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CLICK CINEMA JUL | AUG 21
Editorial
Film des Monats: The Father
Xenix Mitgliedereinladung
FIFF 2021
Interview Thierry Jobin
Padrenostro
Nowhere Special
Spagat
Portrait Daniel Hobi
Eté 85
Tina
Ale
Portrait O'Neil Bürgi
Fabian oder Der Gang vor die Hunde
Amazonen einer Grossstadt
NIFFF 2021
Locarno Film Festival 2021
Free Streaming
Verliebe Feinde
Blocher
Subito
Die Frau mit den 5 Elefanten
Verso
Maija
La Vanité
Songs of Love and Hate
Impressum

Liebe CLICK CINEMA Leser*innen Es war am Zurich Film Festival 2020 als ich diesen Film gesehen habe. «Nowhere Special» heisst er und stammt vom italienischen Regisseur Uberto Pasolini. Das Drama um einen krebskranken jungen Vater, der angesichts seines sicheren Todes für seinen kleinen Jungen einen Adoptivplatz sucht, hätte kurz nach dem ZFF in unsere Kinos kommen müssen. Wegen Corona war das nicht mehr möglich. Mehrmals wurde er verschoben und hatte damit dasselbe Schicksal wie viele andere Produktionen der letzten Monate. Aber diesen August ist es endlich so weit und der Film startet am 5. August 2021 in den Deutschschweizer Kinos. Ich verwende das ganze Editorial für einmal dazu, Ihnen diesen Film dringend ans Herz zu legen. «Ich kann mich an keinen schöneren und berührenden Film erinnern, den ich in den letzten Monaten gesehen habe», so frohlockte ich in meiner Rezension. Es würde mich freuen, wenn Sie sich den Film also ansehen und mir eine E-Mail schreiben würden, wie Ihnen «Nowhere Special» gefallen hat? Lassen Sie mich wissen, ob der Film wirklich so einzigartig ist, wie ich ihn empfunden habe oder ob ich vielleicht einfach nur ein sentimentaler Kitschbruder bin. Sie erreichen mich unter felix.schenker@arttv.ch. Auf ihre Reaktion bin ich gespannt. Herzlich Felix Schenker, arttv Chefredaktor

ZU GEWINNEN 5 x 2 TICKETS Zum Film Anthony (Anthony Hopkins) ist 81 Jahre alt. Er lebt allein in seiner Londoner Wohnung und verweigert sich allen Pflegenden, die seine Tochter Anne (Olivia Colman) ihm aufzudrängen versucht. Doch diese Notwendigkeit wird für sie immer dringlicher, da sie ihn nicht mehr jeden Tag sehen kann: Sie hat den Entschluss gefasst, nach Paris zu ziehen, um mit einem Mann zu leben, den sie kürzlich erst kennengelernt hat… Während Anthony versucht, sich mit der aufkommenden Demenz und den veränderten Lebensumständen zu arrangieren, beginnt er, an seinen Lieben, seinem eigenen Verstand und sogar an der Struktur seiner Realität zu zweifeln.

Es wird den Zuschauer*innen wenig Zeit gelassen, ins Universum des schwer dementen Anthony einzutreten. Der kurze Weg REZENSION MADELEINE HIRSIGER durch ein grossbürgerliches Quartier von London, den seine Tochter Anne zurücklegt, um die Wohnung ihres Vaters zu betreten, muss ausreichen. Währenddessen ertönt auf der Tonspur barocke Musik. Sie endet mit dem Ablegen der Kopfhörer von Anthony. «Dad, it’s me!» – und er ganz verwundert: «What are you doing here?» Jetzt ist man mit einem Schlag mittendrin in einer Welt voller Verwirrung. Anthonys Uhr kommt ins Spiel. Einmal mehr wurde sie ihm gestohlen, einmal mehr taucht sie kurz darauf wieder auf. Ein Motiv, das sich wie ein roter Faden durch das Labyrinth, in dem sich Anthony befindet, durchzieht: Die abhandengekommene Zeit. Auf den ersten Blick ist alles klar: Anthony muss von einer neuen Pflegerin betreut werden. Die frühere hat er rausgeschmissen – mit harschen, verletzenden Worten. «Ich brauche keine Hilfe!». Anne weiss, dass dem nicht so ist. Sie kümmert sich darum. Allmählich wird uns als Kinobesucher bewusst, dass wir keine Ahnung haben, wo wir wirklich sind: bei Anthony zu Hause, bei Anne in der Wohnung? Ist Anthony vielleicht doch der Mann von Anne? Ist sie überhaupt verheiratet oder geschieden, plant sie wirklich nach Paris auszuwandern? «Was willst Du dort, die sprechen ja nicht einmal Englisch». Wir sind im Kopf von Anthony gefangen – und das ist die ganz grosse Leistung von «The Father». Es gibt zwar die Aussenansicht eines verwirrten Menschen, der helle Momente hat, aber als Zuschauer*in kann man sich an nichts halten. Anne wird Laura, Laura wird Anne. Warum gibt es letztere zwei Mal und wer ist eigentlich Paul? Nur eine Figur wird durch die ganze Geschichte klar gesetzt: Anthonys zweite Tochter Lucy. Er vermisst sie schmerzlich. Schon so lange hat sie ihren Vater nicht mehr besucht. Lucy soll tot sein, aber daran kann er sich nicht erinnern. Anne wird hemmungslos gegen ihre Schwester ausgespielt: Lucy ist smart, schön und begabt. Anne hingegen «nicht sehr intelligent». Jetzt will sie ihrem Vater auch noch die Wohnung wegnehmen. Nur darum soll er in ein Heim abgeschoben werden. Für Anne ist das alles schmerzvoll. Sie ist hin- und hergerissen zwischen Selbstaufgabe, Pflichtgefühl und Empathie. Die Situation belastet stark ihre Beziehung (welche Beziehung und mit wem?). Die grosse Verzweiflung – auf beiden Seiten – wird immer wieder spürbar. Wie passt das alles zusammen? Erst ganz am Ende des Films wird das Puzzle vervollständigt und alles bekommt seinen Sinn. Der erfolgreiche Schriftsteller und Regisseur Florian Zeller hatte die Güte, uns den Ausgang aus dem Verwirrspiel zu weisen. Es ist wie eine Erlösung. Der 42-jährige Franzose hat zusammen mit Christopher Hampton das grosse Thema «Demenz» mit Überzeugung und Respekt verfilmt. Als Grundlage dient sein Stück «Le père», das bereits 2012 uraufgeführt wurde. Die beiden Oscar-preisgekrönten Protagonisten Anthony Hopkins und Olivia Colman ziehen mit einer Selbstverständlichkeit sämtliche Register ihres Könnens. Sie und der Regisseur machen den Film zu dem, was er ist: ein grossartiges, gescheites und beklemmendes Werk über eine Krankheit, die viele Angehörige an den Rand der Verzweiflung bringen kann.

