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Liebe CLICK CINEMA Leser*innen Diese Woche läuft ein bemerkenswerter Schweizer Film in unseren Kinos an. Ein tragikomischer Katastrophenfilm, für den die beiden Regisseure des Films an der diesjährigen Berlinale mit gleich zwei Preisen ausgezeichnet wurden. Es handelt sich um «Das Mädchen und die Spinne» der Zwillingsbrüder Ramon und Silvan Zürcher. Mit nur zwei Filmen haben die beiden Schweizer «einen völlig eigenen ästhetischen Kosmos gebaut, der den Regeln des narrativen Kinos eine Art filmische Quantenphysik entgegengesetzt». So beschreibt es sehr treffend Till Kadritzke, auf critic.de: «Mit der sind sie einer Chaostheorie des Sozialen auf der Spur, in der menschliche Handlungsmacht blosser Effekt eines Begehrens zu sein scheint, das die Figuren eher mitreisst, als ihnen zu gehören oder zu gehorchen.» Ein aussergewöhnlicher Film! Ich habe deshalb ausnahmsweise zwei arttv Filmjournalist*innen gebeten, darüber zu schreiben. Die Rezensionen von Madeleine Hirsiger und von Geri Krebs finden Sie in diesem CLICK CINEMA. Gerne weise ich Sie auch auf das kommende Yesh! hin. arttv.ch freut sich auch dieses Jahr Medienpartner der Jüdischen Filmtage zu sein. Normalerweise sind wir auch Medienpartner vom Pink Apple, wegen Corona ist es dieses Jahr anders. Trotzdem freuen wir uns auf die Verleihung des Pink Apple Festival Awards an Ulrike Ottinger. arttv.ch hat sich mit ihr über ihre Verdienste im LGBT+ Filmschaffen unterhalten. Felix Schenker, arttv Chefredaktor

Ein tragikomischer Katastrophenﬁlm, für den die Regisseure mit zwei Preisen an der diesjährigen Berlinale ausgezeichnet wurden. Weitere dürften folgen… TRAILER Endlich ist es soweit: Lisa zieht in ihre erste eigene Wohnung. Jahrelang hat sie mit Mara und Markus in einer WG gelebt, nun geht die gemeinsame Ära zu Ende. Während Lisa dem Umbruch entgegensehnt, löst er in Mara ein Wechselbad der Gefühle aus. «Das Mädchen und die Spinne» ist der zweite Teil einer Trilogie der Zwillingsbrüder Ramon und Silvan Zürcher über menschliches Zusammensein.

Zum Film Lisa zieht aus, Mara bleibt zurück. Während Kisten geschleppt, Wände gestrichen und Schränke aufgebaut werden, tun sich Abgründe auf, lassen Sehnsüchte den Raum anschwellen und ein Begehrenskarussell nimmt immer mehr Fahrt auf. In ihrem zweiten Film komponieren die Schweizer Zwillingsbrüder Ramon und Silvan Zürcher ein poetisches Panoptikum menschlicher Beziehungsformen, das sich zwischen Alltagsstudie, Märchen und Psychogramm einer brüchig gewordenen Welt bewegt. Nach ihrem Berlinale-Hit «Das merkwürdige Kätzchen» (2013) ist «Das Mädchen und die Spinne» der zweite Teil einer Trilogie über menschliches Zusammensein. Ein tragikomischer Katastrophenfilm. Eine Ballade über das Verlangen nach Nähe und den Schmerz von Trennung, über Veränderung und Vergänglichkeit.

REZENSION MADELEINE HIRSIGER DAS MÄDCHEN UND DIE SPINNE (I) «Das Mädchen und die Spinne» ist ein «anderer» Film, einer, der sich in keine Kategorie einordnen lässt: Er ist ein Zustand: äusserlich bewegt sich wenig, dafür umso mehr in den Seelen und Gefühlen der anwesenden Personen. Es gibt nur einen Fakt: Lisa (Liliane Amuat) zieht aus, ihre Freundin Mara (Henriette Confurius) bleibt zurück. Es wird gezügelt und die Wohnung wird zur Ameisenstrasse im Bau, es ist eng, ein emsiges Hin- und Her von Freundinnen, der Mutter (Ursina Lardi), es wird gepackt, in Kisten verstaut, Handwerker renovieren, man kommt fast nicht aneinander vorbei, die Nachbarn tauchen auf, bringen ihre Kinder mit und ein Hund ist auch noch da. Es herrscht ein Durcheinander und doch gibt es eine Art Logik. Es ist eine Inszenierung, mal ballettartig, mal wie ein Kammerspiel, ohne abrupte Bewegungen, alles ist fliessend. Die Emotionen, die der Wegzug von Lisa auslösen, sind das Fesselnde in diesem Film. Erotische Regungen, Begehrlichkeiten, Sehnsüchte, Ängste, Sympathien erzeugen einen Sog, genauso wie das Wissen, dass die Zeit Veränderungen nicht aufhalten kann. Und dann ist da noch die bestechende Kamera von Alex Hasskerl, der die Blicke auf den Gesichtern ruhen lässt. Immer wieder. So viel Intimität muss man erst mal aus- und durchhalten können. Und die Spinne? In einer kurzen Szene krabbelt sie von den Händen Maras auf den Arm von Lisa – ein symbolisches Zeichen tiefer Verbundenheit. Es gelingt den Zwillingsbrüdern Ramon und Silvan Zürcher, uns mit ihrer eigenwilligen Umsetzung des Geschehens zu fesseln, und uns mit ihren zum Teil märchenhaften Dialogen von einer realen Ebene in eine Leichtigkeit hineinzuführen, in der wir gerne verharren. «Das Mädchen und die Spinne» ist ein äusserst sorgfältig komponierter Film, der auch grossen Wert auf die Tonspur setzt (Sound Design: Denis Séchaud, Ton: Balthasar Jucker). Die Geräusche und Töne sind derart klar herausgearbeitet, dass sie eine zusätzliche Dimension bilden, die dem Film eine besondere Faszination verleihen. «Das Mädchen und die Spinne» hatte dieses Jahr an der Berlinale in der neu geschaffenen Sektion «Encounter» den Regiepreis gewonnen. Die Sektion soll «ästhetisch und strukturell wagemutigen Arbeiten von unabhängigen, innovativen Filmschaffenden eine Plattform bieten». Das trifft für den Film der 39jährigen Brüder Zürcher aus Aarberg voll zu. Mit ihrer ausgeklügelten, gekonnten Inszenierung haben sie ein einzigartiges Werk geschaffen. Ein poetisches Kunstwerk!

REZENSION GERI KREBS DAS MÄDCHEN UND DIE SPINNE (II) «Encounters» heisst bezeichnenderweise die neu geschaffene parallele Wettbewerbssektion junger Talente an der Berlinale, in der Ramon und Silvan Zürcher im vergangenen März den Regiepreis gewannen. Und war schon «Das merkwürdige Kätzchen», fulminanter Erstling der Zwillingsbrüder, im Grunde eine ungeheuer verdichtete, 70 Minuten lange Abfolge von Begegnungen, sind diese im neuen Film noch intensiver geworden. Während sich im ersten Film das ganze Geschehen innerhalb einer Patchwork-Familie an einem Frühstückstisch ausschliesslich in Innenräumen abspielte, verlagert es sich in «Das Mädchen und die Spinne» von einer Wohnung in eine andere und wieder zurück – der Raum hat sich geöffnet. Das titelgebende Mädchen Mara hadert mit der Tatsache, dass Lisa, ihre WG-Genossin aus der gemeinsamen Wohnung auszieht. Wie zwei ineinander verkeilte Erdplatten sei diese sich an einem Umzugstag auflösende Freundschaft, ein ständiges Wechselspiel zwischen Nähe und Distanz, erklären Ramon und Silvan Zürcher in einem Interview die vordergründig schlichte Grundidee des Films. Formal erzeugt er, abgesehen von der stupenden Präsenz der beiden Protagonistinnen, der Deutschen Henriette Confurius (Mara) und der Schweizerin Liliane Amuat (Lisa), seine Spannung aus der fast ausschliesslich statischen Kamera, die mit dem dynamischen Geschehen zwischen allen Beteiligten stark kontrastiert. Neben den beiden Hauptdarstellerinnen sind dies die Mutter von Lisa, ein polnischer Umzugsarbeiter und sein Gehilfe, Nachbarinnen, der WG- Genosse von Mara sowie eine Vormieterin. In millimetergenau kadrierten Einstellungen schafft es Kameramann Alexander Hasskerl, der bereits «Das merkwürdige Kätzchen» visuell veredelt hatte, das ständige Kommen und Gehen der Figuren zu einem reinen optischen Vergnügen zu machen. Der Minimalismus der Geschichte verschwindet dabei in raffinierter Weise, und wenn an mehreren Stellen der Plan von Lisas neuer Wohnung – von Mara zeichnerisch zunehmend mit Leben gefüllt – ins Bild rückt, wird so der Vorrang des Bildnerisch-Architektonischen vor dem Erzählerisch-Dramatischen noch akzentuiert. Dabei bleibt «Das Mädchen und die Spinne» ein hoch dramatischer Film, etwa in der emblematischen Szene, in der Mara das titelgebende Tier auf Lisas Schulter entdeckt, das filigrane Ding dann sanft auf ihren Handrücken krabbeln lässt, um es daraufhin ganz selbstverständlich Lisa zu übergeben und dabei sachte deren Hand zu streicheln. So viel beiläuﬁge Zärtlichkeit war schon länger in keinem Kinoﬁlm mehr zu sehen.

