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CLICK CINEMA AUG22
Editorial
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Fokus Schweizer Film
Interview Lesia Kordonets
Kontrovers
Pro & Contra
Locarno - Piazza Grande
Semret
Interview Caterina Mona
Bullet Train
Where the Crawdads Sing
Une femme de notre temps
My Neighbor Adolf
Alles über Martin Suter. Ausser die Wahrheit
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Impressum

Liebe CLICK CINEMA Leser:innen Es ist Sommer und zahlreiche Open Air Kinos bringen wieder eine weitere Qualität des Films zum Vorschein. Denn gibt es etwas Schöneres, als nach einem heissen Sommertag den Abend gemeinsam mit einem Film unter freiem Himmel zu geniessen? Mein persönlicher Favorit ist das Zürcher Open Air Kino von Xenix, auch in diesem Jahr ist durch ihre sorgfältig programmierte Filmauswahl für jede:n etwas dabei. Wer es aber eine Spur glamouröser mag als auf dem Helvetiaplatz, dem empfiehlt sich ein Ausflug auf die sagenhafte Piazza Grande in Locarno. Seine zweite Festivalausgabe gestaltet der künstlerische Leiter des Festivals Giona A. Nazzaro erneut im Zeichen des Genrekinos. Brad Pitt prügelt sich in seinem neuen Actionfilm «Bullet Train» durch die Zugabteile eines Hochgeschwindigkeitszugs, (seinen wir ehrlich, wer ist in Anbetracht eines übervollen Zugabteils nicht auch schon mal dieser Gewaltfantasie erlegen?), Udo Kier ist in der Komödie «My Neighbor Adolf» als vermeintlicher Adolf Hitler zu sehen und das Zürcher Sozialdrama «Semret» schafft es ganz unerwartet auf die grosse Leinwand des Locarno Film Festivals. Unser Filmjournalist Geri Krebs hat die Regisseurin Caterina Mona interviewt und ihr frech die Frage gestellt, wie es dazu kam. Dass Film aber nicht auf seinen Unterhaltungswert zu reduzieren ist, sondern erst dann sein volles Potenzial ausschöpft, wenn er zu einem Zeitdokument wird, das zeigt der Schweizer Dokumentarfilm «Pushing Boundaries» von Lesia Kordonets. Mutig begibt sie sich nach der Krimannexion 2014 in ihre alte Heimat und begleitet das paralympische Nationalteam bei ihren Vorbereitungen auf die Spiele Rio de Janeiro – doch wie soll das gehen, wenn das Trainingszentrum im russisch okkupierten Gebiet liegt? In meinem Interview mit der Regisseurin wird klar, welche Schrecken sich bereits damals abzeichneten und heute traurige Realität sind. Doch verrät sie uns auch, was jede:r Einzelne für die Ukrainer:innen tun kann! Ich lade Sie ein, diese wirklich kluge und zuversichtliche Person im Gespräch kennenzulernen. Einen abwechslungsreichen Filmsommer wünscht Ihnen Silvia Posavec, Filmredaktion arttv.ch

Il Buco | Synopsis Im Jahr 1961, als der weltweite Wirtschaftsboom in Italien in vollem Gange war, widmeten sich Giulio Gècchele und seine junge Höhlenforschungsgruppe aus dem Piemont einem völlig freien Akt. Entgegen dem Trend des unaufhaltsamen Aufstiegs in den Himmel begannen sie eine speläologische Expedition, die damit endete, dass sie in eine Nische, ein Loch, einen Riss in der Erde kletterten und bis in eine Tiefe von etwa 700 Metern unter der Erde hinabgingen. Am Fusse der italienischen Halbinsel entdeckten sie die zweittiefste Höhle der Welt, den Bifurto Abyss. Dieser Rekord war sogar den Forschern selbst unbekannt. In denselben Monaten wurde der monumentale Pirelli-Wolkenkratzer, ein schwindelerregendes Beispiel zeitgenössischer Architektur, fertig gestellt. Das Gebäude wurde in den Nachrichten und in den Medien breitgetreten und wurde schnell zu einem auffälligen Symbol dafür, dass Italien das höchste vertikale Ziel erreicht hatte. Die Entdeckung der Höhlenforscher wurde jedoch nicht publik gemacht und blieb so obskur wie die dunkle Unterwelt, in der sie fertiggestellt wurde.

REZENSION GERI KREBS Der 1968 in Milano geborene Michelangelo Frammartino ist einer jener Regisseure, die seit zwanzig Jahren die – heute gerade bei jungen Cineast:innen so beliebte – totale Verwischung zwischen Dokumentarischem und Fiktionalem betreibt. Und er ist einer, dessen Filme man vor einigen Jahren wohl mit dem Etikett «Radical Cinema» versehen hätte. Und er hat damit beachtliche Festivalerfolge: Locarno, Cannes, Venedig – das sind die Stationen seines gerade mal drei lange Kinofilme umfassenden schmalen Oeuvres. Gemeinsam ist den drei Filmen, dass sie alle in dem ländlichen Kalabrien angesiedelt sind, aus dem seine Eltern einst in den 1960er-Jahren ins prosperierende Norditalien emigrierten. Ging es im 2003 entstandenen «Il dono» um einen Greis und ein behindertes Mädchen in einem vom Aussterben bedrohten Dorf, so stand 2010 in «Le quattro volte» ein todkranker, uralter Ziegenhirte im Zentrum. In Bildern von ätherischer Schönheit war in beiden Filmen die Natur die eigentliche Protagonistin – und die Dialogpassagen hätten wohl auf einem A4 Blatt Platz gefunden. Das gilt nun auch für «Il buco». 687 Meter Tiefe Der Film ist ein direktes

vom berühmten Tessiner Kameramann Renato Berta akribisch ins Bild gesetzt werden, wiederholt mit Archivmaterial über den Bau des Pirelli- Hochauses in Milano. Mit 132 Metern Höhe war es damals das höchste Gebäude Italiens und sein Bau fiel genau in jene Zeit, in der am anderen Ende Italiens die Männer im tiefsten Kalabrien in bis dahin unbekannten Tiefen forschten. Fazit: «Il buco» verlangt einem einiges an Geduld ab, aber er lohnt sich schon allein wegen der Art und Weise, wie Kameramann Renato Berta sein Können beweist. In den Szenen aus der Höhle schafft er es, die Abwesenheit des Lichts so darzustellen, dass die Dunkelheit Form und Tiefe bekommt und «Il buco» zu einem ästhetischen Ereignis wird. Unbedingt im Kino anschauen! Fortsetzungsprojekt von «Le quattro volte», denn das titelgebende «Loch» und seine Geschichte entdeckte Frammartino 2010 in der Gegend während der Endphase der Dreharbeiten zu jenem Film. Die Geschichte ist die des Bifurto- Abgrund am Monte Pollino, eine erst 1961 von Höhlenforscher:innen aus dem Piemont entdeckte und darauf nach und nach kartografierte Höhle, die mit 687 Metern Tiefe weltweit einzigartig ist. Sechzig Jahre nach dieser Entdeckung lässt Frammartino nun den Prozess der Erforschung von heutigen jungen Höhlenforscher:innen minutiös nachspielen – und zwar so, dass man sich wiederholt fragen muss: Ist das ein Dokumentarfilm oder ein Spielfilm? Das höchste Gebäude Italiens Doch das ist, wie erwähnt, bei Frammartino Programm. Und verglichen mit den beiden Vorgängerfilmen ist «Il buco» geradezu ein Action-Film. So lässt er es dieses Mal nicht allein beim Betrachten des Lebens auf und unter der Erdoberfläche bewenden, sondern er kontrastiert diese Aufnahmen, die

