchen Freiheit in Amerika ist ein Parkplatz.» dämmergraues, weites Land im kalten Schneegestöber. In den riesigen Hallen von Amazon, auf den kargen Rübenfeldern oder im düsteren RV tritt die Einsamkeit, aber auch die Selbstbestimmtheit der Akteur*innen umso stärker hervor. Doch zeigen sich auch Wärme und Verbundenheit,

TRAILER Nomadland | Regie: Chloé Zhao | Drama | 108 Minuten | USA und Deutschland, 2020 | Verleih: Walt Disney Company | Der Film gilt als Favorit für den Oscar 2021 und hat mehrere Nominationen | Die 93. Verleihung der Oscars ﬁndet voraussichtlich am 25. April 2021 statt. «Nomadland» ist im Oscar-Rennen 2021 als «Bester Film», «Beste Regie», «Bestes adaptiertes Drehbuch», «Bester Schnitt», «Beste Kamera». Schauspielerin Frances McDormand ist zum dritten Mal in der Kategorie als «Beste Hauptdarstellerin» nominiert.

TRAILER Ein Film über Solidarität und Freundschaft, der sich bewusst üblichen Mädchen- Klischees verweigert. Sami, Joe und Leyla sind sechzehn und ready für den besten Sommer überhaupt. Endlich kann das Leben richtig losgehen, so wie sie sich das immer vorgestellt hatten. Nur was der Sommer für sie auf Lager hat, hat null und gar nix mit ihren Träumen zu tun. Ein Film mit starken, jungen, erfrischenden Laienschauspielerinnen, der über lange Strecken authentisch wirkt, doch am Ende nicht jeden ganz überzeugt.

arttv REZENSION Filmkritik: Madeleine Hirsiger Coming of Age mit Migrations- hintergrund von Madeleine Hirsiger Sie halten zusammen wie Pech und Schwefel. Sie sind unzertrennlich. Die Freundschaft zwischen Sami, Joe und Leyla ist verbindlich und ehrlich. Die drei jungen Frauen beenden gemeinsam die Schule und haben nun den Schritt ins Erwachsenenleben zu machen. Alle drei haben einen Migrationshintergrund, wohnen in diesen gesichtslosen, in Aussenquartieren stehenden Wohnblocks und haben zu Hause um ein bisschen Unabhängigkeit schwer zu kämpfen. Vor allem die aus Bosnien stammende Sami hat einen schweren Stand gegen ihren strengen, überwachenden Vater, der sie auch mal unter Hausarrest stellt, wenn sie ein paar Minuten zu spät nach Hause kommt. Dazu hat sie einen Bruder, der sie bei jeder Gelegenheit verpetzt, die Mutter farb- und meinungslos. Joe dagegen, eine quirlige, selbstbewusste Frau mit guten Schulnoten, will nichts anderes als Geld verdienen und unabhängig sein. Jeder Job ist willkommen. Ihr Los ist auch nicht ohne: weil die alleinerziehende Mutter ganztägig arbeitet, muss sie immer wieder zu ihren zwei kleinen Geschwistern schauen.

ein Element des Films, das beeindruckend ist. Der Regisseurin und Drehbuchautorin Karin Heberlein gelingt es in ihrem ersten Spielfilm, die Entwicklung der drei wunderbaren Protagonistinnen so dazustellen, dass es authentisch wirkt, glaubhaft und überraschend. Da braucht es eine rechte Portion gegenseitigen Vertrauens. In diesen anderthalb Stunden wird man Zeuge einer Veränderung und Reifung der drei unterschiedlichen Freundinnen. Nichts ist mehr, wie es einmal war. Aber die Freundschaft bleibt. Und die Aussage, dass man mehr Träume in der Seele haben soll, als die Wirklichkeit zerstören kann, hat vom Anfang bis zum Schluss Gültigkeit. Madeleine Hirsiger, arttv.ch Und das nervt zuweilen heftig. Leyla hat es besser. Ihr Vater ist «Die Aussage, dass man mehr Träume in der Seele haben soll, als die Wirklichkeit zerstören kann, hat vom Anfang bis zum Schluss Gültigkeit» verständnisvoll und nachsichtig und ihr Bruder ok. Sie macht eine Lehre in einer Grossküche und wird vom garstigen Chef sogar ab und zu gelobt. Die drei haben viel Spass miteinander, blödeln herum, gehen in die Disco – bis sie der Ernst des Lebens einholt. Und wenn es sehr Ernst wird, bleiben sie solidarisch, was es auch kosten mag – und das ist