Weitere Stimmen «Mit genauem Blick auch für kleine und kleinste Details, für Blicke und kleine Gesten vermisst der Film seine winzige Welt und erstellt eine Kartographie der Untiefen und Bruchlinien der Menschen, die diese Welt bevölkern, die hier ein- und ausgehen, ankommen und wieder verschwinden oder die vielleicht niemals wirklich da waren.» – Joachim Kurz, Kino Zeit | «Mit nur zwei Filmen haben die Zürchers einen völlig eigenen ästhetischen Kosmos gebaut, den Regeln des narrativen Kinos eine Art filmische Quantenphysik entgegengesetzt. Mit der sind sie einer Chaostheorie des Sozialen auf der Spur, in der menschliche Handlungsmacht blosser Effekt eines Begehrens zu sein scheint, das die Figuren eher mitreisst, als ihnen zu gehören oder zu gehorchen.» – Till Kadritzke, critic.de MEHR ZUM FILM Das Mädchen und die Spinne | Regie: Schweiz 2021 | 98 Minuten, Deutsch | Verleih: Xenix Filmdistribution TRAILER i

Vor rund einem Jahr präsentierten Sie in Berlin Ihr jüngstes, autobiograﬁsches, Werk, «Paris Calligrammes» – über Ihre künstlerischen Anfänge im Paris der 60er-Jahre. Und: Sie wurden mit der Berlinale Kamera ausgezeichnet. Dann kam der Lockdown. Wie verbrachten Sie die Zeit seither? Nun ja. Es gab ja verschiedene Lockdowns: in Deutschland, Frankreich, den USA… Überall dort hätte «Paris Calligrammes» an Festivals gezeigt und in den Kinos starten sollen. Aber nachdem ich zehn Tage mit dem Film mit wunderbarer Presse durch die deutschen Städte gereist war, kam der Lockdown. Da es für mich in der Folge auch keinen Sinn machte, in Berlin zu bleiben, und ich das grosse Glück habe, am Bodensee noch das Haus meiner Eltern zu haben, arbeitete ich seither hier in Hegne – mit kurzen Stippvisiten in Berlin. Wieso ist ein Film über einen früheren Staatschef ein Tabubruch? Arbeiten Sie an einem nächsten Film? Ich arbeitete an einem Drehbuch, habe dies aber zurückgestellt, weil ich dann noch den Kunstpreis von Baden-Württemberg erhielt. Dazu soll es zwei grosse Ausstellungen geben – etwa in der Baden-Badener Kunsthalle, die ja ein «Riesendampfer» ist und entsprechend anspruchsvoll für die Konzeption. Und dann ist es so: In meinem Alter hat man ein Œuvre, und da gibt es – man kann sich das gar nicht vorstellen! – unzählige Festivals und entsprechend viele Videokonferenzen oder Zoom- Publikumsgespräche. Und das ist zurzeit einfach unendlich viel, dass gar keine Zeit bleibt. Zudem: Ich besitze rund 200 Zeichnungen der letztjährig verstorbenen Tabea Blumenschein [zehn Jahre lang Partnerin von Ulrike Ottinger und Protagonistin in «Madame X», «Dorian Gray im Spiegel der Boulevardpresse» und «Bildnis einer Trinkerin», Anm. d. Red.] und schenke diese der Berlinischen Galerie, die sie zusammen mit Fotografien, die ich von Tabea gemacht habe – Hunderte und Hunderte gestalteter Bilder –, im nächsten Jahr ausstellen will. Daraus soll es einen Katalog geben… Sie sehen, ich war in dieser Zeit mehr als beschäftigt und bin es noch. [schmunzelt] Sie sind nicht nur eine Pionierin des queeren Filmschaffens, sondern haben auch einen avantgardistischen Umgang mit Fiktion und Nicht-Fiktion. In Ihrem Film «Johanna d’Arc of Mongolia» etwa lassen Sie Schauspielerinnen in einen Dialog mit mongolischen

Reiterinnen treten. Wie stehen Sie zur aktuell diskutierten «Reality in Fiction» – etwa im Oscar- prämierten «Nomadland»? Ein hochinteressanter Film und ein hochinteressantes Thema! Der Beginn von «Johanna d’Arc of Das Filmpodium Zürich zeigt in der Filmreihe «Ulrike Ottingers Kino der Attraktionen» bis Ende Mai sieben Filme der Regisseurin, davon «Paris Calligrammes» (2019) als Premiere. Mongolia», im einführenden Off- Monolog spricht Lady Windermere [von Delphine Seyrig gespielt, Anm. der Red.] ja genau darüber, was passiert, wenn unsere Vorstellungen von einer anderen Kultur auf die Realität treffen. Kann sich die Fantasie mit der Realität verbünden? Stossen sie sich ab? Verändern sie sich durch die Begegnung? Tauschen sie die Rollen? Der Film möchte nicht zuletzt einen Dialog mit der Geschichte anregen – auch etwa durch die Gemälde in der Transsibirischen Eisenbahn. Und wie es zur Zeit von Louis XIV Mode war, chinesische Kostüme zu tragen und Tee zu trinken, war es in der mongolischen Qing-Dynastie angesagt, westliche Kleidung anzuziehen. Es gab also schon immer ein Spiel mit anderen Identitäten, auch kulturell, und in beide Richtungen. Eine Globalisierung ante litteram. Vielleicht noch ein paar Worte zur Entstehung von «Paris Calligrammes», der als Schweizer Premiere im Award-Programm des Filmpodiums zu sehen ist? Mir ist im Laufe der Jahre immer klarer geworden, wie wichtig diese Zeit im Paris der 60er-Jahre bezüglich Kultur, aber auch Gesellschaftspolitik für mich und den Beginn meines Schaffens war: die Begegnung mit den Menschen in der Buchhandlung «Calligrammes», die künstlerisch- ästhetisch, aber auch politisch sehr wach waren. Nicht zuletzt auf diese frühen Einflüsse und teils auch zufällige Begegnungen geht die starke «Reichhaltigkeit» meiner Bilder zurück, auf die ich bei Publikumsgesprächen zu meinen Filmen oft angesprochen werde. Das ist mir zunehmend bewusst geworden und hat letztlich den Anstoss für den Film gegeben. Interview: Doris Senn, arttv.ch