TRAILER Weiter Stimmen zum Film «‹Il Buco› ist das genaue Gegenteil einer Bergbesteigung: Es ist eher eine Mondmission – und doch auch das Gegenteil davon: eine Reise ins Innere, in eine dunkle, unerkennbare Welt unter unseren Füssen, die durch ein seltsames Loch zugänglich ist.» – Peter Bradshaw, The Guardian | «Die grösste Kunst in ‹Il Buco› liegt im Licht, das er erzeugt; das unheimliche, grelle Leuchten auf der zerklüfteten Oberfläche der Höhle hinterlässt eine eindringliche Erinnerung, einen malerischen Eindruck, der die Grossartigkeit der Idee des Films übertrifft.» – Richard Brody, The New Yorker MEHR ZUM FILM Il buco | Regie: Michelangelo Frammartino | Dokumentation | 93 Minuten | Italien, Frankreich und Deutschland, 2021 | Verleih: Xenix i

WETTBEWERB Gewinne 5 x 2 Tickets Hit the Road | Synopsis Das Roadmovie einer aussergewöhnlichen Familie zu einem geheimen Ort. Auf dem Rücksitz hat der Vater ein gebrochenes Bein, aber ist es wirklich gebrochen? Die Mutter versucht zu lachen, wenn sie sich das Weinen nicht verkneifen kann. Das Kind stimmt immer wieder ein einstudiertes Karaokestück an. Alle machen sich Sorgen um den kranken Hund und regen sich gegenseitig auf. Nur der geheimnisvolle grosse Bruder schweigt.

REZENSION MADELEINE HIRSIGER Wir befinden uns am Rande einer spärlich befahrenen Autobahn in der Wüste, irgendwo nahe der Grenze im Norden Irans. Ein Klavierstück von Schubert, das ein kleiner Junge imaginär auf dem Gipsbein seines Vaters «spielt», wo ein paar Tasten drauf gemalt sind, führt uns in die Geschichte ein. Es ist heiss. Auf dem Hintersitz des geliehenen Autos der 6- jährige Wirbelwind, sein grummeliger Vater mit Gipsbein, am Steuer der wortkarge grosse Bruder, neben ihm die Mutter. Und dann nochmals die Frage: Hat wirklich niemand mehr ein Handy auf sich? Mit dieser Frage wird der Ton gesetzt, der sich durch den Film zieht, der ältere Bruder – ein junger Mann – soll aus dem Land gebracht werden. Um das Geld für den Schlepper zu besorgen, hat die Familie ihr Haus verpfändet. Es liegt eine latente Gefahr in der Luft, man hat das Gefühl, dass jeden Moment etwas passieren könnte. Ein besonderer Roadtrip Mit Schuld daran ist der quirlige, nicht zu bremsende, kreative kleine Bruder – eine pure Nervensäge, den man auch mal an einen Baum binden muss, damit er nicht rumrennt und alles durcheinanderbringt. Schreien kann er aber alleweil. Es sind wunderschöne, ruhige Bilder, die den Film von Panah Panahi prägen. Manchmal sind es Plansequenzen, also fixe Einstellungen, und man hat das Gefühl, der Regisseur lasse die Schauspieler frei interpretieren. Das schafft Authentizität. Die Geschichte, die sich vorwiegend im Auto abspielt, wird immer wieder mit Nebengeschichten bereichert. So überholt die Familie eine Radfahrergruppe, touchiert versehentlich einen Nachzügler, den sie dann – leicht verletzt – im Auto mitnehmen. Der Velofahrer ist ein grosser Fan von Lance Amstrong und lässt nichts über ihn kommen, auch wenn der Vater meint, der sei ein gedopter Betrüger gewesen. Von Helden und fremden Galaxien Auch dem Kino wird Ehre gezollt, wenn die Mutter den Sohn fragt, welches für ihn der beste Film der Welt sei: «2001: A Space Odyssey », weil er einen entspannt und man in die Galaxien eintaucht. Und «Batman» ist das Grösste für den kleinen Wirbelwind. Dann: Von einem Mann auf einem Moped mit bedecktem Gesicht bekommt die Familie Instruktionen. Die immer grüner werdende Landschaft versinkt im Nebel, sie verfahren sich,

treffen später den Kontaktmann. Ihr Sohn wird mitgenommen – in Quarantäne, wie es heisst. Er werde wieder zurückgebracht, um sich zu verabschieden, wird dann aber nicht mehr gesehen. Dem kleinen Bruder, der schon immer wissen wollte, wohin die Reise geht, sagt man schliesslich, Der Sohn des grossen Vaters Panah Panahi tritt mit seinem ersten Spielfilm in die Fussstapfen seines berühmten Vaters Jafna Panahi. Dieser wurde 2010 als Regimekritiker verhaftet und für 20 Jahre mit einem Berufs- und Reiseverbot belegt. Er hat aber einen Weg gefunden, weiterzuarbeiten: seine Geschichten spielen in Häusern oder in fahrenden Autos, wie zum Beispiel «Taxi Teheran», wo er selbst den Taxichauffeur spielt. Dieser Film wurde aus dem Land geschmuggelt und gewann 2015 an der Berlinale den Goldenen Bären. Es sind die verschiedenen, unaufgeregten Geschichten, gute Dialoge und immer wieder wunderbare Schauspieler, die diese Filme zum internationalen Erfolg verhelfen. Diesem Prinzip ist auch Panah Panahi gefolgt. Fazit: Es ist eine spannende, gut in Szene gesetzte Flucht-Geschichte eines jungen Mannes, der in seinem Land keine Zukunft mehr sieht. Dem 38-jährigen Regisseur gelingt mit seinem Erstling «Hit the road» der Eintritt in die iranische – und internationale Filmszene, auch wenn man noch die Handschrift seines Vaters spürt. sein Bruder hätte sich aus dem Land geschlichen, um zu heiraten. Neue alte Musik Neben den Melodien Schuberts sind es die wunderbaren, schnulzigen und vor allem populären Liebes-Heimat- Landschaftslieder aus der Zeit vor der Revolution (1979), die den Film prägen. Sie erinnern an die Zeit bevor iranische Mullahs alles Weltliche verboten haben. Er habe ein Gegenstück zur heutigen desolaten Situation der iranischen Musik setzen wollen, denn das Regime toleriere solche Songs längst nicht mehr, sagt Panah Panahi. Sie wurde von Künstler:innen neu interpretiert und aufgenommen, die damals ins Ausland geflohen waren.

