CLICK_CINEMA_DEZ

CLICK_CINEMA_DEZ_JAN23

CLICK_CINEMA_DEZ_JAN23
Editorial
Spielfilm des Monats: Call Jane
Rezension
Abtreibung in der USA
Einladung #1
Einladung #2
arttv Film-Crew
Interview: Milo Rau in Mosul
Fokus Schweiz: Peter K.
Interview Manfred Liechti
Besondere Empfehlung: Der Passfälscher
Rezension
Nichts für Angsthasen: Bones and All
Kontrovers: Rheingold
Dokfilm des Monats: Albert Anker
Rezension
Ennio Morricone
Porno?
TV Tipp: Heidis Alptraum
Interview Anita Hugi
Free Streaming
Wolkenbruch
Guru
#Femal Pleasure

Liebe CLICK CINEMA Leser:innen Der Schweizer Film «Die goldenen Jahre» von Barbara Kulcsar hat schon über 50 000 Besucher:innen verbucht. Die Komödie ist damit der erfolgreichste Schweizer Film seit der Pandemie. Das freut mich, für die Macher:innen aber auch den Verleiher Filmcoopi. Es gibt also durchaus Hoffnung, dass die Menschen wieder ins Kino gehen. Es braucht einfach gute Filme. Solche, die dem Publikum Spass machen, es interessiert, berührt oder aber so richtig spannend sind. So ein spannender Film ist «Bones and All». Völlig unvorbereitet habe ich im Rahmen einer Pressevisionierung die Geschichte über zwei menschenfressende Teenager gesehen. Ich darf behaupten, nicht ein besonders ängstlicher Mensch zu sein, aber der Film von- Regisseur Luca Guadagnino, der mit «Call Me by Your Name» schon grosses Kino schuf, liess mich ein paar Mal regelrecht erschaudern. Und ich glaube, es war gut, dass ich mich überhaupt nicht über den Film informiert habe, bevor ich mich ins Kino setzte. Menschenfressende Teenager! So eine schwachsinnige Story, hätte ich mir wohl gedacht. Aber nein, der Film ist genial. Es mag paradox klingen, aber «Bones and All» ist trotz Menschenfresser-Story ein subtiler Film. Er kann als Parabel gelesen werden. Wie gehen wir mit Menschen um, z.B Pädophile, die ein Verlangen haben, eine Neigung für deren Ausleben eine absolute Null-Toleranz gelten muss. Der Film gibt die richtige Antwort. Aber sehen Sie selbst.

Das Kino und seine Kraft für soziales Engagement hat sich der Schweizer Theaterregisseur Milo Rau zu eigen gemacht. Im irakischen Mosul hat er eine Filmschule gegründet. Junge Student:innen erzählen ihre Geschichten. «Sie handeln von der Kindheit, von der Hoffnung, von der Finsternis. Die Student:innen sind alle sehr jung. Ihre gesamte Kindheit haben sie unter dem vielleicht verbrecherischsten Staat der Weltgeschichte, an einem der finstersten Orte, die man für eine Kindheit finden kann, verbracht.» so Milo Rau im arttv Interview mit Silvia Posavec. Ein weiteres spannendes Interview hat unser Filmredaktor Geri Krebs mit Schauspieler Manfred Liechti geführt. Liechti spielt im Film «Peter K. - Alleine gegen den Staat» den bekanntesten Verbrecher der Schweiz, den Amok-Rentner Peter Hans Kneubühl. Im Interview erzählt Liechti, wie er die erste Begegnung mit Kneubühl im Gefängnis empfand, warum er glaubt, dass Knast- Besuche extra unangenehm gemacht werden und warum er im Film zu zwitschern beginnt. Sehr zu empfehlen ist auch unser Film des Monats «Call Jane». Es geht um Abtreibungen im Hinterzimmer. Doris Senn sieht den Film als einen dringlichen Appell für das Selbstbestimmungsrecht der Frau. Eigentlich selbstverständlich und doch wieder in Gefahr. Mit freundlichen Grüssen Felix Schenker, Chefredaktor arttv.ch

I S S P O N Y S Call Jane | Synopsis Chicago, 1968. Während die Stadt und die Nation am Rande eines gewalttätigen politischen Umsturzes stehen, führt die Hausfrau Joy mit ihrem Mann und ihrer Tochter ein gewöhnliches Leben in der Vorstadt. Doch Joys erneute Schwangerschaft führt sie unerwartet in einen lebensbedrohlichen Zustand. Sie muss sich mit einem medizinischen System und Ärzten auseinandersetzen, die nicht bereit sind, ihr zu helfen. Eine legale Abtreibung ist nicht möglich. Ihre Suche nach einer Lösung führt sie zu den «Janes», einer geheimen Frauen-Organisation, die Joy eine sicherere Alternative anbieten – und damit nicht nur ihr Leben retten, sondern auch grundsätzlich verändern. «Call Jane» wirft dringende Fragen über systemische Barrieren, die sich ständig verändernde Natur der Politik und den Kampf der Frauen um die Kontrolle über ihren Körper auf.

ARTTV REZENSION Paradox: Das Abtreibungsdrama von Phyllis Nagy kommt just in dem Jahr ins Kino, in dem der Supreme Court das Recht auf Abtreibung in den USA – nach 50 Jahren! – wieder abschafft. In einer soliden Verﬁlmung erzählt «Call Jane» ein wichtiges Kapitel der Frauenbewegung mit unaufgesetztem Styling und viel Retro-Sound. von Doris Senn Das Recht auf Abtreibung ist – so unglaublich, so wahr – grad wieder brandaktuell. Nicht nur in Polen, wo jüngst die Frauen vergeblich gegen Einschränkungen des Gesetzes durch das Verfassungsgericht 2020 ankämpften. Oder in Brasilien, wo Bolsonaro im selben Jahr das Abtreibungsrecht ebenfalls beschnitt. Erst recht in den USA, wo der Supreme Court diesen Sommer das Rad der Geschichte zurückdrehte und das Recht auf Abtreibung wieder abschaffte, nachdem er es 1973, nach einem legendären Prozess («Roe v. Wade») und viel Protest auf der Strasse, endlich eingeführt hatte. Feministische Errungenschaften haben eine kurze Halbwertszeit, wie nun gleich mehrere Filme zeigen, die das Thema Abtreibung historisch aufrollen Feministische Forderungen: Anhaltend brisant Feministische Errungenschaften haben eine kurze Halbwertszeit, wie nun gleich mehrere Filme zeigen, die das Thema Abtreibung historisch aufrollen und ungeahnt Brisanz erhalten. Im vergangenen