Weitere Stimmen «Ein brutales, ‹trippiges› Porträt darüber, wie es sich anfühlen muss, die Kontrolle über die Realität zu verlieren» – Benjamin Lee, The Guardian | «Alle Schauspielenden in ‹The Father› sind eindringlich (Colman verleiht ihrer Rolle eine liebevolle Verletzlichkeit, die herzerwärmend ist), aber Hopkins ist schlichtweg umwerfend. Er spielt eine Zeit lang mit griesgrämigem Charme und aufbrausender Sicherheit. Aber die Eigenschaft, die seine schauspielerische Leistung zusammenhält und Oberhand gewinnt, ist eine Art kosmischer Verwirrung, die in Terror umschlägt. Anthony verliert mehr als sein Gedächtnis – er verliert sich selbst.» – Owen Gleiberman, Variety TRAILER The Father | Regie: Florian Zeller | Drama | 97 Minuten | UK, 2020 | Verleih: Elite Film MEHR ZUM FILM i

Internationaler Wettbewerb: Langﬁlme Das Programm umfasst (Ko-)Produktionen aus 23 Ländern: Der chinesische Film «Anima», der in den Wäldern der Inneren Mongolei gedreht wurde, konfrontiert den Menschen mit der Natur; zwei japanische Filme – «A Balance», ein dunkles und atmosphärisches Drama, und «True Mothers», ein feinfühliges Familiendrama von Naomi Kawase – ; zwei Filme aus Südkorea – der absurd-komische Film «Voice of Silence» mit Tatortreinigern, die von einem kleinen Mädchen komplett aus dem Konzept gebracht werden (mit dem TV- und Spielfilmstar Yoo Ah-in) sowie das ultraromantische Melodrama «Josée», dessen Regisseur Kim Jong-kwan nach Freiburg kommen wird. Adilkhan Yerzhanov ist zum vierten Mal am FIFF vertreten. In seiner Komödie «Yellow Cat» träumt der Antiheld, der sich für Alain Delon in «Le Samouraï» hält, davon, «Singing in the Rain» in der kasachischen Steppe zu zeigen. Der zweite Spielfilm des palästinensischen Zwillingspaars Arab und Tarzan Nasser «Gaza mon amour» wirft einen ironischen Blick auf den Gazastreifen. «Bad Christmas» (Argentinien/Uruguay) ist eine mitreissende schwarze Komödie, der in Venedig mit einem silbernen Löwen ausgezeichnete mexikanische Film «New Order» wiederum ein beeindruckender dystopischer Sozialthriller. Die politische Fabel «La Nuit des Rois» spielt in einem ivorischen Gefängnis und der ergreifende Film «Quo vadis, Aida?» porträtiert eine Frau mit beispielloser Courage in Srebrenica im Jahr 1995. Die beeindruckende Schauspielerin Maryna Koshkina, die im ukrainischen Film «Blindfold» eine junge Kampfsportlerin spielt, wird nach Freiburg kommen und ihren Film präsentieren.

Sie sind nun bereits für die zehnte Ausgabe des FIFF künstlerischer Leiter – ein Rekord. Wie fühlt man sich als Doyen unter den Schweizer Festivalleitern? Thierry Jobin: Ich dachte, der Leiter der Kurzfilmtage Winterthur, John Canciani, wäre gleich lang in seiner Funktion. Nein, Sie sind einige Monate länger Festivalleiter als er, ich habe das nachgeschaut. Wenn sie das sagen, muss ich das so akzeptieren (lacht). Aber tatsächlich ist es heutzutage eher ungewöhnlich, während so vieler Jahre ein Festival zu leiten. Haben Sie keine Ermüdungserscheinungen, keine Lust auf etwas Neues? So direkt hat mich das noch niemand gefragt. Nein, ich bin rundum glücklich in Fribourg; mit dem Festival, mit dieser tollen Stadt, mit meiner wunderbaren Equipe. Ich habe mir hier ein Leben aufgebaut, das ich nicht mehr missen möchte. War diese Euphorie, die man raushört, schon immer da? Erst in den letzten drei Jahren hat das Festival seine ideale Form gefunden. Als ich 2011 die Festivalleitung übernehmen durfte, war ich von ganz anderen Leuten umgeben und es gab in der Zwischenzeit zahlreiche Änderungen in meinem persönlichen Leben. Das FIFF brauchte eine neue Struktur. Es ist in den letzten zehn Jahren stark gewachsen und mit einem gestärkten Komitee konnten wir ein Team aufbauen, das in der Lage war, diese entscheidende Zeit zu überstehen. Die Einnahmen haben sich seither verdoppelt, die Zuschauerzahlen stiegen um 50 % und die Sponsoren haben sich von einem auf mehrere Dutzend erhöht. Dank des neuen Teams kann ich mich jetzt ganz auf die künstlerische Leitung konzentrieren. Davor gab es wiederholt Unstimmigkeiten und ich hatte auch Lust auf Veränderung, so bewarb ich mich 2018 um den Posten des künstlerischen Leiters beim Filmfestival Locarno. Das klappte dann schlussendlich nicht, man hat sich für eine bessere Kandidatin entschieden. Hatten Sie letzten Herbst, als Locarno erneut einen künstlerischen Leiter suchte, nicht Lust, es noch einmal zu versuchen? Nein, das war keine Option mehr. Ich bin glücklich in Fribourg. Dieses Festival ermöglicht mir eine Freiheit bei der Programmierung, wie es sie sonst wohl nirgends gibt. Zudem ist die Zusammenarbeit mit anderen kulturellen Akteuren hervorragend. Ich kann ohne Übertreibung sagen, dass nun meine dritte