TRAILER Hit the Road | Weitere Stimmen «Regisseur Panah Panahi, Sohn vom Filmemacher Jafar Panahi, beweist in diesem aufsehenerregenden Debüt ein feines Gespür für absurde Situationskomik genauso wie für dramatische Momente.» – ZFF | «Unvergesslich, erschütternd, urkomisch … ein wunderbarer Erstlingsfilm.» – IndieWire MEHR ZUM FILM i Hit the Road | Regie: Panah Panahi | Drama | 94 Minuten | Iran, 2021 | Verleih: Filmcoopi¨ Kinostart Deutschschweiz: 11. August 2022

Benjamin Voisin, François Ozons Schauspielentdeckung aus «Été 85» übernimmt die Hauptrolle in einer epochalen Balzac- Verﬁlmung. Der französische Regisseur Xavier Giannoli stellt sich mit «Illusions perdues» der enormen Herausforderung, die Kernerzählung der gleichnamigen Buchtrilogie von Honoré de Balzac auf die grosse Leinwand zu bringen. Bereits in seinen letzten Filmen zeigte der studierte Literaturwissenschaftler eine Vorliebe für Adaptionen. Mit dem Historienfilm betritt er nun Neuland und holt sich neben Voisin niemand Geringeren als den Quebecer Kult-Regisseur Xavier Dolan in einer Nebenrolle vor die Kamera.

WETTBEWERB Gewinne 5 x 2 Tickets Illusions perdues | Synopsis Lucien ist ein junger, unbekannter Dichter im Frankreich des 19. Jahrhunderts. Er hat grosse Ambitionen und will sich ein besseres Leben aufbauen. Fest entschlossen lässt er die Buchdruckerei seiner Familie in der heimatlichen Provinz hinter sich, um am Arm seiner Gönnerin sein Glück in Paris zu versuchen. In der aufregenden Stadt ist der junge Mann bald auf sich allein gestellt. Er bekommt Einblick hinter die Kulissen einer Welt, die sich dem Gesetz des Profits und des Scheins verschrieben hat. Eine Gesellschaftskomödie, in der alles käuflich ist und gehandelt wird: Literatur und Medien, Politik und Emotionen, Reputation und die Seele. Er wird sich verlieben, er wird verletzen und er wird seine Täuschungen überwinden.

Illusions perdues | Stimmen «Der Erfolg von ‹Illusions Perdues› ist zum grossen Teil auf die grossartige Besetzung zurückzuführen. Benjamin Voisin (der Star aus «Été 85») ist ein hervorragender Lucien, der den zunehmenden Geltungsdrang der Figur verkörpert, ohne dabei die jungenhaften Fantasien aus den Augen zu verlieren, die sie antreiben.» – Lovia Gayarkye, The Hollywood Reporter | «[Die] rasante Balzac-Verfilmung erinnert daran, dass Fake News nichts Neues sind.» – Peter Deburge, Variety i MEHR ZUM FILM Illusions perdues | Regie: Xavier Giannoli | Historienfilm, Drama, Biopic | 149 Minuten | Frankreich, 2021 | Verleih: Pathé Films TRAILER

Eine inspirierende Filmreise, die von Mut, Widerstand und Sportsgeist entgegen aller Widrigkeiten erzählt. Der Schweizer Dokumentarfilm begleitet fünf ukrainische Athlet:innen des paralympischen Teams, die täglich ihre physischen und psychischen Grenzen ausloten, während im Zuge der Krim-Annexion 2014 die politischen Grenzen hin- und hergeschoben werden. Wird es ihnen gelingen, sich unter diesen neuen historischen Geschehnissen für die nächste Paralympiade zu qualifizieren? arttv.ch hat die Regisseurin des Films, Lesia Kordonets zum Interview getroffen.

Pushing Boundaries | Synopsis Pushing Boundaries war der Slogan der paralympischen Spiele im Russischen Sotschi. Während der völkerverbindenden Wettkämpfe setzten die Russen den Slogan militärisch um und annektierten die Halbinsel Krim. Damit verlor das Ukrainische Team über Nacht den Zugang zu ihrem neuen Trainingszentrum auf der Krim. Für den Leiter des Nationalteams ein schwerer Schlag: er hatte das Zentrum über Jahre aufgebaut und sein Team an die Weltspitze des Behindertensports gebracht. Doch durch das Amputieren der Landesterritorien wird das Training für das Team zur grossen Herausforderung und die Grenze zwischen Sport und Politik verschwommener.

Wie ist die Filmidee zu «Pushing Boundaries» entstanden? Mein Ausgangspunkt war die Krim- Annexion 2014. Da wurden die Grenzen eines souveränen Landes verletzt. Das Gefühl war damals: Die Büchse der Pandora wurde geöffnet. Jetzt kann alles passieren, es gibt keine Hürden mehr für diese Regierung in Russland. Die Invasion fand zeitlich zwischen der Olympiade und der Paralympiade in Sochi statt, als die ganze Welt Russland als Gastgeber feierte. Dieser Gastgeber wurde aber zum Aggressor. Ich wusste, dass das ukrainische Nationalteam ihr Trainingszentrum auf der Krim hat. Und es war sehr dramatisch zuzusehen, wie das Team vor Ort in Sotschi schockiert versucht zu demonstrieren, aber allen anderen war es wichtiger, dass das Fest weitergeht, denn: The show must go on … Das Ausmass der Situation wurde unterschätzt. In diesem Moment ist bei mir der Wunsch entstanden, diese Menschen ein Stück weit zu verfolgen, bei ihrem Training und im Alltag bis zu den nächsten Paralympischen Spielen in Rio de Janeiro 2016. Ihre Protagonist:innen kannten Sie also zuerst aus den Medien, wie haben Sie sie ausgewählt? Das Team selbst hat mich schon früher interessiert. Sie sind mir bei den Spielen in London aufgefallen und davor auch in Peking – weil sie so gut waren, im Gegensatz zum olympischen Team! Der Kontrast war für mich so unerklärlich: Sie waren erfolgreich, aber in den Medien nicht so bekannt. Mir war bewusst, dass sich in den Geschichten der paralympischen Athlet:innen der aktuelle historische Kontext widerspiegeln würde. Als Setting hatte ich immer so ein Kausalitätsdreieck im Kopf: die Krimannexion, der Donbas-Krieg und die Binnenflüchtlinge. Nach der russischen Invasion waren das alles neue Erscheinungen für die Ukraine, alle mussten sich damit irgendwie noch zurechtfinden. Deswegen hatte ich eine Art inneres Raster und wusste, nach welchen Protagonist:innen ich suche. Bei meiner Recherche habe ich viele Athlet:innen kennengelernt und habe dann entsprechend die ausgewählt, die dieses Schicksal tragen. War es schwer, sie davon zu überzeugen, mitzumachen? Nein, eigentlich nicht. Von Anfang an waren alle mit dabei. Aber wahrscheinlich ist es im Laufe der Dreharbeiten zu einigen Überraschungen mit den Sportler:innen gekommen, oder? Sicher! Bei zwei wusste ich bis zuletzt nicht, ob sie im Film bleiben können, es gab überraschende Wenden in ihren Leben, Aber ich möchte den Film nicht spoilern, deswegen erläutere ich es nicht näher. Grundsätzlich muss man sich möglichst gut vorbereiten, aber trotzdem darauf gefasst sein, dass alles anders kommen kann. Es gab ständig irgendwelche Überraschungen während des Drehs. Wir sind in heikle Situationen geraten und wurden nur durch Glück nicht festgenommen! Wie lange haben Sie am Film gearbeitet? Von der Idee bis zur Premiere waren es sechs Jahre. Die Schnittphase war für mich psychologisch schwieriger als der Dreh. Obwohl ich immer gedacht habe, dass die Drehphase die grössere Herausforderung sein wird. Ich musste am Anfang diese Drehzugänge schaffen, sei es im

