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CLICK CINEMA JUN22
Film des Monats | One of these days
Meisterhaft | Utama
Besondere Empfehlung: El buen patron
Kontrovers: Tromperie
NIFFF | Pierre Yves Walder
NIFFF | Scream Queer
NIFFF | Joyce Carol Oates
Yesh! Kosher Rehab
Interview
Yesh! | Tiger Within
Yesh! | The Sign Partner
Yesh! | Lune
Yesh! | Blue Box
Schweizer Kino | Adolf Muschg
Bildrausch Basel
arttv Mitgliedereinladung

Liebe CLICK CINEMA Leser*innen Und plötzlich ist er da: Der (Film)Sommer! Auch wenn es so manchen eher in die Natur anstatt in die Kinos ziehen dürfte, sind wir sicher, dass sich unter den Filmtipps unserer Kritiker:innen das ein oder andere Kino-Highlight entdecken lässt. Filmperlen, für die sich ein Besuch in einem gut klimatisierten Kino sicherlich lohnt, etwa unser Film des Monatas «One of These Days», eine bissige Sozialstudie «über eine Gesellschaft, in der das Auto alles und der Mensch ein Nichts ist», wie unser Kritiker Geri Krebs schreibt. Ausserdem stehen zwei Festivals vor der Türe: Wir stellen Ihnen Pierre- Yves Walder, den neuen Leiter des NIFFF, des Neuchâtel International Fantastic Film Festival vor, das vom 1. bis 9. Juli 2022 stattfindet. Das NIFFF widmet seine aktuelle Retrospektive der Darstellung von LGBTIQ+ Kulturen im fantastischen Film. Das exklusiv zusammengestellte Programm umfasst rund 20 Filmtitel zu Homosexualität und Transidentität. Vom 9. bis 16. Juni 2022 ist in den Zürcher Kinos «Neues aus der jüdischen Filmwelt» zu sehen – und der Festival-Slogan hält, was er verspricht. Das gesamte Programm erweist sich als kritisch, vielfältig und dennoch unterhaltsam! Besonders fasziniert hat uns die Dokumentation «Kosher Rehab» der Regisseurin Anna Oliker, im Interview erzählt sie arttv.ch sehr offen von ihrem Filmprojekt, das sie in einer Entzugsanstalt für junge orthodoxe Männer in Jerusalem gedreht hat. Zusätzlich stellen wir auf unserer Webseite jeden Festivaltag einen «Yesh!-Film des Tages» vor: Unsere Auswahl für ihren Einblick in die jüdische Filmwelt! Mit Gruss Silvia Posavec, arttv Filmredaktion

Ein Durchhaltewettbewerb der Superlative in einer texanischen Kleinstadt treibt einen Familienvater bis zum Äussersten. TRAILER Die Regeln des alljährlichen «Hands On»- Wettbewerbs des lokalen Autohändlers in einem texanischen Städtchen sind einfach: Zwanzig Teilnehmer:innen stellen sich um einen brandneuen Pick-up-Truck, legen eine Hand auf das Auto und dürfen sie nicht mehr wegnehmen. Wer am längsten durchhält, darf mit dem Wagen nach Hause fahren. «One of These Days» ist eine bissige Sozialstudie über eine Gesellschaft, in der das Auto alles und der Mensch ein Nichts ist.

WETTBEWERB Gewinne 5 x 2 Tickets Zum Film One of These Days | Synopsis Das Leben in der texanischen Provinz ist hart. Der junge Vater Kyle versucht für seine Freundin und sein Kind da zu sein, doch scheint er das Image des Losers nicht loszuwerden. Nichts will ihm gelingen und zu allem Übel will sein Auto kaum mehr anspringen. Dabei hängen in diesen Teilen Amerikas nicht nur der soziale Status, sondern auch Mobilität und Unabhängigkeit vom fahrbaren Untersatz ab. Kyle beschliesst, beim jährlichen Wettbewerb um ein Pick-up Truck mitzumachen, alles, was er tun muss, um ihn zu gewinnen, ist am längsten durchzuhalten. Doch ist er wirklich derjenige unter den Teilnehmenden, der dieses neue Auto am dringendsten braucht? Ein zermürbender Durchhaltewettbewerb beginnt, bei dem alle Wettbewerber:innen ihre dunkelsten Seiten offenbaren, ein Psychospiel, das tief in die abgründige Verzweiflung der amerikanischen Unterschicht blicken lässt.

Ein Mordspass Im ländlichen Texas gibt es eine Alternative zum Dschungelcamp, zum Fressen von Dreck und Würmern auf einer tropischen Insel: «Hands On» heisst der Wettbewerb und inspiriert ist die Geschichte von wahren Begebenheiten wie man zu Beginn des Films erfährt. Zwanzig zuvor ausgeloste Männer und Frauen stehen um einen Pickup herum und berühren ihn mit den Händen – so lange sie können. Wer nicht mehr kann, fliegt raus, wer am längsten kann, kriegt das Teil. Die Bedingungen sind klar: Jede Stunde gibt es fünf Minuten Pause, alle sechs Stunden gibt es fünfzehn Minuten, kein Hinknieen, kein Abstützen. Joan, die PR-Frau des Veranstalters, «Boudreau’s Auto and Truck», gibt per Megafon REZENSION GERI KREBS die Regeln bekannt. Zuvor konnte man das Objekt der Begierde bewundern, wie eine Reliquie im Schrein in einem liebevoll ausgeleuchteten Zelt ausgestellt, derweil draussen der Regen herunterprasselte. Und als einmal ein Aussenstehender die naheliegende Frage stellt: Ist das nicht gefährlich, Leute so nachts ohne Schlaf in der Hitze herumstehen zu lassen?, ist Joan’s Antwort: nein, nein es ist ein Mordsspass. Was man durchaus wörtlich nehmen darf. Denn mit zunehmender Dauer – die sich über Tage hinzieht – steigert sich die Aggressivität zwischen den Teilnehmenden. Sie geht von zotigen Bemerkungen («der hat halt kein Stehvermögen» mokiert sich einer, nachdem der erste erschöpft aufgegeben hat) hin zu erst verbalen, dann physischen Rempeleien bis es zum Showdown kommt, von dem an dieser Stelle nichts weiter gespoilert werden