Jahr war es «L’événement» von Audrey Diwan, die ein Buch der soeben zur Literaturnobelpreisträgerin gekürten Annie Ernaux verfilmte und für ihren Film über eine verbotene Abtreibung in den Sechzigern den Goldenen Löwen in Venedig erhielt. In Locarno war in diesem Jahr «Annie Colère» zu sehen von Blandine Lenoir über den Abtreibungskampf der Frauen Anfang Siebziger in Frankreich – mit Shootingstar Laure Calamy («À plein temps») in der Hauptrolle. Und nun bringt Phyllis Nagy ihren «Call Jane» ins Kino – über eine engagierte Frauengruppe, die «Janes», die zwischen 1968 und 1973 in Chicago nicht weniger als 12’000 (illegale) Abtreibungen möglich machten. Die Erzählung von «Call Jane» ist gradlinig, das Styling stilecht und unnostalgisch, die Figuren und Situationen historisch verbürgt, die kämpferische Energie der Feministinnen, insbesondere von Virginia, mit Händen zu greifen. Sisterhood in den Sechzigern Phyllis Nagy, die renommierte 59- jährige Drehbuchautorin («Carol»), realisierte mit «Call Jane» ihre erst zweite Regiearbeit. Für den Cast konnte sie Hollywood-Grössen wie Sigourney Weaver – als hemdsärmlig-radikale Feministin Virginia – oder Elizabeth Banks («Hunger Games») als Vorstadt- Familienfrau Joy gewinnen, die im Lauf des Films mehr und mehr von der feministischen Solidarität der «Sisterhood» überzeugt wird und zur feurigen «Janes»-Aktivistin mutiert. Historisch verbürgt Die Erzählung von «Call Jane» ist gradlinig, das Styling stilecht und unnostalgisch, die Figuren und Situationen historisch verbürgt, die kämpferische Energie der Feministinnen, insbesondere von Virginia, mit Händen zu greifen. Dafür, mag man monieren, ist die Story etwas glatt, das Atmosphärische etwas dünn geraten: Die Not der

Am 1. Dezember 2021 fand im U.S.-amerikanischen Supreme Court eine Anhörung im Fall Dobbs v. Jackson Women’s Health Organization statt, der das offensichtlich verfassungswidrige Gesetz in Mississippi verhandelt, dass die Abtreibung bis zur 15. Woche untersagt. Dieser Fall ist eine unmittelbare Gefahr für Roe v. Wade, die richtungsweisende Supreme-Court-Entscheidung aus dem Jahr 1973, die das grundgesetzliche Recht auf Abtreibung bestätigte. In den beinahe 50 Jahren seit Roe greifen Anti-Abtreibungs- Politiker zunehmend den Zugang zu Schwangerschaftsabbrüchen an. Mit dem Fall aus Mississippi verlangten sie unverblümt, dass der Supreme Court den etablierten rechtlichen Präzedenzfall ignorieren und Roe aufheben sollte. Indem der Supreme Court dem Fall zugestimmt hat, signalisierte er seine potenzielle Bereitschaft, Jahrzehnte eigener Entscheidungen in Hinblick auf

Abtreibungsrechte umzustossen. In einer parallelen Entwicklung erlaubte der Supreme Court das Inkrafttreten eines texanischen Gesetzes, das das Abtreibungsverbot nach sechs Wochen verbietet und damit eine Verletzung von Roe darstellt. Das Urteil der Richter:innen über das Gesetz in Mississippi veränderte den Zugang zu Abtreibungen in den USA dramatisch und kippte auch die Grundsatzentscheidung von Roe v. Wade, die ein grundgesetzliches Recht auf Abtreibung einführte. Am 24. Juni 2022 wurde das bundesweit eingeführte Recht auf Schwangerschaftsabbruch gekippt und ist somit Sache der Bundesstaaten. Auf Ebene der Bundesstaaten. Noch vor dem Urteil des Supreme Courts hatten es republikanisch regierte Staaten eilig, neue Beschränkungen für Schwangerschaftsabbrüche einzuführen. Das Bild der Schwangerschaftsabbrüche hat sich zusammen mit der Gesellschaft gewandelt. Heute treiben Jugendliche weit seltener ab. Die typische Patientin ist bereits Mutter, arm, unverheiratet, Ende 20, hat studiert und ist seit kurzem schwanger. Mit der Aufhebung von Roe v. Wade bleibt Abtreibung in mehr als der Hälfte aller Staaten legal, nicht jedoch in einem breiten Gebiet im mittleren Westen und im Süden. Einige Frauen können in einen anderen Staat reisen oder mittels einer Abtreibungspille die Schwangerschaft beenden, viele Frauen in niedrigeren Einkommensschichten haben jedoch keinen Zugang dazu.

LINK I N E D R E W D E L G T M - B U L C V T T R A I club Sängerin, Schauspielerin, Gay-Ikone, Nazibraut! Georg Kling singt, tanzt und erzählt die unglaubliche Lebensgeschichte von Zarah Leander, einer der grössten Diven des 20. Jahrhunderts. Für ihre Karriere schloss sie einen Bund mit dem Teufel und opferte die Liebe. Ihre Lieder bleiben aber unvergesslich. arttv Mitglieder erhalten kostenlose Eintritte THEATER STOK ZARAH! - EINMAL ZIRKUSPFERD IMMER ZIRKUSPFERD MO 16. ODER MI 18. JANUAR 2023 jeweils 19.30 H

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ARTTV INTERVIEW Mit Milo Rau sprach Silvia Posavec Milo Rau, als Theater- und Filmregisseur sind Sie bekannt dafür, in Ihren Arbeiten globale und sozialkritische Themen aufzugreifen. Wie kam es zu Ihrem Engagement in der nordirakischen Stadt Mosul? Ich war 2016 mit dem Stück «Empire» in der Region. Als Teil meiner Europa-Trilogie endete die Inszenierung damit, dass ein syrischer Schauspieler die Flüchtlingsroute quasi rückwärts geht, um nach Qamischli zurückzukehren. So kam ich durch den Nordirak und habe zum ersten Mal all diese zerstörten Städte gesehen. Mosul war damals noch die irakische Hauptstadt der Terrormiliz IS. Eigentlich verfolgte ich die Idee, das Stück «Orestes» von Euripides in der befreiten Stadt Sindschar zu inszenieren. Als ich dort in den Ruinen stand, hatte ich das Gefühl, gleichzeitig in einem Fernsehbild und in der Antike unserer Antike zu sein. Denn wenn sie in den griechischen Tragödien über Troja und das Zweistromland reden, dann ist das so, wie wenn wir über die Griechen sprechen. Die Parallelität dieser zwei Zeitalter fand ich super interessant. Dann wurde Mosul befreit, eine Millionenmetropole und gleichzeitig die älteste Stadt der Welt. Unter der Bezeichnung Ninive galt sie als das Rom des Alten Testaments. Als ich nach Mosul kam, war es komplett zerstört. Wir haben mitten in den Trümmern das Stück «Orestes in Mosul» realisiert und sind damit auf Tour gegangen. Später habe ich dann gemerkt, dass unser Projekt nicht wirklich nachhaltig war. Es ist schwer, aus Mosul heraus zu touren, weil es nicht einfach ist, VISA für das irakische Team zu bekommen. Nach monatelangen bürokratischen Prozessen haben wir am Ende nur zwei Protagonist:innen aus dem Land rausgekriegt, da ist die Distribution von Filmen viel einfacher. War da die Idee für eine Filmschule schon geboren? Und wie kam es zur Kooperation mit der UNESCO? Die damalige Leiterin der UNESCO hat «Orestes in Mosul» in Paris gesehen. Sie fand das Stück super und bot mir an, im Rahmen ihres Projektes «Revive the Spirit of Mosul» etwas zu machen. Dann haben sie drei Projekte unterstützt, eins für Tanz, eins für Musik und eins für Film und Theater. Und so wurde diese Filmschule gegründet.