Zum Film Sami, Joe und Leyla bilden eine unzertrennliche Mädchenclique. Plaudernd und lachend ziehen sie durch die Agglomeration einer Schweizer Grossstadt. Das Ende der gemeinsamen Schulzeit hätte der Auftakt eines aufregenden Sommers werden sollen, doch die lebhaften Teenager müssen sich mit so einigem rumschlagen. Sami leidet unter ihren allzu strengen Eltern, Joe muss sich tagein, tagaus um ihre Geschwister kümmern, und Leyla tritt voller Nervosität ihre Lehrstelle in einer Grossküche an. Für die drei stehen wegweisende Entscheidungen an: Was möchten sie in ihrem Leben erreichen? In einer Zeit voller Veränderungen scheint ihre Freundschaft das einzig Beständige zu sein, doch als sich die Ereignisse überschlagen, wird sie auf eine harte Probe gestellt.

Karin Heberlein (2.v.l) mit ihren drei jungen Hauptdarstellerinnen Zur Regisseurin Geboren in Basel und aufgewachsen in Zürich, zog Karin Heberlein nach London und studierte Schauspiel an der Central School of Speech & Drama in London. Verschiedenste Arbeiten an Theatern in England und Schottland (u.a.Oxford Playhouse, National Theatre London, Tron Theatre Glasgow, Traverse Edinburgh) und an internationalen Festivals folgten. Parallel entstanden erste eigene Theaterproduktionen als Autorin/Regisseurin als resident artist am BAC, am Dublin Theatre Festival, am Edinburgh Festival, im HAU in Berlin und auf Kampnagel in Hamburg. Eine Weiterbildung in Filmregie an der NFTS/Met Film School in London verschob den Fokus und führte zum Film. Assistenzen und erste Kurzfilme folgten. 2012/13 war sie Stipendiantin der 24. Drehbuchwerkstatt München/Zürich an der HFF und arbeitet seither als freischaffende Autorin und Regisseurin. «Sami, Joe und ich» ist ihr erster Langspielfilm.

Weitere Stimmen zum Film «‹Sami, Joe und ich› ist ein sympathischer Film, der trotz seiner bestürzenden Momente auch Hoffnung zeigt. Der cool inszenierte, mit flotter Musik unterlegte Indie aus der Schweiz zeigt, dass wahre Freundschaft genauso wichtig ist wie ein stabiles, liebevolles Umfeld. Dass dieser Aspekt so gut funktioniert, ist den drei Jungdarstellerinnen in den Hauptrollen zu verdanken. So ein Casting-Coup ist Gold wert.» – Marco Albini, outnow | «‹Sami, Joe und ich›, für den Heberlein 2020 beim Zurich Film Festival unter anderem den Publikumspreis der Wettbewerbs-Sektion gewann, ist vor allem ein Film über Freundschaft und Solidarität unter jungen Frauen, auch und gerade in schwierigen Lebenssituationen. Zugleich verdeutlicht der Film, wie Mädchen und Frauen noch immer gegen misogynes und diskriminierendes Verhalten ankämpfen müssen – und dass es bis zur Gleichberechtigung aller Geschlechter noch einen weiten Weg zurückzulegen gilt.» – Stefanie Borowsky, Filmfestival Max Ophüls | Die Musik in «Sami, Joe und ich» stammt teilweise von jungen Frauen mit Migrationshintergrund wie etwa der Zürcher R&B-Sängerin Naomi Lareine. Das ist wohl das Beste am Film. Gedreht hat die Regisseurin im 4:3-Format, was gut zum ‹Eingesperrt-sein› der drei Mädchen passt. Leider wird der Film im Verlauf der Geschichte immer unglaubwürdiger. ‹Sami, Joe und ich› ist trotzdem sehenswert, denn es macht Spass, den drei jungen, coolen Laienschauspielerinnen zuzusehen. Den mitreissenden Filmsoundtrack, wie bereits erwähnt, wird man nicht so schnell vergessen.» – Felix Schenker, arttv.ch TRAILER Sami, Joe und ich | Regie: Karin Heberlein | Drama | 94 Minuten | Schweiz, 2020 | Verleih: Outside the Box Voraussichtlicher Filmstart Deutschschweiz: 22. April 2021