soll. Dramaturgisch geschickt verbindet Regisseur und Drehbuchautor Bastian Günther das quälend lange, ja, langweilige, Geschehen rund um die bedauernswerten Geschöpfe, die da, wie in einem Gefängnis von Aufsehern bewacht, bis zur Erschöpfung um den Pickup herumstehen, mit den Geschichten der beiden Hauptfiguren: Jener des Wettbewerbsteilnehmers Kyle, dem jungen Familienvater, der sich als Versager fühlt – und jener von Joan, die sich um ihre demente Mutter kümmert, unter dem kürzlichen Auszug ihrer erwachsenen Tochter leidet und zwischenzeitlich immer mal wieder Männer datet. Brennglas sozialer Ungleichheit «One of These Days» sei ein Film, der «in soghaften Bildern das Brennglas auf soziale Ungleichheiten richtet», verspricht der Verleihtext. Was zwar nicht falsch ist, allerdings sind diejenigen, die da tage- und nächtelang ihre Hände auf den blauen Pickup halten, alle vom unteren sozialen Rand, oder wie es einer formuliert: «Selbst wenn du gewinnst, bleibst du der Penner, der dort tagelang am Truck stand, weil er sich keinen kaufen kann.» Der einzige im Film, der von einer anderen sozialen Klasse stammt, ist der Besitzer des Autohauses, aber der spielt gar keine grosse Rolle. Viel mehr als ein Film über sozialen Ungleichheiten ist «One of These Days» eine bissige Sozialstudie über eine Gesellschaft, in der das Auto alles und der Mensch ein Nichts ist. Denn wenn im bezaubernd abhebenden letzten Teil des Films die Frontscheinwerfer des blauen Pickup plötzlich zu Augen werden und das Auto mit Kyle zu sprechen beginnt – derweil er zuvor noch von einem Polizisten als verdächtig, weil zu Fuss gehend, angehalten worden war – dann offenbart sich hier eine übergeschnappte Konsumgesellschaft aufs Schönste. Fazit: In raffinierter Weise versteht es der – abwechselnd in Berlin und in Texas lebende – Regisseur und Drehbuchautor Bastian Günther, eine sich scheinbar im Kreis drehende bissige Sozialstudie über die Macht des Autos in Märchenhafte zu überhöhen und Räume zu schaffen für Poesie und Fluchten aus einer bedrückenden Wirklichkeit.

TRAILER «Mit einnehmenden Bildern zeigt Regisseur Bastian Günther Amerika als Provinzshow, als menschliche Tragödie, angetrieben von der trügerischen Verheissung des American Dream.» – Zurich Film Festival i MEHR ZUM FILM One of These Days | Regie: Bastian Günther | Drama | Deutschland und USA, 2020 | 120 Minuten | Verleih: Outside the Box Kinostart: Deutschschweiz, 16. Juni 2022

Eine zärtliche Liebesgeschichte, in atemberaubender Natur und mit einer aktuellen und eindringlichen Botschaft. Ein Film perfekt für die Kinoleinwand! TRAILER Im trockenen bolivianischen Hochland der Anden lebt ein älteres Quechua- Ehepaar. Mitten in einer Dürre erkrankt Virginio und verbringt seine letzten Tage im Wissen um seinen bevorstehenden Tod damit, seine Krankheit vor Sisa zu verbergen. Alles verändert sich durch die Ankunft des Enkels Clever, der mit Neuigkeiten zu Besuch kommt. Die drei stellen sich auf unterschiedliche Weise der Dürre, den Veränderungen und dem Sinn des Lebens.

Zum Film Sie leben fern von dem, was man Errungenschaften der so genannten Zivilisation bezeichnet. Ihr Leben ist einfach und eng verbunden mit der Natur. Diese ist auf dem Altiplano himmelsnah und von betörender Schönheit, gleichzeitig auch karg. Jedes Stückchen Erde zählt und wird gepflegt. So gering ihr ökologischer Fussabdruck sein mag: Auch die Indigenen auf dem Altiplano sind betroffen von der globalen Verantwortungsarmut. Die Trockenheiten nehmen zu, die WETTBEWERB Gewinne 3 x 2 Tickets natürlichen Zyklen sind in Gefahr. Zusammen mit seiner hervorragenden argentinischen Kamerafrau Barbara Alvarez zaubert der Bolivianer Alejandro Loayza Grisi eine Erzählung auf die Leinwand, die vom Verlust eines Lebensraums handelt und von einem Leben, das auch so schon entbehrungsreich ist. Eigentlich bleibt da kein Raum mehr für Abstriche. «Wir waren berührt von diesem schönen Stück ethnografischen Kinos, das auf einer einfachen, aber universellen und sehr aufrichtigen Geschichte basiert», hat die Jury von Toulouse notiert, als sie «Utama» auszeichnete. Der Film liefert eine ebenso schlichte wie dringliche Botschaft: Es gibt nur eine Erde, und es gibt sie nur einmal. Wann begreifen das ihre Bewohner:innen in den Zentren?Verzweiflung der amerikanischen Unterschicht blicken lässt. – Walter Ruggle, Trigon

zum Rinnsal geworden. Der Himmel frei von Regenwolken. Seit über einem Jahr. Eindrückliches Regiedebüt In seinem Regiedebüt – mit dem Grossen Jurypreis in Sundance 2022 ausgezeichnet – zeigt der Bolivianer Alejandro Loayza Grisi anschaulich, was der Klimawandel in seinem Heimatland, insbesondere der bolivianischen Hochebene, an Veränderungen gebracht hat: Ein Volk – die Quechuas – sind in ihrem Überleben bedroht, ihre Gross und weit ist die Landschaft in «Utama». Lamas mit pinken Bommeln an den Ohren setzen verspielte Akzente in der schieren Unendlichkeit des bolivianischen Hochplateaus. Virginio und Sisa, ein älteres Paar, leben abgelegen in diesem kargen Landstrich. In staubigen Sandalen, Shirt und Pulli, die Virginio auch zum Schlafen anbehält, mit Hut und einer Decke über der Schulter, führt dieser seine kleine Lamaherde auf stundenlangen Wanderungen über die leere Ebene und den zerklüfteten Boden zu den raren Grasbüscheln, die in immer weitere Entfernung rücken. Ein böser Husten plagt ihn, den er vor Sisa zu verbergen sucht. Sie – in ihren bauschigen Wollröcken, den langen Zöpfen und ebenfalls mit Hut – schaut im Haus nach dem Rechten, müht sich mit dem trockenen Boden ab und ist für das Wasser besorgt, das immer rarer wird. Der Brunnen im entfernten Dorf ist versiegt. Der noch fernere Fluss REZENSION DORIS SENN Kultur dem Untergang geweiht. Der Umzug in die nahe Stadt – der junge Clever, der überraschend seine Grosseltern besucht, möchte ihnen genau dies vorschlagen – ist für die meisten längst Realität geworden: Virginio und Sisa gehören zu den Letzten, die in ihren bescheidenen Lehmhäusern auf der Hochebene ausharren.