ukrainischen Sportministerium, in den kriegsnahen Regionen und auf der okkupierten Krim oder selbst an den Paralympischen Spielen in Rio. Ein Jahr lang war ich auf einer Nonstop-Expedition zwischen verschiedenen Städten und Ländern. Als Dokumentarfilmemacher ist man für die umgebende Realität sehr empfänglich, man ist wie eine Antenne, die alle Vibrationen durch sich laufen lässt. Was wir erlebt haben, hat tiefe Abdrücke bei mir hinterlassen. Als ich nach dem Dreh wieder in der Schweiz war, dachte ich, ich sei zurück im sicheren Hafen: Ich schlafe wieder auf einer guten Matratze, ich hab guten Kaffee und auch Leute um mich, die ich immer etwas fragen konnte. Aber trotzdem war die Schnittphase viel schwieriger für mich. Welche Rolle spielt es für Sie, dass Sie als Regisseurin in der Schweiz wohnen und wäre der Film auch entstanden, wenn Sie in der Ukraine leben würden? Die kurze Antwort ist: wahrscheinlich nicht. Obwohl ich kann das nicht ganz beurteilen. Ich denke aber, die geografische Distanz hat mir eher geholfen, die Geschichte aus einer anderen Perspektive zu erzählen. Und trotzdem war der Schnitt schwieriger als die Dreharbeiten in der Ukraine … Ja. Denn es ist eine Herausforderung, ein Multi-Porträt-Film zu schneiden, in dem verschiedene Erzählstränge und Spannungsbögen ausbalanciert werden müssen. Ich wollte nicht nur die sportliche Entwicklung der Protagonist:innen erzählen, sondern auch das Private– samt des komplexen Umfelds – miteinbinden. Denn die internationalen Zuschauenden müssen den Konflikt jeder der Personen verstehen. Ich als Ukrainerin habe ganz anderes Hintergrundwissen. Seit Februar 2022 weiss man vielleicht ein bisschen mehr über die Ukraine, aber davor konnte ich davon ausgehen, dass man nicht so viel gehört hat. Hauptsächlich ist es aber ein Film über Sportler:innen, die sich auf die nächsten Paralympischen Spiele vorberieten – es geht also um Menschen mit Behinderungen. Ich ﬁnde, Sie haben da einen sehr intuitiven und offenen Zugang zum Thema entwickelt. Haben Sie sich darüber viele Gedanken gemacht? Also, dass sie Menschen mit Behinderungen sind, habe ich nach einer Woche vergessen. Sie sind keine Menschen mit Behinderung, sondern Menschen, die behindert werden. Für sie ist es ja normal, nur für uns ist es irgendwie nicht normal, dass an ihren Körpern etwas nicht so ist, wie bei einem ‹klassischen› Körper. Aber für sie ist es wie die Augenfarbe, jeder hat eine andere. Und diese Haltung habe ich übernommen. Ich glaube, jede:r Regisseur:in strebt es an, mit seinen Protagonist:innen auf Augenhöhe zu sein. Ich habe mit jedem von ihnen circa zwei Monate verbracht. Wenn ich etwa mit Roman aus Donetsk im Flüchtlingsheim gedreht habe, war es mir wichtig, dass ich dann auch dort übernachte und nicht in einem Hotel. Ich wollte ein stückweit ihren Alltag leben und mich darin auflösen. Daraus entsteht wahrscheinlich auch das Gefühl, dass die Behinderung der Protagonist:innen nicht im Vordergrund steht. (Kurze Pause) Obwohl rein symbolisch spielt es eine Rolle, dass die Geschichte durch das paralympische und nicht etwa durch das olympische Team erzählt wird. Denn wenn man die Ukraine betrachtet, ist sie mit der annektierten Krim auch ein amputiertes