BLUE MY MIND Eine mutige Parabel die radikal die Probleme des Erwachsenwerdens verdeutlicht und insbesondre durch Luna Wedler überzeugt. Mit Blue My Mind präsentierte 2017 die Schweizerin Lisa Brühlmann, die als Schauspielerin bereits für Formate wie Alarm für Cobra 11 oder Tatort vor der Kamera stand, ihren ersten Langfilm. Als Regisseurin und zugleich Drehbuchautorin erzählt sie anhand der 15-jährigen Mia vom Erwachsenwerden und der Suche nach der eigenen Identität. «Ein bildgewaltiger, toll gespielter Film über das Gefühl des Verlorenseins, das eine Teenagerin plagt, die frisch in der Pubertät angekommen ist.» – Sidney Scheren LINK GANZEN ARTIKEL AUF ARTTV.CH ANSEHEN I G N M A E T S E E R F

I G N M A E T S E E R F HOME «Home» von Ursula Meier war damals der grosse Abräumer des Schweizer Filmpreises 2009. Neu ist er als kostenloser Stream auf Play Suisse verfügbar. Bestes Drehbuch, bester Film und Kacey Mottet Klein - damals noch ein kleiner Junge - wurde als bester Nachwuchsschauspieler gefeiert. Mit ihrem Kinofilmdebüt schlug die französisch-schweizerische Filmregisseurin in der helvetischen Filmszene ein wie eine Bombe. arttv.ch traf sich damals mit Meier zum Interview und war an der Premiere dabei. Unsere Zusatzbeiträge wecken bei uns schon fast nostalgische Gefühle. Lange her! Teenagerin plagt, die frisch in der Pubertät angekommen ist.» – Sidney Scheren LINK GANZEN ARTIKEL AUF ARTTV.CH ANSEHEN

Zum Film Sylwia Zajac (Magdalena Kolesnik) ist eine hartarbeitende Selfmade-Frau, die einerseits ihren eigenen Körper in bestmöglicher Form hält und andererseits Tausende dazu inspiriert, es ihr gleichzutun. Als ein Instagram-Post, in dem sie gesteht, sich einsam zu fühlen, viral geht, taucht ein Stalker vor ihrer Wohnung auf. Sylwia versucht, den Stalker zu ignorieren und sich an ihren vollen Terminkalender zu halten, aber als seine Kontaktversuche immer vulgärer werden, fällt es ihr schwer, positiv und fröhlich zu bleiben. Auf der Geburtstagsfeier ihrer Mutter versucht sie so sehr die Aufmerksamkeit und Bewunderung ihrer Familie zu bekommen, dass sie schliesslich in Tränen ausbricht. Als der Stalker nachts in ihre Strasse zurückkehrt, bringt sie einen Freund dazu, ihn zu verprügeln. Doch sein blutiges und entstelltes Gesicht versetzt Sylwia in Angst, nie hätte sie sich vorstellen können, dass sie jemanden zu so etwas Bösem anstiften könnte. Sie bringt den Stalker ins Krankenhaus und möchte so die Sache wieder gut machen. Am nächsten Morgen hat sie einen Live-Auftritt im Frühstücksfernsehen. Bis zum letzten Moment weiss sie nicht, was sie nach der harten Nacht von sich geben soll. Als die Moderatorinnen der Talkshow beginnen, Fragen zu ihrem viralen Instagram-Post zu stellen, öffnet sich Sylwia und spricht aus ihrem Herzen. Einen Moment lang weiss sie genau, wer sie ist und was ihr im Leben wichtig ist.