Realität dahinter. Virginio und Sisa werden von Laien gespielt, die tatsächlich ein Paar sind und genau das Haus und die Gegend bewohnen, die im Film zu sehen sind. Sie mussten erst mit grosser Überzeugungsarbeit für ihre Mitarbeit beim Filmprojekt gewonnen werden. Dafür beeindrucken sie nun mit ihren von der Zeit, von Wind und Wetter geprägten Gesichtern und ihrer Körpersprache, noch bevor das erste Wort gesprochen wird. Nicht zuletzt dank ihnen wird dieses aus der Zeit gefallene Epos, das von so grosser Aktualität ist, zu eindringlichem Leben erweckt. Fazit: Das bolivianische Kino hat mit Alexandro Loayza Grisi eine neue, beeindruckende Stimme. «Utama» heisst sein Regiedebüt – ein stilles Drama auf der Anden- Hochebene, das gleichzeitig als universelle Geschichte von den Folgen des Klimawandels kündet. Dystopisches Drama Clever wohnt in La Paz, spricht kein Quechua und ist besser vertraut mit den modernen Gadgets als dem Überleben in der kargen Wüste. Für ihn gibt es keine emotionale Verknüpfung mehr zu den alten Ritualen, und er ist ohne die spirituelle Verbindung zur Erde und zum Kosmos aufgewachsen, die die Welt seiner Grosseltern prägen. «Utama» (übersetzt «mein Zuhause») erzählt in seiner Lakonie ein dystopisches Drama von universeller Bedeutung: über den Klimawandel, über fehlendes Wasser und den daraus folgenden Verlust von Heimat, Tradition, Geschichte. Erbarmungslose Landschaft Bestechend in seiner Einfachheit und von faszinierender Schönheit die Natur und die Menschen, in deren Gesichtern sich die Furchen der Erde zu spiegeln scheinen, fängt «Utama» in vibrierender Dichte dieses stille Drama ein. Die eindringliche, oft symmetrisch ausgerichtete Bildgestaltung in Cinemascope stammt von der renommierten argentinischen Kamerafrau Bárbara Álvarez und zeichnet eine grossartige Landschaft – und die bittere

Foto © Walter Ruggle, trigon-film TRAILER Alejandro Loayza Grisi wurde 1985 im bolivianischen La Paz geboren. Er studierte Kommunikationswissenschaft und Werbung an der Universidad Catolica de Bolivia in Cordoba, Argentinien. 2010 begann er als Fotograf und Kameramann fur die Alma Filmproduktion zu arbeiten und gewann diverse Auszeichnungen. Als Kameramann wirkte Loayza Grisi an der Dokumentarserie Planeta Bolivia mit und an Kurzfilmen wie «Aicha», «Dochera» und «Polvo». Mit seinen Musikvideos nahm er an Festivals von Bogotá bis Jaipur teil. «Utama» ist sein erster Spielfilm als Regisseur. MEHR ZUM FILM i Utama | Regie: Alejandro Loayza Grisi | Drama | 87 Minuten | Bolivien, 2021 | Verleih: trigon-film Kinostart Deutschschweiz: 23. Juni 2022

Eine Komödie mit Starbesetzung, die von der spanischen Filmakademie mit gleich sechs Goyas ausgezeichnet wurde. TRAILER Javier Bardem, zweifelsohne einer der wandelbarsten und charismatischsten Schauspieler der spanischsprachigen Filmszene, schlüpft in die titelgebende Rolle des ‹guten Chefs›. Für sein Unternehmen will Julio Blanco unbedingt einen lokalen Unternehmenspreis ergattern, doch nach für nach stellt sich heraus, dass seine Weste nicht ganz so rein-weiss ist, wie sein Name.

WETTBEWERB Gewinne 5 x 2 Tickets Zum Film Blanco ist der Leiter eines Unternehmens, das in einer spanischen Provinzstadt Industriewagen herstellt. Er und seine Mitarbeitenden warten auf den bevorstehenden Besuch einer Kommission, die entscheiden wird, ob das Unternehmen einen lokalen Preis für hervorragende Leistungen erhält. Für diese Ernennung muss alles perfekt sein, aber das Schicksal legt Blanco Steine in den Weg. Er muss mehrere Probleme lösen, die zur falschen Zeit auftauchen …

Der gute Patron ist doch nicht so gut, wie es den Anschein hat. Den Boss Julio Blanco interessiert nur eins: das Image seiner Firma. Ein gefundenes Fressen für den charismatischen Filmstar und Hauptdarsteller Javier Bardem. Es ist häufig von Firmenkultur die Rede, von Fürsorge und Verantwortung. Doch in der Sozialwirklichkeit sieht es oft anders aus. Heuern und feuern heisst es dann – zum Wohl des Profites, versteht sich. So scheint anfangs alles eitler Sonnenschein, als Firmenboss Julio Blanco (Javier Bardem) seine Belegschaft beschwört, einen guten Eindruck zu machen, wenn eine Kommission die «Básculas Blanco» besucht, sein Unternehmen, das Industriewaagen herstellt. Einen bedeutenden Preis gilt es zu ergattern. Doch es droht Ungemach. Turbulenzen voraus REZENSION ROLF BREINER Ein Mitarbeiter wurde entlasse. José (Óscar de la Fuente) fühlt sich hintergangen und schlägt ein Protestcamp direkt vor dem Fabrikgelände auf. Das kann sich der charismatische Patron nicht bieten lassen, auch weil die Öffentlichkeit aufmerksam wird. Schlecht fürs Image, zudem macht ihm sein langjähriger Mitarbeiter und Jugendfreund Kummer. Miralles (Manolo Solo) ist in privaten Nöten, und seine Arbeit als Produktionschef leidet arg darunter. Die Produktion kommt ins Stottern. Dann weckt die attraktive Praktikantin Liliana (Almudena Amor) seine Aufmerksamkeit – da kann ein Kümmerer wie Blanco schon mal ins Schleudern kommen. Schöner Schein Der Filmtitel ist Programm. Er, Julio Blanco, wäre gern der «gute Hirte», sprich der gute Chef seiner Firma. Man könnte sagen: Regisseur Fernando León de Aranda legt es darauf an, die

wahren Ambitionen des Patron auf die Waage zu legen. Bezeichnend das Schlussbild: Die symbolträchtige Waage am Firmeneingang ist schlecht geeicht und stimmt am Ende dann doch – durch Manipulation mit einem Kaugummi. Der wahre Charakter des Patron wird wie beim Zwiebelschälen blossgelegt – Schicht um Schicht. Julio Blanco ist ein Kümmerer und Manipulator, der übergriffig wird. Spanischer Filmerfolg Vermeintlich gut gemeint, aber schamlos ausgenutzt: Der Boss ist letztlich ein böser Bube. «El buen Patron» ist eine bitterböse Sozialsatire – und ein gefundenes Fressen für Filmstar Javier Bardem («Dune», «Pirates of the Caribbean: Salazars Rache», «James Bond: Skyfall»). Fast schon genüsslich kostet er die Rolle als charmant-perfider Imagepfleger und vermeintlich verantwortungsvoller Unternehmenschef aus. Der «Patron» war der grosse Abräumer beim spanischen Filmpreis Goya. Sechsmal wurde der Film ausgezeichnet: Bester Film, beste Regie, bester Hauptdarsteller, bestes Originaldrehbuch (Aranoa), bester Schnitt (Vanessa Marimbert) und beste Originalmusik (Zeltia Montes). Fazit: Javier Bardem brilliert in einer abgrundtiefen Sozialsatire – bissig und bitterbös.

Ein Spielﬁlm über Sex und Loyalität, Liebe und Betrug nach dem autobiograﬁschen Roman von Philip Roth. TRAILER Er war einer der bekanntesten und wohl auch berüchtigtsten amerikanischen Schriftsteller des 20. Jahrhunderts, Philip Roth. Seine zahlreichen Liebschaften, von denen seine Romane mit durchaus expliziten Beschreibungen zehrten, wurden nicht erst nach seinem Tod 2018 in New York bekannt. Regisseur Arnaud Desplechin verfilmt mit «Tromperie» nun eines der autobiografischsten Werke und bleibt Roth in puncto Anzüglichkeit nichts schuldig.