ANZEIGE ARTTV MEDIENPARTNERSCHAFT A EUROPEAN FILM CONSPIRACY BALD IM KINO ZU GEWINNEN 20 x 2 TICKETS REGIE DANIEL HOESL BUCH & CO-REGIE JULIA NIEMANN KAMERA ANDI WIDMER TON EVA HAUSBERGER, ANDI PILS, RETO STAMM SCHNITT GERHARD DAURER HERSTELLUNGSLEITUNG GEORG ASCHAUER TONGESTALTUNG GERHARD DAURER TONMISCHUNG ANDI PILS MOTIVORGANISATION PETER JAUNIG BUCHHALTUNG SHOSHANA RAE STARK FARBKORREKTUR ANDI WINTER GRAFIK FONDAZIONE EUROPA PRODUKTION GEORG ASCHAUER, JULIA NIEMANN, DANIEL HOESL FINANZIERT MIT MITTELN VON BUNDESKANZLERAMT ÖSTERREICH, KULTURFÖRDERUNG GRAUBÜNDEN, GEMEINDE DAVOS, DAVOS KULTUR – KULTURKOMMISSION GEMEINDE DAVOS DESTINATION DAVOS KLOSTERS, AMT DER NÖ LANDESREGIERUNG ABTEILUNG KUNST UND KULTUR, STADT WIEN KULTUR MA7 KULTUR HERGESTELLT VON A EUROPEAN FILM CONSPIRACY © !0!0 GEORG ASCHAUER, DANIEL HOESL, GERALD KERKLETZ, JULIA NIEMANN, KATHARINA POSCH davosﬁlm.com GEFILMT IN DAVOS VON JANUAR !018 BIS MAI !019

Ihr Film «Gorbachev. Heaven» ist von einem starken Vertrauensverhältnis zu Ihrem Protagonisten geprägt. Wie lange kennen Sie Michail Gorbatschow? Vitaly Mansky: Seit 1999. Damals hatte ich eine leitende Position beim russischen Staatsfernsehen inne und ich realisierte die Trilogie: «Red Tsars. Presidents of Russia». Der erste Teil war «Gorbachev. After the Empire», in den beiden anderen Teilen porträtierte ich Boris Yeltsin und Wladimir Putin. Letzterer war damals gerade neu an die Macht gekommen – und wie so viele andere setzte ich grosse Hoffnungen in ihn. Dass ich zu jener Zeit aber auch einen Dokumentarfilm über Gorbatschow drehte, war jedoch ein Tabubruch. Wieso ist ein Film über einen früheren Staatschef ein Tabubruch? Mehr noch als heute war Michail Gorbatschow in der russischen Öffentlichkeit eine Unperson, im Staatsfernsehen stand er auf einer Schwarzen Liste, er galt als «Zerstörer der Sowjetunion». Seit jenem ersten Film habe ich Gorbatschow immer wieder getroffen, mich über all die Jahre häufig mit ihm ausgetauscht. «Gorbachev. Heaven» ist nun aber keineswegs Teil zwei von «Gorbachev. After the Empire», sondern etwas ganz anderes. Doch ohne diesen Film wäre der neue so wohl nicht möglich gewesen. Michail Gorbatschow hätte mich wohl kaum so nahe an sich herankommen lassen. Sie begleiten in «Gorbachev. Heaven» einen sehr alten, gesundheitlich stark angeschlagenen Mann, der aber gleichzeitig luzid und weitblickend ist. Er hat nach wie vor das Selbstbewusstsein, dass er, wie es jemand im Film formuliert, «das Antlitz dieses Planeten in einem Mass verändert hat, wie sonst niemand». Ich kann meinen Film auf eine Kurzformel bringen: Michail Gorbatschow lebt noch, aber die Ideen und Ideale, für die er gelebt hat, sind tot. Sie selber leben heute in Riga, Sie mussten 2014 Russland verlassen. Wie kam das? Ich hatte 2014 die Annexion der Krim und die Entfesselung des Krieges in der Ostukraine öffentlich kritisiert. Damit überschritt ich endgültig eine rote Linie und ich erfuhr, dass ich auf einer schwarzen Liste von «Staatsfeinden» gelandet war – was auch immer das heisst. Aber etwas wusste ich: Jetzt war es Zeit zu gehen. Bereits zuvor hatte ich mich wiederholt unbeliebt

gemacht, so etwa mit dem Dokumentarfilm «Under the Sun», den ich 2013/14 in Nordkorea gedreht hatte. (Anm.: Der Film lief 2016 auch am Visions du Réel). Diesen Film realisierte ich noch als Angestellter und im Auftrag des russischen Staatsfernsehens. Es hätte ein Propagandastreifen (anderes ist in Nordkorea gar nicht möglich) über das Leben in dem abgeschotteten Land werden sollen. Vordergründig erfüllte ich die Vorgaben, doch in kurzen Momenten, wenn meine Aufpasser wegschauten, filmte ich Dinge aus dem Leben der Leute in Nordkorea, die eine ganz andere Realität zeigten als die der Propagandabilder. Es gelang mir, diese Aufnahmen heimlich ausser Landes zu schaffen und Nordkorea unbeschadet zu verlassen. Als der Film in Russland herauskam, verursachte er einigen Wirbel, denn die Regimes von Russland und Nordkorea sind seit je enge Freunde. Zwischenzeitlich veröffentlichten Sie auch noch den Dokumentarﬁlm «Putin’s Witnesses». Darin haben Mehr noch als heute war Michail Gorbatschow in der russischen Öffentlichkeit eine Unperson, im Staatsfernsehen stand er auf einer Schwarzen Liste, er galt als «Zerstörer der Sowjetunion». Das ist vor allem wegen meines Festivals Art Doc Fest möglich, das ich 2006 gründete und seit damals auch leite. Das Festival, das sich dem unabhängigen russischen Filmschaffen widmet, ist international Sie das Material, das Sie vor über zwanzig Jahren im Rahmen von «Red Tsars. Presidents of Russia» über Putin drehten, einer heutigen Betrachtung unterzogen – etwas, das bei Putin gar nicht gut ankam. Dennoch weilten Sie für die Dreharbeiten von «Gorbachev. Heaven» zwischen Ende 2018 und Anfang 2020 erneut mehrmals in Russland. Wie war das möglich? nicht ganz unbekannt, eine Tatsache, die mir vielleicht einen gewissen Schutz bietet. Aber natürlich gehe ich ein Risiko ein, wenn ich nach Russland reise. Man weiss nie, ob ich nicht der nächste «Fall Nawalny» sein werde. Denn gerade vor wenigen Wochen hat mein Festival das Etikett: ‹Extremistische Organisation› erhalten. ‹Extremistisch› ist mittlerweile alles, was Putin nicht in

betrifft, muss man natürlich sehen, dass er nicht den privilegierten Zugang zu ihm hatte wie ich, er konnte nur während weniger Tage mit ihm drehen – und dann war da auch noch die sprachliche Barriere. Aber ich finde den Film gelungen und ich habe Werner Herzog sogar so weit unterstützt, dass er einen Ausschnitt des langen Gedichts, das Gorbatschow in meinem Film am Ende rezitiert (eine Sequenz, die ich schon früh gedreht hatte), für seinen Film verwenden durfte. Interview: Geri Krebs, arttv.ch Vitaly Mansky wurde 1963 in Lemberg in der damaligen ukrainischen Sowjetrepublik geboren und studierte später in Moskau am staatlichen Institut für Kino, wo er 1989 seine Ausbildung abschloss. Er drehte seither über 30 Filme und ist einer der international bekanntesten Dokumentarfilmregisseure Russlands und ein alter Bekannter am Festival Visions du Réel. Seit 2000 war er mehrfach mit seinen Filmen in Nyon vertreten. Sein vorletzter, «Putin’s Witnesses» wurde von Gabriela Bussmann produziert, der früheren Co- Leiterin von Visions du Réel. den Kram passt. Er hat das Land längst in dem Sinn umgebaut: Putin ist Russland und Russland ist Putin. Kehren wir zurück zu Michail Gorbatschow. Wie haben Sie es geschafft, ihm so nahe zu kommen und ihm auch so kritische Fragen zu stellen – gerade was seine Haltung zu Putin betrifft? Nun, wie ich ja bereits erwähnte, kennen wir uns schon lange. Zudem habe ich vom Umstand profitiert, dass er es sehr liebt, sich mit jungen Leuten zu umgeben und mit ihnen Diskussionen zu führen darüber, wie sie die Welt sehen und wie er sie sieht. Und glücklicherweise bin ich ja auch noch jung (lacht). Und wenn Sie seine Haltung zu Putin erwähnen und seine Weigerung, klar Stellung zu beziehen: Letztendlich ist Gorbatschow ein Gefangener von Putin, da bleibt ihm gar nichts anderes übrig, als vorsichtig zu sein. Das ist etwas, was ich – unter anderem – auch mit diesem Film zeigen wollte. Vor zwei Jahren hat Werner Herzog ebenfalls einen Film über und mit Gorbatschow realisiert und in Nyon gezeigt. Kennen Sie den Film? Natürlich, Werner Herzog und ich sind Kollegen. Wir sind seit vielen Jahren gut miteinander bekannt. Was seinen Gorbatschow-Film