Leistet Kunst oder in diesem Fall der Film eine gewisse Art der Entwicklungsarbeit? Ja. Aber ich finde es interessant, dass es ihnen weder an Talent noch an Leuten, Geschichten oder Fähigkeiten fehlt. Sie brauchen einen Schnittraum und eine Kamera. Die Herrschaft, die wir von Europa und Amerika aus über den Filmmarkt haben, bedingt sich tatsächlich durch die Infrastruktur. Heute leben wir aber zum Glück in einer Zeit, in der man mit wenigen Mitteln und etwas Ausbildung schon einen neuen kleinen Markt schaffen kann. (Eine Entwicklung, die mit den Dogma- Filmen der 90er-Jahre angefangen hat.) Während wir Theater gemacht haben, merkten wir, dass sobald die Leute eine Kamera in der Hand hatten, sie glücklich waren. Das war es, was sie machen wollten, damit konnten sie ihre Geschichten erzählen. Welche Erfahrungen haben Sie mit den Student:innen dieser ersten neuen Filmschule in Mosul gemacht? Schon bei «Orestes in Mosul» habe ich mit Student:innen zusammengearbeitet, von denen einige jetzt auch an der Filmschule sind. Während der Theaterarbeiten haben wir gemerkt, dass die Leute glücklich waren, sobald sie eine Kamera in der Hand hatten. Das war es, was sie machen wollten, denn mit der Filmkamera konnten sie ihre Geschichten erzählen. Und sie gehören einer neuen Generation an, die das Weltkino auf ganz andere Weise kennengelernt hat. In Bezug auf das Erzählen von Geschichten mit Bildern sind sie hypergebildet, ein Godard wirkt im Vergleich dazu fast schon schwerfällig. Es hat mich sehr erstaunt, wie schnell sie das Filmhandwerk gelernt haben. Ihre Abschlussfilme sind unglaublich stark, nach einem Jahr Filmschule sind die gleich gut wie ich. Denen muss man nur die fünf grundlegenden Regeln des Filmemachens erklären, eine Kamera geben und zack hat man einen nächsten Scorsese. Und das finde ich toll, das ist die Kraft des Kinos. Das irakische Kino hat also gute Chancen, sich nach dem schrecklichen Krieg zu erholen? Ja, das sieht man oft in Post-Krisensituationen. Mit dem Neorealismus entstand die grösste Zeit des europäischen Kinos direkt im und nach dem Zweiten Weltkrieg. Unsere Kurzfilme aus Mosul erinnern extrem an neorealistische Werke, von der Einfachheit der Erzählung, von den Laiendarsteller:innen und natürlich auch von den Ruinenlandschaften. Sie tragen eine Armut der Ästhetik in sich. Es ist diese ganze Konstellation, die diese Filme notwendig macht. Man versteht, wieso das Kino als

Kunst geboren wurde. Hier im Westen ist es oft nur noch Luxus, der dazu dient, die siebzehntausendste Liebesgeschichte von zwei Grossstädtern zu erzählen. Filme, die eine Dringlichkeit mitbringen, können sehr bewegend und interessant sein. Aber genügt das? Nicht nur – wir haben Kurzfilme, die noch nicht ausgereift waren, tatsächlich auch aussortiert. Ein guter Film muss ein guter Film sein. Die Schönheit eines Films hat eine humane, eine dringliche und professionelle Ebene. Diese drei Sachen müssen zusammenkommen, sonst ist es ein schlechter Film. Die grossen Werke des Neorealismus werden bewundert, aber 99,9 Prozent aller Filme basieren auf melodramatischen Drehbüchern, die mit der dokumentarischen Ästhetik in der Umsetzung nicht funktionieren. In Roberto Rossellinis «Roma città aperta» ist das Drehbuch in ständigem Kampf mit der Ästhetik. Die professionellen Schauspielerinnen und die Laiendarstellerinnen harmonieren im ihrem Spiel nicht zusammen. Es ist also nicht ganz einfach, einen guten Film zu machen, doch das hängt auch von den Bedingungen ab. Es geht darum, im richtigen Moment am richtigen Ort zu sein, zufällig. Was uns zurück zu Mosul führt: Waren sofort alle begeistert, dass man Student:innen Kameras in die Hand gibt? Gab es auch Widerstand? Ja, den gab es. Vor allem für die Studentinnen. Aber der irakische Staat hat im Parlament eine Frauenquote von 25 Prozent beschlossen, was vor allem für Mosul eine absurd hohe Zahl ist. Diese Quote haben wir auch bei uns knallhart durchgezogen. In den Familien gab es viel Gesprächsbedarf, aber wir sind sehr sorgfältig mit dem Thema umgegangen. Frauen vor der Kamera und Frauen hinter der Kamera, diese Debatten muss man erst einmal führen und danach sind sie überwunden. Das hat in Mosul, der Hauptstadt des Islamischen Staats, nur drei Tage gedauert. Man sollte diese Dinge also auch nicht immer überbewerten, sondern einfach angehen. Mit welchen Themen beschäftigen sich die Filme? Sie handeln von der Kindheit, von Hoffnung und Finsternis. Die Student:innen sind alle sehr jung. Ihre gesamte Kindheit haben sie unter dem verbrecherischsten Staat der Weltgeschichte, an einem der finstersten Orte, die man für eine Kindheit finden kann, verbracht. Da kann man erwarten, dass es um Missbrauch, Zwangsheirat und Mienen geht. Das fand ich krass. Aber natürlich handeln die Filme auch von Liebe.

Durch die Filme geben die Studierenden Einblicke in ihre Lebenswirklichkeit. Gab es von Seite der Filmschule Vorgaben? Nein, es gab keine Vorgaben, auch nicht, ob dokumentarisch oder fiktional gearbeitet wird. Aber es ist keine:r auf die Idee gekommen, einen Dokumentarfilm zu machen. Das scheint ein westliches Luxus Hobby zu sein. Für junge Filmemacher:innen scheint Fiktion zwingend zu sein, um Erfahrung mitzuteilen. Wie beschreibt man das Leben unter einer Diktatur wie der des Islamischen Staates? Dass es ihnen gelungen ist, ihre Erfahrungen so auszudrücken, ist unglaublich. Für mich sind diese Filme tatsächlich Filmgeschichte. Ich hoffe wirklich, dass wir das Geld zusammenbekommen, um ein paar Langfilme zu realisieren. Es ist keiner auf die Idee gekommen, einen Dokumentarfilm zu machen. Das scheint ein westliches Luxus Hobby zu sein. Für junge Filmemacher:innen scheint Fiktion zwingend zu sein, um Erfahrung Wie geht es mit der Filmschule weiter und welche Pläne bestehen für die Abschlussﬁlme der ersten Filmklasse von Mosul? Die Filmprojekte des ersten Jahrgangs sind abgeschlossen und seit einem Monat auf Festivals zu sehen. Es sind neun Kurzfilme entstanden, die jeweils zehn Minuten lang sind. Aber noch haben wir keine Plattform, auf der man sie anschauen könnte. Aus einer Filmklasse von 20 Leuten sind einige wirkliche Talente dabei. Das sind dann die, die weitermachen werden. Für mich ist es wichtig, ein Filmfestival zu schaffen, auf den Filme aus der Region gezeigt werden, das aber auch im Austausch mit Europa steht. Nach dem Zweiten Weltkrieg beispielsweise wurde die Berlinale ganz bewusst gegründet, weil man das komplett zerstörte Berlin wieder aufbauen wollte. Man hat also ein paar private Produktionsfirmen gezielt finanziell unterstützt, die vielleicht nicht mit Altnazis besetzt waren. So muss man auch in Mosul vorgehen. Die Region ist noch immer gefährdet, der Zentralstaat ist schwach und gleichzeitig nicht ganz unkorrupt. Das ist problematisch. Aber in Kurdistan gibt es bereits einige unabhängige Produktionsfirmen und ein Theaterfestival. Das sind eigentlich schon boomende Kulturmärkte. Ich hoffe, dass es uns gelingt, eine selbsttragende Struktur aufzubauen. Dafür müssen nur ein paar Geschäftsmänner und -frauen, ein paar Philanthrop:innen und ein paar Filmliebhaber:innen zusammenkommen, vortreten und sich einbringen.