Begehren, Sex, Verrat, Egozentrik, Selbsttäuschung – es geht um die Liebe und die Lüge. Arnaud Desplechins Drama «Tromperie» bietet einen reichhaltigen Strauss von Themen an, mit denen wir im Leben wohl alle mehr oder weniger in Berührung kommen. Es ist eine Romanverﬁlmung des vielfach ausgezeichneten amerikanischen Schriftstellers Philip Roth, der uns Einblicke in sein Seelenleben gibt. Der Roman ist autobiograﬁsch: Sein Held heisst Philip, ist Schriftsteller, schreibt alles, was er in einer gewissen Zeitspanne mit Frauen erlebt, feinsäuberlich auf, um seine Erlebnisse im Buch «Deception» (1990) niederzuschreiben. REZENSION MADELEINE HIRSIGER Gewissensfragen Der französischen Regisseurs Arnaud Desplechin hat den Film in XII Kapitel aufgeteilt. Das erste spielt 1987 in London. Hier trifft der Schriftsteller Philip Roth (Denis Podalydes) auf eine attraktive namenlose Frau (Léa Sedoux), die in einer Ehekrise steckt und mit Philip eine Nachmittagsbeziehung sexueller Art – aber nicht nur – pflegt. Beide sind verheiratet. Man glaubt ihnen die gegenseitige Zuneigung, ja Liebe, und sie testen sich gegenseitig mit Fragen wie: Ist Lügen ok? Ist Grosszügigkeit ein Zeichen von Schwäche? Ist es wichtig für Dich, schwach zu sein? Gegenfrage: Ist es wichtig für Dich, stark zu sein? Liebst Du meine Art, wie ich gekleidet bin? Die letzte Frage, die zentralste, stellt die Geliebte: «Besteht irgendwo in einem Winkel deines Herzens noch die Illusion, dass die Ehe eine Liebesangelegenheit ist? Wenn Du ja sagst, könnte das Probleme geben.»

Durchwoben ist Arnaud Desplechins Film mit Szenen, die andere Frauen zeigen, mit denen Philip eine Beziehung hatte: Etwa Rosalie, die schwer an Krebs erkrankt ist, eine ehemalige begabte Studentin, die während des 2. Weltkrieges in Prag in der Uni-Bibliothek gearbeitet hatte und sowohl von den USA wie auch den Tschechen als Spionin geködert werden soll. Der Prozess Zum Show-down des in Affären verzettelten Schriftstellers kommt es in einem Prozess. Die Anklägerin setzt ihn unter Druck mit Fragen wie: «Können sie uns sagen, warum sie Frauen hassen? Warum diffamieren sie sie in ihren Büchern? Haben sie je etwas getan, das den Frauen nützlich war?» Vielleicht stehen diese Fragen für eine Selbstreflexion, für eine Art Wiedergutmachung seines Tuns gegenüber den Frauen, die er ja mindestens verbal ausgebeutet hatte. Endgültig aus dem Ruder läuft die Geschichte, als seine Frau das Notizheft findet, in dem er ziemlich akkurat die Ausbeute seiner Beziehungen aufgeschrieben hatte – auch dialogmässig. Natürlich streitet er alles ab, versucht die Begebenheiten auf die fiktive Ebene zu heben, er sei doch schliesslich Schriftseller, und beschuldigt sie der masslosen Einbildungskraft. Das Lügen geht ihm glatt über die Lippen. Der Film Es ist ein sorgfältig gedrehter Film mit reichhaltigen Dialogen und zwei sublimen französischen Schauspielern (an deren Französisch man sich wahrlich erfreuen kann). Die Bildsprache ist in warmen Farben gehalten und es ist bemerkenswert, wie virtuos die Erzählstränge immer wieder verwoben werden. Wirklichkeit und Täuschung laufen ineinander über. Unterbrochen werden die Geschichten von der Tatsache, dass sich der Hauptdarsteller Philip stark durch seine jüdische Herkunft definiert und es zu intensiven Diskussionen zwischen ihm und seiner nichtjüdischen Geliebten kommt. Zäsuren in der Erzählung, die ihr eine weitere Dimension geben. Fazit: Eine lustvolle Reise in das Beziehungschaos einer literarischen Grösse und eine wahre Freude für Frankophile. Leider hat man dann trotzdem das Gefühl, man sei in einer langen Folge der Erfolgsserie «Therapie» (ARTE) gelandet.

«‹Tromperie› versucht sich als Milieustudie der Oberschicht, scheitert jedoch an seinem eigenen Unvermögen und dem eigenen Desinteresse an der Story und den Charakteren.» – Yannick Bracher, Outnow TRAILER Tromperie | Regie: Arnaud Desplechin | Drama | 105 Minuten | Frankreich, 2021 | Verleih: Xenix Filmdistribution MEHR ZUM FILM i

INTERVIEW 7 Fragen an Pierre-Yves Walder 1) Sie sind seit 2008 Teil des NIFFF-Teams und übernehmen nun die Leitung dieses einzigartigen Genre-Festivals. Können Sie sich noch an Ihre Anfänge erinnern und was Sie vom Festival erwartet haben? Ich habe beim Festival als Presseattaché angefangen und im ersten Jahr mit Joe Dante, George Romero und Hideo Nakata zusammengearbeitet. Das Festival hat meine Erwartungen also sofort erfüllt! Ich fühlte mich gleich mit der Philosophie des NIFFF verbunden, die ich seit den Anfängen verfolgt hatte. 2) Was hat Sie persönlich dazu gebracht, sich für den fantastischen Film zu interessieren? Ich war schon immer vom Kino fasziniert und hatte das Glück, in jungen Jahren Fantasyfilme im Kino zu sehen (E.T., Dark Crystal, Die Rückkehr der Jedi-Ritter). Diese Erlebnisse haben mich besonders beeindruckt und meine dauerhafte und bedingungslose Liebe zu diesem Genre besiegelt. 3) Welches Potenzial hat das Genre in der heutigen Zeit und wohin entwickelt es sich? Der Fantasyfilm ist unerschöpflich, da er von seiner Zeit zehrt – sowohl thematisch als auch technologisch. Seine Entwicklung ist daher eng mit seiner Zeit und ihren Anliegen verknüpft. Innerhalb der retrospektiven «Scream Queer» erforschen wir dieses Jahr zum Beispiel die LGBTIQ+-Darstellungen im Genrekino in den letzten 100 Jahren. Es ist spannend zu sehen, wie die queere Identität von der Invisibilisierung, Problematik oder Dämonisierung allmählich gefeiert wurde, um sich dann nach und nach zu normalisieren. Ähnlich wie das Kino des Genres selbst, das sich in den letzten zwanzig Jahren stark demokratisiert hat. 4) Sie haben lange Zeit an der Programmgestaltung des Festivals mitgewirkt, wie hat sich diese entwickelt? Von einem Programm, das sich auf Regisseure und Filme konzentrierte, die man dem ‹klassischen› Genrekino zuordnen könnte (von