Magnus von Horn wurde 1983 in Schweden, Göteborg, geboren, er lebt und arbeitet in Polen. 2013 machte er seinen Abschluss an der Polnischen Nationalen Filmschule in Łódz, wo er heute im Bereich Film und Regie unterrichtet. Als Regisseur hatte er erfolgreiche Auftritte mit seinen Kurzfilmen «Echo» (2010) und «Without Snow» (2011). «Echo» feierte seine Premiere beim Sundance Filmfestival, während «Without Snow» beim Locarno Filmfestival seine Premiere hatte. Den grössten Erfolg konnte er bislang mit seinem ersten Spielfilm «The Here After» verzeichnen. Das Spielfilmdebüt feierte seine Premiere bei der Directors’ Fortnight 2015 – Cannes Filmfestival und gewann zwei schwedische Guldbagge Awards für Bester Film & Beste Regie. Der Film lief an verschiedenen Festivals (Toronto, Karlovy Vary und San Sebastian) und wurde in mehr als zehn Länder verkauft. Mit «Sweat», seinem zweiten abendfüllenden Spielfilm, nahm er am Torino Film Lab teil und wurde mit dem Label Cannes 2020 ausgezeichnet.

Warum man sich den Film anschauen sollte! «Ein beklemmendes, spannend inszeniertes Influencer-Drama, das den Nerv der Zeit trifft.» – Gianluca Izzo, outnow | «Es geht darum, wie wir uns – mit einem zwischengeschalteten Smartphone oder nicht – ständig alle gegenseitig versichern, dass es uns toll geht.» – Katrin Doerksen, Kino-Zeit.de TRAILER Sweat | Regie: Magnus von Horn | Drama | 100 Minuten | Polen und Schweden 2020 | Verleih: First Hand Films Filmstart Deutschschweiz 8. April 2021

Zum Film England Mitte des 19. Jahrhunderts: Resigniert von der männlich- dominierten Wissenschaftswelt Londons, hat sich die einst gefeierte Paläontologin Mary (Kate Winslet) in ein Provinznest an der Küste im Südwesten Englands zurückgezogen. Dort hält sie sich und ihre von Krankheit gezeichnete Mutter (Gemma Jones) mühsam mit dem Verkauf von Fossilien an Touristen über Wasser. Deshalb kann Mary auch das lukrative Angebot eines wohlhabenden Kunden keinesfalls ausschlagen, der ihr seine schwermütige junge Ehefrau Charlotte (Saoirse Ronan) zur Erholung in Obhut geben will, um seine Europareise ungestört fortsetzen zu können. Mary begegnet ihrem ungewollten Gast zunächst kühl und abweisend, bis Charlotte schwer erkrankt und Marys volle Aufmerksamkeit erfordert. Einhergehend mit Charlottes Genesung gewinnt auch Mary langsam die Lebensfreude zurück, und ihre schroffe Fassade beginnt zu bröckeln. Aus den für beide unerwarteten Glücksgefühlen entwickelt sich bald leidenschaftliche Begierde, die alle gesellschaftlichen Konventionen ins Wanken bringt und den Lebensweg beider Frauen unwiderruflich verändern wird.

