CLICK_CINEMA

CLICK_CINEMA_SEP22

CLICK CINEAM SEP22
Editorial
Film des Monats: Un autre monde
Rezension Un autre monde
Must see: Drii Winter
Rezension: Drii Winter
arttv Mitgliedereinladung
Empfehlung #1: Peter von Kant
Rezension: Peter von Kant
Empfehlung #2: Freibad
Rezension: Freibad
Empfehlung #3: Madeleine Collins
Fokus CH-Film: Jill
Zurich Film Festival: Gala-Premieren
Broker
The Banshees
Die goldenen Jahre
Triangle of Sadness
Charlotte Gainsbourg
Fantoche 2022
Interview Ivana Kvesic
Luststreifen Film Festival
Locarno Manöverkritik
Sankt Moritz Art Film Festival
Pay Streaming: Gorbachev
Impressum

Liebe CLICK CINEMA Leser:innen Das Filmfestival in Locarno 2022 ist Geschichte. Allzu viele begeisterte Stimmen hat man nicht vernommen. Besonders niederschmetternd hat es die NZZ Filmredakteurin Denis Bucher formuliert: Langweilig, langweiliger, Locarno. Eine zugegebenermassen harte Überschrift für Ihren Locarno-Artikel. Leider hat sie aber recht. Noch nie in meiner Karriere als Kulturjournalist hat mich ein Filmfestival dermassen geärgert, was die Filmauswahl betrifft. Eine Fülle von langatmigen (Human Flowers of Flesh, Une femme de notre temps), narrativ unausgereiften (Paradise Highway) oder auch einfach seichte (Last Dance) oder kitschige Geschichten (Where the Crawdads Sing) musste ich über mich ergehen lassen. Aber schauen wir vorwärts. Das Fantoche in Baden, das Zurich Film Festival in Zürich oder das Lust*Streifen Film Festival in Basel stehen in den Startlöchern. Wir dürfen uns alle auf gemeinsame Kinoerlebnisse freuen. Doch zu Locarno zurück. Natürlich gab es auch hier Filme, für die sich die Anreise in den Südkanton gelohnt hat. Aus meiner Sicht sind da zwei bemerkenswerte Schweizer Produktionen dabei. Der Zürcher Regisseur Kaspar Kasics hat einem Dokumentarfilm über Erica Jong gemacht. Die berühmte Feministin der 68er, die schon früh das Recht der Frauen auf freie Sexualität forderte, wurde mit ihrem Buch «Angst vorm Fliegen» weltberühmt. Bemerkenswert an Kasics Film ist, dass er weder von der Zürcher Filmstiftung noch vom Bund gefördert wurde und trotzdem einer der wenigen empfehlenswerten Filme des Festivals war. (Mehr zum Film im Noverber-CLICK) Ebenfalls gefallen hat mir «De Noche los Gatos son Pardos» von Valentin Merz. Der Film lief im internationalen Wettbewerb und wurde mit einer speziellen Erwähnung gewürdigt. Die Geschichte über einen Filmdreh eines erotischen Kostümfilms ist zwar nichts fürs breite Publikum aber erfrischend anders. Unsere Filmredaktorin Silvia Posavec war natürlich auch in Locarno. Ihre differenzierte Manöverkritik finden Sie in dieser Ausgabe. Posavecs Anliegen dabei ist, dass das Festival nötige Veränderungen angeht. Denn eigentlich lieben wir alle Locarno und wollen, dass es uns - trotz einer eher schlechten Ausgabe 22 - noch lange erhalten bleibt. Felix Schenker, Chefredaktor arttv.ch

Un autre monde | Synopsis Ein Firmenchef, seine Frau und seine Familie zu einem Zeitpunkt, zu dem die beruflichen Entscheidungen des Mannes das Leben aller anderen auf den Kopf zu stellen droht. Philippe Lemesle (Vincent Lindon) und seine Frau (Sandrine Kiberlain) stehen kurz vor der Trennung, denn ihre Liebe hält dem Druck seiner Arbeit nicht mehr länger stand. Als erfolgreicher Manager eines Industriekonzerns kann Philippe den widersprüchlichen Anforderungen seiner Vorgesetzten kaum noch gerecht werden: Gestern noch sollte er leiten, heute soll er wieder ausführen. Für Philippe ist die Zeit gekommen, sich für seine eigenen Bedürfnisse einzusetzen.

REZENSION GERI KREBS Mit einem heftigen Wortgefecht eröffnet «Un autre monde». Ort des Geschehens: ein Büro in einer auf Scheidungen spezialisierten Anwaltskanzlei. Anne, die Ehefrau des wohlhabenden Betriebsleiters Philippe, hat die Scheidung eingereicht. Die Ehe mit Philippe sei die Hölle gewesen, zumindest in den letzten Jahren, insistiert Anne – und ihr Anwalt hat auch bereits einen Vorschlag für die Höhe der Abfindung, die der zukünftige Ex-Gatte ihr zahlen soll. Dieser erwidert, zur Gattin gewandt, so ungerührt wie stoisch: «Wenn es wirklich die Hölle war, solltest du aber viel mehr fordern.» Geld scheint keine Rolle zu spielen in diesen Kreisen, doch bald merkt man, dass Philippe weder ein unfreundlicher noch ein unvernünftiger und auch kein untreuer Gatte war und ist. Vielmehr hat Anne einfach genug davon, dass Philippe sein permanent kämpferisches Arbeitsumfeld stets mit nach Hause getragen und eigentlich niemals eine freie Minute für seine Familie hatte. Denn trotz seiner hohen Gehaltsklasse steht der immer makellos gekleidete Philippe bei Weitem nicht an der Spitze der Hierarchieleiter in dem Betrieb in einer französischen Provinzstadt, den er nominell leitet. Vielmehr muss er erleben, dass er letztlich auch nichts anderes ist als nur ein Rädchen in einer erbarmungslosen Maschinerie. Alles für die Marge Als oberster Verantwortlicher für die regionale Fabrik steht über ihm das Pariser Büro mit der eiskalten Leiterin Claire an der Spitze. Und diese

wiederum befindet sich unter der Fuchtel des amerikanischen Unternehmenschefs. In einem Zoom-Meeting sieht und erlebt man diesen obersten Boss ein einziges Mal – und jetzt kann man sich erst recht vorstellen, welch ungeheurer Druck auf Philippe lastet. Es ist eine Befehlskette, die mit jedem abwärtsgerichteten Glied jegliches Gefühl menschlicher Verbindung abwirft. Irgendwann kommt für Philippe so der Punkt, an dem er entscheiden muss, ob er hier noch am richtigen Platz ist, ob er sich weiter dafür hergeben soll, das Leben anderer Menschen zu ruinieren, nur weil gerade wieder mal die Gewinnmargen nicht stimmen. Perspektivwechsel In seiner fünften Zusammenarbeit mit Vincent Lindon als Hauptdarsteller beschliesst Regisseur Stéphane Brizé eine Trilogie aus der Arbeitswelt, die er 2015 in «La loi du marché» (Der Wert des Menschen) begonnen und 2018 in «En guerre» (Streik) fortgesetzt hatte. Zeigten die ersten beiden Filme (ein Arbeitslosendrama der erste und den Kampf gegen eine Fabrikschliessung der zweite) das Geschehen ganz aus der Perspektive der Arbeiter, hat er nun in «Un autre monde» – wie in diesem Zusammenhang bereits der Titel erahnen lässt – die Seite gewechselt. Doch nur scheinbar. Denn in der Art uns Weise, wie er hier in messerscharfen Dialogen und in kluger Dramaturgie die Mechanismen seziert, die kapitalistische Ausbeutung als unausweichlich erscheinen lassen: Sie machen aus «Un autre monde» ein Werk, dessen Botschaft noch einen Zacken schärfer formuliert ist als die der beiden Vorgängerfilmen. Fazit: Es gibt im aktuellen Kino viel zu wenig Filme aus der Arbeitswelt! «Un autre monde» ist einer, der mit unterkühltem Feuer und in unbarmherziger Präzision und mit einem grossartigen Hauptdarsteller Dynamiken, Hierarchien und Machenschaften erkennbar macht, die den heutigen Arbeitsalltag von Millionen von Menschen prägen.