M L I F M U Z N E M M T S I Peter K. – Alleine gegen den Staat | Stimmen «Auf der Suche nach einem geeigneten Hauptdarsteller wird Wyss bei einem Mann fündig, der sich mit der Verkörperung von Randfiguren bestens auskennt – auch weil er selber auf eine schwierige Kindheit in ärmlichen Verhältnissen zurückblickt. Den markanten Berner Charakterkopf Manfred Liechti (65) kennen die TV-Zuschauer […] Im Bestreben um grösstmögliche Authentizität trifft sich auch Liechti mit Kneubühl zum Gespräch.» – Blick | «Der Regisseur war fasziniert von der Verhaftung von Peter Hans Kneubühl und wollte einen Film darüber drehen. Während der Recherche änderte sich sein Blickwinkel auf den Fall.» – Baerntoday

ARTTV INTERVIEW Mit Manfred Liechti sprach Geri Krebs Manfred Liechti, Sie konnten Peter Hans Kneubühl im Gefängnis besuchen. Wie gestaltete sich dieser Besuch und wie erlebten Sie den Mann, den sie im Film verkörperten? Der Besuch fand Anfang 2019 im Regionalgefängnis Thun statt. Es ist ein finsterer Klotz, der schon von Aussen furchterregend wirkt. Ich durfte genau eine Stunde lang mit Peter Hans Kneubühl sprechen und dem Besuch vorausgegangen war ein längeres bürokratisches Hin und Her, bis ich schliesslich eine Bewilligung erhielt. Im Vorfeld des Besuches hatte ich Bilder aus amerikanischen Filmen über Gefängnisbesuche im Kopf. Ich stellte mir vor, dass ich da auch so in einem Raum bin mit einem Tisch und einem Gefängnisaufseher in der Ecke, der unser Gespräch überwacht. In der Realität war es dann aber ziemlich anders. Erzählen Sie uns mehr … Ich möchte zuerst kurz schildern, wie man als Besucher:in überhaupt in das Gefängnis gelangt. Vom Regisseur Laurent Wyss, der Herrn Kneubühl bereits mehrmals besucht hatte, wusste ich, dass man Besuchstermine nicht reservieren kann. Das heisst, dass man wieder gehen muss, wenn wegen der Besuchsbeschränkung schon jemand bei ihm ist. Doch ich war zuerst da und hatte Glück. Als Erstes traf ich beim Eingang auf einen Beamten hinter einer dicken Panzerglasscheibe. Der begrüsste mich per Mikrofon mit: «Ausweis! – Besuchsbewilligung!» Die beiden Papiere reichte ich wie bei einem SBB-Schalter unter dem Panzerglas durch, kurz darauf ging per Knopfdruck eine Türe auf. Ich stand in einem kleinen Vorraum, wo ich von einer freundlichen Wärterin mit den Worten in Empfang genommen wurde: «Sie können gleich dort nach hinten in Loge drei.» Die «Loge» war winziger Raum, ein Meter fünfzig breit, zwei Meter zwanzig lang, dahinter eine Trennscheibe aus dickem Panzerglas. Das erinnerte mich an ein Aquarium. Vor dem Panzerglas als Tisch ein eingemauertes Brett und ein Stuhl.

Peter Hans Kneubühl war aber noch nicht da? Nein, er kam dann auf der anderen Seite des Panzerglases herein. Er bedankte sich sehr höflich, dass ich ihn besuchen komme – dass ich mich so sehr für ihn interessiere und nun sogar seine Figur spiele. Ich war erleichtert, denn ich hatte ja bereits Tagebücher und Aufzeichnungen von ihm gelesen. Darin hatte er wiederholt beschrieben, wie er sich beobachtet und vom Staat verfolgt fühlte. Ich hatte mich also darauf vorbereitet, dass er möglicherweise auch meinen Besuch so interpretieren könnte: Jetzt kommt da noch so einer zu mir ins Gefängnis, um mich auszuspionieren … War Kneubühl ihnen gegenüber misstrauisch eingestellt? Nein, überhaupt nicht. Es gab ein wunderbares Gespräch, wir verstanden uns gut, nur akustisch war es ein Horror. Es hallte in diesem kahlen Raum. Und durch die Sprechanlage, durch die man kommunizieren muss, verstand man gar nichts mehr, wenn wir beide mal gleichzeitig sprachen. Ich denke, es gehört zum System, dass alles möglichst unangenehm sein soll: der düstere Klotz, der Befehlston beim Eingang, der sehr kleine kahle Raum, die Trennscheibe, die Sprechanlage – und die Akustik. «Yi, jetzt geiht’s los!», ruft der Hundetrainer, der Hund explodiert förmlich. Ich in der Schutzjacke, er stürzt sich auf mich und wirft mich zu Boden, noch ohne Biss in den Arm. erhalten habe. Worüber sprachen Sie mit diesem Mann, den sie in «Peter K.» verkörpern sollten? Unser Gespräch drehte sich dann vor allem um unsere Kindheits- und Jugenderinnerungen. Er ist zwar gut zehn Jahre älter als ich, aber beide sind wir im Kanton Bern am Stadtrand in der Nähe von Wäldern aufgewachsen. Ich in Bümpliz, er in Biel. Wir erzählten einander dann, wie wir als Kinder am glücklichsten waren, wenn wir in der Natur, im Wald herumtoben konnten. Im Film gibt es ja dann eine Szene, in der ich auf der Flucht vor der Polizei im Wald an einem Steilhang hochkrieche. Auf einer Lichtung angekommen, fange ich dann an, mit den Vögeln zu kommunizieren. Ja, für mich ist das eine der stärksten Szenen überhaupt. Es ist auch das einzige Mal, dass man Sie lachen, ja über das ganze Gesicht strahlen sieht … Es freut mich, dass Sie das auch so sehen. Die Szene war mir sehr wichtig und ist mir sehr zu Herzen gegangen. Und die Idee mit den Vogelstimmen stammte übrigens von mir, es war ein glücklicher Zufall. Auch wegen der technischen Schwierigkeiten in diesem Steilhang musste ich mehrere Male diesen Hang hochkriechen, Laurent Wyss beanstandete immer wieder irgendetwas. Als ich dann etwa das dritte oder vierte Mal