Land. Es steht also die Frage im Raum, wie man mit diesen «Phantomschmerzen» umgeht. Was tun, wenn «Körperteile», nicht mehr da sind, so beispielsweise auch das Trainigszentrum, das den Athleth:innen nicht mehr zur Verfügung steht? Wie geht es denn Ihren Protagonist:innen heute, sind sie in Sicherheit und haben alle den Film gesehen? Eben nicht! Diesen Frühling sollte die ukrainische Premiere sein, wir waren auf zwei ukrainischen Festivals eingeladen. Aber keine der Veranstaltungen fand aus bekannten Gründen statt. Das ist sehr traurig, wir haben uns so darauf gefreut, wieder zusammenzukommen und mit dem Publikum den Film auf der grossen Leinwand zu geniessen. Aber jetzt weiss ich nicht einmal, wann und ob ich meine Protagonist:innen alle zusammenbekomme. Einer der Personen ist es gelungen, trotz anhaltender Kämpfe in Süden auf die Halbinsel zu ihrer Familie zu gelangen. Der ehemalige Flüchtling aus Donetsk wohnt in Odessa, eine Stadt, die ja auch nicht zu 100 % sicher ist. Über Anton, den Mann aus Mariupol weiss man leider nichts. Fünf Wochen nach Kriegsbeginn war er kurz mit seinem Trainer im Kontakt. Da waren schon alle erleichtert, dass er noch am Leben ist. Aber jetzt ist wieder Funkstille. Das sind sicher Dimensionen, die Sie sich vor Drehbeginn noch nicht vorstellen konnten. In welchem Verhältnis stehen Sport und Politik für Sie? Ich glaube, es existiert nichts ausserhalb von Politik, besonders grosse Sportereignisse nicht! Aber Freiheit ist keine Politik, sondern ein Grundrecht. Auch Krieg ist keine Politik, es ist ein Verbrechen. Wie gehen Sie persönlich damit um, dass der Krieg immer weiter zu eskalieren scheint und kein Ende in Sicht ist? Am Anfang bin ich morgens immer mit Tränen in den Augen aufgewacht. Ich hatte einfach Angst, die Nachrichten zu lesen und zu erfahren, dass Kyiv eingenommen wurde oder dass das Land so nicht mehr existiert. Für die Ukrainer:innen im Ausland ist es ein schizophrener Zustand. Einerseits siehst du überall Menschen, die nicht vom Krieg betroffen sind, die ihr Leben leben – und du selbst lebst im Grunde auch so. Aber gleichzeitig hört man von den schlimmen Dingen in der Heimat. Aber es wäre auch falsch zu sagen: Hey Leute, ihr dürft euch jetzt nicht freuen! Denn es ist wichtig, ein Stück Normalität beizubehalten. Das versuchen auch die Menschen in der Ukraine. Sie sagen: «Wir lassen uns von diesem Krieg unseren Alltag nicht rauben.» Das ist eine Art und Weise, wie man funktionsfähig bleibt, auch für den Widerstand. Aber hier im Westen ist es wichtig, dass die Alltags-Routinen nicht zum Mittel der Verdrängung wird. Ich befürchte, dass sich da eine gewisse Müdigkeit abzeichnet. Beispielsweise im Vergleich zu den ersten Wochen, in denen noch grosse Demonstrationen überall stattfanden. Mittlerweile ist der Krieg für viele ein Hintergrundrauschen aus den Medien geworden. Wir dürfen aber nicht vergessen, dass dieses Verbrechen keine Sekunde in diesen fünf Monaten gestoppt hat. Dass die jetzige Weltordnung eben nicht in Ordnung ist, solange der Angriffskrieg gegen die Ukraine andauert.

«Pushing Boundaries» der erste Festivalfilm sei, der sie zum Weinen gebracht habe. Am 28. Juli kommt er nun endlich in die Schweizer Kinos. Und ich hoffe, dass er die Herzen des Kinopublikums gleichermassen erobert! Dass die Zuschauenden dadurch, dass sie das ukrainische Team ein Stück auf ihrem Weg begleiten, etwas mitnehmen können. Der Film ist sehr lebensbejahend. Man hat die Chance, Menschen kennenzulernen, die man sonst nie erleben würde, wenn man sie nicht im Kino trifft. Für diese Bereicherung mag ich Dokumentarfilme. Mit Lesia Kordonets sprach arttv Filmredaktorin Silvia Posavec Ihr Film leistet einen wichtigen Beitrag, denn er zeigt ja, dass die Welt nicht erst seit diesem Februar aus den Fugen geraten ist. «Pushing Boundaries» war bereits auf diversen Festivals zu sehen. Ist Ihnen eine Reaktion aus dem Publikum in Erinnerung geblieben? Ja! Auf dem Festival in München war eine bekannte russische Journalistin von der Novaja Gazeta im Kinosaal. Sie meinte, es sei ihr durch den Film klar geworden, warum – ihrer Meinung nach – Russland den Krieg gegen die Ukraine nicht gewinnen wird. Sie sagte auch, sie möchte den Film unbedingt in Russland zeigen. Und dann erinnere ich mich noch an ein Paar, das vor dem Krieg zufällig in meinem Film gelandet ist. Sie haben die Vorführung verwechselt und wollten einen ganz anderen Dokumentarfilm sehen. Nach den ersten fünf Minuten haben sie es realisiert und dachten: Oh nein, Krieg. Oh nein, Menschen mit Behinderung. Das wollen wir nicht sehen! (Lacht) Irgendwie haben sie sich dann doch dazu entschieden zu bleiben. Nach dem Screening haben sie mir gesagt, dass

WETTBEWERB Gewinne 5 x 2 Tickets Eine junge Frau hinterfragt dokumentarisch das Erbe ihres Grossvaters, der in leitender Funktion die Aufforstung Israels vorangetrieben hat. Liebesdings | Synopsis Roter Teppich, Scheinwerferlicht, Fans kreischen, Fotografen jagen nach dem besten Foto, Kamerateams erwarten Interviews – eine Premiere steht an und Deutschlands grösster Filmstar, Marvin Bosch (Elyas M’Barek), wird sehnsüchtig erwartet. Doch Marvin lässt auf sich warten. Denn das Interview mit der bissigen Boulevardjournalistin Bettina Bamberger (Alexandra Maria Lara) ist gründlich schiefgegangen und der Star landet auf seiner Flucht vor den Medien ausgerechnet im feministischen Off- Theater «3000» von Frieda (Lucie Heinze), das kurz vor dem Aus steht. Werden es Marvin, Frieda und ihre Freunde schaffen, das Theater zu retten, Marvins Ruf wiederherzustellen und, vor allem, der Liebe eine Chance zu geben?

TRAILER Liebesdings | Stimmen «In vielerlei Hinsicht ist ‹Liebesdings› eben eine typisch deutsche romantische Komödie, und Regisseurin Anika Decker traut sich, jedenfalls auf Plot-Ebene, leider nicht wirklich, mit gängigen Mustern zu brechen.» – Patrick Heidmann, epd Film | «‹Liebesdings› ist eine Geschichte von Höhen und Tiefen, von Liebe und Verrat und der Erkenntnis, dass man nur wirklich glücklich sein kann, wenn man sich selbst treu bleibt.» – Teresa Vena, Cineurope | «Manchmal hat man den Eindruck, dass Decker zu viel will, von Medienschelte bis Transgender, dem eigenen Drehbuch nicht vertraut und deshalb extradick aufträgt.» – TV Today MEHR ZUM FILM Liebesdings | Regie: Anika Decker | Komödie | 100 Minuten | Deutschland, 2022 | Verleih: Praesens-Film i

Erinnerung, Identität, Schicksal, Entfremdung – um diese Themen kreist der neue Film des italienisch- schweizerischen Regisseurs Silvio Soldini. Filme wie «Pane e Tulipani» oder «Cosa voglio di più» haben ihm internationalen Erfolg und Auszeichnungen gebracht. Nun will Silvio Soldini daran anknüpfen, mit einem Film, der aktuell und universell sein will. Lautes und Schrilles ist ihm fremd, Soldini setzt auf genaue Beobachtungen, Gesten und eindringliche Blicke. Doch wo die einen eine facettenreiche Darstellung sehen, fragen sich andere, ob da nicht nur allzu bekannte Klischees bedient werden. Ein Pro und Kontra unserer Kritiker:innen.