Storytelling, die Herausforderungen und die Charaktere. Wie in der Literatur ist das Schaffen von Brücken zwischen dem Film und anderen Disziplinen geradezu organisch. 7) Ein Rundtischgespräch ist dem «Game-Powered Cinema» gewidmet, was versteht man darunter und warum ist es wichtig? Die Pandemie hat die Filmindustrie, insbesondere die traditionellen Dreharbeiten, drastisch beeinflusst. Sie hat den Einsatz von Game Engines als flexibles und kostengünstiges virtuelles Produktionswerkzeug für Filmemacher:innen beschleunigt. Indem sie eine Echtzeit-Vorschau der virtuellen Welten bieten, in denen die Schauspieler:innen ihre Charaktere verkörpern, ermöglichen die Game Engines das Hinzufügen virtueller Effekte während der Dreharbeiten selbst. Das Ergebnis ist ein grösserer Handlungsspielraum für das Produktionsteam und eine Umwälzung des kreativen Prozesses. George Romero über John Carpenter bis zu Dario Argento), hat sich das NIFFF weiterentwickelt, indem es ein zunehmend integratives Konzept vertritt. Im Laufe der Jahre hat sich das NIFFF zu einem immer umfassenderen und integrativeren Fantasy-Film Festival entwickelt. Dazu gehören Autorenfilme, mit der Phantastik verwandte Genres (Thriller usw.) und Regisseur:innen. Auch der Schweizer Genrefilm hat an Bedeutung gewonnen und wir sind stolz darauf, dass wir regelmässig ambitionierte und einzigartige Werke präsentieren können. 5) Welche Filmemacher haben Sie im Laufe ihrer Karriere geprägt? Sie sind zu zahlreich, um sie alle hier zu nennen – David Lynch, Claire Denis, Park Chan-wook, David Cronenberg … 6) Das NIFFF beschreitet nicht erst seit gestern neue Wege, mit der Reihe «Imaging The Future» thematisiert es die Schnittstelle zwischen Spiel und Film – wie wichtig ist diese Verbindung? Viele der NIFFF-Zuschauer sind auch Gamer – die Verbindung ist also offensichtlich. Darüber hinaus gibt es Brücken zwischen der Vorstellungswelt von Videospielen und der Vorstellungswelt vieler fantastischer Filme. Das betrifft das

ARTTV MEDIENPARTNERSCHAFT NIFFF 2022 TRAILER Das NIFFF widmet seine aktuelle Retrospektive der Darstellung von LGBTIQ+ Kulturen im fantastischen Film. Das exklusiv zusammengestellte Programm umfasst rund 20 Filmtitel zu Homosexualität und Transidentität. Vom «grossen bösen Queer» bis zum Loblied auf die Vielfalt – das NIFFF schöpft aus einem reichhaltigen Filmerbe und stellt unterschiedlichste Visionen der Vergangenheit und Gegenwart in einen neuen Zusammenhang, um sie vor dem Hintergrund eines zeitgenössischen Konzepts der fantastischen Queer-Kultur neu zu deuten.

Neuentdeckung cineastischer Ikonen der LGBTIQ+ Gemeinschaft Mit «Scream Queer» blickt das NIFFF auf die vielfältigen Darstellungen der LGBTIQ+ Gemeinschaften in den Entwicklungen des Genrefilms zurück. Die Queer-Kultur zieht sich in zahlreichen Formen durch die Filmgeschichte und spiegelt durch das Genrekino samt seinen Realitätsverzerrungen unsere Beziehung zum Anderssein. Die zwanzig ausgewählten Werke stellen viele Queer-Figuren in der Geschichte des fantastischen Films in neue Zusammenhänge und verweisen somit auf erweiternde, bereichernde Lesarten. Die Retrospektive wurde vom Festival gemeinsam kuratiert mit dem spanischen Journalisten Javier Parra (Autor von «Scream Queer»: «La representación LGTBIQ+ en el cine de terror» im Verlag Dos Bigotes). Sie lädt ein zu einer Neuentdeckung cineastischer Ikonen der LGBTIQ+ Gemeinschaften, manchmal dazu geworden ohne die Absicht ihrer Schöpfer:innen, vom Beginn des 20. Jahrhunderts bis heute. Vom allseits bekannten Norman Bates aus «Psycho» (Alfred Hitchcock, 1960) über die blutrünstige, sinnliche Gräfin Bathory in «Daughters of Darkness» (Harry Kumel, 1971), das gefährlichen Liebespaar aus «Bound» (Lilly & Lana Wachowski, 1996) und die zeitlose Transidentität in «Orlando» (Sally Potter, 1992) bis zum Wachwerden der wahren Natur von «Thelma» (Joachim Trier, 2017): Es bietet sich die Chance, nicht nur Klassiker aus einem anderen Blickwinkel zu entdecken, sondern auch die positive Entwicklung der Sicht auf das Thema zu verfolgen. Der Schwerpunkt bietet auch die Gelegenheit, gemeinsam in Partystimmung einige Werke zu geniessen, die das Genre bewusst umkrempeln, etwa die beiden Filme, die in der Slasher-Nacht «Dur à queer» gezeigt werden, darunter «Hellbent» (Paul Etheredge, 2004).

Monster komm raus: Oliver Sim und «Hideous» Neben den geladenen Filmschaffenden im Kontext von «Scream Queer» präsentiert das NIFFF die Anwesenheit von Oliver Sim, dem Sänger von The xx. Anlässlich seines ersten Soloprojekts begleitet der britische Musiker die exklusive Vorführung von «Hideous», einem Musikfilm von Yann Gonzalez, der eine melodisch- monströse Welt in den Farben der Horrorfilme der 1980er Jahre entwirft. Oliver Sim betreut zudem eine Carte Blanche in Verbindung mit der Retrospektive. TRAILER NIFFF 2022 | Neuchâtel International Fantastic Film Festival | Scream Queer | 1. bis 9. Juli 2022 MEHR ZUM FILM i

Eine schonungslose Beobachterin unserer Zeit In ihrem über 150 Bücher umfassenden Werk hat sich Joyce Carol Oates wiederholt und packend der fantastischen Literatur und dem Thriller zugewandt (ZOMBIE, 1995; THE BARRENS, 2001; THE MAN WITHOUT A SHADOW, 2018). Ihren einzigartigen Stil setzt sie auf ungewöhnlich vielseitige Weise ein, sowohl in Bezug auf literarische Genres als auch auf die Formate, die von der Kurzgeschichte bis zum Epos reichen. Bekannt wurde sie mit THEM (1970), einem unerbittlichen Einblick ins Herz des US-Proletariats. Auch in der Folge griff sie auf die Stilmittel von Horror, Gothic-Literatur und Psychothriller zurück, um die soziale und politische Gewalt eines Landes wiederzugeben, das mit seinen Dämonen kämpft. Als schonungslose Beobachterin unserer Zeit lotet sie die Schattenseiten der menschlichen Seele mit einem ebenso rohen wie faszinierenden Realismus aus. BLONDE (2000), eine romantisierte, brutale Biografie von Marilyn Monroe, trägt etwa die Züge einer Schauergeschichte rund um Themen, die der Autorin am Herzen liegen: Frausein, gespaltene Persönlichkeit, geistige Gesundheit und der Bezug zur Realität. Die mit Spannung erwartete Verfilmung dieses wichtigen Werks in der Karriere von Joyce Carol Oates durch den neuseeländischen Regisseur Andrew Dominik soll noch dieses Jahr erscheinen. Nicht nur Horror! MIt «BLOND», einem ihrer erfolgreichsten Büchern, schuff Oates ein eindrucksvolles literarisches Porträt der grössten Hollywood-Legende des zwanzigsten Jahrhunderts: Marilyn Monroe