Weiter Stimmen zum Film «Hier gibt es definitiv kein Hollywood- Happy End, und wie in seinen früheren Filmen kommt Brizé zu dem Schluss, dass die einzigen Gewinner in einer rücksichtslosen freien Marktwirtschaft die Aktionäre sind.» – Jordan Mitzer, The Hollywood Reporter | «‹Another World› ist eine weitere düstere Momentaufnahme einer globalisierten und durch den Finanzmarkt geprägten Arbeitswelt und bietet eine Charakterstudie, die in ihrer Einschätzung des Systems so fatalistisch (und zweifellos völlig treffend) ist, dass ihre Erzählung eher wie ein Passionsspiel als eine Moralgeschichte wirkt.» – Ben Croll, IndieWire TRAILER Un autre monde | Regie: Stéphane Brizé | Drama | 97 Minuten | Frankreich, 2021 | Verleih: Xenix Film MEHR ZUM FILM i

Drii Winter | Synopsis In einem entlegenen Bergdorf, hoch in den Schweizer Alpen, wird die noch junge Liebe zwischen Anna und Marco auf die Probe gestellt. Anna ist im Dorf aufgewachsen und hat eine Tochter aus einer früheren Beziehung, während Marco als Aussenseiter ins Tal gekommen ist, um mit den Bauern bei der harten Arbeit an den steilen Hängen zu helfen. Zusammen erfahren sie das Glück einer neuen Liebe und einer kleinen Familie. Doch als Marco plötzlich die Kontrolle über seine Impulse verliert und sein Verhalten immer unberechenbarer wird, brechen alte Spannungen in der Dorfgemeinschaft wieder auf. Im Wechsel der Jahreszeiten und gegen alle Widerstände kämpft Anna um Marco und bewahrt sich dabei eine Liebe, die selbst den Tod überstrahlt.

REZENSION GERI KREBS Es gab vor rund zehn Jahren im Schweizer Film einmal eine wahre Welle von (Dokumentar-)Filmen über bäuerliche Lebensformen und Traditionen. Ein Kritiker spottete damals über «filmischen Landdienst». Titel wie «Die Kinder vom Napf», «Die Wiesenberger», «Alpsegen», «Silvesterchlausen» oder – einige Jahre zuvor – die Filme des selbsternannten Chronisten ländlichen Lebens, Erich Langjahr, zeigten eine bäuerliche Schweiz und bewegten sich dabei meist zwischen Idyllisierung, Brauchtumsbewahrung und moderater Zivilisationskritik. Irgendwann war diese Zitrone dann so weit ausgepresst, dass sich seither der Schweizer Film nur noch vereinzelt in diese Welt gewagt hat. Wie im Western Nun zeigt Michael Koch mit «Drii Winter», wie viel ästhetisches und erzählerisches Potenzial in dieser Welt der Älpler, Sennen, Bergbauern und Hirten steckt und wie die Schroffheit von Bergen und Abgründen ihren Widerhall in einem Drama finden kann, das es in sich hat. Dabei beginnt der Plot wie das Setting eines Westerns: Ein Fremder ist vor Kurzem in das abgelegene Dorf in den Urner Bergen gezogen, wird von den Alteingesessenen mit Misstrauen und Argwohn beobachtet. Marco heisst er, ein bulliger Kerl mit einem Nacken wie ein Stier, eine Gestalt wie von einem Schwingfest. Er ist aus dem Unterland hierher gezogen, arbeitet bei dem bärtigen Bergbauern Alois als Hilfskraft und man sieht ihn in einer der ersten Szenen, wie er mit dem Vorschlaghammer Zaunpfähle in das steile Wiesenland treibt, die Kamera von Kameramann

Armin Dierolf ist ihm ganz nahe, man spürt fast physisch die Kraft, die von diesem Marco ausgeht. Wie auch alle anderen Darsteller:innen in «Drii Winter» ist Darsteller Simon Wisler ein Laie, im realen Leben Bergbauer in Parpan/GR, Vater von zwei halb erwachsenen Söhnen. An der Pressekonferenz in Berlin erzählte er schmunzelnd, wie Michael Koch über ein Jahr gebraucht habe, um ihn zur Mitwirkung in dem Film zu bewegen: «Ich war überzeugt, dass ich doch für die Dreharbeiten nicht so lange wegbleiben konnte von meinem Betrieb.» Marcos Schicksal Dieser Marco hat nun im Film vor Kurzem im Dorf seine grosse Liebe gefunden, Anna, die als Serviererin in der Dorfkneipe arbeitet und darüber hinaus auch noch die Post austrägt – man muss in dieser

abgeschiedenen Bergwelt meist mehrere Jobs haben, um zu überleben. Auch Anna ist eine Aussenseiterin, sie ist geschiedene Mutter, hat eine kleine Tochter. Als die am Stammtisch versammelten Mannsbilder Anna und Marco beim Turteln beobachten, meint einer verächtlich: «Mal sehen, ob es bei ihr dieses Mal halten wird». Doch es hält, bald heiraten Anna und Marco in der Dorfkirche, das Glück scheint perfekt, auch das Gerede der Leute hört auf. Doch nur für kurze Zeit, denn bald erkrankt Marco schwer, ein Hirntumor wird diagnostiziert, seine Persönlichkeit beginnt sich rapide zu verändern. Mut zur Tragödie Eine tieftraurige Geschichte wie die einer griechischen Tragödie nimmt ihren unausweichlichen Lauf: Wortkarg, unspektakulär und immer mit der rauen Natur dieser Bergwelt im Hintergrund, die Michael Koch ganz bewusst wie eine zusätzliche Filmfigur einsetzt. Dabei schafft er es immer wieder, das Kino zu seinen Ursprüngen, dem Erzählen in Bildern, zurückzuführen, denn gesprochen wird in «Drii Winter» nur das Nötigste, gelacht wird nie. Es ist neben seinen ästhetischen und schauspielerischen Qualitäten auch der für einen Schweizer Film ungewöhnlich Mut zur Tragödie, die den Film auszeichnet. Dazu wäre der gemischte Chor, der an mehreren Stellen auftaucht und – ganz griechische Tragödie – das Geschehen kommentiert, vielleicht gar nicht nötig gewesen. Doch sorgt er natürlich für einen willkommenen Verfremdungseffekt in einem Film, der bei allem dokumentarisch erscheinenden Naturalismus Lichtjahre entfernt ist vom filmischen Landdienst. Fazit: Drii Winter ist ein Schweizer Berglerfilm, wie man ihn in dieser Wucht im einheimischen Schaffen schon lange nicht mehr gesehen hat. Michael Kochs Mut zur Tragödie, das ungemein intensive Spiel des Laienensembles und die grossartige Kameraarbeit von Armin Dierolf machen aus «Drii Winter» ein Kinoerlebnis, das noch lange nachhallt.

Michael Koch wurde 1982 in Luzern (Schweiz) geboren. Von 2003 bis 2008 studierte er an der Kunsthochschule für Medien in Köln und arbeitete parallel als Schauspieler in diversen Fernseh- sowie Kinofilmen. Seine Kurzfilme liefen weltweit auf über 100 internationalen Filmfestivals und wurden mehrfach ausgezeichnet. Für seinen Diplomfilm «Polar» erhielt Koch auf der Berlinale 2009 eine ‹Lobenden Erwähnung› und gewann den Deutschen Kamerapreis sowie den Deutschen Kurzfilmpreis in Gold. Es folgten zwei Regiearbeiten für das Theater Kaserne Basel und die Entwicklung seines Langfilm-Debüts «Marija» (2016). Der Film hatte seine Premiere im internationalen Wettbewerb des Locarno Film Festival. Er lief erfolgreich auf zahlreichen weiteren Festivals wie Toronto, Busan, Göteborg und Angers und gewann nationale sowie internationale Preise. «Drii Winter» (A Piece Of Sky) ist sein zweiter Spielfilm.

Weiter Stimmen zum Film «Es ist ein Heimatfilm, ohne Kitsch, dafür bildgewaltig und einnehmend.» – Filmbulletin | «Ein starkes, berührendes, manchmal rätselhaftes, hervorragend gestaltetes Kunstwerk.» – Screendaily | «‹Drii Winter› stach als dichteste Erzählung weit aus dem Wettbewerb heraus.» – Der Spiegel | «Ein Schweizer Film wie ein wortkarger Bergler. Kraftvoll und heimatverbunden, gemächlich und ohne ein Wort zu viel, strotzt er den Widrigkeiten des Lebens mit seinem Herz am rechten Fleck.» – Outnow | «Die Perle im diesjährigen Berlinale- Programm.» – SRF Kultur | «Eine meditative Studie über die Liebe.» – The Hollywood Reporter i TRAILER MEHR ZUM FILM Drii Winter | Regie: Michael Koch | Drama | 137 Minuten | Schweiz und Deutschland, 2022 | Verleih: Frenetics Films Der Film feierte an der Berlinale 2022 seine Weltpremiere und wurde von der Jury mit einer «Lobenden Erwähnung» honoriert. Für die Schweiz geht er ins Rennen um den Oscar als bester ausländischer Film.