Il Giardino del Re | Synopsis Die erfolgreiche Wirtschaftsanwältin Camilla arbeitet in der unterkühlt-emotionslosen Welt der multinationalen Hochfinanz in Mailand. Sie geht völlig auf in ihrem Job. So bleibt kaum Zeit für die Beziehung zu ihrem Liebhaber und für ihre rebellische 19-jährige Tochter. Da gerät Camilla in einer regnerischen Nacht in einen Unfall, bei dem ein junger Mann ums Leben kommt. Er hat keine Papiere bei sich. Wer war er? Weshalb kennt ihn niemand? Camilla beginnt nachzuforschen, Spuren des Sans-Papiers zu suchen. Der Unfall, für den sie sich mitverantwortlich fühlt, lässt sie nicht mehr los – in dieser Nacht hat sich ein seelischer Riss in ihr aufgetan, alte Erinnerungen und tief verborgene Gefühle bahnen sich unaufhaltsam einen Weg in Camillas Herz und Gedanken…

Pro-Stimme von Madeleine Hirsiger Es sind leise Töne, die im neuen Spielfilm des schweizerisch-italienischen Regisseurs Silvio Soldini angeschlagen werden. Mit gewohntem Einfühlungsvermögen versteht er es, seine Hauptfigur, die überaus erfolgreiche Wirtschaftsanwältin Camille Conti, auf einen ganz unerwarteten Lebensweg zu schicken, ausgelöst durch einen Verkehrsunfall in einer fast magisch-einsamen regnerischen Nacht. Durch den Tod des jungen Mitfahrers wird sie an ein unverarbeitetes, lang zurückliegendes Familiendrama erinnert. Für sie beginnt eine schmerzhafte, facettenreiche Reise zu sich selbst. Soldini zeichnet Camille als starke, selbstbewusste, aber auch verletzliche Frau. Er nimmt für sie Partei und lässt die Männer als schwache Nebenfiguren auftreten. Manchmal kratzt er an Klischees, fällt aber nicht auf sie herein. Und ja, oft ist es eine Gratwanderung, aber die raffinierte, dichte Inszenierung und die hervorragende Kasia Smutniak aus Polen – die alle Register der Emotionen überzeugend ziehen kann – macht den Film zu einer emotionalen und packenden Reise. Und am Ende zollt «Un Giardino del Re» ganz nebenbei noch einem arabischen Gedicht Tribut, das in der Tasche des unbekannten Toten auftaucht und ihm so rückwirkend und wundersam Seele einhaucht. Kontra-Stimme von Geri Krebs Silvio Soldini ist ein Regisseur, der durch ein paar Filme mit sensiblen Frauenfiguren im Zentrum Weltruhm erlangt hat. Und wenngleich er auf diesem Gebiet auch nicht gerade ein Pedro Almodóvar oder George Cukor ist: In Werken wie «Agata e la tempesta» oder in seinem Welthit «Pane e tulipani» (in beiden spielte Licia Maglietta die Hauptrolle) oder etwas später in «Cosa voglio die più» (mit Alba Rohrwacher) standen Protagonistinnen im Mittelpunkt, die in ihrem durch Wirrungen oder Schicksalsschläge geprägten Leben in jedem Moment glaubwürdig waren. Sie blieben einem für immer im Gedächtnis – und nun also Katsia Smutiak in «Il Giardino del Re». Sie übernimmt die Rolle der supertoughen Mailänder Wirtschaftsanwältin Camilla, deren Leben durch den Tod eines Migranten aus der Bahn geworfen wird. Die gebürtige Polin, die als Model begann, dann zur Schauspielerei wechselte und in den vergangenen 20 Jahren mit zahlreichen bekannten italienischen Regisseuren zusammenarbeitete, gibt sich hier reichlich Mühe, diese Geschichte mit Leben zu füllen. Muss sie doch verkörpern, wie ihre Figur hinter der kalten Fassade durch die Tragik der Ereignisse doch plötzlich ganz menschlich wird. Aber das Ganze bleibt eine Versuchsanordnung, eine Kopfgeburt, was allerdings weniger an der Protagonistin liegt, sondern vielmehr an der klischeebeladenen Art und Weise, wie Soldini die Realität der «illegalen» Mirgrant:innen zeichnet. Der Regisseur hat in der Vergangenheit auch schon ein paar Dokumentarfilme realisiert – vielleicht sollte er sich in einem nächsten Film des Themas annehmen.

Il Giardino del Re | Weitere Stimmen «Der Film verfolgt gute Absichten, vermag durch die Unnahbarkeit einiger Themen jedoch nicht komplett zu überzeugen.» – Yannick Bracher, Outnow | «Für Smutniak ist es eine Gelegenheit, in eine intensive und grosse Rolle zu schlüpfen, der die polnische Schauspielerin Tiefe und Nuancen verleiht und die Befremdung und Ratlosigkeit verkörpert, die wir empfinden, wenn das wahre Leben die Gitterstäbe unseres goldenen Käfigs durchbricht.» – Vittoria Scarpa, Cineurope | «Ein Film, der Welten gegenüberstellt, muss es schaffen, beide Welten erfahrbar zu machen. Wahrscheinlich ist dies das Problem von «Il Giardino del Re»: Die eine Welt bleibt uns fremd. Und da lassen wir uns von der anderen, uns bekannteren, eben auch nur bedingt berühren.» – Michael Sennhauser, Sennhausers Filmblog TRAILER i MEHR ZUM FILM Il Giardino del Re | Regie: Silvio Soldini | Drama | Italien, 2021 | 117 Minuten | Verleih: Filmcoopi

WETTBEWERB Gewinne 5 x 2 Tickets Semret | Synopsis Semret lebt mit ihrer Tochter Joe in einer kleinen Wohnung in Zürich. Seit sie vor vielen Jahren aus Eritrea geflüchtet ist, versucht die junge Mutter ihrer vierzehnjährigen Tochter ein gutes Leben in der Schweiz zu ermöglichen. Dafür arbeitet sie im Spital und hofft, für die Hebammenausbildung zugelassen zu werden. Doch plötzlich droht das geschützte Leben, welches sie aufgebaut haben, in sich zu zerfallen. Ein entwaffnend ehrliches Filmdebüt – für die Regisseurin Caterina Mona wie auch ihre Hauptdarstellerin Lula Mebrahtu.