Der zweite Volltreffer in Folge «Schon mit seinem von der Kritik gefeierten, karg-kraftvollen Langfilm-Debüt «God’s Own Country», in dem sich ein irischer Jungfarmer in einen rumänischen Saisonarbeiter verliebt, berührte Francis Lee sein Publikum zutiefst. Aber der Regisseur und Drehbuchautor ist definitiv kein One-Hit-Wonder, denn mit «Ammonite˚ gelingt ihm dieses Kunststück nun direkt noch mal. Dabei weisen die auf den ersten Blick so unterschiedlich anmutenden Filme bei genauerer Betrachtung zumindest eine zentrale Parallele auf: Denn auch hier ist es für den Zuschauer zunächst nicht einfach, Sympathie für die Hauptfigur aufzubauen. Bei «God’s Own Country» geht es um einen jungen Mann, der sich mitunter sogar mit roher Gewalt gegen seine eigenen Empfindungen und das Versprechen eines erfüllten Daseins auflehnt. In «Ammonite» wirkt es hingegen zunächst so, als wäre Mary im Inneren selbst genauso kalt und schroff wie die karge Küstenlandschaft im Südwesten Englands, die von Kameramann Stéphane Fontaine («Ein Prophet») mit ausschliesslich natürlichem Licht sowie graustichigen, auf den Himmel abgestimmten Farbtönen eingefangen wird.» Oliver Kobe, filmstarts.de

Warum man sich den Film anschauen sollte! «‹Ammonite› ist eine leidenschaftliche Liebesgeschichte, die von der salzigen Seeluft und der glückseligen Abwesenheit von Männern genährt wird. Und es ist auch eine scharfe Reflexion darüber, wie die künstlerischen, wissenschaftlichen und intellektuellen Beiträge von Frauen systematisch aus der Geschichte herausgeschrieben wurden.» – Justin Chang, LA Times | «Ein brillanter, intimer und erstklassig gespielter Film über eine verbotene Liebe.[…] Eine Liebesgeschichte wie ein wertvolles Artefakt: aufregend, romantisch, erotisch.» – Peter Bradshaw, Guardian | «Wie seine gewundene Muschel- Muse findet ‹Ammonite› seine Schönheit im Ganzen, nicht in den Teilen.» – Leah Greenblatt, Entertainment Weekly | «Tief emotional, aber selten sentimental, wird [der Film] von einem Regisseur inszeniert, der entschlossen ist, jeden Moment des Schmerzes oder Vergnügens mit exquisiter Zurückhaltung spielen zu lassen.» – Steve Pound, The Wrap

LINK FILMBESPRECHUNG VON ROLF BREINER Gemeinsam mit dem Politaktivisten Yvan Sagnet, der Jesus verkörpert, erschafft der Schweizer Regisseur Milo Rau eine zutiefst biblische Geschichte. Nach Jesus' Vorbild kehrt Yvan als «Menschenfischer» in das grösste der Flüchtlingslager bei Matera (Italien) zurück. Unter den dort Gestrandeten findet er seine ‹Jünger›… Das Neue Evangelium hat den Schweizer Filmpreis in der Kategorie Bester Dokumentarﬁlm gewonnen und wartet nicht mehr auf den Kinostart sondern macht passenderweise noch vor Ostern, auf https://dasneueevangelium- online.ch einen Online-Release.

LINK WARUM MAN SICH DEN FILM ANSEHEN SOLLTE Während die gesamte Zukunft seiner Familie durch einen anhängigen Asylantrag in der Schwebe hängt, träumt Furkan davon, ein Raumschiff zu bauen, um alles hinter sich zu lassen. Filmjournalistin Irene Genhart: «Ein geduldig beobachteter, einfühlsamer und berührender Film, in dem es der Regisseurin mit leichter Hand und wohltuender erzählerischer Gelassenheit gelingt, gesellschaftspolitisch schwierige und schwere Themen abzuhandeln.»

CLICK CINEMA APRIL 2021

Editorial

Kulturplatz Davos

Streaming Film Davos

Interview Julia Niemann & Daniel Hoesl

Manöverkritik Schweizer Filmpreis

arttv.ch Dossier Schweizer Filmpreis

Visions du Réel 2021

Eröffnungsfilm VdR

Nationaler Wettbewerb VdR

Soldat Ahmet

Burning Lights

Internationaler Wettbewerb VdR - The Bubble

Grand Angle VdR - The Rosselinis

Menschenskind!

Ehrengast VdR Emmanuel Carrère

Oscar-Favorit Nomadland

Rezension Doris Senn

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