Festivalausgabe über die Bühne geht, mit der ich hundertprozentig zufrieden bin. Das FIFF 2020 war das erste grosse Filmfestival in der Schweiz, das von der Pandemie betroffen wurde. Wie erlebten Sie das? Anfang März, knapp drei Wochen vor dem geplanten Festivalbeginn, mussten wir die Absage bekannt geben. Wir nannten dann das, was wir veranstalteten, «Ausgabe 34 ½». Dabei war rasch klar, dass wir nur wenig ins Netz ausweichen wollten. Vielmehr konzentrierten wir uns darauf, Teile unseres Programms im Lauf des Sommers und des Herbsts an anderen Veranstaltungen zu präsentieren. Was wir dabei erlebten, war überwältigend: Wir waren als FIFF in der zweiten Hälfte 2020 an fast 30 Orten präsent, es herrschte eine grossartige Solidarität. So luden uns andere Festivals ein, etwa jene von Neuchâtel (NIFFF) oder Zürich, wir zeigten unsere Festivalfilme in der Cinémathèque suisse und in den Filmclubs der Westschweizer Universitäten, im August waren wir Open Air gar auf einem Berggipfel bei Charmey. Insgesamt konnten wir so über 10 000 Eintritte verbuchen. 1980 gegründet, ist Fribourg das viertälteste Filmfestival der Schweiz. Es begann als «Dritte- Welt-Filmfestival» und hatte noch bis vor einigen Jahren diesen Ruf. Wie würden Sie es heute deﬁnieren? Filme aus Lateinamerika, Asien und Afrika bilden immer noch das Rückgrat, so zeigt der Wettbewerb ausschliesslich Filme aus diesen Gebieten. Ausserdem habe ich mit der Reihe «Neues Territorium» begonnen, weitgehend unbekannte Filmländer der drei Kontinente vorzustellen. Dieses Jahr ist es Ruanda, am FIFF werden auch vier Regisseur*innen von dort anwesend sein. Ich selbst war Anfang 2020 noch in Ruanda. Weiter liegt mir das Genrekino am Herzen, dieses Jahr sind es Musikfilme aus aller Welt und ich bin ein grosser Fan von «Cartes blanches». Ich sehe mich nicht als Festivalleiter, der überall Bescheid weiss, vielmehr gebe ich gerne Regisseur*innen die Gelegenheit, Filme auszusuchen. So haben wir es dieses – und letztes Jahr mit dem Filmland Mexiko gemacht: Wir fragten insgesamt 43 namhafte mexikanische Filmschaffende nach den für sie besten drei Filmen ihres Heimatlandes. Das Resultat dieser grossen Umfrage sind nun die sechs Werke, die wir am FIFF zeigen und auf die ich besonders stolz bin. Das FIFF fand in der Vergangenheit stets im März statt,

nun wurde es auf Juli verschoben, eingeklemmt zwischen Cannes (ebenfalls verschoben) und Locarno. Haben Sie keine Bedenken, dass es so weniger wahrgenommen wird? Ja, dieser Sommer ist kulturell vollgepackt. Sie haben bei Ihrer Aufzählung noch das NIFFF von Anfang Juli sowie das Fribourger Musikfestival «Les Georges» vergessen, das an dem Tag endet, an dem das FIFF beginnt. Aber ich bin überzeugt, die Leute haben Nachholbedarf. Wodurch zeichnet sich das FIFF besonders aus? Zusätzlich zu den bisherigen Vorführungsorten wird es erstmals ein Open Air Kino im Bollwerk geben. Was das Filmfestival Locarno betrifft, so habe ich es nie als Konkurrenz zu uns gesehen. Wir sind ein kleines Festival, schon nur, wenn man die Budgets vergleicht. Das FIFF ist ein Publikumsfestival, vor allem für Leute aus der Region. Wir haben auch keine Workshops, keine Produzententreffen – und wir müssen auch keine Weltpremieren zeigen. Dafür sind wir ein Ort, wo sich Cineasten in ungezwungener Atmosphäre treffen können, wo das Programm nicht überladen ist, wo man leicht neue Freundschaften schliessen kann. Bei uns gibt es keine VIP Diner wie in Locarno oder Zürich. Vielleicht sind wir aber doch ein wenig so, wie ich Locarno vor 25 Jahren als junger Journalist erlebte: Man trifft Filmschaffende ganz zufällig, man sitzt im gleichen Restaurant, man begegnet sich einfach so auf der Strasse. Sie sprachen vom Publikum aus der Region. Ich erinnere mich an Anstrengungen in der Vergangenheit, das FIFF auch in der Deutschschweiz bekannter zu machen. Wie sieht das aktuell aus? Das FIFF in der Deutschschweiz bekannter zu machen ist noch immer einer unserer Träume – und wird es wohl noch bleiben. Nicht alle unserer Filme sind deutsch untertitelt, dafür bräuchten wir 50 000 Franken mehr. Aber unser Katalog ist seit je dreisprachig. Ausserdem sind wir von den grossen Deutschschweizer Städten aus in weniger als eineinhalb Zugstunden erreichbar und wir sind das einzige Schweizer Festival, das vom Bahnhof aus nur zwei Minuten Gehdistanz entfernt liegt. Sie sehen, es gibt genug Gründe für Besucher*innen aus der Deutschschweiz ans FIFF zu kommen. Interview: Geri Krebs

Eine Reise in die «bleiernen Jahre» Italiens aus der Sicht eines kleinen Jungen. TRAILER «Padrenostro» ist autobiografisch inspiriert und wurzelt in der Geschichte Italiens, doch Regisseur Claudio Noce legt den Fokus auf so universelle wie zeitlose Themen: die Beziehung zwischen Vater und Sohn, den Blick eines Jungen auf die Welt die Erwachsenen, die Kraft der Freundschaft. Ein exzellent gemachter, am Festival von Venedig ausgezeichneter Film – atmosphärisch dicht, packend, hervorragend gespielt.

REZENSION GERI KREBS Politisch motivierte Gewalt war im Italien der 1970er und der frühen 1980er-Jahre ein fast alltägliches Phänomen. In jenen «bleiernen Jahren» mordeten, entführten und bombten linksextreme wie rechtsextreme Terroristen, rivalisierende Mafiaclans und ausser Kontrolle geratene Geheimdienste und oft war von aussen nicht erkennbar, wer warum jetzt gerade wieder gegen wen ein Attentat oder einen Mordanschlag verübt hatte. Diese Atmosphäre grösster existenzieller Verunsicherung fängt der dritte lange Spielfilm des bei uns noch nicht bekannten Regisseurs Claudio Noce in hervorragender Weise ein, ganz aus kindlicher Perspektive. In der Figur des verträumten zehnjährigen Einzelkindes Valerio, das in einem grossbürgerlichen Römer Haushalt aufwächst, verarbeitet der, 1974 in Rom geborene Noce, auf faszinierende Weise eigene traumatische Erinnerungen seiner frühesten Kindheit. Diese war davon geprägt, dass sein Vater, ein hoher Polizeioffizier, 1976 einen gegen ihn gerichteten Mordanschlag eines linksextremen Terrorkommandos überlebte. Wenn im Film plötzlich vor dem Haus eine wilde Schiesserei beginnt, nach der Valerios Vater, den alle nur ehrfurchtsvoll «Dottore» nennen, untertaucht und danach plötzlich wieder da ist, die Familie hastig ins Auto packt und zu Verwandten auf ein kalabresisches Landgut fährt, kann man als Zuschauer zunächst nur bruchstückhaft erahnen, was da eigentlich gespielt wird. Und es geht einem dabei ähnlich wie dem vom zwölfjährigen Mattia Garaci grossartig verkörperten Protagonisten. Wenn dann auch noch Valerios geheimnisvoller, einige Jahre älterer Freund auftaucht, eine Figur, von der man nie so genau weiss, ob sie nun real ist oder nur Valerios Fantasie entsprungen, wird das Mysterium in der grandios inszenierten kalabresischen Landschaft noch grösser – und dass uns Claudio Noce bei so konsequent auf die Spitze getriebener Verweigerung erzählerischer Eindeutigkeit das Geschehen in jedem Moment atemlos mitverfolgen lässt, das ist schon ganz beachtlich, um nicht zu sagen: grosses Kino.