OPEN AIR © MIGUEL BUENO / NIFFF 2021 Als Gratisevent für die breite Öffentlichkeit umfasst der Programmpuntk des Festivals «New Worlds of Fantasy» Publikumsgespräche, Konferenzen und Autogramm-Sessions mit renommierten SchriftstellerInnen, Comic-AutorInnen, Filmschaffenden und Forschenden aus dem In- und Ausland. Im Zentrum stehen die gegenseitige Befruchtung mit Ideen und das Ausloten von stilistischen Verfahren mit dem Ziel, das erhebliche Potenzial von Narrationsmöglichkeiten besser zu nutzen, die sich aus der Nutzung der neuen Kommunikationstechnologien ergeben. i MEHR ZUM FILM NIFFF 2022 | Neuchâtel International Fantastic Film Festival | Joyce Carol Oates | «New Worlds of Fantasy» | 1. bis 9. Juli 2022

TRAILER Ein Blick hinter die Kulissen einer koscheren Entzugsanstalt eröffnet gleichzeitig eine ungeschminkte Sicht auf eine geleugnete Tragödie. So mancher versteckte sein Heroin neben den Torah-Versen im Kopf-Tefillah. Nun versuchen sie im Kosher Rehab Jerusalems ihrer Sucht zu entkommen, der sie als Söhne chassidischer US- Familien verfallen waren. Eric aus Cleveland, hat den Entzug geschafft und das Rehab gegründet. Er versucht Geld in der jüdischen Orthodoxie zu sammeln, die jedoch nichts von Drogenproblemen wissen will. Eric weiss es besser. Einer seiner Patienten hat zwölf Geschwister, fünf davon sind drogensüchtig.

Anna Oliker, Sie begleiten Ihren Film «Kosher Rehab» zum Yesh!-Filmfestival in Zürich. Wie kam es zu diesem Porträt über ein Drogen-Rehab für chassidische Jugendliche in Jerusalem? Vor vier Jahren starb in meiner orthodoxen Nachbarschaft eine 16-Jährige an einer Überdosis. Sie stammte aus einer netten Familie – alle waren geschockt. Dasselbe passierte wenig später erneut, wieder war es ein orthodoxes Mädchen … Gleichzeitig recherchierte eine befreundete Journalistin für einen Artikel in der «Jerusalem Post» über die versteckte INTERVIEW Doris Senn Drogenepidemie in der orthodoxen Gemeinde. Ich wollte mehr darüber erfahren – nicht zuletzt aus Sorge um meine eigenen Kinder – und habe meine Freundin zu einem Interview mit Eric Levitz begleitet, dem «Boss» des AZ House, das im Zentrum meines Films steht. Wie verlief Ihre erste Begegnung dort? Als ich in Erics Haus kam, fiel mir zuallererst auf, dass er mehr oder weniger allein dort wohnte mit den Jungs. Ich fragte: Wo sind denn deine Helfer, Berater, Psychologen? Und er: Es gibt keine! Aber wie machst du das mit den Behörden, wenn du kein Hebräisch sprichst?, wollte ich wissen – Eric stammt aus Cleveland. Das Haus wird einzig durch Spenden finanziert. So bot ich ihm an zu helfen: als Anwältin oder indem ich ein Video machen würde fürs Fundraising. Daraus entstand dann der Film. Die Jugendlichen in seinem «House» kommen aus orthodoxen Familien, sie sind nicht wirklich vorbereitet für eine andere Welt. Wenn sie zu Eric kommen, haben sie in der Regel keinen anderen Ausweg mehr – einzig den Willen, es besser zu machen, eine bessere Person zu werden. Ich selbst wurde erst mit 24 Jahren orthodox, bin in Russland geboren, wurde säkular erzogen, ging nach Amerika und lebe heute in Jerusalem. Ich weiss, was es heisst, anders zu sein oder gemobbt zu werden. Diese Jugendlichen wachsen auf mit vielen Fragen – und mit diesen gehen sie raus, auf die Strasse. Und dort ist es für sie wirklich gefährlich: Sie finden Heroin, Fethanyl- Pflaster, Methadon – und natürlich Alkohol. Und das alles sehr billig. Sind sie obdachlos, weil sie von ihrer Familie ausgeschlossen wurden, finden sie dort auch Anschluss und Freunde in derselben Situation, wie sie. Wie kommt es, dass Eric, der selbst drogenabhängig war und ursprünglich aus Cleveland stammt, sein Rehab ausgerechnet in Jerusalem führt? Eric kam mit «Birthright» nach Jerusalem – eine Art Bildungseinrichtung, die jungen jüdischen Erwachsenen in aller Welt die Reise nach Israel ermöglicht. Eric traf bei einem Sabbat-Dinner einen Chassidim, dessen Sohn ein Jahr zuvor durch Heroin ums Leben kam. Er wollte zuerst gar nicht glauben, dass dieses Problem in der orthodoxen Community existierte – doch dann bot ihm dieser Mann an, ihn bei einer Einrichtung für Drogenabhängige zu unterstützen. Innert weniger Monate war das Haus voll und wird nun von jungen Männern aus Brooklyn, Lakewood oder Queens, aber auch aus Israel bewohnt!