hochgekrochen war, gab es plötzlich diese lauten Vogelstimmen und ich sagte zu Laurent: Du, ich kann übrigens gut Vögel imitieren (pfeift jetzt wie ein Vogel und strahlt dazu wie im Film) – wollen wir das nicht einbauen? Laurent gefiel die Idee sofort. Im Film gibt es noch weitere, auch körperlich anspruchsvolle Szenen während Perter K.‘s Flucht. Wie haben sie diese erlebt? Ja, zum Beispiel jene, in der ich auf dem Feld von einem Polizeihund gestellt werde. Wir bereiteten uns also vor und ich erhielt eine dieser wattierten Schutzjacken, in die sich der Hund verbeissen sollte. Zusätzlich sind diese noch mit undurchdringlichem Isolationsmaterial gesichert. Noch vor Drehbeginn schwitzte ich unter dieser Montur, wie verrückt, es war ein heisser Sommertag. Der Hundetrainer fragte mich, ob ich Angst hätte vor Hunden – was ich verneinte. Er führte mich also zu seinem offenen Kastenwagen, wo mich zwei riesige Schäferhunde anstarrten. Nun wurde mir beim Gedanken doch etwas mulmig – wie das wohl ist, wenn sich einer von ihnen in meinem Arm verbeisst? Zum Glück gab es dann noch einen etwas kleineren Hund, den Sie jetzt im Film sehen. Zuerst wurde geprobt. «Yi, jetzt geiht’s los!», ruft der Hundetrainer, der Hund explodiert förmlich. Ich in der Schutzjacke, er stürzt sich auf mich und wirft mich zu Boden, noch ohne Biss in den Arm. Das war schon recht heftig, aber wie gesagt, das war nur die Probe. Nach zweimaligen weiteren Durchläufen galt es ernst. Die Schutzjacke wurde gegen einen Kevlar- Armschutz getauscht – und nach circa fünfzehn Takes war die Szene im Kasten. Die Nachwehen: eine fast ausgedrehte Schulter, ein blutunterlaufener Oberarm mit zwei Bissspuren, deren kleine Narben ich bis heute und wohl noch und bis ans Ende meiner Tage als ein kleines Andenken an die Dreharbeiten. Lief alles glimpﬂich ab? Die Nachwehen: eine fast ausgedrehte Schulter, ein blutunterlaufener Oberarm mit zwei Bissspuren, deren kleine Narben ich bis heute und wohl noch und bis ans Ende meiner Tage als ein kleines Andenken an die Dreharbeiten erhalten habe. Man erklärte mir dann später, die Beisskraft von diesem kleinen Hundeli habe in diesem Moment circa 250 Kilo betragen! Noch eine Frage zu Ihrer Karriere: Sie haben schon in vielen Filmen in kleineren und grösseren Rollen mitgespielt. Am bekanntesten war vielleicht die, als Dorfvorsteher in Bettina Oberlis «Herbstzeitlosen», und für «Im Namen der Gerchtigkeit» von Stefan Jäger waren Sie für den Schweizer Filmpreis nominiert.

Sie hatten aber bisher noch nie eine Hauptrolle in einem langen Kinospielﬁlm. Wie kamen Sie nun zu Ihrer ersten Hauptrolle in Laurent Wyss’ Film? Um genau zu sein, ist dies nicht meine erste Hauptrolle: In der Komödie «Luchsinger und die Götter» (2022), einer Komödie des Berner Regisseurs Markus Köbeli um vier Schweizer Rentner, die nach Bali auswandern, spielte ich an der Seite von Andrea Zogg, Max Rüdlinger und Jürg C. Meier ebenfalls den Lead. Die Hauptrolle in «Peter K. – Alleine gegen den Staat» habe ich hauptsächlich dem jungen Zürcher Regisseur Timo von Gunten zu verdanken. Laurent Wyss sah mich 2014 an den Solothurner Filmtagen bei der Premiere von Timos Kurzfilm «Mosquito». Darin kämpft ein Mann – den ich verkörpere – gegen das titelgebende Insekt. Als Laurent Wyss mich in dem dialoglosen Film sah, sagte er sofort: Das ist mein Kneubühl. Er nahm Kontakt zu mir auf und bot mir diese wunderbare Rolle an. Ich sagte zu, freute mich darauf, erstmals eine Hauptrolle in einem langen Kinospielfilm spielen zu können. Kommen wir zum Schluss noch einmal auf ihr Gespräch mit Peter Hans Kneubühl im Gefängnis zurück und auf die Frage, ob Sie eine Erklärung dafür haben, wie er sich dermassen hat radikalisieren können? Anscheinend war er in den 1980er-Jahren als Ingenieur während längerer Zeit in Lateinamerika tätig gewesen, vor allem in den links regierten Ländern Nicaragua und Kuba. Als er dann in die Schweiz zurückkehrte, war das ungefähr die Zeit, als der Fichenskandal aufflog und die Leute staunend zur Kenntnis nehmen mussten, dass der Staat während Jahrzehnten Hunderttausende von Einwohner:innen, die nur irgendwie mit «links» in Verbindung gebracht wurden, bespitzelt und überwacht hatte. Das muss Kneubühl stark beschäftigt haben. Zwar fand er zurück in der Schweiz bald eine Stelle als Mathematiklehrer an einer Privatschule, doch als man ihm dort nach ein Paar Jahren kündigte, war er sicher überzeugt, dass auch da der Staat seine Finger im Spiel gehabt hatte. Hätte man seine Straftaten verhindern können? Wie gesagt, ich konnte das nicht abschliessend mit ihm besprechen. Aber ich bin überzeugt, wenn ich mir seine weitere Geschichte anschaue: Man hätte das auch anders lösen können, nichts hätte so eskalieren müssen. Der Staat hat hier krass versagt. Einerseits hat man gar nie aktiv das Gespräch mit ihm gesucht, man hat seine Situation nie genau angeschaut, sondern hat die Sache einfach laufen lassen. Und als es dann zu spät war, ist man mit unglaublicher Härte gegen ihn vorgegangen. Wenn ich mir vorstelle, dass bei mir eines Morgens mein Haus von einer Antiterroreinheit der Polizei umstellt und die Tür aufgebrochen würde, ich wüsste auch nicht, wie ich reagieren würde

I S S P O N Y S Der Passfälscher | Synopsis Berlin 1942. Der junge Cioma Schönhaus ist voller Lebensfreude und Tatendrang. Er ist jüdischer Abstammung, doch lässt er sich weder entmutigen noch einschüchtern, schon gar nicht von den Nazis! Also ergreift er die Flucht nach vorne. Zusammen mit seinem Freund Det stürzt er sich ins volle Leben, denn seiner Ansicht nach sind die besten Verstecke dort, wo alle hinsehen. Mit Einfallsreichtum, Charme und Unverfrorenheit perfektioniert er die Kunst der Nachahmung und Täuschung – beflügelt von Gerda, Meisterin der Mimikry und seine grosse Liebe. Sein Talent für das perfekte Fälschen von Pässen hilft vielen bei der Flucht, aber ihn selbst bringt es zunehmend in Gefahr