Weitere Stimmen «Es ist vor allem das Klima einer Bedrohung, einer vom Kind gefühlten Angst und Anspannung der Erwachsenen, die «Padrenostro» prägt und manchmal in der Story etwas wenig fokussiert zur auch gespensthaften Geschichte eines jungen Heranwachsenden werden lässt. Ein faszinierend rätselhafter Film, der in der Biografie des Regisseurs wurzelnd, auch ungewohnte Einblicke vermittelt in nicht aufgearbeitete, kindliche Trauma. – Irene Genhart, cineman.ch | «Eine schöne, bewegende Geschichte über eine Vater-Sohn- Beziehung mit einem meisterlich spielenden Pierfrancesco Favino.» – MyMovies | «Ein herausragend gemachter Film voller Energie.» – Variety | «Ambitioniertes Kino voller Kühnheit. Dieser autobiografisch inspirierte Film ist wie ein Tauchgang ins Unterbewusstsein des Regisseurs, bei dem man auf verschlossene Truhen stösst, die er vielleicht selbst noch nicht alle geöffnet hat.» – The Guardian | «Hervorragend inszeniert, grossartig gespielt.» – Il Giornale MEHR ZUM FILM i Padrenostro | Regie: Claudio Noce | Drama | Italien, 2020 | 120 Minuten | Verleih: Filmcoopi TRAILER

Ein todkranker junger Vater und sein kleiner Sohn, der vielleicht bewegendste Kinoﬁlm des Jahres. TRAILER Der Regisseur von «Nowhere Special» heisst Uberto Pasolini. Ein Nachname, der in der Kinowelt zu Grossem verpflichtet und das ist dem Italiener mit seinem neuen Film ohne Wenn und Aber gelungen. Ein grandioses Drama über eine kleine Welt, die voller Zärtlichkeiten steckt. Ein ergreifender und zutiefst humanistischer Film, der keinen fühlenden Menschen kalt lässt.

REZENSION FELIX SCHENKER Ich kann mich an keinen schöneren und berührenden Film erinnern, den ich in den letzten Monaten gesehen habe. Für mich war «Nowhere Special» eines der ganz grossen Highlights am Zurich Film Festival 2020. Einfach unvergesslich! Eine tief bewegende Lebensreise, erzählt mit melancholischer Leichtigkeit. James Norton spielt seine Rolle als todkranker junger Vater hervorragend, und der kleine Daniel Lamont agiert mit einer verblüffenden Natürlichkeit. Keine Ahnung, wie das Uberto Pasolini geschafft hat. Der Regisseur ist zwar in keiner Art und Weise mit dem berühmten italienischen Regisseur Pier Paolo Pasolini verwandt, und doch wird er dessen Nachnamen gerecht. Mit seinem Film schafft Uberto Pasolini ein kostbares Juwel, das uns zeigt, wie wertvoll – aber auch endlich – die Zeit ist, die wir mit unseren Liebsten verbringen dürfen.»

Zum Film «No. 1 Dad» steht auf Johns Tasse. Er dreht sie in der Hand und weiss, dass er dieses Versprechen nicht halten kann. Täglich macht er seine Runde als Fensterputzer, geht danach mit seinem vierjährigen Sohn Michael in den Park und liest ihm abends aus einem der bunten Bücher vor. John kümmert sich alleine um Michael. Er will die Last eines tragischen Schicksalsschlags, so gut es geht, von ihm fernhalten: Denn seit seiner Diagnose weiss John, dass er selbst nur noch wenige Monate zu leben hat, und so sucht er nach einer neuen Familie für seinen Sohn. Doch nach und nach überwältigen ihn Zweifel und Wut. Wie sollte er überhaupt entscheiden können, wer richtig und was das Beste wäre? Die wenige Zeit, die ihm noch bleibt, wird zum intensiven Abschied, in dem John zu lernen beginnt, sich seinem Sohn in vollem Vertrauen zu öffnen.

Weitere Stimmen «Ein leiser, zu Tränen rührender Film, die zärtliche Geschichte eines Lebens, das endet, und eines anderen Lebens, das beginnt… Uberto Pasolini nimmt eine wahre Begebenheit zum Ausgangspunkt seiner Geschichte und verwandelt sie in eine fast sinnliche Erfahrung. Das liegt vor allem am leidenschaftlich einfühlsamen Spiel von James Norton.» Screen Saily | «Ein Film, der im Angesicht des Todes über Liebe spricht, mit unendlich viel Menschlichkeit, wahrhaftig, engagiert und berührend.» Sentieri Selvaggi | «Eine wunderschöne, herzzerreissende Geschichte, ein Film, der den Tod zum Anlass nimmt, um über das Leben zu sprechen. Die Blicke zwischen John und dem kleinen Michael sprechen mit einer Beredsamkeit, die einem das Herz zerreisst.» il fatto quotidiano | Ein herzzerreissendes Drama, meisterhaft gestaltet, einfühlsam und unglaublich bewegend … Verlust, der Wechsel an einen anderen Ort, die Kostbarkeit der Zeit, die Vater und Sohn zusammen verbringen – Pasolini behandelt seine Themen auf eine unglaublich schöne Weise und mit der grösstmöglichen Komplexität, indem er Michael, der nicht wissen kann, was das alles bedeutet, mit einbezieht.» The Upcoming TRAILER MEHR ZUM FILM i Nowhere Special | Regie: Uberto Pasolini | Drama | 96 Minuten | Italien, Rumänien und UK, 2020 | Verleih: Filmcoopi | Der Film feierte am im Rahmen der Filmfestspiele von Venedig 2020 seine Weltpremiere und gewann am Internationalen Filmfestival Warschau den Publikumspreis. Filmstart Deutschschweiz: 5. August 2021

Zum Film Marina (Rachel Braunschweig) führt ein ruhiges, eingespieltes Leben: Sie hat einen erfüllenden Beruf als Lehrerin, einen liebevollen Mann (Michael Neuenschwander) und eine etwas rebellische Tochter im Teenageralter. Doch erst die Affäre mit Artem (Alexey Serebryakov), dem Vater ihrer Schülerin, beschwingt ihren Alltag. Artem kam mit seiner Tochter Ulyana vor ein paar Jahren aus der Ukraine in die Schweiz und lebt seither unauffällig und ohne Aufenthaltsbewilligung in einer kleinen Wohnung. Doch als das Mädchen bei einem Diebstahl erwischt wird und damit eine Reihe folgenschwerer Ereignisse auslöst, drohen die Maskeraden aufzufliegen. Das eindringliche Spielfilmdebüt von Christian Johannes Koch wurde an den Filmfestivals in San Sebastián und Zürich gefeiert.