ZU GEWINNEN 5 x 2 TICKETS Zum Film «Wenn die letzte Gold-Ader aus der Erde gezogen ist, zerfällt die Welt zu Staub.» So heisst es in einem Lied, mit dem Amra in einer Talentshow auftreten möchte. Der 12- Jährige lebt mit seiner Familie in der mongolischen Steppe in einer traditionellen Nomadengemeinschaft. Während Amra zur Schule geht, kümmert sich seine Mutter um die Ziegenherde. Sein Vater arbeitet als Mechaniker und verkauft auf dem lokalen Markt selbstproduzierten Käse. Doch der Lebensraum der Familie wird von globalen, nach Gold grabenden Bergbauunternehmen bedroht. Amras Vater ist der Anführer derer, die sich der Ausbeutung widersetzen – und für den Jungen stellt sich bald die Frage, ob er seinem eigenen Traum oder den Fussstapfen seines Vaters folgen soll…

DIE ADERN DER WELT REZENSION GERI KREBS Wenn von der Verwüstung von Landschaft und Natur durch global agierende Bergbaukonzerne die Rede ist, stehen meist Länder Afrikas und Lateinamerikas im Fokus. Die Tatsache, dass unter diesen Machenschaften auch Menschen in Zentralasien, im am wenigsten dicht besiedelten Land der Welt – der Mongolei – leiden, ist dagegen wenig bekannt. Über ein Fünftel dieses riesigen Landes sei mittlerweile als Bergbaugebiet ausgewiesen, das meiste davon ist in Händen global agierender Konzerne, erfährt man am Ende von «Die Adern der Welt». Wie bereits in ihren früheren Filmen, erzählt Byambasuren Davaa in ihrem ersten «reinen» Spielfilm vom Zusammenprall zwischen traditioneller Nomadenkultur und der modernen westlichen Welt in ihrem zentralasiatischen Heimatland. Von der in Deutschland lebenden mongolischen Regisseurin, die 2004 mit ihrem Erstling «Die Geschichte vom weinenden Kamel» einen Sensationserfolg und 2005 eine Oscar-Nominierung als bester Dokumentarfilm erzielte, war schon lange nichts mehr zu vernehmen gewesen. Zuletzt war sie vor elf Jahren mit «The Two Horses of Genghis Khan» präsent, 2009 auf der Piazza Grande in Locarno begeisterte sie mit diesem Abschlussfilm des Festivals das Publikum. Und so bildgewaltig und bewegend wie jener Dokumentarfilm über die schmerzlichen Folgen der Trennung zwischen innerer und äusserer Mongolei ist auch «Die Adern der Welt». In seinen langsamen Einstellungen, welche die Schönheiten des der Zerstörung preisgegeben Weidelandes eindrücklich vermitteln, lässt «Die Adern der Welt» in geradezu sinnlicher Weise erahnen, was da vernichtet wird – und die Geschichte des rebellischen kleinen Protagonisten Amra, der sich den skrupellosen ausländischen Goldschürfern so mutig wie gewitzt in den Weg stellt, geht voll ans Herz. Und am erstaunlichsten an diesem die Kitschfalle erfolgreich vermeidenden Umweltkrimi ist die Tatsache, dass er überhaupt realisiert werden konnte. Der Mut von Byambasuren Davaa verdient grösste Hochachtung.

Weitere Stimmen «‹Die Adern der Welt› ist eine Herzensangelegenheit: Die virtuose Art, wie Davaa ihre Heimat einfängt, die Menschen zeichnet und deutliche Kritik an der Vereinnahmung des Landes durch aggressiven Rohstoffabbau übt – das alles gibt dem Film Grösse.» – Journal Frankfurt | «Der schönste Film der Berlinale.» – Tagesspiegel Berlin | «Davaa gelingt es, eine kulturübergreifende Erzählung von Trauer und Familienzusammenhalt zu verbinden mit der Kritik an globalem Profitstreben.» – Stadtrevue | «Melancholisch, mythisch und bilderstark inszeniert.» – FRIZZ | «Die oscarnominierte Regisseurin Davaa erzählt eine bewegende Filmgeschichte vor der atemberaubenden Kulisse der mongolischen Steppe.» – kölner.de | «Im ersten Spielfilm von Byambasuren Davaa träumt ein mongolischer Nomadenjunge von einer Karriere als Sänger. Der Film ist auch eine Warnung vor dem Verschwinden traditioneller Lebensweisen und dem Raubbau an der Natur.» - Irene Genhart, cineman.ch TRAILER MEHR ZUM FILM i Die Adern der Welt | Regie: Byambasuren Davaa | Drama | 96 Minuten | Deutschland, Mongolei, 2020 | Verleih: Filmcoopi | Der Film feierte seine Weltpremiere auf der 70. Berlinale in der Reihe «Generation».

TRAILER Was es heutzutage bedeutet, jung und auf der Suche nach Liebe und Körperlichkeit zu sein. Das Internet und die Sozialen Medien verändern die Vorstellung von Liebe, Beziehung und Sexualität in unserer Gesellschaft. Besonders betroffen vom Wandel sind junge Erwachsene. Auch wenn die Probleme gleich geblieben sind, so steht die Adoleszenz als spannungsgeladene Lebensphase heute im Kontext einer schwer durchschaubaren digitalen Welt. «Lovecut» wirft ein Schlaglicht darauf.

Stimmen «Ganz leicht und ohne im Entferntesten konstruiert zu wirken, haben die beiden Filmemacherinnen die[se] Geschichten miteinander verwoben und wechseln auf gekonnte Weise zwischen den einzelnen Paaren und Erzählfäden hin und her, lassen sie zusammenlaufen und dann wieder auseinander, setzen Parallelen und Brüche und haben so vor allem in der ersten Hälfte einen Film geschaffen, der sich ganz natürlich anfühlt und der die Lebenswelt seiner Akteur*innen überaus glaubhaft vermittelt.» – Joachim Kurz, Kino Zeit | «Insgesamt ist «Lovecut – Liebe, Sex und Sehnsucht» aber ein angenehm rauer, dabei unaufgeregter Vertreter des Coming-of-Age-Films, der dank eines schauspielerisch kaum erfahrenen Ensembles – zumindest bei den Paaren – auch immer eine dokumentarische Note hat.» – Oliver Armknecht, ﬁlm-rezensionen.de | «‹Lovecut› [erzeugt] mit seinen ungeschliffenen, dokumentarisch anmutenden Handkamerabildern eine grosse Nähe zu den Figuren.» – Björn Schneider, cineman TRAILER MEHR ZUM FILM i Lovecut | Regie: Iliana Estañol und Johanna Lietha | Drama | 94 Minuten | Schweiz und Österreich, 2020 | Verleih: Aardvark Film Filmstart Deutschschweiz: 20. Mai 2021

TRAILER Die Geschichte der unsterblichen Jazzlegende und ihr Kampf gegen die Unterdrückung der Schwarzen. «Southern trees bear a strange fruit» lautet die erste Zeile des legendären Songs von Abel Meeropol, mit dem Billie Holiday die rassistischen Lynchmorde in den Südstaaten der USA anprangerte. Den Song öffentlich zu performen, sollte für sie schwere Folgen haben. Der vielfach preisgekrönte Regisseur Lee Daniels verfilmt ihre Geschichte mit der stimmgewaltigen Andrea Day in der Hauptrolle. Für ihre Darstellung der Jazzlegende wurde sie mit dem Golden Globe als Beste Darstellerin ausgezeichnet

ZU GEWINNEN 5 x 2 TICKETS Zum Film Regisseur Lee Daniels («The Butler», «Paperboy» und «Precious») erzählt die aufwühlende Geschichte um den Kampf der legendären Jazzmusikerin Billie Holiday für die Freiheit ihrer Rasse und gegen die Unterdrückung durch den Staat und grosse Teile der amerikanischen Bevölkerung. Von den Fans ihrer Musik auf der ganzen Welt verehrt, wird sie gleichzeitig zum Opfer einer Undercover-Aktion der US Drogenbehörde, geleitet durch den Agenten Jimmy Fletcher, mit dem sie sich auf eine turbulente und ruinöse Affäre einlässt. Nicht wegen ihres Heroinkonsums steht sie im Visier des Staates, sondern aufgrund ihres antirassistischen Songs ‹Strange Fruits›. Eine herzzerreissende Geschichte der unsterblichen Jazzlegende.