ARTTV REZENSION Das Unausgesprochene, das Nicht-Gezeigte setzt sich im Kopf fest. Das wie auch ein eindrückliches Ensemble sind die Stärke eines Films, der mehr sagt, als er zeigt, der betroffen macht – auch 80 Jahre danach. Die Wirklichkeit hinter den Bildern wirkt weiter. von Rolf Breiner Wie überlebt man eine menschenverachtende nationalistische Diktatur, ohne Schaden zu nehmen? Kaum denkbar, aber der jüdische Lebenskünstler Samson «Cioma» Schönhaus hat’s geschafft. Er schlug sich in Berlin um 1942 als Passfälscher durch. Maggie Perens Spielfilm «Der Passfälscher» geht unter die Haut, weil er viel sagt, ohne es auszusprechen oder explizit zu zeigen. Luftikus, eher ein Anpasser in der Not und ein Überlebenskünstler, der seine Gefühle extrem kontrollierte und sich seine innere Freiheit bewahrte. Er lässt sich nicht von den grausamen Umständen einschüchtern, lässt sich seine Lebenslust nicht nehmen, auch wenn Freunde und Freundin den Nazis zum Opfer fallen. Nazialltag in Berlin Nazizeit und Judenverfolgung und Krieg – alles schon da gewesen in Literatur, im Kino und Fernsehen. Aber solche eine Überlebensgeschichte noch nicht! In Maggie Perens Drama geht es um einen jungen jüdischen Mann in Berlin. Man schreibt das Kriegsjahr 1942. Die 6. Armee wurde im Winter 1942/43 Stalingrad eingekesselt und muss kapitulieren. Das Dritte Reich erlitt seine erste grosse Niederlage. Eine Wende im Zweiten Weltkrieg. Der Berliner Alltag ist längst nicht mehr, wie er mal war. Juden wurden denunziert, brutal verfolgt, enteignet und in Konzentrationslager deportiert. Immer häufiger gibt es Bombenalarm. Jüngling Cioma Schönhaus (Louis Hofmann) lebt in einer grosszügigen, grossbürgerlichen Wohnung in Berlin. Allein. Seine jüdischen Eltern und Grossmutter sind von Nazischergen «einkassiert» und in eines der Vernichtungslager im Osten verschleppt worden.

Cioma wurde «verschont» und dienstverpflichtet für einen Rüstungsbetrieb. In der elterlichen Wohnung hat er seinen untergetauchten Freund Det (Jonathan Berlin), auch er ein Jude aufgenommen. Frau Peters (Nina Gummich – grandios mit harscher Härte und Herz) ist eine Nervensäge als rigorose Verwalterin, die stur ihre Regeln folgt – auch eine Überlebensstrategie. Sie drangsaliert den jungen Schönhaus, drängt auf Korrektheit, veräussert nebenbei auch Inventar der Schönhaus-Familie, lässt ihn aber nicht hängen. Dazu schnüffelt der nicht ganz sauberer Kriminalbeamte Dietrich (André Jung) herum. Die Aussparungen im Film – keine Jagdszenen und Action, eher beiläufige Festnahmen, keine Gewalt, oder Kriegsszenen mitten im Krieg – verschärfen die Ungeheuerlichkeit dieser Zeit, machen gleichwohl die Angst der Bedrohten spürbar. Untergrundkämpfer in der Not Cioma gibt sich unscheinbar, verhält sich wie ein Deutscher aus dem Arierbuch. Er sieht entsprechend aus, hat ein paar Semester auf einer Kunstschule zugebracht und scheint zeichnerisch sehr begabt. Davon erfährt ein gewisser Widerstandskämpfer namens Franz Kaufmann (Marc Limpach). Der heuert ihn als Ausweisfälscher an und entlohnt ihn mit Essensmarken. Cioma wird zum Untergrundkämpfer und lebt unbehelligt locker ein Leben, als ginge ihn die Judenhatz nichts an. Forsch vergnügt er sich mit Freund Det in einem feinen Tanzlokal – notabene in Marineoffizieruniform. So begegnet er Gerda (Luna Wedler), auch sie eine Jüdin, und verliebt sich. Innere Freiheit Der Berliner Samson Cioma Schönhaus, 1922 in Berlin geboren, war kein Luftikus, eher ein Anpasser in der Not und ein Überlebenskünstler, der seine Gefühle extrem kontrollierte und sich seine innere Freiheit bewahrte. Er lässt sich nicht von den grausamen Umständen einschüchtern, lässt sich seine Lebenslust nicht nehmen, auch wenn Freunde und Freundin den Nazis zum Opfer fallen. Als Graphiker ausgebildet, hat er unzählige Ausweise gefälscht. Mit einem gefälschten Wehrpass gelang ihm im September 1943 via Baden- Württemberg die Flucht in die Schweiz. Hier starb 2015. Während des Naziregimes tauchten rund 7000 Juden in Berlin unter. Nur 1700 überlebten.

M L I F M U Z N E M M T S I Bones and All | Stimmen «Wirklich ‹gruusig› aber sehr originell. […] Tatsächlich ist es aber ein romantisches Horror-Drama von Arthouse-Qualität.» – Geri Krebs, arttv.ch | «Auch wenn gewisse Szenen einen angewidert und geschockt zurücklassen: Der Film schafft es, eine intensive Stimmung aufrecht zu erhalten, die weder in seiner Brutalität noch in seiner Intimität an Stärke verliert.» – Suad Demiri, SRF | «Es geht hier auch um Armut und Obdachlosigkeit, die Erbarmungslosigkeit des Überlebens und die heimliche Scham über diese besondere Art von Hunger, die einen selbst dann nicht loslässt, wenn man überlebt hat. “Bones and All” ist ein extravaganter und ungeheuerlicher Film: unheimlich, böse und erschreckend in seinem verqueren romantischen Idealismus.» – Peter Bradshaw, The Guardian | «Die Horror-Lovestory mit Roadmovie-Charakter ist atmosphärisch dicht, erreicht in seinen stärksten Momenten eine ungemeine Intensität und hat in einigen Szenen eine richtig verstörende Wirkung. Achtung Chalamet-Fans: Nichts für empfindliche Gemüter.» – Gianluca Izzo, Outnow

S M A E R D F O D N A L LINK Eine bildgewaltige und surreale Satire über den American Dream Die USA in naher Zukunft werden von Künstlerin/Regisseurin Shirin als abgeschottetes Land dargestellt, in dem nicht einmal mehr das Träumen frei ist. Ihr Spielfilm wurde inspiriert von einer Reise, die sie mit Drehbuch-Grossmeister Jean-Claude Carrières unternahm. Herausgekommen ist ein ebensolcher Roadtrip durch amerikanische Stereotype, verkörpert von Sheila Vand, Matt Dillon, Isabella Rossellini und William Moseley. «Land of Dreams» war Carrières letztes Drehbuch vor seinem Tod.