Stunde runterzubringen, war ein richtiggehendes «Gemetzel»! (lacht) Was waren die grössten Schwierigkeiten während des Drehs? Leuten, denen ich erzählt habe, dass ich einen Film über ein Rehab für Männer drehe, meinten: Du musst total verrückt sein! Aber ich habe bislang nur zwei Filme gedreht: Mein erster Film, «The Unrecognized», handelte von einem Beduinendorf – ein Dorf, beherrscht von Drogendealern, wo ich mich allein unter Männern bewegte und in das sich weder die Polizei noch die Armee vorwagte. Im Vergleich dazu war «Kosher Rehab» ein Klacks. Aber das Schwierigste dabei war wohl, so viel Schmerz zu sehen – und nicht die ganze Zeit zu fragen: Was kann ich tun, damit es dir besser geht? Ihr nächstes Projekt? Am liebsten würde ich aus all dem verbliebenen Material von «Kosher Rehab» eine Serie drehen. Irgendwie habe ich das Gefühl, dass ich noch nicht abgeschlossen habe mit dem Thema. Ich bin immer noch in Kontakt mit den Jungs – es ist also auch eine Art Herzenssache. Ist denn das Drogenproblem grösser in der orthodoxen Gemeinde als in der übrigen Gesellschaft? Ich glaube nicht, aber natürlich hat die Pandemie die Dinge verschärft und die Zahlen exponentiell in die Höhe schiessen lassen. Zudem hat eine religiöse Familie im unmittelbaren Umfeld niemanden, an den sie sich wenden könnte: Hat deine Tochter, dein Sohn ein solches Problem, wird niemand mehr seine Kinder zu dir schicken. Ganz zu schweigen vom Verheiraten – und du hast ja sicher noch andere Kinder … Deshalb werden drogenabhängige Kinder nicht selten aus der Familie verstossen. Was für eine Therapie verfolgt Eric in seiner Einrichtung? Erics Modell basiert auf dem 12-Schritte- Programm der Anonymen Alkoholiker und funktioniert ohne jegliche Therapeuten, Sozialarbeiter oder Putzpersonal. Im Zentrum stehen Selbstdisziplin und Selbstverantwortung, die Jungs müssen das Haus selbst in Schuss halten, was ihnen gleichzeitig eine Tagesstruktur gibt. Es gibt jeden Tag Gruppengespräche, die zur Selbstreflexion anregen sollen, und nach rund drei Monaten müssen sie sich einen Job suchen. Niemand bezahlt für sie – sie müssen sich ihren Unterhalt selbst verdienen! In anderen Kliniken, wo ein Monat zwischen 20’000 und 30’000 Dollar kostet, bleiben sie ein Jahr – und werden dann ohne jegliche Vorbereitung wieder in die Welt geschickt. Die Zahlen sprechen für sich: Wie ist seine Erfolgsquote? Eric hat mit seinem Modell einen Genesungsgrad von 50 Prozent, normale Rehab-Kliniken einen von 5 Prozent. Wie lange haben Sie das Projekt begleitet? Rund drei Jahre war ich dort mehrmals die Woche zum Filmen. Ein paar der Jungs habe ich die ganze Zeit auf ihrer «Reise» begleitet. Ich hatte letztlich rund 280 Stunden Material! Das Ganze während des Editings auf eine

TRAILER Ein berührendes Drama um Angst, Ignoranz und Vergebung: Absolutes Must-see des diesjährigen Yesh! und ebenfalls online zu sehen! Die wütende, unglaublich naive Casey lebt in den Strassen von Los Angeles und arbeitet im Massagesalon. Samuel (Emmy-Preisträger Ed Asner), ein Holocaust-Überlebender, spricht sie auf dem Friedhof an. Obschon sie ihm gleich sagt, wie sehr sie Juden hasse, lädt er sie zu sich ein. Zögerlich gehen die beiden eine Lebensgemeinschaft ein. Er bietet ihr die Unterstützung und Führung, die in ihrem Leben gefehlt hat, sie ihm den Blick auf die Vaterschaft, die ihm viele Jahre zuvor entrissen wurde.

TRAILER Eine Liebesgeschichte in den Wirren des Zweiten Weltkrieges wie man sie bisher noch kaum gesehen hat, ergreifend und wunderbar inszeniert. Ansis malt die Schriften seines Städtchens in der Farbe der lettischen Einheit: Grün. Die Büste des Diktators wird in des Bürgermeisters Büro gebracht. Kriegszeit: Die Nazis herrschen. Ansis malt die Schriften schwarz. Hitlers Kopf kommt ins Büro. Doch bald ist Rot die befohlene Farbe. Stalins Büste wird die Treppe hochgestemmt. Immer dabei: Ansis, der unschuldige Beobachter, der Porträt- statt Schriftenmaler sein möchte und eine Jüdin liebt.

Eine junge Frau hinterfragt dokumentarisch das Erbe ihres Grossvaters, der in leitender Funktion die Aufforstung Israels vorangetrieben hat. Der Film-, Theater- und Opernregisseur Viesturs Kairish wurde 1971 in Riga, Lettland, geboren. Er schloss sein Studium an der lettischen Kulturakademie als Theater- und Filmregisseur ab und begann nach seinem Abschluss als fest angestellter Regisseur am Neuen Rigaer Theater zu arbeiten. Nachdem er einige Produktionen auf der Theaterbühne inszeniert hatte, wurde er von der Lettischen Nationaloper eingeladen, Tschaikowskys Eugen Onegin zu inszenieren. Neben seiner Arbeit auf der Theaterbühne hat Viestur Kairish auch als Filmregisseur gearbeitet und Spiel- und Dokumentarfilme gedreht. Für seine Arbeit erhielt er mehrere Preise und Auszeichnungen, darunter den Spīdola-Preis für einzigartige Leistungen in der Kunst der lettischen Kulturstiftung.

TRAILER Wie lustig darf eine psychische Erkrankung sein? Aviva Armour- Ostroff verarbeitet in «Lune» die Erlebnisse mit ihrem bipolaren Vater. In ihrem zweiten Langspielfilm glänzt die Co- Regisseurin gleichzeitig in der Hauptrolle der bipolaren Mutter, die den Freund ihrer tanzbegeisterten Tochter zur Wahl Mandelas nach Südafrika entführen will, ein Gramm Lithium pro Tag zu sich nimmt, noch etwas mehr Haschisch raucht und dann einem Rabbi eine Wutrede hält – alleine diese Szene lohnt schon den Filmbesuch. Hochkomisch, tragisch und schonungslos.

TRAILER Eine junge Frau hinterfragt dokumentarisch das Erbe ihres Grossvaters, der in leitender Funktion die Aufforstung Israels vorangetrieben hat. Während 35 Jahren vertrat Yosef Weitz, der ‹Baumpflanzer Israels›, den Jewish National Fund, der mit blauen Büchsen die Shekel sammelte, denen die Wälder Israels entsprangen. Je mehr Shekel, desto mehr Bäume, desto mehr Vertriebene. Weitz verfolgte diesen Mechanismus mit wachsender Besorgnis, beklagte die Ignoranz der Regierung und trat aus dem JNF aus. Seine Enkelin konfrontiert sich und ihre Mischpoche unerbittlich mit der Frage, ob Yosef Wohltäter oder Schuldiger, Held oder Versager war.

TRAILER Das Schöne am Andern sei, dass man nichts über ihn, jedoch viel über sich selbst erfährt! Adolf Muschg, nach Frisch und Dürrenmatt der bedeutendste Schweizer Intellektuelle, schrieb sich in die vordersten Ränge der Literatur. Das dokumentarische Porträt von Regisseur Erich Schmid folgt Muschg nicht nur auf seinem Werdegang, sondern auch auf den Spuren seines letzten Romans «Heimkehr nach Fukushima» ins verstrahlte Japan und ins Zen- Kloster. Mit Humor und Offenheit führt Adolf Muschg mit persönlichem Kommentar durch den Film.

WETTBEWERB Gewinne 5 x 2 Tickets Zum Film Adolf Muschg, nach Frisch und Dürrenmatt der bedeutendste Schweizer Intellektuelle, schrieb sich in die vordersten Ränge der Literatur. Er war ETH-Professor und präsidierte die Akademie der Künste in Berlin. Der biografische Film folgt den Spuren seines Romans Heimkehr nach Fukushima ins radioaktive Gebiet, aber auch ins japanische Zen-Kloster, wo er sein Anderes gesucht hatte, um das Fremde besser zu verstehen. Der Start ins Leben war schwer. Sein Vater starb früh, die Mutter war depressiv. Als Halbwaise durchlief er das Internat, studierte in Zürich und Cambridge, lehrte in Tokio, Göttingen und an der Cornell University in den USA, wo er in den Aufbruchjahren von 1967-69 («Vietnam», «Woodstock») politisiert wurde.