Weitere Stimmen «Enthüllt das Verborgene einer scheinbar perfekten Gesellschaft.» – Cineuropa | «Ein Spagat zwischen zwei Lebensrealitäten.» – Aargauer Zeitung | «Ein eindrückliches Sozialdrama über Liebe und Loyalität, über Ausgrenzung und Verrat.» – Nau.ch | «‹Spagat› ist ein origineller, erfrischend mutiger Beitrag für die Schweizer Filmlandschaft.» – OutNow | «Christian Johannes Koch erzählt von den fatalen Folgen, welche die Beziehung einer Schweizerin mit einem, sich illegal in den Schweiz aufhaltenden Ukrainer, auf ihre beiden Familien hat. Ein sich im Schweizer Mittelland und Mittelstand verortendes, phasenweise hoch emotionales Drama, das durch tolle schauspielerische Leistungen ebenso überzeugt wie durch eine gegenwärtige Erzählweise, die es Koch erlaubt, brennende Themen wie Asylpolitik, Mehrklassengesellschaft und persönliche Moral locker aufzugreifen.» – Irene Genhart, cineman.ch TRAILER MEHR ZUM FILM i Spagat | Regie: Christian Johannes Koch | Drama | 110 Minuten | Schweiz, 2020 | Verleih: Frenetic

VIDEO Wer sich aktuell eine Schweizer Filmproduktion im Kino ansieht, hat gute Chancen, auf die Klänge von Daniel Hobi zu treffen. «Spagat», «Sami, Joe und ich», «Wir Eltern», «African Mirror», «Wer hat eigentlich die Liebe erfunden» wie auch «Under Blue Skies» sind nur ein paar Schweizer Filme, zu denen Hobi die Filmmusik komponiert oder das Sounddesign gemacht hat. Aber sein Wirken geht weit über das Komponieren von Soundtracks für Kinofilme hinaus. So ist er auch Sänger, Gitarrist und Komponist der Band The Legendary Lightness, mit der er mehrere Alben aufnahm und zahlreiche Konzerte absolvierte. arttv.ch hat das Multitalent besucht.

TRAILER Jugend, Liebe, Sommerferien – François Ozon hat mit seinem Coming of Age-Film einen Stoff verﬁlmt, der ihn seit Jahren umtreibt. Basierend auf Aidan Chambers Young-Adult- Roman «Tanz auf meinem Grab» erzählt der französische Erfolgsregisseur von der heiss- tragischen Sommerliebe zweier Jungs in Frankreich. Als Teenager habe François Ozon davon geträumt, diesen Film zu realisieren, heute sieht er in ihm auch eine Chance. «Été 85» setzt der Darstellungen von Homosexualität der 80er-Jahre im Kino, die wegen der AIDS-Krise sehr dunkel und schmerzhaft ist, etwas entgegen

Zum Film Alexis (Félix Lefebvre) ist 16 Jahre alt, blond und im doppelten Sinne blauäugig und hat ein Faible für alles rund um das Thema Tod. Ausserdem sind gerade Sommerferien und er hat nichts zu tun. Als er mit dem Boot rausfährt und in einen Sturm gerät, rettet ihn der eloquente und stark von sich selbst beeindruckte David (Benjamin Voisin). David ist selbstbewusst, redet gern und findet den eher schüchternen Alexis sofort toll. Ohne viel Umschweife macht er ihn zu seinem neuen Freund. Seine leicht neurotische Mutter ist dem Jungen ebenfalls angetan, und so wird er innerhalb eines Tages direkt in die Familie und ins Familiengeschäft aufgenommen.

François Ozon wird 1967 in Paris geboren. Nach seinem Abschluss in Filmwissenschaften an der Pariser Universität, beginnt er 1990 ein Studium in der Regieklasse an der renommierten Filmschule La Femis. Parallel dazu realisiert er Kurzfilme in den Formaten Super-8, Video, 16 mm und 35 mm. Viele der Produktionen werden auf internationale Filmfestivals eingeladen. Mit dem Kurzfilm «Action Vérité» im Jahr 1994 startet Ozon die erfolgreiche Kooperation mit der Pariser Produktionsfirma Fidélité Productions. Deren gemeinsames Projekt, der Kurzfilm «Une Robe d’été», gewinnt wenig später den «Léopard de Demain» beim Filmfestival in Locarno 1996. Ozons erster Langfilm «Sitcom» wird in die «Semaine de la critique» beim Filmfestival in Cannes 1998 eingeladen. Im Jahr 2000 folgt das Kammerspiel «Gouttes d’eau sur pierres brûlantes». Ein Jahr später präsentiert Ozon mit «8 Femmes» ein hochkarätig besetztes Krimi-Musical mit Catherine Deneuve, Isabelle Huppert, Emmanuelle Béart, Fanny Ardant und Ludivine Sagnier. Neben dem Silbernen Bären auf der Berlinale gab es für das Kinovergnügen auch den Europäischen Filmpreis 2002. Mit Charlotte Rampling und Ludivine Sagnier inszeniert Ozon den Psychothriller «Swimming Pool», der ebenfalls in Cannes an den Start geht. Nachdem er Catherine Deneuve in «Potiche» perfekt in Szene setzte, präsentiert der Berlinale-Stammgast das Kostümstück «Angel», die Baby-Komödie «Ricky» sowie zuletzt das Missbrauchsdrama «Grâce à Dieu». Er selbst wurde 2012 in die Jury der Filmfestspiele von Berlin berufen. Eine erneue Einladung nach Cannes gab es für den Erotikthriller «Der andere Liebhaber». «Été 85» wurde 2020 in die «Sélection Officielle» von Cannes aufgenommen.