WETTBEWERB Gewinne 5 x 2 Tickets Peter von Kant | Synopsis Der passionierte Filmemacher Peter von Kant, lebt in seiner elegant-gemütlichen Loft mit Karl zusammen. Dieser sagt nie auch nur ein Wort, kümmert sich um Peters Termine, bewirtet Gäste, schenkt Champagner nach, überarbeitet Drehbücher. Wertschätzung erfährt er keine. Respekt zollt Peter ausschliesslich seiner «Muse», der reifen Star-Schauspielerin Sidonie. Eines Tages bringt sie den blutjungen Amir mit. Peter ist völlig hingerissen, verliebt sich Hals über Kopf in den selbstbewussten Beau. Er bietet Amir an, bei ihm einzuziehen und ihm zu einer Schauspiel-Karriere zu verhelfen. Amir hat Talent, wird umschwärmt, ist bald schon überall gefragt. Doch je erfolgreicher er wird, desto gleichgültiger und arroganter behandelt er Peter …

REZENSION GERI KREBS «Bitte, verschone mich mit solchen Geschichten». Hanna Schygulla erzählte anlässlich der Schweizer Vorpremiere von Peter von Kant vor zwei Monaten im Zürcher Filmpodium, was ihre erste spontane Reaktion gewesen sei, damals 1971, als sie den Text von Rainer Werner Fassbinders neuem Theaterstück «Die bitteren Tränen der Petra von Kant» gelesen habe. Der Regisseur, mit dem Schygulla davor schon mehrfach zusammengearbeitet hatte und für den sie zu jener Zeit etwas wie seine «Muse» gewesen war, wollte, dass sie die Rolle der Geliebten der Titelfigur spielte. Diese, die reiche Modeschöpferin Petra von Kant, verliebt sich unsterblich in das junge Model Karin, derweil sie ihre schweigsame und stets zu Diensten stehende Sekretärin mit unverhohlener Herrenmenschenattitüde wie eine Sklavin behandelt – und Karin ihrerseits verliert schon nach kurzer Zeit das Interesse an Petra, was diese wiederum in tiefe Verzweiflung stürzt. Fassbinder habe es dann mit seiner unglaublichen Fähigkeit, Menschen für sich einzunehmen, schliesslich doch noch geschafft, Schygulla für die Rolle zu gewinnen, erzählte die heute 78-jährige Schauspielerin weiter. Sie spielte ein Jahr nach der Uraufführung des Theaterstücks auch in Fassbinders eigener filmischer Adaptation seines Stücks erneut die Rolle der Geliebten.

Cineastische Querverweise Und nun, genau 50 Jahre später, ist Hanna Schygulla auch in François Ozons Fassbinder-Hommage mit von der Partie – in der Rolle der gegen Ende des Films auf den Plan tretenden Mutter des Titelhelden Peter von Kant. Dieser ist im Köln des Jahres 1972 ein erfolgreicher Filmregisseur und arbeitet gerade an einem Drehbuch, in dem Romy Schneider die Hauptrolle spielen soll – ein Fingerzeig Ozons an eine andere Überfigur des deutschen Kinos, die zwei Tage vor Fassbinders eigenem Tod ebenfalls viel zu früh starb. Und Ozons Titelfigur verliebt sich auch – jedoch in den schönen, arbeitslosen Schauspieler Amir. War bei Fassbinder die lesbische Liebesgeschichte ausschliesslich mit Frauen besetzt – neben Schygulla glänzten Margit Carstensen als Petra von Kant, Irm Hermann als Sekretärin und Katrin Schaake als Petra von Kants beste Freundin, die Gräfin Sidonie – ist in Ozons schwuler Fassung mit Isabelle Adjani als Peters bester Freundin Sidonie, neben Hanna Schygulla, eine weitere prominente Schauspielerin mit von der Partie. Zerrissene, grosse Persönlichkeiten Das grosse Erlebnis in «Peter von Kant» aber ist Hauptdarsteller Denis Ménochet, einst bekannt geworden durch Quentin Tarantinos «Inglourious Basterds» und zuletzt in der Hauptrolle in Bruno Molls komödiantischem Thriller «Seules les bêtes» zu sehen. Der auch durch seine physische Erscheinung sehr präsente Schauspieler spielt diesen narzisstischen Peter von Kant mit unglaublicher Präzision. Ständig zwischen Selbstmitleid, Grössenwahn und schonungsloser Selbsterkenntnis schwankend, ist es geradezu erschreckend, wie sehr diese Figur in ihrer Zerrissenheit an die Person von Rainer Werner Fassbinder erinnert. Fazit: «Peter von Kant» ist eine so vielschichtig bewegende wie von ausgesucht künstlicher Ästhetik gekennzeichnete Hommage des grossen Franzosen an einen der ganz grossen bundesdeutschen Cinéasten. Ein Werk über obsessive Liebe, Grössenwahn und Selbstzerstörung.

GELUNGENES REMAKE Mit «Peter von Kant» verneigt sich François Ozon vor der Regie-Ikone Rainer Werner Fassbinder: Er interpretiert dessen Stück «Die bitteren Tränen der Petra von Kant» und den gleichnamigen Film von 1972 auf kühne Art ganz neu. Einmal mehr erweist sich der französische Regisseur dabei als begnadeter Schauspieldirigent: Die Darsteller:innen sind herausragend – allen voran Denis Ménochet in der Hauptrolle und Isabelle Adjani, die ihren Auftritt als Diva Sidonie mit ein paar Prisen Selbstironie würzt. «Peter von Kant» erzählt von unstillbarer Liebesgier, von Machtverhältnissen, Besitzansprüchen, vom Zerfall eines Egomanen: ein fesselndes Kammerspiel und feines melodramatisches Gefühlskino in einem, umflort von bitterer Melancholie und schwarzem, ironisierendem Humor.

Peter von Kant | Weitere Stimmen «Ein Film mit einem sensationell aufspielenden Ensemble und voller intelligenter Reflexionen: rundum gelungen!» – Deutschlandfunk Kultur | «Denis Ménochet spielt besser als je zuvor.» – IndieWire | «Ein von Leichtigkeit und Humor durchzogenes (Melo-)Drama, mit dem Ozon an seine Meisterwerke ‹8 Femmes› oder ‹Gouttes d’Eau sur Pierres brûlantes› anknüpft. Die um Themen wie Liebe, Leidenschaft, Eifersucht, Machtverhältnisse kreisende Story vermittelt ein Gefühl von Zeitlosigkeit.»– J:MAG | «‹Peter von Kant› erweist sich in seiner ironischen Sensibilität als authentisch ‹fassbinderisch› und ganz und gar ‹ozonesk›.» – Screen International | «Die Musik, das Dekor und der 1970er-Jahre-Stil – den man aus Ozons Filmen ‹8 Femmes› und ‹Potiche› kennt – werden die Liebhaber des französischen Regisseurs begeistern.» – Screen Daily TRAILER MEHR ZUM FILM i Peter von Kant | Regie: François Ozon | Drama | 85 Minuten | Frankreich, 2022 | Verleiher: Filmcoopi Kinostart Deutschschweiz: 22. September 2022

Freibad | Synopsis Es ist Sommer und sehr heiss im einzigen Frauenfreibad Deutschlands. Dort badet Frau oben ohne, im Bikini, Badeanzug oder Burkini. Jede folgt dabei anderen Regeln. Das führt immer wieder zu Reibereien, die die überforderte Bademeisterin nicht so ganz im Griff hat. Als dann auch noch eine Gruppe komplett verhüllter Frauen das Frauenbad begeistert für sich entdeckt, fliegen buchstäblich die Fetzen: Wem gehört das Bad und wer bestimmt die Regeln? Wem gehört der weibliche Körper? Und wann ist denn überhaupt eine Frau eine Frau? Die Bademeisterin kündigt entnervt. Als dann aber als Nachfolge ausgerechnet ein Mann als Bademeister angestellt wird, eskaliert die Situation in unvorhersehbare Richtungen.