TRAILER Stimmen «Andrea Day hat eine umwerfende Leinwandpräsenz, die die Gelassenheit und rohe Kraft des Themas wiedergibt. Egal, ob sie mit einer Orchidee im Haar und geprellten Rippen auf der Bühne steht, oder auf der von Höhen und Tiefen gezeichneten Welttournee zwischen zwei Nummern Ohrfeigen verteilt. Wie James Erskines kürzlich erschienener Dokumentarfilm ‹Billie› gezeigt hat, war Holiday mehr als nur ein ‹Opfer› – Day verleiht ihrer Performance eine vibrierende Kraft, die sich auch unter den schrecklichsten Umständen nicht unterdrücken lässt.» – Mark Kermode, The Guardian | «‹The United States vs. Billie Holiday› erinnert an die Bedeutung einer Ikone, aber auch an die anhaltende Ungerechtigkeit, dass Amerika selbst im Jahr 2021 immer noch kein Gesetz verabschiedet hat, das Lynchjustiz zu einem bundesweiten Hassverbrechen macht.» – Brian Truitt, USA Today MEHR ZUM FILM i The United States vs. Billie Holiday | Regie: Lee Daniels | Biopic, Musikfilm | 120 Minuten | USA, 2021 | Verleih: Elite Film

ZU GEWINNEN 5 x 2 TICKETS Zum Film Eine Frau verschwindet. Am Tag nach einem grossen Schneesturm findet man ihr Auto auf der Strasse zu einer Hochebene mit ein paar abgelegenen Bauernhöfen. Die Polizei tappt im Dunkeln, doch fünf Personen haben etwas mit dem Verschwinden zu tun. Jeder von ihnen hat ein Geheimnis, aber keiner ahnt, wo diese Geschichte tatsächlich begonnen hat: nicht auf diesem von Winterwinden gepeitschten Berg, sondern auf einem fernen Kontinent, wo die Sonne brennt und die Armut diktiert.

SEULES LES BÊTES REZENSION GERI KREBS Was haben ein bildschöner junger Slum-Bewohner aus der westafrikanischen Millionenstadt Abidjan und ein dicklicher Bauer mittleren Alters in der sturm- und schneegepeitschten Hochebene des französischen Zentralmassivs miteinander zu tun? Die Antwort auf diese nahe liegende Frage liefert Dominik Moll erst nach einem wahnwitzigen, fast zweistündigen Parcours durch die Beziehungswirren von nicht weniger als acht Hauptfiguren. Am Anfang steht eine der witzigsten Eröffnungsszenen, die man seit Langem im Kino gesehen hat und schon der Filmtitel, basierend auf dem gleichnamigen, 2017 erschienenen Roman von Colin Niel, ist so doppelbödig und hintergründig, wie alles in diesem fulminanten Mix aus Schelmengeschichte, Thriller und vertrackter Beziehungskomödie. (Das französische Wort «bêtes» kann sowohl «Tiere» als auch «Dumme» bedeuten, beide spielen eine wichtige Rolle in Molls Film.) Dabei erweist sich Doninik Moll, von dem man seit den Nullerjahren («Lemming», «Harry, un ami qui vous veut du bien») nie mehr etwas bei uns im Kino gesehen hat, mit seinem Humor, der an die besten Filme der Gebrüder Cohn und Quentin Tarantino erinnert, als einer der originellsten Cineasten Frankreichs.

Weitere Stimmen «Ein geheimnisvoller Thriller – eiskalt und fesselnd von der ersten bis zur letzten Minute.» – Variety | «Eine Geschichte voller unerwarteter und atemberaubender Wendungen.» – Hollywood Reporter | «Von Anfang an messerscharf, unberechenbar und spannungsgeladen.» – Screen | «Ein kühner, witziger und raffinierter Mystery-Thriller um Ehebruch und Amour fou mit einem spielerischen Hauch des Makabren.» – The Guardian | «Die Darsteller zeigen unbekümmerte, von grosser Ausdruckskraft geprägte Auftritte. Allen voran Dénis Menochet. Als undurchsichtiger, ruppiger Landwirt hinterlässt er einen bleibenden Eindruck.» - Björn Schneider, cineman.ch TRAILER MEHR ZUM FILM i Seules les bêtes | Regie: Dominik Moll | Thriller | 117 Minuten | Frankreich, Deutschland, 2019 | Verleih: Filmcoopi

TRAILER Yesh! – Neues aus der jüdischen Filmwelt | Filmtage Zürich | 6. bis 10. Juni 2021 | Die Filme sind in den Kinos und online verfügbar. Golden Voices | Regie: Evgeny Ruman | Drama | Israel 2019 | CH Premiere| OVe | 88′ | Cast: Mariya Belkina, Vladimir Friedman, Evelin Hagoel | Bari International Film Festival 2020 Beste Regie | Tallinn Black Nights Film Festival 2019, Bester Film, Bestes Drehbuch Herzerwärmend und tragikomisch offenbart Regisseur und Drehbuchautor Ruman, wie schwierig die ‹Alija›, die Rückkehr ins gelobte Land, sein kann. In der Sowjetunion wurden Rayas und Victors goldene Stimmen gefeiert, mit denen sie westliche Filme synchronisierten. Jetzt sucht das ältere Ehepaar nach dem Zusammenbruch des Ostblocks in Israel sein Glück. Raya setzt ihre Stimme erfolgreich beim Telefonsex ein, wovon Victor aber nichts weiss. Ihr Kampf um einen Platz im fremden Land führt zu merkwürdigen Begegnungen, grotesken Situationen und droht, ihre Liebe zu zerstören.

TRAILER Yesh! – Neues aus der jüdischen Filmwelt | Filmtage Zürich | 6. bis 10. Juni 2021 | Die Filme sind in den Kinos und online verfügbar. Adventures of a Mathematician | Regie: Thor Klein | Drama | Deutschland, Polen, England 2020 | CH Premiere OVd | 102′ | Cast: Joel Basman, Philippe Tlokinski, Esther Garrel Ein spannendes historisches Drama, in dem der Zürcher Joel Basman überzeugend Edward Teller verkörpert. Ist es moralisch gerechtfertigt, eine Bombe zu bauen, die Massen vernichtet? Geniale Köpfe streiten sich Mitte der Vierzigerjahre rund um diese Frage, während sie in Los Alamos nach der Atom- die Wasserstoffbombe zu realisieren versuchen. Mittendrin: Stanislaw Ulam, jüdischer Mathematiker. Nach der Kapitulation Hitler-Deutschlands und den Abwürfen der Atombomben in Hiroshima und Nagasaki beginnen er und andere Wissenschaftler immer stärker an der Notwendigkeit ihrer Forschung zu zweifeln.

TRAILER Yesh! – Neues aus der jüdischen Filmwelt | Filmtage Zürich | 6. bis 10. Juni 2021 | Die Filme sind in den Kinos und online verfügbar. Gaza mon Amour | Regie: Arab und Tarzan Nasser | Tragikomödie | Palästina, Frankreich, Deutschland 2020| CH Premiere | OVe | 87′ | Arab und Tarzan Nasser | Cast: Hiam Abbass, Salim Dau, Maisa Abd Elhadi Die Brüder Arab und Tarzan Nasser liefern ein trotziges, respektloses Plädoyer für Hoffnung und Menschlichkeit inmitten des palästinensischen Alltags. Fischer Issa, 60 Jahre alt, lebt im Gazastreifen, wo das Leben eine Katastrophe und das Zwischenmenschliche die individuelle Rettung sein kann. Er liebt heimlich die Witwe Siham. Dann fängt er in seinem Netz eine antike Apollo-Statue. Issas Sehnsucht nach Siham verspricht Glück, die Statue bringt Ärger und die heuchlerische Hamas ist allgegenwärtig. Gekonnt prallen in «Gaza mon Amour» das Erwartbare auf Absurdität, das Tragische auf Komik.