Weitere Stimmen «Eine zarte Sommerromanze zwischen zwei jungen Männern zeigt uns hier Regisseur François Ozon. Da kommen unweigerlich Erinnerungen an ‹Call Me by Your Name› auf – nur mit dem Unterschied, dass Ozon gerne eigene und unkonventionelle Wege geht. – Christoph Schelb, outnow.ch | «Manche mögen der Meinung sein, dass «Été 85» die Schärfe oder Subversivität früherer Filme vermissen lässt, aber sein unaufdringlicher Charme und die engagierte Leistung seiner jungen Hauptdarsteller machen ihn zu einem der unterhaltsamsten und fesselndsten Beispiele [François Ozons] filmischen Schaffens.» – Nick Hammond, Paris Update | «Eine berauschende, eigenwillige Beschwörung der Liebe.» – Time Out | «Eine wunderschöne, universelle Geschichte.» – 20 Minutes TRAILER MEHR ZUM FILM Été 85 | Regie: François Ozon | Drama | Frankreich, 2020 | 100 Minuten | Verleih: Filmcoopi i

Stimmen «Turner macht deutlich, dass dieser intime Film als eine letzte Abrechnung gedacht ist, ein Abschiedsgeschenk an ihre Fans, bevor sie zu ihrem geschätzten ruhigen Leben im Ruhestand in luxuriösen Häusern in der Schweiz und Frankreich zurückkehrt.» – Neil McCormick, The Telegraph | «Ihre Geschichte ist zum Mythos geworden, und dieser Dokumentarfilm erzählt sie kraftvoll und mit dem Verständnis für ihr Genie.» – Owen Gleiberman, Variety | «Wichtig ist auch der Fakt, der hier kurz angesprochen, aber nie wirklich in Augenschein genommen wird, dass Turner eine der ersten grossen Stars war, die Missbrauch öffentlich machte und damit eine Welle auslöste, die ähnlich wie #MeToo eine Unmenge an Frauen dazu brachte nicht mehr zu schweigen.» – Beatrice Behn, kino-zeit.de TRAILER MEHR ZUM FILM i Tina | Regie: Dan Lindsay und T. J. Martin | Dokumentation | 118 Minuten | UK und USA, 2021

Eine rührende, dokumentarische Coming of Age Erzählung über eine junge Wrestlerin auf der Suche nach sich selbst. TRAILER In der Vorstellung ihrer Mutter waren Wrestling Kämpfe immer real und auch nachdem sie ihre eigene Tochter im Ring stehen sieht, kann sie es kaum glauben. Die Dokumentation begleitet Ale, die eigentlich Alessandra heisst, auf ihrem harten Weg ins Erwachsenenleben, der voller Schweiss, Tränen und grosser Überraschungen steckt.

Stimmen «Der Film ist mutig, schneidet die ganz grossen Themen im Leben an. Erwachsenwerden, Bildung, Arbeit, Feminismus, Beziehung, Herkunft, Rassismus. Und schliesslich geht es auch darum, dass im Leben manchmal alles ganz anders kommt, als man es geplant hat.» – Samantha Zaugg, thurgau kultur | «Trotz einer starken jungen Frau als Protagonistin ist es Alessandras Mutter, die einen bleibenden Eindruck hinterlässt. Es scheint, als hätte O’Neil Bürgi eine Doku über Wrestling und Selbstfindung angefangen und mit einer, über einer Mutter- Tochterbeziehung aufgehört. Man kann ihm nicht vorwerfen, dass das Leben von Alessandra eine andere Richtung einschlug als erwartet. Leider ist diese Richtung aber weniger spannend als die Faszination Wrestling und die Suche nach dem Ringcharakter.» – Marco Albini, outnow i TRAILER MEHR ZUM FILM Ale | Regie: O’Neil Bürgi | Dokumentation | 70 Minuten | Schweiz, 2020 | Verleih: Aardvark Film Emporium Kinostart Deutschschweiz: 2. September 2021

VIDEO Es ist eine Hommage an das Leben mit all seinen Tücken: Regisseur O'Neil Bürgi spricht im arttv Portrait von seinem Film über eine junge Wrestlerin. Wer bin ich? Oder wer will ich sein in einer fiktionalen Welt? Und wie viel davon übernehme ich in einer realen Welt? Diese Themen will O'Neil Bürgi in seinem Film «Ale» erforschen. Durch einen Zeitungsbericht erfährt er von der Wrestlingschule in Rorbas, fährt hin und ist begeistert. Er dreht einen Film über die junge Sportlerin Ale und bringt dabei die grossen Themen des Lebens ins Spiel: Erwachsenwerden, Arbeit, Feminismus, Beziehung, Herkunft, Rassismus.

Zwischen Fiktion und Wirklichkeit «Da ist diese alte Weberei. Auf dem Dachboden steht der riesige selbstgebaute Wrestlingring. Das hat mich visuell angezogen, ich habe sofort ein dokumentarisches Narrativ gesehen. Das Sujet war klar, ich musste nur noch die Geschichte finden.» Und da kommt Alessandra ins Spiel. Thomas Heri, der Leiter der Wrestlingschule, vermittelt Kontakte. Bürgi spricht mit einigen Wrestling-Schüler*innen. Mit Alessandra hätte es gleich bei den ersten Gesprächen eine Bindung gegeben. «Ich habe gemerkt, dass Alessandra eine junge Frau ist, in deren Innern viel vorgeht. Eine Frau, die ihren Platz im Leben sucht.»

Wrestlingwelt ist auch eine Traumwelt Alessandra ist noch neu in der Wrestlingschule. Im Training gibt sie alles. Sie macht Liegestütze, Beinarbeit, rennt Runden, schleppt Reifen, rennt das Treppenhaus hoch und runter. Schliesslich wird sie in der Gruppe aufgenommen, findet in ihren Wrestling-Kollegen so etwas wie die Familie, die ihr oft gefehlt hat. Sie beginnt sich auf einen Showkampf vorzubereiten, arbeitet an ihrem Ringcharakter. Aber eben, die Wrestlingwelt ist auch eine Traumwelt, die nicht viel mit der Realität zu tun hat. «Es ist auch eine Form von Eskapismus, eine Flucht vor der realen Welt, vor Problemen, vor Mobbing», sagt Regisseur O’Neil Bürgi, «man sieht dann auch im Film, wie sie von der realen Welt wieder eingeholt wird, bis sie gezwungen wird anzufangen richtig erwachsen zu werden.» Im zweiten Teil des Films verändert sich Alessandras Leben auf unerwartete Weise. Doch zu viel soll hier nicht verraten werden. Kein Film über Rassismus. Jedenfalls nicht nur In Alessandras Geschichte geht es auch um Ausgrenzung, um Mobbing. Was wohl nicht zuletzt auch rassistisch motiviert war. Laut Bürgi sei Rassismus zwar eines der Themen, aber es sei kein Film über Rassismus. «Für mich ist eine gute Geschichte nicht abhängig von Gender, Nationalität oder Hautfarbe. Trotzdem ignoriere ich die Themen nicht.» Vielmehr streife er Rassismus, Mobbing oder Feminismus, weil sie wichtig sind für Alessandras Geschichte: «Es sind alles Einzelteile und Aspekte, die ein Teil ihrer Reise sind, die sie in diesem Film macht. Darum spielt das alles mit in diesem dokumentarischen Coming of Age Narrativ.» Der Film hat eine Vielschichtigkeit, behandelt und streift verschiedene grosse und aktuelle Themen. Allerdings ohne sie zu bewerten oder zu gewichten. Das ist eine der Qualitäten des Films. Nebst dem grossen Plot-Twist natürlich. Text: Samantha Zaugg