TRAILER Das Festival, unter neuer Leitung, ehrt die niederländische Filmemacherin Heddy Honigmann Das 11. Bildrausch – Filmfest Basel steht neu unter der künstlerischen Leitung von Susanne Guggenberger und ehrt die niederländisch- peruanische Filmemacherin Heddy Honigmann mit einem Tribute. Zu sehen sind vier ihrer filmischen Meilensteine aus den Jahren 1988 bis 1999. Der Programmfokus «Wunder» wiederum spielt mit der Doppeldeutigkeit, die sich um den letzten Buchstaben R des Titels ergibt – es geht um Wunden und Wunder der menschlichen Existenz.

HEDDY HONIGMANN (1951–2022) Bildrausch-Tribute an Heddy Honigmann Die Filmemacherin Heddy Honigmann hat Generationen von Dokumentarfilmer:innen geprägt. Die 70-Jährige zählte zu den Grossen des niederländischen Kinos und stand für ein humanistisches Filmschaffen, das sich um die Kraft der Erinnerung und den unbedingten Willen zu leben drehte. Das Bildrausch-Tribute umfasst mit je zwei Spiel- und Dokumentarfilmen vier Schlüsselwerke aus den Jahren 1988 bis 1999. Sie spannen den Bogen von einer leidenschaftlichen Affäre in Amsterdam über das Schicksal eines alternden holländischen Paares in Neuschottland bis hin zu widerständigen Taxifahrern in Lima und den UN- Friedenstruppen auf den Kriegsschauplätzen dieser Welt. Nachdem Heddy Honigmann schwer erkrankte und dieses Jahre verstarb, werden ihre Produzent:innen Suzanne van Voorst und Pieter van Huystee anwesend sein.

PROGRAMMFOKUS «WUNDER» Im Fokus WUNDER geht es um ungeahnte Widerstandskräfte. Die Filme «Gentle» (Ungarn, Deutschland 2021), «Geographies of Solitude» (Kanada 2022), «Hot in Day, Cold at Night» (Südkorea 2022) und «Republic of Silence» (Syrien, Deutschland, Katar, Frankreich 2021) könnten unterschiedlicher nicht sein. Doch teilen sie eine tiefe Hingabe an das Leben. Wunder passieren, selbst am Rande des Abgrunds. Filmstil aus: «Geographies of Solitude» Der Film ist ein Eintauchen in die reiche Landschaft von Sable Island und in das Leben von Zoe Lucas, einer Natur- und Umweltschützerin, die seit über 40 Jahren auf diesem abgelegenen Sandstreifen lebt.

Filmstil aus: «Gentle - Szelíd» | Edina (Eszter Conska) ist Bodybuilderin und wird von ihrem Freund Adam (György Turós) trainiert. Um ihr Ziel zu erreichen, muss Edina eine ganze Liste von Medikamenten und Präparaten schlucken, die ihren Körper an ihre Grenzen stösst. Da die beiden nicht genug Geld haben für die Hilfsmittel, lässt sich Edina auf eine Agentur ein. Diese vermittelt sie an Männer, die sexuelle Fantasien mit Bodybuilderinnen haben. Dabei lernt sie einen Mann (Csaba Krisztik) kennen, der ihr eine romantischere, liebevollere Welt aufzeigt als ihre gewöhnliche mit Adam, in der sie sich zunehmend gefangen fühlt.

Susanne Guggenberger, Künstlerische Leiterin Bildrausch – Filmfest Basel; Samuel Steinemann, Direktor | Fotos © Piotr Zumala, 2022 «Ich möchte mit dem Programm auf den gegenwärtigen Moment fokussieren. Was machen die Filme mit uns? Was berühren sie? Die Welt ausserhalb des Kinos und innerhalb Europas ist erschüttert. Über Filme Gemeinsamkeiten während des Festivals vor Ort zu erkunden, schafft neue Möglichkeiten in uns. Und die brauchen wir dringend. Im Fokus WUNDER und in den Werken von Heddy Honigmann liegen Abgründe und die Hingabe ans Leben eng beieinander. Mich faszinieren diese Strömungen, die dadurch sichtbar werden, weil wir einzelne Filme miteinander in Beziehung treten lassen. Ich freue mich, dass wir neue Spielstätten für das je passende Programm gewinnen konnten und einige Filme in barrierefreien Fassungen anbieten werden.» Susanne Guggenberger TRAILER Bildrausch – Filmfest Basel 2022 | 22. bis 26. Juni 2022 MEHR i

ARTTV MITGLIEDEREINLADUNG «Blumen für die Kunst» ﬁndet erstmals im Frühsommer statt. Die achte Ausgabe des beliebten Kunstevents startet exakt zur Sommersonnenwende und läutet den Sommer im Aargauer Kunsthaus ein. 14 florale Interpretationen von klassischen bis zeitgenössischen Werken der Sammlung nehmen den Dialog zwischen Floristik und Kunst auf. Dieser inszeniert erstmals die sommerlichen Blütenfülle mit ihren frischen Düften und Farben. Beteiligt sind 16 Floristen und Blumenkünstlerinnen aus der ganze Schweiz sowie zwei Stargäste aus Barcelona. Visual 2022 Die florale Komposition für das Visual 2022 zum Werk Octave (Salto mortale 10) von Ilona Ruegg haben Rolf Wyttenbach und Stefan Friederich geschaffen. Die Zürcher Meisterfloristen sind zum dritten Mal beim Projekt Blumen für die Kunst dabei. Die beiden Blumengestalter waren vor allem von der Dreiteiligkeit, der pixelartigen Struktur und den Farben des zeitgenössischen Werks angetan. Es zeigt eine Trapezkünstlerin in höchster Konzentration just im Moment, bevor sie zu einem Salto mortale ansetzt. Die Gestaltungselemente des Gemäldes übertrugen die Floristen in eine hängende Installation mit Aststückchen von verschieden farbigen Gehölzen – eine ebenso abstrakte wie sinnliche Arbeit. Die verwendeten Aststücke schillern in einem breiten Farbspektrum von Türkis über Grün bis Tiefrot und verströmen einen intensiven Duft. Vorsommerliche Blüten und Düfte Die Räumlichkeiten des Aargauer Kunsthauses warten mit 14 floralen Interpretationen zu Werken der Sammlung und der aktuellen Ausstellung auf. Beteiligt sind Schweizer (Meister-) Florist:innen aus allen Landesteilen sowie zwei Stargäste aus Spanien. Anders als in den bisherigen Frühlingsausgaben werden die Farben und Düfte von vorsommerlichen Blüten die floralen Kompositionen prägen.

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Film des Monats | One of these days

Meisterhaft | Utama

Besondere Empfehlung: El buen patron

Kontrovers: Tromperie

NIFFF | Pierre Yves Walder

NIFFF | Scream Queer

NIFFF | Joyce Carol Oates

Yesh! Kosher Rehab

Interview

Yesh! | Tiger Within

Yesh! | The Sign Partner

Yesh! | Lune

Yesh! | Blue Box

Schweizer Kino | Adolf Muschg

Bildrausch Basel

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