Yesh! – Neues aus der jüdischen Filmwelt | Filmtage Zürich | 6. bis 10. Juni 2021 | Die Filme sind in den Kinos und online verfügbar. Abe | Regie: Fernando Grostein Andrade | Komödie | Brasilien, USA 2019 | OVe | 85′ | Cast: Noah Schnapp, Seu Jorge, Dagmara Dominczyk u.a. TRAILER Regisseur Grostein Andrade setzt dem konﬂiktträchtigen Familienleben die integrative Küche entgegen. Entstanden ist ein unterhaltsames, lebendiges, äusserst liebenswertes Filmvergnügen für die ganze Familie. Der zwölfjährige Abe hat muslimische und jüdische Wurzeln. Kommt die Mischpoche zusammen, versalzt der israelisch-palästinensische Konflikt die Stimmung am Esstisch. Abe will mit seinem Hobby Frieden stiften: Er kocht leidenschaftlich gerne und besucht heimlich Chico, den brasilianischen Fusionkünstler, der aus unterschiedlichsten Zutaten wohlschmeckende Speisen zaubert.

TRAILER Yesh! – Neues aus der jüdischen Filmwelt | Filmtage Zürich | 6. bis 10. Juni 2021 | Die Filme sind in den Kinos und online verfügbar. Winter Journey | Regie: Anders Østergaard, Erzsébet Rácz | Drama | Deutschland, Dänemark 2019| CH Premiere OVe| 90′ | Cast: Bruno Ganz, András Bálint, Harvey Friedman Bruno Ganz in seiner letzten Rolle vor seinem Tod 2019: Berührend und überzeugend! Die Zürcher Schauspiel-Legende verkörpert den introvertierten George Goldsmith, der seinem Sohn Martin sehr widerwillig vom Aufwachsen unter dem Naziterror, der Flucht nach Amerika und dem Tod der Zurückgebliebenen erzählt. Dies Interviewszenen beruhen auf den Worten des wahren George Goldsmith und werden mit nachgespielten Szenen sowie dokumentarischem Material ergänzt. Ein spannungsreiches, wirklichkeitsnahes Werk über den Einfluss der Weltgeschichte auf das einzelne Schicksal.

TIERE Ein ﬁlmischer Trip zwischen Traum und Realität, gespickt mit schwarzem Humor und Suspense. Greg Zglinskis («Tout un hiver sans feu») Film «Tiere» feierte an der Berlinale 2017 im Forum seine Premiere. Das filmische Vexierspiel mit Birgit Minichmayr, Philipp Hochmair und Mona Petri in den Hauptrollen wurde unterschiedlich von der Filmkritik aufgenommen. arttv.ch lobte den intensiven Erzählsog. «Man fühlt sich zuweilen stark an Hitchcocks Vertigo erinnert oder auch an David Lynchs Filme ‹Lost Highway› und ‹Mulholland Drive›.» konsternierte Michael Sennhauser. Für Gunda Bartels vom Tagesspiegel war der Film hingegen «eine blutleere Kopfgeburt». LINK GANZEN ARTIKEL AUF ARTTV.CH ANSEHEN I G N M A E R T S E E R F

LES PETITES FUGUES - KLEINE FLUCHTEN Der Film, der 1979 in unsere Kinos kam, gehört zu den schönsten und besten Schweizer Kino-Produktionen überhaupt. Yves Yersins ungemein sorgfältige und poetische Geschichte schildert auf heitere und glaubhafte Art den Prozess einer Selbstbefreiung. Der vom «Filmkollektiv Zürich» produzierte Streifen atmet einen für den Schweizer Film bemerkenswerten Geist des Aufbruchs und war darüber hinaus auch an der Kinokasse erfolgreich. Mit über 420 000 Zuschauer*innen liegt er auf Platz fünf der erfolgreichsten Schweizer Filme der letzten dreissig Jahre. Allein in Zürich hielt er sich 33 Wochen lang in den Kinos.» – Sidney Scheren LINK GANZEN ARTIKEL AUF ARTTV.CH ANSEHEN I G N M A E R T S E E R F

ARTTV MEDIENPARTNERSCHAFT TRAILER Die Geschichte über den amerikanischen Traum – und sein Scheitern ist der grosse Oscar- Gewinner 2021. Ein Film, der ungeschminkter kaum daher kommen könnte und das Schicksal einer Einzelkämpferin in den Mittelpunkt stellt. Hauptdarstellerin Fern (Frances McDormand) begibt sich als Nomadin auf die Reise durch ein karges Amerika. Heraus kommt ein einfühlsames, halb-dokumentarisches Roadmovie, mit dem Regisseurin Chloé Zhao vielleicht einen neuen amerikanischen Realismus begründet. Eine Leistung, die auch die Academy anerkennt und gleich sechs Nominierungen ausspricht.

REZENSION DORIS SENN NOMADLAND Schlicht grossartig, wie Frances McDormand in «Nomadland» die eigenwillige Fern auf der Leinwand zum Leben erweckt. McDormand («Fargo», «Three Billboards Outside Ebbing, Missouri»), die den Film auch produziert hat, verkörpert die ebenso unscheinbare wie unbeirrte Fern, die ihren Mann, ihre Arbeit und ihre Heimat verlor. Ihrer Stadt mit dem pompösen Namen «Empire» wurde sogar die Postleitzahl aberkannt. Nun kurvt Fern mit ihrem Wohnmobil und wenigen Erinnerungsstücken durch die Badlands in den Nordstaaten – immer auf der Suche nach Arbeit. Verfilmt wurde «Nomadland» von der 40-jährigen Chloé Zhao, die – ursprünglich aus China – heute in den USA lebt. International Furore machte Zhao bereits mit ihren Erstlingsfilmen «Songs My Brother Taught Me» über ein Lakota-Sioux-Geschwisterpaar und «The Rider», ein Western, im Jetzt angesiedelt. Der sechsfach für die Oscars nominierte «Nomadland» erzählt vom amerikanischen Traum – und seinem Scheitern. Er handelt von den grossen existenziellen Fragen, von Liebe, Lebenssinn, Freiheit, Freundschaft, aber auch von Tod, Verlust und Einsamkeit. Und man wundert sich nicht, dass Zhao, die bei Spike Lee studiert hat, als wichtige Inspiration Terrence Malick nennt, der mit seinem «Tree of Life» (2011) auf erzählerisch ähnlich beiläufige und doch epische Art einen Blick auf Menschen und ihre Schicksale warf.

Die Kamera (Joshua James Richards von «God’s Own Country») zeigt ein dämmergraues, weites Land im kalten Schneegestöber. In den riesigen Hallen von Amazon, auf den kargen Rübenfeldern oder im düsteren RV tritt die Einsamkeit, aber auch die Selbstbestimmtheit der Akteur*innen umso stärker hervor. Doch zeigen sich auch Wärme und Verbundenheit, wenn Fern auf Gleichgesinnte trifft – echte Nomad*innen, für die Zhao charakterstarke Laiendarsteller*innen gefunden hat. So zeichnet der halbdokumentarische «Nomadland» ein prekäres Amerika, dessen Protagonist*innen sich zwischen familiärer Bilderbuch-Idylle und nomadischer Wildnis für Letzteres entscheiden. «Das letzte Stückchen Freiheit in Amerika ist ein Parkplatz», schrieb Jessica Bruder, die als Journalistin über drei Jahre im Van den Wanderarbeiter*innen des 21. Jahrhunderts in den USA gefolgt ist und deren Aufzeichnungen Chloé Zhao nun in so eindringliche und atmosphärische Bilder gebannt hat. Doris Senn, arttv.ch «Nomadland» erzählt vom amerikanischen Traum – und seinem Scheitern. Er handelt von den grossen existenziellen Fragen, von Liebe, Lebenssinn, Freiheit, Freundschaft, aber auch von Tod, Verlust und Einsamkeit. TRAILER Nomadland | Regie: Chloé Zhao | Drama | 108 Minuten | USA und Deutschland, 2020 | Verleih: Walt Disney Company | «Nomadland»* ist Oscar- Gewimmer 2021 als «Bester Film», «Beste Regie» und «Beste Schauspielerin». Frances McDormand gewinnt für «Nomadland» ihren dritten Oscar und ist damit nur noch eine Statue von der legendären Katharine Hepburn entfernt. Die 93. Verleihung der Oscars fand am 25. April 2021 statt.