Die eritreische Community in der Schweiz ist eine ziemlich abgeschottete Gemeinschaft. Ihr Film «Semret» bewegt sich jedoch ganz selbstverständlich in dieser Community. Wie haben Sie den Zugang gefunden? Ich wohne seit 2014 mit meiner Familie in einer Wohnung der Genossenschaftssiedlung Kalkbreite in Zürich. Von Beginn an wohnten dort auch zwei eritreische Familien mit Kindern im gleichen Alter. So war es ganz natürlich, dass wir durch die Kinder Kontakt zueinander fanden und uns anfreundeten. Diese Begegnungen waren mit ein Auslöser für «Semret». Natürlich wusste ich aus den Medien ein paar Sachen über Eritrea und die dortige Bevölkerung. Als dann aber medial teilweise recht heftig über die in der Schweiz lebenden Leute aus Eritrea hergezogen wurde, war das für mich ein weiterer Ansporn, einmal einen Film über und mit Menschen aus diesem Land zu realisieren. Sie haben dann das Drehbuch alleine geschrieben? Ja, aber das war ein längerer Prozess, der sich über mehr als drei Jahre hinzog. Es war für mich in mehrerer Hinsicht Neuland, denn ich bin ursprünglich Editorin. Abgesehen von meinem 2015 entstandenen Kurzfilm «Persi» hatte ich auch noch nie Regie geführt, geschweige denn ein Drehbuch für einen langen Spielfilm geschrieben. Ich war von Beginn weg mit einer eritreischen Frau in Kontakt, mit der ich immer wieder über den Inhalt des Films sprach. Zudem hatte ich in den verschiedenen Entwicklungsphasen auch jeweils erfahrene Coachs zur Seite. In ihrem Film prallen unterschiedliche Lebenswelten aufeinander und «Semret» erinnert mich etwas an «Madly in Love» der Zürcher Regisseurin Anna Luif. Darin geht es um eine Geschichte aus der tamilischen Community. Dann gibt es noch weitere Schweizer Regisseurinnen wie Esen Işık oder Andrea Štaka, die sich mit Themen wie Parallelgesellschaften unter Migrant:innen beschäftigen. Wie sieht das bei den hier lebenden Menschen aus Eritrea aus? Sie zielen mit Ihrer Frage wohl darauf ab, wie weit ich als Schweizer Regisseurin legitimiert bin, einen Film über das Leben von Eritreer:innen in der Schweiz zu machen. Natürlich habe ich mir diese Frage auch gestellt, aber die Realität ist momentan – noch – so, dass es leider kaum Filmemacher:innen aus Eritrea gibt. Und auch bei professionellen Schauspieler:innen sieht es ähnlich aus. Was sich bei «Semret» darin zeigt, dass die beiden erwachsenen Hauptfiguren von zwei nicht in der Schweiz lebenden professionellen Schauspieler:innen mit eritreischen Wurzeln verkörpert werden. Während Semret-Darstellerin Lula Mebrahtu eine in London lebende Schauspielerin ist, die hier in ihrer ersten Hauptrolle in einem Kinospielfilm zu sehen ist, handelt es sich bei Tedros Teclebrhan, der die männliche Hauptrolle spielt, um einen in Deutschland lebenden Schauspieler und Comedian. Unter seinem Künstlernamen Teddy Comedy füllt er mit seinem Soloprogramm seit Monaten Fussballstadien in Deutschland, Österreich und der Schweiz. Kürzlich trat er auch im Zürcher Hallenstadion auf. Und was die jugendlichen Darsteller:innen betrifft: Es sind alles Laien. So ist etwa Hermela Tekleab, welche die Rolle von Semrets Tochter Joe spielt, eine junge Frau aus Zürich. Sie war 15, als ich sie castete, jetzt ist sie 18 und macht eine Lehre als Dentalassistentin am Unispital Zürich.

Sie erwähnten eingangs Ihren Wohnort in der Kalkbreite-Siedlung in Zürich- Wiedikon. Im Film hat man den Eindruck, dass die meisten Locations fast vor Ihrer Haustüre liegen: Auf dem Filmplakat sind die Stadtbekannten Lochergut-Hochhäuser zu sehen. Wer die Stadt kennt, wird auch die Weststrasse, die Fritschiwiese, den Brupbacherplatz oder das Triemli-Spital erkennen. Ist «Semret» auch ein Züri- Film, ja ein Wiedikon-Film? Sie haben recht: Die meisten Drehplätze konnte ich bequem von zu Hause aus mit dem Tram oder Bus erreichen. Allerdings war das nicht immer realistisch, denn der Dreh fand im November 2020 statt, genau während des Peaks der zweiten Corona-Welle. Wir hatten deshalb ein äusserst striktes Regime auf dem Set und hatten drei Coronabeauftragte. Diese kümmerten sich um die Einhaltung der Corona-Bestimmungen und organisierten wenn nötig die Tests vor Ort. Doch im Film sieht man nichts davon und wir konnten die Dreharbeiten auch ganz ohne Erkrankungen abschliessen. Was die Locations betrifft, so war es oft auch ein Glücksfall, dass wir wirklich dort drehen konnten, wo ich es mir schon beim Schreiben vorgestellt hatte. «Semret» spielt aber nicht in «meinem» Quartier, weil ich hier wohne, sondern weil es die Gegend ist, in der viele Menschen aus Eritrea leben. Sie haben hier Treffpunkte, so auch das Restaurant Habesha. Bei Ihrer Aufzählung der Orte liegen Sie allerdings bezüglich des Triemli-Spitals falsch, denn das Spital im Film ist das ehemalige Kantonsspital in Laufen/BL. Wir konnten dort während zwei Wochen frei drehen, weil ein Teil des Gebäudes kurz vor einem Umbau zu einem Gesundheitszentrum stand. Dank dieses Drehortes und unserem Co-Produzenten Pascal Trächslin erhielten wir auch noch Geld von der Basler Filmförderung. Sie sind die Tochter von Tiziana Mona, der Anfang April verstorbenen bekannten Tessiner Fernsehfrau, Journalistin und Politikerin, die während einiger Jahre auch in wichtigen Funktionen für das Locarno Film Festival tätig war. Hat Ihnen dieser familiäre Hintergrund dabei geholfen, dass es «Semret» nun ins Piazza-Programm von Locarno geschafft hat? Ich denke, dass ich von meiner Mutter vor allem die Liebe zum Kino schon von klein auf geerbt habe. Und was das Locarno Film Festival betrifft, so denke ich eher, dass es ein Vorteil ist, dass ich selber dort während vieler Jahre in diversen Funktionen tätig war. Doch Spass beiseite: Den jetzigen Direktor und die Leute, welche für die Selektion zuständig sind, kenne ich persönlich (noch) nicht. Ich bin aber dank meiner Mutter in der Filmszene schon lange gut vernetzt und hatte so sicher Möglichkeiten, die andere nicht hatten. Schlussendlich geht es aber immer darum, was man daraus macht. Und da ja meine Mutter auch eine sehr gute Journalistin war, weiss ich, dass Journalist:innen zum Abschluss gerne noch eine provokative Frage stellen. (Lacht). Mit Corina Mona sprach arttv Filmredaktor Geri Krebs