REZENSION ROLF BREINER Der Schauplatz: Eine grüne bayrische Wiese mit Sonnenschirmen und lauschigem Nass. Hier sonnt und planscht Frau im Frauenfreibad – und fühlt sich frei. So könnte man meinen, glaubt man einer Clique komplett verhüllter Muslima, die das besagte Bad unter Führung Kamilas (Sabrina Amali) aufsuchen. Endlich keine Männer! Doch auf der anderen Seite mokiert sich eine Fraktion, die ein gewisses Heimrecht beansprucht. Die Freundinnen Eva (Andrea Sawatzki) und Gabi (Maria Happel) bezeichnen sich zwar als liberal, fühlen sich aber eingeengt und motzen. Auch eine Gruppe Kopftuchträgerinnen mit Sema (Sema Poyraz) oder Emine (Ilknur Boyraz) beobachten die Neuen eher argwöhnisch. Auffällig ist die sportliche Yasemin (Nilam Farooq) im «Ganzkörperkondom», also Taucheranzug, die galant ihre Bahnen zieht. Kassierin Rocky (Lisa Wagner) steht auf Körperkult und hat nur Augen für Muskeln. Die Grillanbieterin Kim (Nico Stank), ein verdeckter Mann, kann mit seinen Lammwürstchen nur bedingt «kulinarisch» punkten. Ein unvermeidbarer Girlkott Die schwarze Bademeisterin Steffi (Melodie Wakivuamina) sieht dem Treiben mehr oder weniger hilflos zu und kann den drohenden Knatsch nicht verhindern. Es reicht. Steffi fährt aus der Haut und schmeisst ihren Job hin. Ein Bad, auch wenn es sich frei nennt, ohne Badeaufsicht, geht gar nicht. In der Not frisst der Teufel Fliegen, in diesem Fall bietet die

schnippische «Meckerliese» Eva einen Mann auf – den «aquatischen Menschen» Nils (Samuel Schneider). Er muss den Bademeister unter lauten Frauen verkörpern. Das führt geradewegs zum nächsten Tohuwabohu. Aussenseiterin Paula (Julia Jendrossek) ruft zum Girlkott (statt Boykott) auf und legt das Bad lahm. Ist die Freiheit sprich das Freibad noch zu retten? Altersangst und Ausgrenzung Mit einem fulminanten Ensemble – mal oben ohne, mal verschleiert – hat sich Filmautorin Doris Dörrie einen Spass mit Hintersinn gemacht. Ihr «Freibad» ist deftig und dufte, grantig und genüsslich, lustvoll und lasterhaft. Dabei geht es nicht nur um vorgetäuschte Toleranz und schlummernde Vorurteile, sondern auch um Ausgrenzung, Selbstwert und Selbstbestimmung. Doris Dörrie spielt mit Klischees und arrangiert sie liebevoll, bisweilen boshaft. Im freibadenden Mikrokosmos ist keiner vor Fallen, Rassismus und Aggressionen gefeit. Angst vorm Altern und Sexfrust spielen dabei auch eine Rolle. Doris Dörrie: «Die Altersangst bezieht sich sehr stark auf den Körper und die Ausgrenzung allein durchs Alter, wofür man gar nichts kann. Vor Ausgrenzung und Einsamkeit fürchtet sich hier nicht nur Eva, die eine emanzipierte Frau ist, Feministin, allein lebt, aber natürlich irgendwo dazu gehören möchte. Das ist für uns alle, und für jede Figur hier im Film die Frage – wo und wie kann ich dazugehören?» Das geht jeden an, unabhängig vom Gendersein. Die Konflikte im Freien können überall stattfinden. «Ich habe immer schon Filme gemacht, die sich um Ausgrenzung gedreht haben», meint Regisseurin Dörrie, «um Rassismus, Homophobie, um Marginalisierung und Gleichberechtigung». Ihre neuste Komödie beschreibt mal tierisch ernst, mal ironisch Szenen des Alltags im kunterbunten Freibad und amüsiert hintergründig trotz ständiger Keilereien und dem grosszügigen Einsatz von Klischees. Fazit: In ihrer Filmkomödie rückt Doris Dörrie Frauen verschiedenen Alters und Status in den Blickpunkt. In ihrem Mikrokosmos prallen Vorurteile und Gegensätze, Angst und Aggressionen aufeinander. Und wenn dann die Fetzen fliegen, ist man nicht nur bestens amüsiert, sondern kommt auch nicht umhin, sich an die eigene Nase zu fassen.

Freibad | Weitere Stimmen «Doris Dörries scharfzüngige Komödie ist bestes politisches Kabarett und überrascht mit so konsequenten wie klugen Botschaften.» – artechock | «Nach Art eines Open-Air- Kammerspiel verwandelt sich die sommerliche Liegewiese zum Schauplatz einer humoristischen Feldstudie über Toleranz und Diversität. Allerdings gleitet die Komödie allein schon durch die schiere Masse an Figuren allzu oft in Klischees und Stammtisch-Humor ab.» – Filmdienst | «… nicht nur ein spannender, sondern auch lustig-nachdenklicher Diskussionsbeitrag […]. Ein Plädoyer für mehr Miteinander und weniger Gegeneinander!» – Der Kulturblog MEHR ZUM FILM Freibad | Regie: Dorris Dörrie | Komödie | 102 Minuten | Deutschland, 2022 | Verleih: Praesens Film i

Madeleine Collins | Synopsis Judith lebt mit ihrem Mann und ihren zwei Söhnen in Frankreich. Das Familienglück wäre perfekt, wenn sie nicht ständig verreisen müsste. Ihr Beruf als Simultan- Übersetzerin lässt Judith angeblich keine andere Wahl. Dass sie ein Doppelleben führt, ahnen weder ihr Mann noch ihre Söhne: Wenn Judith weg ist, wohnt sie in der Schweiz, zusammen mit einem anderen Mann und einer kleinen Tochter. Immer wieder wechselt sie zwischen ihren zwei Familien, stets darum bemüht, Überschneidungen zwischen ihren beiden Leben zu vermeiden. Doch langsam beginnt das fragile Gleichgewicht aus Lügen und Geheimnissen zu kippen…

TRAILER Madeleine Collins | Stimmen «Eine Frau, zwei Familien und viele Fragen: ‹Madeleine Collins› erzählt von einem Doppelleben, dessen Puzzleteile sich erst nach und nach zusammensetzen. Das ist in mehrfacher Hinsicht spannend und stellt zudem interessante Fragen rund um das Thema Identität.» - Oliver Armknecht, Filmrezensionen.de | «Virginie Efira war noch nie besser als in ‹Madeleine Collins›.» - Les Inrockuptibles | «Ein Film von der Eleganz und der Spannung eines Hitchcocks». Screen International | «Schön und mitreissend. Virginie Efira liefert eine der herausragendsten Leistungen ihrer bisherigen Karriere.» Elle | «Ein atemberaubender Film.» Positif | «Ein vielschichtiger Film darüber, dass keine Identität stabil ist und jeder mehrere Rollen spielt.» Télérama | «Dieser Psychothriller besticht durch sein elegantes Vexierspiel. Virginie Efira ist meisterhaft ambivalent.» - Le Journal du Dimanche MEHR ZUM FILM i Madeleine Collins | Ein Film von Antoine Barraud | FR, BE, CH, 2021 | 102 Min. | Verleih: Filmcoopi Kinostart Deutschschweiz: 9. September 2022

Jill | Synopsis Ende der 70er Jahre. Ted und Joann ziehen in die endlosen Wälder Nordamerikas, mit dem Ziel, ihre fünf Kinder in völliger Abgeschiedenheit aufzuziehen. Im Wald geboren, wächst ihre jüngste Tochter Jill in einem kleinen Paradies auf. Dieses wird erstmals infrage gestellt, als ihr Bruder den Wunsch äussert, aufs College zu gehen. Die Verheimlichung des Besuchs einer alten Freundin von Joann und Teds Weigerung, bei einem Unfall Hilfe zu holen, offenbaren nach und nach, dass es um weit mehr geht. Die vermeintliche Freiheit entpuppt sich bald als verhängnisvolle Ideologie und in der Abgeschiedenheit entstehen immer tiefere Gräben im Familienidyll. Wie die Kinder zum Spielball einer scheiternden Beziehung wurden und weshalb ihr Bruder im Gefängnis sitzt, erfährt Jill erst heute. Auf einer Reise in ihre längst vergessen geglaubte Kindheit offenbart sich, woran ihr utopischer Traum zerbrochen ist.

In der Sektion «Gala Premieren» präsentiert das ZFF vielversprechende Neuheiten des internationalen Autorenkinos. Auf vier davon freuen wir uns gang besonders. Zugegebenermassen, auf Filme hinzuweisen, die man gar noch nicht gesehen hat, kann ganz schön in die Hose gehen. So geschehen am diesjährigen Filmfestival Locarno. Filme von denen wir gemäss Synopsen, Trailern, Schauspieler:innen oder den bisherigen Filmen der entsprechenden Regisseur:innen glaubten, dass sie vielversprechend sind, haben sich als böse Flops entpuppt. Das kann natürlich auch bei diesen vier Filmen passieren, die wir Ihnen in dieser CLICK CINEMA Ausgabe vorstellen. Aber es gibt gute Gründe davon auszugehen, dass wir nicht enttäuschst werden.

VORFREUDE #1 TRAILER BROKER Nach seinem grossen Erfolg mit «Shoplifters» (2018) verhandelt der japanische Regisseur Hirokazu Kore-eda nun ein weiteres Mal den Familienbegriff. Als in einer regnerischen Nacht ein Kleinkind an einer Babyklappe zurückgelassen wird, beschliessen Sang-hyun und Dong-soo, es heimlich mit nach Hause zu nehmen. Die Mission: eine neue Familie zu finden. Doch dann taucht unerwartet die Mutter So-young wieder auf. Während die drei auf eine Reise gehen, die alle Beteiligten für immer verändern wird, ist ihnen die Polizei auf den Fersen.