Braucht eine Frau zwingend einen Mann, um ein Kind zu bekommen? TRAILER «Menschenskind!» handelt vom einem anspruchsvollen Weg: Er zeigt die Geschichte von Marina Belobrovaja, der Regisseurin selbst, die ein dringliches Bedürfnis verspürt, ein Kind zu bekommen. Um ihren Wunsch Wirklichkeit werden zu lassen, sucht sie nach einem Samenspender, den sie später in einem anonymen Hotelzimmer trifft. Ist es an der Zeit, das Konzept der Kleinfamilie als die einzig adäquate Form der Elternschaft zu verabschieden?

… Meine Geschichte ist keineswegs einzigartig. Im Gegenteil, ich habe einfach das durchgezogen, worüber viele in vergleichbarer Situation nachdenken, es aber nicht tun, beispielsweise aus Angst, ihren Kindern kein angemessenes Leben bieten zu können oder aus der Mehrheitsgesellschaft ausgeschlossen zu werden. Doch wenn kinderlose Paare heute immer öfter Hilfe der Samenbanken beanspruchen, deren Zugänglichkeit für lesbische Paare vor einigen Monaten endlich auch in der Schweiz Realität geworden ist; wenn sich immer mehr Familien mit zwei Müttern oder Vätern zu ihrer Lebensform bekennen und wir vermehrt über die Leihmutterschaft diskutieren, die zwar noch nicht in der eidgenössischen Gesetzgebung, aber schon längst in der Schweizer Wirklichkeit angekommen ist, dann ist es an der Zeit, das Konzept der Kleinfamilie als die einzig adäquate Form der Elternschaft zu verabschieden. Denn unabhängig davon, welchen Lebensentwurf jede*r von uns für sich beansprucht, sind sie alle Teil einer vielfältigen Wirklichkeit und sollen daher offen und legal gelebt werden können. Dass meine und unsere Geschichte nicht veränderbar ist, ist eine Tatsache. Nicht zuletzt deswegen besteht das Anliegen dieses Films in einer aufmerksamen Reflexion der vielen Fragen und Widersprüche, die sich sowohl in Hinblick auf meine Entscheidung, auf diese Weise Mutter zu werden, als auch im Zusammenhang mit dem Entschluss, unsere Geschichte filmisch zu verarbeiten, stellen. Wenn ich mich heute frage, was meine Tochter in absehbarer Zukunft von ihrer Herkunft, aber auch von diesem Film halten wird, kann ich das nur soweit beantworten, dass ich als Mutter dem Alter und der Reife meiner Tochter entsprechend offen mit unserer Familiengeschichte umgehe und dass ich als Filmemacherin diesen Film nicht zuletzt auch deswegen machen musste, um meiner Verantwortung ihr gegenüber gerecht zu werden.

TRAILER Stimmen «Ich hätte noch eine Stunde weiterschauen können.» – Markus Tschannen, Mamablog | «Eine radikal intime Auseinandersetzung mit dem Thema «Samenspende», die auch den schmerzhaften Zweifeln/Ambivalenzen nicht ausweicht. Viele Grautöne statt plumpes Schwarz-Weiss.» – Claudia Senn, annabelle | «Belobrovaja tut das sehr selbstkritisch und differenziert, schaut genau hin, stellt mutig die wichtigen Fragen, lässt Bedenken zu - und diverse involvierte Menschen reden. Eine sehr persönliche, vielschichte Herangehensweise an ein umstrittenes Thema.» - Sibilla Semadeni - SRF Kulturplatz | «Unvorhersehbar, lustig, beklemmend, wunderschön.» - Süddeutsche Zeitung | «Ich habe mich sehr gefreut, zu diesem Thema einen derart humorvollen, ernsthaften und gescheiten Film zu sehen.» - Frank Braun, Kinobetreiber MEHR ZUM FILM i Menschenskind! | Buch und Regie: Marina Belobrovaja | Dokumentarfilm | 82 min | ki Verleih Schweiz: Valerio Bonadei | FilmBüro

Zum Film Sylwia Zajac (Magdalena Kolesnik) ist eine hart arbeitende Selfmade-Frau, die einerseits ihren eigenen Körper in bestmöglicher Form hält und andererseits Tausende dazu inspiriert, es ihr gleichzutun. Als ein Instagram-Post viral geht, in dem sie gesteht, sich einsam zu fühlen, taucht ein Stalker vor ihrer Wohnung auf. Sylwia versucht, den Stalker zu ignorieren und sich an ihren vollen Terminkalender zu halten, aber als seine Kontaktversuche immer vulgärer werden, fällt es ihr schwer, positiv und fröhlich zu bleiben. Auf der Geburtstagsfeier ihrer Mutter versucht sie so sehr die Aufmerksamkeit und Bewunderung ihrer Familie zu bekommen, dass sie schliesslich in Tränen ausbricht. Als der Stalker nachts in ihre Strasse zurückkehrt, bringt sie einen Freund dazu, ihn zu verprügeln. Doch sein blutiges und entstelltes Gesicht versetzt Sylwia in Angst, nie hätte sie sich vorstellen können, dass sie jemanden zu so etwas Bösem anstiften könnte. Sie bringt den Stalker ins Krankenhaus und möchte so die Sache wieder gut machen. Am nächsten Morgen hat sie einen Live-Auftritt im Frühstücksfernsehen. Bis zum letzten Moment weiss sie nicht, was sie nach der harten Nacht von sich geben soll. Als die Moderatorinnen der Talkshow beginnen, Fragen zu ihrem viralen Instagram-Post zu stellen, öffnet sich Sylwia und spricht aus ihrem Herzen. Einen Moment lang weiss sie genau, wer sie ist und was ihr im Leben wichtig ist.

Magnus von Horn wurde 1983 in Schweden, Göteborg, geboren, er lebt und arbeitet in Polen. 2013 machte er seinen Abschluss an der Polnischen Nationalen Filmschule in Łódz, wo er heute im Bereich Film und Regie unterrichtet. Als Regisseur hatte er erfolgreiche Auftritte mit seinen Kurzfilmen «Echo» (2010) und «Without Snow» (2011). «Echo» feierte seine Premiere beim Sundance Filmfestival, während «Without Snow» beim Locarno Filmfestival seine Premiere hatte. Den grössten Erfolg konnte er bislang mit seinem ersten Spielfilm «The Here After» verzeichnen. Das Spielfilmdebüt feierte seine Premiere bei der Directors’ Fortnight 2015 – Cannes Filmfestival und gewann zwei schwedische Guldbagge Awards für Bester Film & Beste Regie. Der Film lief an verschiedenen Festivals (Toronto, Karlovy Vary und San Sebastian) und wurde in mehr als zehn Länder verkauft. Mit «Sweat», seinem zweiten abendfüllenden Spielfilm, nahm er am Torino Film Lab teil und wurde mit dem Label Cannes 2020 ausgezeichnet.

Warum man sich den Film anschauen sollte! «Ein beklemmendes, spannend inszeniertes Influencer-Drama, das den Nerv der Zeit trifft.» – Gianluca Izzo, outnow | «Es geht darum, wie wir uns – mit einem zwischengeschalteten Smartphone oder nicht – ständig alle gegenseitig versichern, dass es uns toll geht.» – Katrin Doerksen, Kino-Zeit.de TRAILER Sweat | Regie: Magnus von Horn | Drama | 100 Minuten | Polen und Schweden 2020 | Verleih: First Hand Films

ZU GEWINNEN 5 x 2 TICKETS Zum Film England Mitte des 19. Jahrhunderts: Resigniert von der männlich- dominierten Wissenschaftswelt Londons, hat sich die einst gefeierte Paläontologin Mary (Kate Winslet) in ein Provinznest an der Küste im Südwesten Englands zurückgezogen. Dort hält sie sich und ihre von Krankheit gezeichnete Mutter (Gemma Jones) mühsam mit dem Verkauf von Fossilien an Touristen über Wasser. Deshalb kann Mary auch das lukrative Angebot eines wohlhabenden Kunden keinesfalls ausschlagen, der ihr seine schwermütige junge Ehefrau Charlotte (Saoirse Ronan) zur Erholung in Obhut geben will, um seine Europareise ungestört fortsetzen zu können. Mary begegnet ihrem ungewollten Gast zunächst kühl und abweisend, bis Charlotte schwer erkrankt und Marys volle Aufmerksamkeit erfordert. Einhergehend mit Charlottes Genesung gewinnt auch Mary langsam die Lebensfreude zurück, und ihre schroffe Fassade beginnt zu bröckeln. Aus den für beide unerwarteten Glücksgefühlen entwickelt sich bald leidenschaftliche Begierde, die alle gesellschaftlichen Konventionen ins Wanken bringt und den Lebensweg beider Frauen unwiderruflich verändern wird.