Zum Film Jakob Fabian lebt Anfang der dreissiger Jahre in Berlin. Tagsüber arbeitet er als Werbetexter in einer Zigarettenfabrik, nachts zieht er mit seinem besten Freund Labude durch Kneipen, Bordelle und Künstlerateliers. Im Gegensatz zu seinem wohlhabenden Freund bleibt Fabian dort ein distanzierter Beobachter. Auch mit den herrschenden Zeiten der Unsicherheit, denen sich Labude mit politischem Aktivismus entgegenzusetzen versucht, kann Fabian nicht viel anfangen und kommentiert die Geschehnisse ironisch. Während sich Labude nach einer tragischen Trennung Hals über Kopf in Exzesse und Affären stürzt, lernt Fabian eines Tages die selbstbewusste Rechtsreferendarin Cornelia Battenberg kennen. Eine Frau, die eigentlich der Männerwelt abgeschworen hat und keine neue Beziehung sucht. Für Fabian aber ist sie der Lichtblick am düsteren Berliner Nachthimmel. Durch sie gelingt es Fabian für einen Moment seine pessimistische Grundhaltung abzulegen, bis auch er einer Entlassungswelle zum Opfer fällt. Er versucht seine Arbeitslosigkeit vor Cornelia zu verheimlichen, die wiederum den Avancen des Filmproduzenten Makart nachgibt, der sie mit dem Versprechen einer grossen Schauspielkarriere lockt. Während Cornelia ein Verhältnis mit ihm eingeht und Karriere macht, kann Fabian nicht mit dem Arrangement leben und verlässt sie. Seine Welt gerät aus den Fugen. Der unvorhergesehene Selbstmord von Labude stürzt Fabian schliesslich noch tiefer in seine Zweifel an der Welt. Er kehrt Berlin den Rücken zu und sucht bei seinen Eltern in Dresden Zuflucht. Doch auch dort holt ihn das Schicksal wieder ein und der Gang vor die Hunde nimmt seinen Lauf..

Stimmen |«Man hätte sich ‹Fabian› gut als Eröffnungsfilm der Berlinale vorstellen können: eine Hommage an die Stadt, ein Schauspielerfilm, ein Film übers Filmemachen.» – Carolin Ströbele, Zeit Online | «Mit seiner Lust an der Form ist ‹Fabian› ganz bei den Kunstavantgarden der 1920er Jahre, mit der Lust am Spiel seiner Darsteller beim Sprech von vor 90 Jahren und den mal ziemlich wortwitzigen, mal melancholischen Dialogen Kästners. Graf taucht mit ‹Fabian› aus einem Deutschland 2021 direkt in die Weimarer Republik 1931 ein und nicht wieder auf […] Umso beeindruckender dann, wie wenig Gegenwart Graf in die Vergangenheit trägt und wie viel er davon trotzdem aus ihr herausholt.[…] Die am Beginn einmal erwähnte Frage, ob die Welt denn anständig sei, scheint immer wieder auf.» – Jonas Nestroy, critic.de | «Ein Film über die letzten Jahre der Weimarer Republik, über die Liebe und die Moral, der damals spielt und doch ganz von heute ist.» – Michael Meyns, ﬁlmstarts.de MEHR ZUM FILM Fabian oder der Gang vor die Hunde | Regie: Dominik Graf | Drama | 176 Minuten | Deutschland, 2021 | Verleih: DCM Film Distribution TRAILER i

TRAILER Regisseurin Thaïs Odermatt machte sich auf die Suche nach den «Amazonen unserer Zeit» und hat sie gefunden… Die Suche nach Vorbildern ist etwas sehr Natürliches, es ist die Grundlage des Lernens. Jemand macht etwas vor und wir folgen dem Beispiel. Doch was, wenn die passenden Vorbilder keine Sichtbarkeit bekommen? Bei starken und mutigen Frauen ist das nach wie vor der Fall. Die Dokumentation «Amazonen einer Grossstadt» begleitet sechs inspirierende Frauen, die sich nur scheinbar ausserhalb der Norm bewegen.

TRAILER Stimmen «Mit seinem persönlichen Ansatz und seiner Thematik, die letztlich nach dem Bild und der Stellung der kämpferischen Frau in der Gesellschaft fragt, schreibt sich Odermatts Film souverän ein in der Tradition eines feministischen europäischen Filmschaffens [ein].» – Irene Genhart, cineman | «Der Film ist sehr persönlich und von gleichzeitig universeller Natur, realisiert im Schmelztiegel Berlin, wo Thaïs Odermatt die Filmuniversität Babelsberg Konrad Wolf besuchte. […] Ihr Film ist eine Hommage an eigenwillige Frauen, die eigene Mutter im besonderen und auch ein bisschen an die Kämpferin in sich selbst.» – Regina Grüter, Luzerner Zeitung MEHR ZUM FILM i Amazonen einer Grossstadt | Regie: Thaïs Odermatt | Dokumentation | Schweiz und Deutschland, 2020 | 65 Minuten | Verleih: Cineworx

Queere Zukunftsvision frei nach Shakespeare Die Genrefilmproduktion Taiwans hat in den letzten zehn Jahren zu einer neuen Blüte gefunden. Das Programm präsentiert anhand von sechs Spielfilmen eine Auswahl zeitgenössischer Werke, die Taiwans Sonderposition in der Welt des fantastischen Kinos bestätigen. Vorgestellt wird eine junge Generation, die über den Tellerrand blickt und mit den Mitteln des Genrekinos arbeitet, wobei die Selektion ein gesondertes Gewicht auf Erstlingsfilme legt. Unter den ausgewählten Titeln gesellt sich die exzentrische Zombie-Komödie «Get the Hell Out» (Wang I-Fan, 2020) zu einer queeren Zukunftsvision frei nach Shakespeare, «As we like it»(Chen Hung-i & Muni Wei, 2021), während der lokale Box-Office- Horror-Hit «The Tag-Along» (Cheng Wei-hao, 2015) für Grusel sorgt. Die ersten beiden Folgen der TV- Superproduktion «The Magicians on the Skywalk» nach dem Roman von Wu Ming-yi vervollständigen das abwechslungsreiche Programm.