VORFREUDE #2 TRAILER THE BANSHEES OF INISHERIN Der oscarprämierte Regisseur Martin McDonagh erzählt vor atemberaubender Kulisse eine schwarzhumorige Geschichte über eine Männerfreundschaft Während 1923 in Irland der Bürgerkrieg tobt, nimmt das Leben auf der abgelegenen Insel Inisherin für den gutmütigen Pádraic seinen gewohnten Lauf. Doch er wird jäh aus seiner Unbekümmertheit gerissen, als ihm sein lebenslanger Freund Colm scheinbar grundlos die Freundschaft quittiert. Die Ereignisse drohen zu eskalieren und die Männer manövrieren sich immer weiter in eine Sackgasse.

VORFREUDE #3 TRAILER DIE GOLDENEN JAHRE Eine liebevolle Geschichte über ein älteres Ehepaar auf der Suche nach dem Glück … Für den Kinospielfilm, der humorvoll die Pensionierung und die sich daraus ergebenden Herausforderungen thematisiert, spannen drei vielversprechende Frauen des Schweizer Films zusammen: Hinter der Kamera Petra Volpe und Barbara Kulcsar und in der Hauptrolle Esther Gemsch. Herausgekommen ist ein Film, der zwischen Drama und Komödie pendelt und mit Humor, überraschenden Wendungen und Leichtigkeit bezaubern will.

VORFREUDE #4 TRAILER TRIANGLE OF SADNESS Ruben Östlunds preisgekrönte Komödie mit einem wunderbaren Woody Harrelson in der Rolle des zynischen Schiffskapitäns Die Models Carl und Yaya bewegen sich in der Modewelt und loten gleichzeitig die Grenzen ihrer Beziehung aus. Das Paar wird zusammen mit einer Schurkengalerie von reichen Passagieren zu einer Luxuskreuzfahrt eingeladen, bei der auf den ersten Blick alles perfekt scheint. Als ein schreckliches Gewitter zum Kentern des Schiffes führt, laufen die Dinge völlig aus dem Ruder. Der Film wurde dieses Jahr mit dem Hauptpreis des Cannes Film Festival, der Palme d’Or, ausgezeichnet.

TRAILER Das Zurich Film Festival (ZFF) ist das grösste Herbst- Filmfestival im deutschsprachigen Raum und präsentiert jeden Herbst während 11 Tagen nach eigener Aussage «die schönsten Entdeckungen sowie die meist erwarteten Filme des Jahres». Das Festival fördert den Austausch zwischen aufstrebenden Regisseur:innen, arrivierten Filmschaffenden, der Filmindustrie und dem Publikum. Das ZFF verzeichnete in der letztjährigen Ausgabe 102‘000 Besucher:innen und zog tausende akkreditierte Film- und Medienschaffende aus aller Welt an. Die 18. Ausgabe ﬁndet vom 22. September bis 2. Oktober 2022 statt.

WETTBEWERB Gewinne 4 Multipässe Abtauchen in die Welt des animierten Films und das mit Neuentdeckungen, Klassikern und in Vergessenheit geratenen Meisterwerken! FANTOCHE 2022 In seiner 20. Ausgabe zeigt das Internationale Festival für Animationsfilm insgesamt 295 Kurz- und Langfilme und blickt neugierig und stolz zurück auf die vergangenen 19 Ausgaben. Der Schwerpunkt der Jubiläumsausgabe heisst «Overcoming Crisis», der geographische Fokus bietet Einblicke in die überraschend umfangreichen Geschichte und Gegenwart der Animation der Balkanländer. Das Herzstück von Fantoche ist und bleibt aber der Wettbewerb.

20. Ausgabe Das allererste Fantoche fand 1995 statt – organisiert aus einem Raum mit zwei Desktop-Macs, einem Telefon, einem Fax und über 400 Filmrollen! Zum 20. Jubiläum 27 Jahre später kuratierten die vier Gründer:innen (Otto Alder, Frank Braun, Suzanne Buchan und Peter Hossli) und die nachfolgenden Direktorinnen Duscha Kistler (2006-2011) und Annette Schindler (2012-2021) insgesamt vier Programme aus technisch besonderen oder narrativ einprägsamen Kurzfilmen ihrer Festivalzeit beziehungsweise ihren ganz persönlichen Favoriten. 2022 haben die Fantoche-Selektionsteams für den Wettbewerb aus insgesamt 2552 Einreichungen 76 animierte Kurzfilme aus 30 Ländern ausgewählt. Sie werden im «Internationalen Wettbewerb», «Schweizer Wettbewerb» und im «Kinderfilm Wettbewerb» der Jury und dem Publikum präsentieren. Das aktuelle Fantoche Team hat als «Team Favourite» den Ghibli-Klassiker «Princess Mononoke» (Hayao Miyazaki, 1997) ausgesucht und die neue Direktorin Ivana Kvesić stellt sich mit «Ivana’s Choice», einer kleinen Auswahl ihrer liebsten animierten Kurzfilme, dem Fantoche-Publikum vor. Fokus Balkan Auch der geographische Fokus hat viel mit dem persönlichen Universum und Filmsozialisierung der neuen Direktorin zu tun: «Da ich relativ neu in der Animationsfilmbranche bin, wollte ich am Fantoche das Filmschaffen präsentieren, das meine Familie und mich sowie einen grossen Teil der Schweizer Bevölkerung – Menschen mit Balkanwurzeln – geprägt hat.» Dazu sind fünf Kurzfilmprogramme und ein Kinderprogramm entstanden; kuratiert von Daniel Šuljić (Animafest Zagreb, Kroatien), Petrit Gora (Anibar Animationsfestival in Peja, Kosovo), Mina Sablić Papajić (aus Belgrad, Serbien) und der kroatischen Kuratorin Branka Bencic. «Wir fokussieren auf die Länder des ehemaligen Jugoslawien, das von 1918 bis 1991 unterschiedliche Religionen, Regionen, Sprachen und Ansichten vereinte. Nach dem Krieg entwickelten die Länder der Region eigene Identitäten als Nationen. Durch kulturelle und geografische Gegebenheiten blieben dennoch intensive Verbindungen bestehen. Der Balkan ist komplex, weshalb ich mich nicht nur auf ein Land beschränken

wollte. Das Kunstschaffen hält sich nicht an Grenzen – das wird auch in diesem Fokusprogramm deutlich», so Ivana Kvesić. Overcoming Crisis Der von Doris Cleven und Oswald Iten kuratierte Schwerpunkt «Overcoming Crisis» zeigt, wie der Animationsfilm aktuelle Themen auf seine ganz eigene, erfrischende Weise aufgreift: Wie gelingt es uns, mit den Auswirkungen der Pandemie fertig zu werden? Oder von Kriegen? Wie reagieren wir auf Traumata, die uns als Individuum oder als Gemeinschaft betreffen? Neben dem Oscar nominierten und in Cannes mit dem Preis der Jury ausgezeichneten Film «Persepolis» (2007) der iranischen Filmemacherin Marjane Satrapi und dem französischen Filmemacher Vincent Paronnaud über die Islamische Revolution im Iran und und deren Auwirkungen auf eine persönliche Biographie zeigt sich das Kurzfilmprogramm «Renaissance» vielstimmig. Mal leichtfüssig, mal tiefgründig; aktuell oder immer noch relevant. Von persönlichen Krisen zeugt die Ausstellung «Overcoming Biographies» in Zusammenarbeit mit Edition Moderne im Gluri Suter Huus Wettingen, welches eine Auswahl Graphic Novels zum Thema Krisen und Krisenbewältigung in Biografien präsentiert. Fantoche | 20. Internationales Festival für Animationsﬁlm | Overcoming Crisis | Baden (AG) | 6. bis 11. September 2022