I N K A H T A F I Der international erfolgreiche Filmemacher Fatih Akin, geboren 1973 in Hamburg, gewann mit seinem Film «Gegen die Wand» 2004 den Goldenen Bären der Berlinale. Hinter ihm lagen ein abgeschlossenes Filmstudium, zwei Kurzfilme, eine Dokumentation über die Migration seiner Eltern aus der Türkei nach Hamburg und drei Spielfilme. Seinen nächsten international grossen Erfolg erlangte er mit dem Drama «Auf der anderen Seite» (2007), das beim international renommierten Filmfestival in Cannes für das Beste Drehbuch ausgezeichnet wurde. Es folgten der Europäische Filmpreis und der Deutsche Filmpreis. Mit dem darauffolgenden Film «Soul Kitchen» (2009) gewann er im Wettbewerb bei den Filmfestspielen in Venedig den Spezialpreis der Jury. Mit seiner 2004 gegründeten Produktionsfirma corazón international produzierte Akin neben seinen eigenen Filmen unter anderem die international und national erfolgreichen Filme «Chiko», «Takva» und «Min Dit – Die Kinder von Diyarbakir». 2012 gründete er die Produktionsfirma bombero international, welche ausschliesslich seine Filme produziert. Die erste bombero-Produktion war «The Cut», der 2013 gefilmt wurde und seine Weltpremiere im August 2014 im Wettbewerb der 71. Internationalen Filmfestspiele in Venedig feierte. 2016 drehte Fatih Akin «Aus dem Nichts» mit Diane Kruger und Denis Moschitto in den Hauptrollen. Die Weltpremiere erfolgte 2017. Der Film erhielt zahlreiche Auszeichnungen, unter anderem den Preis für die Beste Darstellerin (Diane Kruger) in Cannes und den Golden Globe für den Besten fremdsprachigen Film. Ausserdem wurde er als deutscher Beitrag für den Oscar® 2018 ausgewählt sowie in fünf Kategorien für den Deutschen Filmpreis nominiert und schliesslich in zwei Kategorien ausgezeichnet. «Der Goldene Handschuh» feierte im Wettbewerb der Berlinale 2019 seine Weltpremiere.

M L I F M U Z N E M M T S I Rheingold | Stimmen «Für ein intensives Kinoerlebnis sorgt der charismatische Hauptdarsteller Emilio Sakraya. Was dem Film aber letztlich schadet, ist Fatih Akins bekannter Hang zur plakativen Gewaltdarstellung: Seine Xatar-Filmfigur ist in einigen Szenen derart brutal – und sexistisch – dass man das Interesse an ihrem Schicksal streckenweise verliert.» - Georges Wyrsch, SRF2 | «Fatih Akin [inszeniert] Xatars Leben als moderne Wagner-Oper.» – Nora Gantenbrink und Özlem Gezer, Spiegel | «Ernsthaft berührendes Biopic oder spassiges Heist- Movie? Fatih Akin konnte sich da offenbar nicht so recht entscheiden. So liefert er ein zwar visuell überzeugendes, über weite Strecken unterhaltsames, aber eben auch ziemlich zerfahrenes Werk ab.» – Oliver Kube, Filmstarts | «Emilio Sakraya macht aus Hajabi einen sympathisch-unverbesserlichen Gangster. Hinter dem harten Kerl, den er vorgibt zu sein, lässt er Intelligenz, Charme und Ehrgeiz erkennen.» – Allan Hunter, Screen Daily

Für alle, die Endo Anaconda schmerzhaft vermissen und den Schweizer Maler Albert Anker (1831 – 1910) neu kennenlernen wollen Endo Anaconda begegnet Albert Anker dort, wo einem der Künstler so nahe kommt wie nirgendwo sonst – im Atelier des Malers im Seeländer Dorf Ins, einem der wenigen Künstlerateliers aus dem 19. Jahrhundert, die im Originalzustand erhalten geblieben sind. In dieser raumgewordenen Enzyklopädie mit unzähligen «Exponaten» vom Boden bis zur Decke lässt sich bis in die hintersten Winkel erforschen, was Anker liebte, bewunderte, wonach er sich sehnte, was ihm Vergänglichkeit und Tod vergegenwärtigte.

I S S P O N Y S Albert Anker. Malstunden bei Raffael | Synopsis Albert Anker hat mit seinen lebhaften Ölgemälden das schweizerische Volksleben eingefangen wie kein Zweiter. Sein Atelier in Ins im Berner Seeland, das er 1859 im Dachgeschoss seines Familienhauses eingerichtet hat, ist bis heute weitgehend in der Originalausstattung erhalten geblieben. Zusammen mit dem Musiker Endo Anaconda und einem Ensemble weiterer Protagonist:innen nimmt Filmemacher Heinz Bütler die Zuschaue:innen mit auf eine Entdeckungsreise durchs «Anker-Haus». Durch die kollektive Erforschung der Räumlichkeiten schafft er eine neue Perspektive auf den Schweizer Künstler, die mit Klischees und vorschnellen Vereinnahmungen aufräumt.

«Und in den alten Schränken sind Trachten und wunderliche alte Hüte, und in einem Fach, das wir besonders gut kennen, liegen die Puppen, die Grossvater selber gemacht hat: der Königssohn, die Königstochter, der böse Mann im roten Mantel und der ehrwürdige Einsiedler. Abends spielt uns der Grossvater hinter einer Stuhllehne wunderbare Stücke mit diesen Puppen: Die Königstochter – Grossvater nimmt für sie eine ganz besonders schöne zarttönende Stimme an – verirrt sich, begegnet dem bösen Mann, der ihr den prächtigen Halsschmuck rauben will. Er bedroht sie sogar mit dem grossen Schwert. Auf ihre Hilferufe eilt der Königssohn herbei, er durchbohrt den bösen Mann, der unter argen Verwünschungen stirbt, und der ehrwürdige Einsiedler kommt eben recht, um den Königssohn mit der geretteten Königstochter zu trauen.» – Dora Breﬁn-Oser (Enkelin), 3. August 1935

Albert Anker als Puppenspieler In «Alber Anker. Malstunden bei Raffael» wagt Endo Anaconda in Ankers Haus eine radikal subjektive, kenntnisreiche und humorvolle Auseinandersetzung mit Albert Anker (1831 – 1910), die auch aufräumt mit Klischees und vorschnellen Vereinnahmungen. Und Endo ist nicht allein: Der Pianist Oliver Schnyder spielt den Soundtrack zum Film und, im Salon von Familie Anker, auf dem Hausklavier live zu «Comics», die der Maler für seine Tochter Louise zeichnete. Weiter im Film: Albert Anker als Puppenspieler. Die von ihm gemachten Puppen sind eine wahre Kunstsensation, die auch viele Fachleute nicht kennen. Ebenso im Film zu sehen und zu entdecken, die unbekannten wie spektakulären Carnets des Künstlers, die bis nach Key West und Kuba führen und in wildem Durcheinander alles enthalten, was Anker nie mehr vergessen wollte. Sohn Maurice stört die Ordnung und bereist die Weltmeere. Lässt sich Albert Anker ohne Impressionismus verstehen? Nein.

ARTTV REZENSION «Lebt Anker noch? Ich denke oft an seine Arbeiten. Ich finde sie so tüchtig und fein empfunden. Er ist noch ganz vom alten Schlag.» Das schreibt Vinzenz van Gogh 1883 an seinen Bruder Theo. Albert Anker, der von 1831-1910 vor allem im seeländischen Ins lebte, wird schnell einmal als Heimatmaler klassiert. Ach ja,der mit den schön gemalten Mädchen beim Stricken, seine Kinderporträts, die Gemälde von Schulklassen oder seine Stillleben. Anker, der genaue Beobachter mit einer unglaublichen Fertigkeit in der Darstellung von Szenen aus dem alltäglichen Leben des 19. Jahrhunderts. Er war ein Maler, dessen Aber Albert Anker, der vor dem Malstudium Theologie studiert hatte, war viel mehr, als so allgemein wahrgenommen wird. Das lehrt uns der Dokumentarfilm von Heinz Bütler. Sujets als Drucke in so vielen Bauernstuben oder Wohnungen hängen oder gehangen haben. (Auch wir hatten einen zu Hause!) Aber Albert Anker, der vor dem Malstudium Theologie studiert hatte, war viel mehr, als so allgemein wahrgenommen wird. Das lehrt uns der Dokumentarfilm von Heinz Bütler. Die Machart Bütler greift zu einfachen, aber effektvollen Mitteln. Er führt uns ins Atelier von Albert Anker, in den Dachstock seines Bauernhauses, von dem der Kunsthändler Eberhard Kornfeld sagt, es sei wohl das einzige noch im Original existierende. Das von Alberto Giacometti hätten sie ja zerstört. Es ist ein Reich voller Erinnerungen, voller Lebendigkeit und Vielfalt. Man lernt Anker in seiner Grösse und Komplexität kennen, auch als Gelehrter und kommt aus dem Staunen kaum heraus: Sein Leben in Paris, seine Sprachgewandtheit (in sieben Sprachen konnte er parlieren), seine Bescheidenheit.