Der zweite Volltreffer in Folge «Schon mit seinem von der Kritik gefeierten, karg-kraftvollen Langfilm-Debüt «God’s Own Country», in dem sich ein irischer Jungfarmer in einen rumänischen Saisonarbeiter verliebt, berührte Francis Lee sein Publikum zutiefst. Aber der Regisseur und Drehbuchautor ist definitiv kein One-Hit-Wonder, denn mit «Ammonite˚ gelingt ihm dieses Kunststück nun direkt noch mal. Dabei weisen die auf den ersten Blick so unterschiedlich anmutenden Filme bei genauerer Betrachtung zumindest eine zentrale Parallele auf: Denn auch hier ist es für den Zuschauer zunächst nicht einfach, Sympathie für die Hauptfigur aufzubauen. Bei «God’s Own Country» geht es um einen jungen Mann, der sich mitunter sogar mit roher Gewalt gegen seine eigenen Empfindungen und das Versprechen eines erfüllten Daseins auflehnt. In «Ammonite» wirkt es hingegen zunächst so, als wäre Mary im Inneren selbst genauso kalt und schroff wie die karge Küstenlandschaft im Südwesten Englands, die von Kameramann Stéphane Fontaine («Ein Prophet») mit ausschliesslich natürlichem Licht sowie graustichigen, auf den Himmel abgestimmten Farbtönen eingefangen wird.» Oliver Kobe, filmstarts.de

REZENSION DORIS SENN AMMONITE Ja, so kann man sie sich vorstellen: Mary Anning (1799–1849), diese Pionierin der Paläontologie, wie sie im bauschigen Biedermeier-Kleid unter dunklen Wolken die Küste beim südenglischen Lyme entlangstapft und nach hoher Flut im lehmigen Sandstein mit blossen Händen nach Fossilien sucht. Bereits mit zwölf machte Mary einen bedeutenden Fund: einen Fischsaurier, der es ins British Museum schaffte, während ihr selbst erst spät Anerkennung zuteilwurde. Kate Winslet gibt die Selfmade-Forscherin in «Ammonite» als einsilbige, burschikose Frau, die sich in ein einsames Leben mit ihrer Mutter einkapselt. Bis eines Tages die fragile Charlotte (Saoirse Ronan) auftaucht und in Marys versteinerte Miene feine Bewegung bringt. Regisseur Francis Lee spricht von «intensiven Parallelen» zwischen seinem Leben und dem von Anning, die sich in ihrer Zeit ähnlich wehrhaft behaupten musste. Lee schlug sich als Schauspieler mit kleinen Rollen durch, bis er mit einem späten Regiedebüt Erfolge feierte: Mit «God’s Own Country» (2017) erzählte der 51-jährige Lee eine autobiografisch inspirierte Liebe zwischen zwei Männern, die sich auf einem Bauernhof in Yorkshire näherkommen. Wie in jener eher rohen Inszenierung sind auch in «Ammonite» die Dialoge rar, dafür bringen uns viele Close-ups immer wieder in schwindelerregende Nähe zu den Figuren, deren Gefühle in zwei Sexszenen richtiggehend explodieren. Die intimen Begegnungen sollen Ronan und Winslet – die übrigens ihren Durchbruch mit dem Lesbenklassiker «Heavenly Creatures» (1994) machte – selbst choreografiert haben. Der Kontroverse um den Film, ausgelöst durch Nachkommen der Familie, die sich dagegen verwehrten, ihre Ahnin lesbisch zu «labeln», hielt Lee entgegen, dass viel zu oft queere Geschichte in unserer Kultur «heterosexualisiert» werde und es deshalb auch möglich sein solle, eine Figur – von deren Sexualleben man letztlich nichts wisse – lesbisch zu interpretieren. Aus «God’s Own Country» übernahm Lee sowohl Gemma Jones als Marys mauserige Mutter im weissen Spitzenhäubchen als auch Alec Secareanu in der Rolle des adretten Arztes. Im Herbst soll übrigens gleich noch ein Film über die vergessene Fossilienforscherin erscheinen: Sharon Sheehans Zweiteiler «Mary Anning & the Dinosaur Hunters». Doris Senn, arttv.ch

Warum man sich den Film anschauen sollte! «‹Ammonite› ist eine leidenschaftliche Liebesgeschichte, die von der salzigen Seeluft und der glückseligen Abwesenheit von Männern genährt wird. Und es ist auch eine scharfe Reflexion darüber, wie die künstlerischen, wissenschaftlichen und intellektuellen Beiträge von Frauen systematisch aus der Geschichte herausgeschrieben wurden.» – Justin Chang, LA Times | «Ein brillanter, intimer und erstklassig gespielter Film über eine verbotene Liebe.[…] Eine Liebesgeschichte wie ein wertvolles Artefakt: aufregend, romantisch, erotisch.» – Peter Bradshaw, Guardian | «Wie seine gewundene Muschel-Muse findet ‹Ammonite› seine Schönheit im Ganzen, nicht in den Teilen.» – Leah Greenblatt, Entertainment Weekly | «Tief emotional, aber selten sentimental, wird [der Film] von einem Regisseur inszeniert, der entschlossen ist, jeden Moment des Schmerzes oder Vergnügens mit exquisiter Zurückhaltung spielen zu lassen.» – Steve Pound, The Wrap

TRAILER Ein Film über einen Ort, an dem das Alter keine Rolle mehr spielt und die Zeit trotzdem davonläuft. Dem amerikanischen Bundesstaat Florida eilt der Ruf voraus, ein Rentnerparadies zu sein. Dem geht die österreichische Regisseurin Valerie Blankenbyl nach und gibt einen Einblick in den Alltag in der grössten Seniorenwohnanlage mit 155.000 Rentner*innen. Sind sie glücklich in ihrer «Bubble» und denken sie über die Welt nach, die sie zurücklassen?

Zum Film The Villages in Florida ist heute die am schnellsten wachsende «Gemeinde» des Landes: 155’000 BewohnerInnen, 54 Golfplätze, 70 Schwimmbäder, bald viermal so gross wie Manhattan, alles makellos gepflegt und instand gehalten. Alle Ruheständler*innen haben ihre eisige Heimat im Norden verlassen, um ihren Lebensabend in diesem Paradies zu verbringen, wo Freizeit und Sorglosigkeit auf der Tagesordnung stehen und das Alter keine Rolle mehr spielt. Vom Rest der Welt isoliert, lässt die Bevölkerung das goldene Zeitalter eines stolzen, republikanischen und weissen Amerikas, das die Welt eroberte, den Konsum (neu) erfand und sich von allen Komplexen befreite, weiterleben. Es ist der Erfolg eines Führungsmodells, das hier auf einem Familienbetrieb basiert, dem es mit der Unterstützung einer internen Pressestelle gelungen ist, einen «Lifestyle» zu verkaufen. Valerie Blankenbyl und ihr Team kratzen am Lack dieser Utopie, in der Drehgenehmigungen nicht selbstverständlich sind und die Geschäftsführung scheinbar jedem, der die heile Welt zu stören droht, einen Maulkorb verpassen will. Denn draussen tobt die Wut der Bevölkerung. Die Annexion von neuem Land und die energieverschwendende Lebensweise der Bewohner*innen belasten ein bereits fragiles Ökosystem immer mehr. TRAILER The Bubble | Regie: Valerie Blankenbyl | 92 Minuten | Österreich und Schweiz, 2021 MEHR ZUM FILM i Der Film lief als Weltpremiere im Internationalen Wettbewerb des Visions du Réel 2021.