Wir konnten die neue Direktorin des Fantoche nicht in das wohlverdiente Festivalrauschen ihrer ersten Ausgabe entlassen, bevor wir ihr nicht ein paar – um genau zu sein sieben – Fragen gestellt haben. Hier verrät sie uns, wie sie zum Film kam, was an Animation nicht besser, aber anders ist und wieso ihr die Nachwuchsförderung am Herzen liegt. Ihre Antworten machen neugierig auf das Programm, das aber ganz sicher nicht nur für Kinder- und Jugendliche ist! Sie waren seit 2017 Co-Leiterin der Schweizer Jugendﬁlmtage in Winterthur. Jetzt wechseln Sie zum Fantoche nach Baden und übernehmen als neue Direktorin das Ruder von Annette Schindler. Was reizt Sie am meisten an der neuen Aufgabe und wie anders/neu ist sie überhaupt für Sie? Fantoche ist national und international gesehen ein sehr wichtiges und etabliertes Festival, das nicht nur im Kurzfilmbereich tätig ist, sondern auch Langfilme kuratiert und eine Komplexität aufweist, die sehr reizvoll ist. Ich habe hier einen Gestaltungsspielraum und kann meine Visionen umsetzen. Die Schweizer Jugendfilmtage sind ein Zwei-Frauen- Betrieb und Fantoche hat ein ganzes Team, das ganzjährig angestellt ist. Überhaupt ist die Grösse der beiden Festivals nicht vergleichbar. Dank der Unterstützung meines Teams, des Vorstands und der Offenheit der lokalen Institutionen sowie der kantonalen Netzwerktreffen fühlte ich mich hier bisher unglaublich gut aufgehoben. Ich durfte in den letzten Monaten erfahren, was es bedeutet, Teil dieses Festivals zu sein, das einer von neun Leuchttürmen im Kanton Aargau ist. Das hat einen gewissen Druck aufgebaut, den ich aber mit Freude aufnahm und versuchte so sportlich wie möglich damit umzugehen. Gleichzeitig gibt mir die Vorfreude und die Verbundenheit der Menschen in Baden mit dem Fantoche ein gutes Gefühl. Ich hoffe, dass ich alle Erwartungen erfüllen kann. Was hat Sie persönlich zum Medium Film gebracht? Mein Vater hatte ein Faible für Western und tolle Schwarz-Weiss-Filme und meine Mutter eher für Sissi oder Elvis-Filme. Da meine Schwester viel älter ist als ich, durfte ich teilweise mit ihr Filme schauen – das waren dann eher Genre Filme. So haben sich mir viele Welten eröffnet, auf die ich mich seelisch einlassen konnte. Diese Liebe liess mich nie los: Ich war ständig in der Bibliothek und habe mir VHS und später DVDs ausgeliehen. Irgendwann entstand ein grosses Faible fürs Independent Cinema. Für eine Weile habe ich Open-Air- Kino auf der Dachterrasse der WG organisiert, später mit Freund:innen ein Kino geführt. Vor elf Jahren kam ich dann auch zu den Internationalen Kurzfilmtagen Winterthur und bin seither immer noch Teammitglied und mittlerweile auch Präsidentin im Vorstand eines meiner Lieblingskinos in Zürich: dem Kino Xenix. Welcher Animations- oder Trickﬁlm hat Sie durch Ihre Kindheit begleitet? Als Kind haben mich natürlich Disneys Werke begleitet. Ein Film, denn ich als Kind gefürchtet und gleichzeitig sehr geliebt habe, war «Das letzte Einhorn» von Jules Bass und Arthur Rankin Jr. aus dem Jahr 1982. Den schaue ich bis heute gerne. Aber grundsätzlich war ich ein Fernsehkind und habe viele Serien geschaut: Von «Calimero», «Adventures from Moominvalley», «Barnapapa», «The Jetsons» zu «Hey Arnold!», «Daria» oder «Pinky and the Brain». Damals gab es auch ein paar gute, aber gleichzeitig ganz schlimme hybride Langfilme, die mir teils nächtelang Albträume bereiteten und die ich

auch wieder verdrängt habe. Und es war die Zeit, als MTV gross wurde und ich mir mit einer Freundin viele Videos angeschaut habe. Auch da spielte Animation immer wieder eine Rolle, z.B. bei Björk oder Daft Punk. Grossartig! Das Fantoche hat sich von Anfang an dafür eingesetzt, den Animationsﬁlm auch für ein erwachsenes Publikum zu etablieren. Was kann eine Animation besser als ein nicht animierter Film? Das Klischee, dass Animation nur was für Kinder ist, ist leider immer noch verbreitet – nicht nur in der Wahrnehmung des Publikums, sondern auch generell in der Filmbranche. Deshalb ist die Arbeit meiner Vorgänger:innen so wertvoll und aus diesem Grund ist es mir auch wichtig, dass Menschen aus der Nicht-Animationsbranche zu uns ans Festival kommen, damit sie sehen, wie grossartig, wie vielseitig und beispielsweise auch wie böse Animation ist. Dieses Jahr sind Selektionsmitglieder von erstklassigen Festivals wie der Berlinale, aus Cannes, Locarno etc. am Industry Day eingeladen, um darüber zu reden, welchen Stellenwert Animation in der Festivalindustrie hat und wie wir einen Change in der Wahrnehmung generieren können. Und nun zur effektiven Frage: Ich möchte das Wort «besser» nicht verwenden, sondern eher beantworten, was Animation «anders» macht: Für mich kann Animation eine Magie auslösen, mich zum Staunen bringen und Welten näher bringen, die ich in Gedanken mit nach Hause nehmen kann und zwar anders als nicht animierte Filme. Dafür benötigt sie keine Schauspieler:innen, sondern sie erschaffen ein Bild oder nehmen einen Gegenstand und versetzen diese in Bewegung. So kann ein Bleistift, der animiert wird, bei uns plötzlich sehr viele Emotionen auslösen und das ist der Zauber. Des Weiteren könnte ein Animationskurzfilm auch komplett von einer Person erstellt werden – das ist zwar anstrengend, aber machbar. Animation kann schwere Themen wiedergeben, dass es zumutbar ist und wir dies vielleicht besser abstrahieren bzw. verdauen können. Zusätzlich, wenn man teilweise sieht, auf wie viele Details der:die Animator:in in ihrem Werk gesetzt hat. Alles ist genauso gewollt, genauso geplant. All diese Faktoren – und ich habe nun einen kleinen Teil aufgezählt – sind für mich sehr faszinierend. Der diesjährige Fokus auf den Balkan hat einerseits mit ihrer eigenen Biograﬁe zu tun, doch für Kenner:innen war die Region noch nie ein unbeschriebenes Blatt. Ist es das erste Mal, dass sich das Fantoche mit der Geschichte der Animation im ehemaligen Jugoslawien beschäftigt? Es gab schon 2010 einen Fokus zu Kroatien, – damals unter der Sektion «Terra Incognita» und mit drei Programmen: Die ersten Jahre, die «Goldene Zeit» von den 50er bis 60er- Jahren, die 70er-Jahre wurden mehrheitlich im Programm «Höhenflüge» abgedeckt und die 90er sowie 00er-Jahre in «New Generation». Natürlich gibt es hier ein paar Überschneidungen mit unseren historischen Programmen. Ich habe für das Programm mit vier Kurator:innen mit unterschiedlichem Background gearbeitet, um die Filme aus dem Balkan aus vielfältigen Blickwinkeln zu zeigen. Jugoslawien existierte bis 1991, danach brach der Krieg aus, der bis Ende der 1990er-Jahre andauerte und offiziell 2001 als beendet erklärt wurde. Die danach entstandenen Nationen sind relativ jung, Kosovo etwa ist immer noch nicht als souveräner Staat von allen Ländern des Balkans anerkannt. Deshalb war es mir wichtig, dass wir einerseits mit einem historischen Blick in das