Lieber ein rechtschaffener Mensch sein als ein berühmter Maler, hat er einmal geschrieben. Und Bütler macht geniale Schachzüge: Der Berner Musiker Endo Anaconda, der wenig später nach den Dreharbeiten verstarb, führt uns staunend durchs Atelier, macht uns auf kleine Dinge aufmerksam, kommentiert, was er sieht. Oder der Einsatz des Pianisten Oliver Schnyder, der auf dem alten Klavier in der Wohnstube auch Musik des Norwegers Edvard Grieg spielt, der wohl eine ähnliche Persönlichkeit wie Anker gewesen sei. Und der Schriftsteller Alain Claude Sulzer stöbert in der 1000-bändigen Bibliothek. Anker in Paris Die engagierte Nina Zimmer, Direktorin des Kunstmuseums Bern und des Zentrums Paul Klee, ordnet alles kunsthistorisch ein – eine Freude, ihr zuzuhören. Anker ging 1854 zum ersten Mal nach Paris und pflegte dort enge Kontakte zu andern Künstlern. «Er war sehr wohl vom Impressionismus beeinflusst. Er war nicht an der Spitze der Bewegung, aber er hat sie mitreflektiert. Ohne das, schiebt man ihn in eine ganz falsche Ecke.». Die engagierte Nina Zimmer, Direktorin des Kunstmuseums Bern und des Zentrums Paul Klee, ordnet alles kunsthistorisch ein – eine Freude, ihr zuzuhören. Fazit: Regisseur Heinz Bütler gelingt es, uns in Ankers Atelier einzuschliessen und uns dort bei den Werken dieses bemerkenswerten Künstlers verweilen zu lassen. Die vom Kameramann Sergio Cassini eingefangenen Bilder in warmen Tönen tun das ihre dazu. Er hätte gerne Malstunden bei Raffael gehabt, notierte Anker in eines seiner Carnets. Die beiden haben sich hoffentlich im Himmel getroffen. Dieser Porträtfilm öffnet neue Perspektiven und stellt den grossartigen Künstler in ein neues, internationales Licht.

O R T S E A M L I - E N O C R R O M O N N E I I LINK Spiel mir das Lied vom Tod - Wer Morricone nicht kennt, kennt mit Sicherheit seine Filmmusik. Ennio Morricone ist einer der einflussreichsten Komponisten der Filmgeschichte. Seine Filmografie umfasst über 70 preisgekrönte Filme, darunter sämtliche Werke von Sergio Leone, seinem Schulkameraden, mit dem er sein ganzes Leben lang zusammenarbeitete. Der 2020 verstorbene Italiener hat in seiner 70-jährigen Karriere mehr als 500 Soundtracks sowie über 100 klassische Werke komponiert und über 70 Millionen Platten verkauft. Regisseur Giuseppe Tornatore setzt ihm ein filmisches Denkmal.

· · S X E T N E D R A LINK Können Pornofilme einen künstlerischen und politischen Ansatz haben? In seinem ersten und gewagten Langfilm «Ardente·x·s» erzählt der Schweizer Filmemacher Patrick Muroni, der an der ECAL studierte, vom Kampf des Kollektiv OIL Produktion für eine andere Vision von Begehren und Sexualität. Muronis Kamera verfolgt das Abenteuer dieser neuen Pornograf:innen, die fröhlich und unbeschwert durch die Strassen der Schweiz ziehen und lautstark eine Revolution der Lust einfordern. Eine genderneutrale sexuelle Befreiung bahnt sich an.

LINK Haben Sie eine optimistische Vision von Europa? Ja, auch wenn mir die Lage in Europa Angst macht. Etwa wenn ich die Wahlen in Schweden sehe, wo die extreme Rechte vor Kurzem gewählt wurde, wenn ich weiss, dass die Italiener im Herbst 2022 für eine neofaschistische Partei gestimmt haben, wenn ich sehe, wie es in Polen um die Abtreibungsrechte bestellt ist und dass die sexuellen Minderheiten in Ungarn in Gefahr sind. Und gleichzeitig gehen Schwule in Ungarn, wenn sie angegriffen werden, mit der Europaflagge auf die Strasse. Ebenso die Polinnen, die für das Recht auf Abtreibung kämpfen. Es gibt immerhin ein bedeutendes Mass an Respekt für Menschenrechte und Minderheiten. Also ja, ich bin sehr optimistisch und völlig pessimistisch – als guter polnischer und protestantischer Depressiver. Lesen Sie das ganze Interview auf unserer Website.

I S S P O N Y S Heidis Alptraum | Synopsis «Heidis Alptraum» blickt hinter das Heidi-Klischee und unternimmt eine Spurensuche in Leben und Werk der Zürcherin Schriftstellerin Johanna Spyri (1827-1901). Eine filmische Reise unter anderem mit der Drehbuchautorin Petra Volpe (Heidi von 2015), dem Autor Jean-Michel Wissmer und dem japanischen Animator Yoichi Kotabe, der der kleinen Heldin 1974 mit der Zeichentrickserie gemeinsam mit Hayao Miyazaki und mit Isao Takahata ein Denkmal setzte. Der neue Film von Anita Hugi gibt Johanna Spyri auch selber das Wort: mit der Stimme von Marthe Keller und Animationen von Anja Kofmel und Jotha Wüst.

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LINK TRAILER #Female Pleasure | Dokumentarfilm | Schweiz/Deutschland 2018 | 97 Minuten | Regie: Barbara Miller | Verleih: Filmcoopi | Der Film fand anlässlich seiner Premiere 2018 am Filmfestival Locarno (Semaine de la Critique) grosse Aufmerksamkeit und gewann am Dok-Filmfestival Leipzig den erstmals vergebenen Spezialpreis der interreligiösen Jury. Den Film kostenlos auf Play Suisse streamen (Einmalige Anmeldung erforderlich)

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Editorial

Spielfilm des Monats: Call Jane

Rezension

Abtreibung in der USA

Einladung #1

Einladung #2

arttv Film-Crew

Interview: Milo Rau in Mosul

Fokus Schweiz: Peter K.

Interview Manfred Liechti

Besondere Empfehlung: Der Passfälscher

Rezension

Nichts für Angsthasen: Bones and All

Kontrovers: Rheingold

Dokfilm des Monats: Albert Anker

Rezension

Ennio Morricone

Porno?

TV Tipp: Heidis Alptraum

Interview Anita Hugi

Free Streaming

Wolkenbruch

Guru

#Femal Pleasure