ARTTV MITGLIED WERDEN Ein Begrüssungsgeschenk und exklusive, kostenlose Einladungen warten auf Sie! > WEITERE INFOS Auch dieses Jahr gibt es sie wieder: die Freiluft- Kinoerlebnisse auf dem Zürcher Kanzleiareal! Sonntag, 28. August 2022 | 17 Uhr Konzert | 16.15 Uhr Prélude/Einführung mit Benjamin Herzog, Klaviertrio op. 110 | Klavierquartett op. 47, Anschliessend Apéro arttv Gönner:nnen sind eingeladen, das Konzert kostenlos zu geniessen. STRADIVARIFEST STRADIVARIQUARTETT TONHALLE ZÜRICH ARTTV GÖNNEREINLADUNG

i s e r u t c P y n o S © : l e k i t r A m u z r e d l i B Brad Pitt prügelt sich wieder – und das auf der Piazza Grande in Locarno. In einen japanischen Hochgeschwindigkeitszug geht es richtig heiss her. Ein alter Serienkiller (Brad Pitt), der sein altes Leben hinter sich lassen will, wird unverhofft in neue Konflikte hineingezogen. Mit ihm reisen fragwürdige Charaktere, die ihn in spektakuläre Schlagabtausche auf engstem Raum verwickeln. Anerkennung gebührt dem Superstar für den Funken Selbstironie, der sich in seiner Figur erkennen lässt. Stellt sich doch die Frage, wie lange er sich denn noch vor der Kamera prügeln will.

PIAZZA GRANDE Samstag, 13. August, 21.30 Uhr TRAILER Bullet Train ist eine actionreiche, etwas verworrene, witzige und teilweise überharte Actionkomödie mit ordentlich Starpower! MEHR ZUM FILM i Bullet Train | Regie: David Leitch | Actionfilm | 127 Minuten | USA, 2021 | Verleih: Sony Pictures Kinostart Deutschschweiz: 4. August 2022

Delia Owens gleichnamiger Bestseller wurde 2019 zu einem globalen Phänomen, nun ﬁndet Olivia Newmans Verﬁlmung seinen Weg auf die grosse Leinwand. Die Geschichte rund um das geheimnisvolle «Marschmädchen», das ganz alleine in einer schäbigen Hütte im Sumpf aufwächst, gilt als einer der erfolgversprechenden Beiträge des Piazza-Programms. Produzentinnen sind keine Geringeren als Hollywoodstar Reese Witherspoon und Lauren Levy Neustadter – das Duo hinter den Hitserien «Big Little Lies» und «Little Fires Everywhere». Die britische Hauptdarstellerin Daisy Edgar-Jones wird zudem in Locarno erwartet und mit dem Leopard Club Award ausgezeichnet.

Where The Crawdads Sing | Synopsis Basierend auf dem Bestseller-Roman von Delia Owens erzählt der Film die Geschichte von Kya, die als junges Mädchen von ihren Eltern verlassen wird. In den gefährlichen Sümpfen von North Carolina zieht sie sich alleine gross und entwickelt sich zur scharfsinnigen und zähen jungen Frau. Jahrelang geisterten Gerüchte über das «Marschmädchen» durch das nahegelegene Örtchen Barkley Cove und schlossen es von der Gemeinschaft aus. Als sich Kya zu zwei jungen Männern aus der Stadt hingezogen fühlt, eröffnet sich für sie eine neue, verblüffende Welt. Doch als einer von ihnen tot aufgefunden wird, sieht die Gemeinde sofort in Kya die Hauptverdächtige. Im Laufe des Falles wird immer mysteriöser, was tatsächlich passiert ist – und es droht die Gefahr, dass die vielen Geheimnisse, die im Sumpf verborgen liegen, ans Licht kommen …

My Neighbor Adolf | Synopsis Kolumbien, Mai 1960, nur wenige Tage nach der Entführung des Nazi-Verbrechers Adolf Eichmann durch Mossad-Agenten in Argentinien. Polsky, ein einsamer und mürrischer Holocaust-Überlebender, lebt in der abgelegenen kolumbianischen Provinz. Er verbringt seine Tage mit Schachspielen und der Pflege seiner geliebten Rosensträucher. Als eines Tages ein mysteriöser alter deutscher Mann nebenan einzieht, vermutet er, dass es sich dabei um niemand Geringeren handelt als … Adolf Hitler. Da ihm niemand glaubt, begibt er sich auf eine detektivische Mission, um Belege zu finden. Aber um Beweismittel zu sammeln, muss er seinem Nachbarn näher kommen, als ihm lieb ist. So nahe, dass die beiden fast Freunde werden könnten.

Alles über Martin Suter. Ausser die Wahrheit | Synopsis André Schäfers Film ist kein klassisches Portrait, sondern ein Dokumentarfilm, der mittels Fiktion die Romane Martin Suters zum Leben erweckt und uns den Autoren hinter den Geschichten auf einer ganz neuen Ebene näherbringt. «Die Fantasie stimmt ja meistens mehr als die Realität», sagt Suter. Er spaziert durch seine Geschichten, filmisch und ästhetisch eindrücklich inszeniert, beleuchtet seine Protagonist:innen und ihre Geheimnisse – und insbesondere auch seinen eigenen, privaten Kosmos: Eine Welt, die von Gegensätzen durchtränkt und von der Sucht nach Geschichten geprägt ist. «Schreiben hat viel mit weglassen zu tun», sagt der Schweizer Bestsellerautor. Dieser Film zeigt uns alles über Martin Suter – alles, ausser die Wahrheit.

Die beiden Lausbuben Eugen und Wrigley werden von den Eltern für ihre Streiche bestraft: Sie dürfen nicht ins Pfadilager. Deshalb reissen sie von zu Hause aus und machen sich auf die Suche nach dem König der Lausbuben. Der Film ist jetzt kostenlos auf Play Suisse zu sehen. Ein erfrischendes Sommererlebnis. LINK GANZEN ARTIKEL AUF ARTTV.CH ANSEHEN Mein Name ist Eugen | Regie: Michael Steiner | Schweiz | Der Film kam am 15. September 2005 in die Deutschschweizer Kinos

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Editorial

Film des Monats

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Fokus Schweizer Film

Interview Lesia Kordonets

Kontrovers

Pro & Contra

Locarno - Piazza Grande

Semret

Interview Caterina Mona

Bullet Train

Where the Crawdads Sing

Une femme de notre temps

My Neighbor Adolf

Alles über Martin Suter. Ausser die Wahrheit

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