Filmschaffen des damaligen Jugoslawiens eintauchen, andererseits soll das Publikum auch die neueren Stimmen hören – seien diese von weiblichen Animationsschaffenden oder aus Ländern, die relativ neu in der Produktion von Animationsfilmen mitwirken wie Kosovo, Bosnien und Herzegowina. Des Weiteren gibt es ein Programm, das eher auf das experimentelle Filmschaffen eingeht, dabei Filme von vor und nach dem Krieg vereint und damit eine Brücke in die Vergangenheit schlägt. Stichwort Nachwuchsförderung: Festivals sind insbesondere für eine junge Generation von Filmschaffenden wichtig. Wie bringen das Fantoche die Branche zusammen? Festivals bieten die besten Möglichkeiten, sich zu vernetzen. Student:innen oder jungen aufstrebenden Animator:innen möchte ich vor allem den Industry Day, das Making-Of oder das Meet the Artist ans Herz legen. Diese Events sind für sie gedacht und geben einmalige Einblicke in die Branche. Ich freue mich sehr, dass dieses Jahr alle Filmschaffenden aus dem Schweizer Wettbewerb am Festival anwesend sein werden. Aber die Nachwuchsförderung startet eigentlich schon vor dem Studium: Bei den Schweizer Jugendfilmtagen haben wir intensive Jugendförderung betrieben und uns war es dabei immer wichtig, zusätzlich auch Mädchen und junge Frauen spezifisch zu fördern. Das habe ich mitgenommen und auch am Fantoche spezifische Gefässe geschaffen. Bei der Talent Industry arbeiten wir mit den Schweizer Jugendfilmtagen zusammen. Die Idee ist, dass wir animierte Kurzfilme von Jugendlichen zeigen, im Anschluss folgt ein Netzwerk-Apero. So erhalten die jungen Animator:innen Inputs von erfahreneren Kolleg:innen oder finden vielleicht Institutionen, die ihre Projekte finanziell unterstützen. Hierfür konnten wir auch namhafte Partner wie etwa Sparks des Migros Kulturprozent gewinnen. Wir hoffen, dass wir diesen Bereich weiter ausbauen können. Ich kann aber auch noch weitere Programmpunkte nennen. In «Panorama Teens» fokussieren wir auf Themen, die Teenager:innen beschäftigen: Umwelt, Identität, Gender oder einfach die Magie der Animation. Des Weiteren haben wir einen Workshop mit Lehrpersonen aus unterschiedlichen Schulstufen organisiert, um zu verstehen, welche digitale Tools wir als Workshopunterstützung benötigen können. Diese Tools möchten wir gerne im 2023/24 umsetzen. Welchen Film sollte keine:r in der kommenden 20. Ausgabe des Fantoche verpassen? ALLE! Fakt ist, die wenigsten Animationsfilme für Erwachsene werden im Kino gezeigt. Und Kurzfilme sind praktisch nur an Festivals zu sehen. Deshalb sollte alle die Chance nutzen, möglichst viele Filme bei uns anzuschauen. Einen allgemeinen Tipp habe ich nicht, da ich finde, dass wir alle unterschiedliche Geschmäcker haben, aber ich kann garantieren, dass für alle etwas dabei ist – von Einhorn-Splatter zu animierten Dokus, Märchen bis Anime, von hochpolitisch zu feel-good. Wir erfüllen alle Wünsche. Mit Ivana Kvesić sprach Silvia Posavec

GANZE REZENSION AUF ARTTV.CH LESEN INTERVIEW «Joyland» ist die Summe vieler fein verwobener Geschichten, die sowohl sanft als auch tragisch sind. Das Drehbuch ist mutig, was die Darstellung des sexuellen Erwachens angeht, mit einigen Szenen, die noch nie in einem pakistanischen Film zu sehen waren, aber gleichzeitig nähert es sich seinen Figuren mit viel Sorgfalt und Respekt. Khan stiehlt jedes Mal, wenn sie auf der Leinwand erscheint, die Show in ihrer emotionsgeladenen Rolle als freigeistige Biba, die darum kämpft, als Frau akzeptiert zu werden, aber genau an dieser Aufgabe bei dem Mann scheitert, in den sie sich verliebt. Marina D. Richter für Asien Movie Puls MEHR ZUM FILM i Joyland | Regie: Saim Sadiq | Drama | 126 Minuten | Pakistan, 2022

DAS FESTIVAL Queer-Feminismus ist für manche immer noch ein Fremdwort. Das Basler Festival Luststreifen will dem entgegenhalten und einen aktiven, aufklärenden Austausch anhand von Workshops und das Screenings internationaler Filme zum Thema Queer- Feminismus ermöglichen. Dabei spielen Gender und die sexuelle Orientierung keine Rolle. Die Festivalmacher:innen geben Filmemacher:innen und Kreativ-Schaffenden eine Plattform, um sich und ihre Arbeit der Welt zu zeigen. Nach einer kurzen aber nicht weniger lustvollen Ausgabe im letzten Jahr, präsentier das Festival an vier Tagen 12 Langfilme, davon 6 dokumentarische und 6 fiktionale Werke aus der Schweiz, Kosovo, Deutschland, Brasilien, Spanien, USA, Russland aber auch aus Regionen, in denen normalerweise weniger queer-feministische Filme entstehen wie Ägypten, Libanon und Burkina Faso Das 14. Luststreifen Film Festival ﬁndet vom 29. September bis 02 Oktober 2022 statt.

EIN FESTIVALRÜCKBLICK von Silvia Posavec Was einem anderenorts schnell als fragwürdiges Modestatement ausgelegt würde, steht in Locarno jeden Sommer insgeheim für eine kleine Auszeichnung: Wer eine Tasche oder ein Schlüsselband mit Leoprint trägt, der gehört dazu. Rund um Locarnos Piazza Grande wimmelte es in diesem Jahr nur so von gelb-schwarzen Variationen des Musters, die irgendwie auch Reminiszenzen an vergangene Festivalausgaben darstellen. Auch wenn die Jutetaschen und Bändeli selbstverständlich nicht die ganzen sagenhaften 75 Jahre zurückreichen, die das Festival in der «nördlichsten Perle des Mittelmeers» (wie es im Buch, das zum Jubiläum herausgegeben wurde, wunderschön heisst, S. 22) nun schon existiert. Aber irgendetwas ist anders in diesem Jubiläumsjahr. Es fühlt sich fast schon nach einer Zäsur an, obwohl die Pressestelle im Nachhinein stolz verkündet, dass sich die Besucher:innenzahlen nach der Coronakrise super erholt haben – immerhin kam es im Vergleich zum Vorjahr zu einem Gesamtanstieg von 60.4 %. Aber ob auf der Piazza oder in den Kinosälen, kaum ein Film kann wirklich begeistern. Das wundersame Gefühl, das sich einstellt, wenn man einem Moment beiwohnt, der sich in das kollektive Gedächtnis einschreibt, will nicht kommen. Es bleibt der schale Eindruck übrig, dass man vielleicht nur hingegangen ist, um dabei gewesen zu sein. Innovative Gesprächsrunden Dabei lassen sich, wenn man seinen Blick auf das Drumherum richtet, viele wunderbare Bestrebungen erkennen. Ein breites Kinderprogramm bereichert das Festival und bringt so einer jungen Generation nicht nur Film, sondern auch die Kinokultur nahe. Ebenso bemüht sich das Locarno Film Festival, das schliesslich auch als Unternehmen betrachtet werden muss, um Transparenz und Nachhaltigkeit, indem es einen umfangreichen Bericht dazu publiziert (mit dem an dieser Stelle jetzt aber niemand gelangweilt werden soll). Am greifbarsten werden die Bemühungen um zeitgemässe Diskurse und Innovationen, wenn man einen Blick auf die Gesprächsrunden des Begleitprogramms wirft. Hier wurde, auch wenn nicht gerade in sehr zuversichtlichem Ton, über die Zukunft des Kinos debattiert («Cinema is Dead

– Long Live Cinema», organisiert vom SVFJ, siehe arttv Beitrag), in einem 24 h Talk-Marathon das Prinzip der Aufmerksamkeitsökonomie ins Absurde geführt («The Future of Attention») und – eine Veranstaltung, die mir persönlich am lebhaftesten in Erinnerung bleiben wird – über Inklusion in der Filmindustrie gesprochen («Disability Inclusion in the Audiovisual Industry»). Die Sitzplätze des Forums im Spazio Cinema, das trotz seiner luftigen Gestaltung in diesem Sommer zur Hitzefalle wurde, blieben aber oft halb leer. In jedem der drei Fälle diskutierte die Branche leider nur mit sich selbst und bewies schwitzend ihre Ausdauer. Unerfüllte Erwartungen an das Programm Einzig die ausgewiesenen Filmstars des Festivals, wie etwa der charismatisch- exzentrische Udo Kier, zogen ein breiteres Publikum an, das dann auch in der Hitze ausharrte. Wieso die Gespräche oftmals am Nachmittag stattfinden mussten und man nicht spontan genug war, sich an die extremen Bedingungen des europaweiten Hitzesommers anzupassen, bleibt mir ein Rätsel. Doch es wird nicht nur an der schwülen Hitze gelegen haben, dass es so Manche schon nach einer Filmvorstellung vorzogen, in der restlichen Zeit lieber das kühle Nass aufzusuchen. Was war da also los mit dem diesjährigen Filmprogramm? Locarno ist und bleibt ein Publikumsfestival, das sich nach dem Hauptprogramm auf der Piazza richtet. Ein guter Piazza-Film spricht ein breites Publikum an und bietet aber trotzdem Denkanstösse. Er sollte festgefahrene Klischees und/oder Rollenmuster weder reproduzieren noch vereinfach, geschweige denn umkehren! Und filmisch sollte er wenn schon nicht innovativ, dann zumindest solide sein. Vielleicht ist damit der Massstab schon zu hoch angesetzt, aber aus meiner Sicht fielen (von der wunderbaren Retrospektive abgesehen) somit schon die meisten Filme durch – leider auch die zwei Schweizer Beiträge «Semret» und «Alles über Martin Suter». Schlecht müssen diese dafür trotzdem nicht gleich sein, aber es gelingt so manchem Filmwerk eben nicht, das Piazza-Format vollends auszuschöpfen. Und das liegt einzig und allein an der Programmierung des Festivals. Die Filme im Internationalen Wettbewerb erfüllen die Erwartungen ebenfalls nicht, denn der wirkte wie eine irritierende Sammlung experimenteller Genre-Clashes. Auch hart gesottene Arthouse-Fans liefen da etwas befremdet aus den Vorstellungen. Vielleicht lag es aber an den Ausläufern der Coronapandemie, dass die Filmauswahl an sich mässig war? Hat das Team um den