Digitales Kunstschaffen im Museum Eine Auswahl immersiver Arbeiten zeigt taiwanesisches Know-how im Bereich der VR-Produktion und der neuen Technologien. Die Selektion wird integriert in den Installationspark im Muséum d’Histoire Naturelle de Das vom Centre Culturel de Taïwan à Paris (CCTP) mitgetragene Programm FORMOSA FANTASTICA ehrt Taiwan in einem Hybrid-Format: Das Filmprogramm und die Diskussionen werden sowohl im digitalen Angebot des NIFFF als auch physisch in den Spielstätten des NIFFF zugänglich sein. Die immersiven Installationen sind vom 2. bis 10. Juli im Muséum d’Histoire Naturelle de Neuchâtel, ausgestellt. Neuchâtel, welcher die Ausstellung «Sauvage» ergänzt. An der Schnittstelle zwischen Publikumserfahrung und Museumsgestaltung sprechen diese Dispositive weitreichende Themen an: Transzendenz und der Einfluss des Menschen auf seine Umwelt mit «Samaras EP.1» (Huang Hsin-chien, Gewinner der Ausgabe 2021 des US-Festivals South By Southwest) oder Ureinwohnerkulturen in «A Song within US» (Fangas Nayaw), einem interaktiven Werk, das dazu einlädt, durch Gesang mit der Natur zu kommunizieren. «An Ode to Moss» (SU), eine hochgradig sinnliche Erfahrung von HTC VIVE ORIGINALS, lässt das Publikum eintauchen in atemberaubende musikalische Introspektionen. MEHR ZUM FESTIVAL Neuchâtel International Fantastic Film Festival (NIFFF) | 2. bis 10. Juli 2021 i

Laetitia Casta begann ihre Schauspielkarriere mit der Rolle der Falbala in Claude Zidis «Astérix & Obélix contre César» (Asterix and Obelix vs. Caesar) im Jahr 1999. Weiter ging es im Jahr 2000 mit der erfolgreichen Miniserie «La Bicyclette bleue» (The Blue Bicycle) von Thierry Binisti, um 2001 in «Les âmes fortes» (Savage Souls) von Raùl Ruiz und 2002 in «Rue des Plaisirs» (Love Street) von Patrice Leconte aufzutreten. 2004 gab sie ihr Theaterdebüt in Jean Giraudoux’ «Ondine» unter der Regie von Jacques Weber. Ihre Darstellung der Brigitte Bardot in Joann Sfars Film «Gainsbourg» (Vie héroïque) (Gainsbourg: A Heroic Life) brachte ihr 2010 eine César- Nominierung in der Kategorie Beste Nebendarstellerin ein. 2012 spielte sie in Yvan Attals Do Not Disturb und Nicholas Jareckis Thriller Arbitrage, der auf dem Sundance Film Festival präsentiert wurde, neben Susan Sarandon und Richard Gere. 2018 war sie in Nils Taverniers «L’Incroyable histoire du facteur Cheval» (The Ideal Palace) und Louis Garrels «L’homme fidèle» (A Faithful Man) zu sehen. 2019 spielte sie in dem mit dem Schweizer Filmpreis 2020 ausgezeichneten Film «Le Milieu de l’horizon» (Beyond the Horizon) von Delphine Lehericey und in der Arte-Serie «Une île» (Apnea) unter der Regie von Julien Trousselier. 2021 werden drei neue Filme mit Casta als Darstellerin erscheinen: «Lui» von Guillaume Canet, «La Croisade» von Louis Garrel und «Selon la police» von Frédéric Videau. Ausserdem wird Casta wieder auf der Bühne zu sehen sein, ab Oktober 2021 auf Tournee und im Januar 2022 im Théâtre du Rond-Point in Paris für das Stück «Clara Haskil, Prélude et fugue» des Regisseurs Safy Nebbou und des Drehbuchautors Serge Kribus. Parallel zu ihrer Schauspielkarriere engagiert sich Casta bei UNICEF für Kinder, die in Kriegssituationen leben. Ausserdem wurde sie 2011 vom damaligen französischen Kulturminister Frédéric Mitterrand zum Chevalier des Arts et des Lettres ernannt.

Die Interview-Ausschnitte vertiefen dort, wo der Spielfilm an der Oberfläche bleibt. … Und nach wie vor beeindruckt das Paar, das unbeirrt neue Wege ging, obwohl es ständig mit dem Scheitern konfrontiert war. Andrea Lüthi, cineman.ch LINK GANZEN ARTIKEL AUF ARTTV.CH ANSEHEN Verliebte Feinde | Regie: Werner Schweizer | Dokfilm | Schweiz 2012 | Dauer: 112 Min. | Verleih: Xenix Filmdistribution | Mit: Mona Petri, Fabian Krüger | Der Film kam am 21. Februar 2013 in die Deutschschweizer Kinos.

In einer spielerischen Montage von Archivschätzen, Kunstfotos, Amateuraufnahmen und Werbefilmen entfaltet der vielfach ausgezeichnete Regisseur Peter Volkart (Terra Incognita, Subotika) die fabelhafte Geschichte des Kultobjektes und bringt mit künstlerischer Sorgfalt die Flüchtigkeit der Fotografien auf die Kinoleinwand. arttv.ch LINK GANZEN ARTIKEL AUF ARTTV.CH ANSEHEN Subito | Dokumentarfilm |Buch, Regie, Animation: Peter Volkart | Dokumentarfilm | 77 min. | Schweiz, 2018 | Verleih: Reck Filmproduktion | Der Film kam am 11. Oktober 2018 in die Deutschschweizer Kinos.

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Der Film entfaltet sich hauptsächlich kammerspielmässig im Hotel, in dem ein künstliches Setting herrscht, so wie man es etwa von den Werken Aki Kaurismäkis kennt. arttv.ch LINK GANZEN ARTIKEL AUF ARTTV.CH ANSEHEN La vanité | Regie: Lionel Baier | Spielfilm | Schweiz 2015 | Dauer: 75 Min. | Verleih: Frenetic Films | Mit: Patrick Lapp, Carmen Maura, Ivan Georgiev, Adrien Barazzone, Nina Théron, Pierre-Isaie Duc | Der Film kam am 22. Oktober 2015 in die Deutschschweizer Kinos.

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Die Pubertät ist sicher eine der schwierigeren Phasen im Leben eines Menschen. Genauso schwierig scheint es aber für Eltern Heranwachsender, mit der Adoleszenz ihrer Kinder umzugehen. arttv.ch LINK GANZEN ARTIKEL AUF ARTTV.CH ANSEHEN Songs of Love and Hate | Drama | Regie: Katalin Gödrös | 89Min | Schweiz 2010 | mit: Sarah Horváth, Jeroen Willems, Ursina Lardi, Luisa Sappelt, Joel Basman u.a. | Verleih: Filmcoopi Zürich / Der Film kam am 27. Januar 2011 in die Deutschschweizer Kinos.

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Editorial

Film des Monats: The Father

Xenix Mitgliedereinladung

FIFF 2021

Interview Thierry Jobin

Padrenostro

Nowhere Special

Spagat

Portrait Daniel Hobi

Eté 85

Tina

Ale

Portrait O'Neil Bürgi

Fabian oder Der Gang vor die Hunde

Amazonen einer Grossstadt

NIFFF 2021

Locarno Film Festival 2021

Free Streaming

Verliebe Feinde

Blocher

Subito

Die Frau mit den 5 Elefanten

Verso

Maija

La Vanité

Songs of Love and Hate

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