Künstlerischen Leiter Giona A. Nazzaro zu früh versucht, zu einer in Wahrheit «alten Normalität» zurückzukehren? Mutige Gewinnerﬁlme Maskentragende Menschen tauchen in diesem Jahr eher in den Filmen als in den Filmvorstellungen auf. Wer bei den Pressekonferenzen aber genau hinhört, der bekommt noch einen Eindruck davon, welch enormen Herausforderungen Produzent:innen und Filmemacher:innen wegen Corona zu bewältigen hatten. Der Schweizer Kaspar Kasics geht damit offensiv um. Er baut in seinem neuen Dokumentarfilm «Erica Jong – Breaking The Wall» (der ausserhalb des Wettbewerbs lief) Tonaufnahmen der Zoom-Gespräche mit seiner Hauptprotagonistin in seine Erzählung ein, als er die titelgebende feministische Schriftstellerin nicht mehr in New York besuchen und filmen kann. Ein ausführliches Interview mit Kaspar Kasics auf arttv folgt zum Filmstart im Dezember. Gesamtgesehen wenden sich die Regisseur:innen mutig neuen Themen zu und glücklicherweise lassen sich am Ende doch noch einzelne Filmperlen finden. Verlass ist in diesem Jahr auf die Jury, die aus dem Vielzahl der so unterschiedlich zu bewertenden Filmbeiträge eine gute Auswahl getroffen hat. Als bester erster Film und bester Nachwuchsregisseur der Sektion Cineasti del presente wird der Kroate Juraj Lerotić mit «Sigurno mjesto» (Safe place) ausgezeichnet. In seinem autobiografischen Drama verarbeitet er den erschütternden Suizid seines Bruders und legt die Ohnmacht von Angehörigen offen, was einer überfälligen Enttabuisierung einer so komplexen Erfahrung gleichkommt. Ein, wenn man so will, ebenso «klassisches Drama» um eine intensiv-destruktive Vater-Tochter-Beziehung ist «Tengo sueños eléctricos» der französisch-costa-ricanischen Filmregisseurin Valentina Maurel, die als beste Regisseurin im Internationalen Wettbewerb ausgezeichnet wurde. Die Hauptrollen in diesem toxischen Coming of Age- Film spielen die Teenagerin Daniela Marín Navarro und Reinaldo Amien Gutiérrez, beide gehen sie verdient mit dem Pardo also beste Hauptdarstellerin und bester Hauptdarsteller nach Hause. Lobenswert ist ebenso, dass erstmals eine neu berufene WWF-Jury Filme aus ökologischer Perspektive bewertet. Sie werfen mit dem Grünen Pardo ein Schlaglicht auf den Dokumentarfilm «Matter Out Of Place» von Nikolaus Geyrhalter. Die 110- minütige filmische Meditation des Österreichers widmet sich wortlos eine scheinbaren weltweiten Konstante des menschlichen Wesens: der

Müllproduktion. Ein Film, den ich mir persönlich als Gewinner des goldenen Leoparden gewünscht hätte. Doch dieser geht unerwartet an die Brasilianerin Julia Murat mit «Regra 34». Ihr Film handelt von einer modernen junge Frau, die eine zwiegespaltene Entwicklung durchlebt, in dem sie immer tiefer in die Welt von BDSM-Praktiken eintaucht. Was gehört auf die grosse Leinwand? Eine Szene des Gewinnerfilms ist mir besonders in Erinnerung geblieben: Zwei Freundinnen kommen nach langer Zeit an einem Nachmittag wieder zusammen. Sie sitzen auf der Trasse, lackieren sich gegenseitig die Fussnägel und reden über Belanglosigkeiten. Es ist eine stinknormale Situation, die diese jungen Frauen aber in einem ausgelassenen Moment von natürlicher Intimität zeigt. Es sind solche Szenen, die auf der grossen Leinwand wirklich überfällig sind. Dahingegen erscheint es, als dürften die Frauen, denen man in den Piazza-Filmen begegnet, auf keinen Fall gewöhnlich sein. Ich frage mich, wieso eine Juliette Binoche als Truckerin in «Paradise Highway» absurde Wettrennen mit der Zeit fahren muss oder Sophie Marceau als toughe Polizistin zur Rächerin mit Pfeil und Bogen wird – und das auch noch in einem Film, der «Une femme de notre temps» heisst? Von allen Piazza-Filmen hat dem Publikum übrigens die seichte Komödie «Last Dance» von Delphine Leherciey am besten gefallen, darin geht es um einen tanzenden Witwer, der die meiste Zeit im Pyjama durch das Bild rennt. Ich wünsche mir mehr Mut bei der Programmierung und Glaube, dass man auch einem grossen Publikum Filme mit komplexeren Charakteren und tiefgreifenderen Thematiken zeigen kann. Es braucht neue Narrative, altbekannte Zugpferde haben ausgedient. Dieses Jahr hat bewiesen, dass das Publikum auf die Piazza kommen will – also wieso kann man ihnen nicht von vorn hinein die Filme vorstellen, die wirklich einen Unterschied machen? Zurück zu Hause habe ich mein Bändeli und meine Locarno-Tasche 2022 in die Schublade zu den anderen gelegt. Nachhaltig wäre es doch, wenn ich im 2023 einfach wieder damit teilnehmen könnte. Zumindest an dieser Front müsste sich das Festival im nächsten Jahr nicht unbedingt neu erfinden.

i l s n Z i e g n I © : l e k i t r A m u z s o t o F Die Schweizer Festivalwelt wird bunter. Ein neues Filmfestival mit dem Schwerpunkt Kunst ging im August an den Start. ERSTE AUSGABE Der Gründer und Direktor des Festivals, Stefano Rabolli Pansera hat zusammen mit der Kulturjournalistin der Sonntags Zeitung Ewa Hess ein 4-tägiges Programm rund um das Thema «Face to Face» kuratiert. Die Eröffnungsausgabe zeigte Werke von Künstler:inen und Regisseur:innen, überzeugte mit Diskussionen, einer Party im legendären Drakula- Club und - ganz Sankt Moritz like - eine noble Preisgala im Embassady Room des ebenso legendären Palace Hotels.

DAS FESTIVAL Das SMAFF-Programm hebt die enge Verbindung zwischen der bildenden Kunst und dem Kino hervor. Die Komplexität des Begriffs wurde in der ersten Ausgabe durch Vorführungen und Debatten, Rundtischgespräche, Lesungen, Vorträge und Versammlungen während der vier Festivaltage vertieft, wird als auch während des ganzen Jahres mit monatlichen Online-Seminaren weiterverfolgt. Das Thema «Faces», der vergangenen ersten Angabe, wurde – wie auch die kommenden Jahresthemen – durch eine Reihe von alten und neuen Filmen, Videos und audiovisuellem Material sowie durch Debatten mit globalen Meinungsführern wie Philosoph:innen, Künstler:innen, Filmproduzent:innen, Schauspieler:innen und Schriftsteller:innen vor und nach den eigentlichen Filmvorführungen erschlossen, wodurch ein perfekter Kontext für einen eingehenden analytischen Ansatz geschaffen wird. Die Schaffung dieser einzigartigen Forschungsplattform in St. Moritz stellt die kreative Interpretation bestehender Filme in den Mittelpunktund wird so die Kraft des Kuratierens von Kino und audiovisuellem Material aufzeigen, um eine neue Perspektive des Denkens und Handelns zu entwickeln und gleichzeitig ein neues kulturelles Umfeld in der Alpenstadt und im gesamten Engadin zu fördern. Die erste Ausgabe des Sankt Moritz Art Film Festival – SMAFF fand vom 25. bis 28. August 2022 in der Reithalle und im Badrutt’s Palace Hotel statt.

LINK GANZEN ARTIKEL AUF ARTTV.CH ANSEHEN Ein Film wie ein Nachruf, nicht nur auf einen grossen Menschen, sondern auch auf die Hoffnung auf ein weltoffenes und liberales Russland GORBACHEV. HEAVEN Das Feuermal auf den Kopf machte ihn unverkennbar. Michail Gorbatschow war einer der Männer, die einst die Geschicke des ausgehenden 20. Jahrhunderts bedeutend mitprägten, nun ist er am 30. August 2022 verstorbenen. Der Dokumentarfilm von 2021 gibt einen Einblick in den Alltag dieses Politikers, der sich darin lebensfroh und doch nicht frei von nostalgischen Gefühlen zeigte.

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