CLICK_ART_FEB

CLICK_ART_FEB_MÄR23

CLICK ART FEB-MÄR23
Editorial
Mitgliedereinladung Blumen für die Kunst
Liechtenstein - Candida Höfer
Muzeum Susch - Hanna Villiger
Kunstplattform Akku - Haut
Willi Guhl - Nehmen Sie Platz!
BRAFA 2023 - Interview Beatrix Bourdon
Valie Export - Fotomuseum
Malerei - Schaffhausen und Singen
Interview Julian Denzler
Iris Brosch - Black Madonna
Architektur - Verdichten oder Verdrängen?
Impressum

Liebe CLICK ART Leser:innen Zwei Ausstellungen zum Thema Körper und Kunst dominieren dieses CLICK ART. Hannah Villiger im Muzeum Susch ist eine davon. Die 1997 mit nur 46 Jahren viel zu früh verstorbene, in Cham im Kanton Zug geborene, Schweizer Künstlerin ist eine Pionierin, wenn es um die Auseinandersetzung mit dem eigenen Körper in der Kunst geht. Ihre Polaroid Fotos, die sie stark vergrösserte und zu Bildtafeln zusammenfügte, sind legendär und ein Meilenstein in der Zeitgenössischen Kunst der Schweiz. Die von Madeleine Schuppli und Yasmin Afschar kuratierte Ausstellung ist eine Offenbarung und rechtfertigt die - für die meisten von uns - nicht ganz kurze Anreise ins Unterengadin. Nur schon das Museum allein ist ein Erlebnis! Genauso fantastisch ist die Ausstellung «Haut» in der Kunstplattform Akku in Emmenbrücke. Kuratorin Claudia Waldner hat renommierte und junge Kunstschaffende zusammengebracht, die sich mit dem Thema Haut auseinandersetzen. Darunter sind bekannte Namen wie Victorine Müller oder Rochus Lussi aber auch noch ganz junge Kunstschaffende. Eine davon ist Ronja Römmelt. Ihre Arbeit hat mir ganz besonders gut gefallen. Schauen Sie sich doch dazu unseren Video an. Die Ausstellung von Claudia Waldner, mit Sicherheit eine der engagiertesten und innovativsten Kuratorinnen unserer Zeit, rechtfertigt in diesem Falle eine Reise nach Emmenbrücke. Ein Ort der ansonsten alles andere als mit Schönheit aufwarten kann. Umso beglückender ist es, wenn man dann in die Kunstplattform Akku eintreten darf. Sehr gerne hätten wir auch über die Ausstellung im Kunstmuseum Solothurn mit einem Video berichtet. Seit Februar 2022 leitet Katrin Steffen als erste Direktorin das Kunstmuseum Solothurn. Mit «Rimini Protokoll» hat sie einmal mehr eine sehr sehenswerte Ausstellung konzipiert. Leider ist der Kanton Solothurn nicht arttv Partner und darum könnten wir auch kein Video realisieren. In diesem Falle ganz besonders schade! Mit Gruss Felix Schenker, Chefredaktor arttv.ch

Auch dieses Jahr, vom 7. bis 12. März 2023, wird das Aargauer Kunsthaus dank dem Verein «Flowers to Arts» zu einem Blumenmeer. Sinnliches Kunsterlebnis - Knospende Äste, duftende Blüten und frisches Grün läuten den Frühling im Aargauer Kunsthaus ein. Die neunte Ausgabe der Ausstellung Blumen für die Kunst setzt den Dialog zwischen Floristik und Kunst fort. Meisterflorist:innen und Blumengestalter:innen aus der Schweiz sowie ein internationaler Gast stellen ihre floralen Kompositionen klassischen und zeitgenössischen Werken aus der Sammlung des Aargauer Kunsthauses gegenüber: ein Konzept, das überraschende Sichtweisen ermöglicht. Jedes Jahr ein sinnliches und emotionales Kunsterlebnis, wie der arttv Trailer von 2022 nahe legt.

Florale Interpretation: Sandra Maarsen, Bern, Werk: Ugo Rondinone, HELL, YES!, 2001 Aargauer Kunsthaus, Aarau/ Schenkung Sammlung Ringier, Schweiz, Foto: David Aebi, Burgdorf Zum Verein FLOWERS TO ARTS Die Ausstellung Blumen für die Kunst ist ein gemeinsames Projekt des Vereins FLOWERS TO ARTS und des Aargauer Kunsthauses. Durch kulturelle Veranstaltungen fördert FLOWERS TO ARTS seit 2014 die Verbindung zwischen Floristik und Kunst. Siehe www.flowers-to-arts.ch IMPRESSIONEN 2022

Foto links: Candida Höfer, Kunstmuseum Liechtenstein Vaduz V 2021, C-Print, 209 x 184 cm Candida Höfer im Dialog mit den Sammlungen des Kunstmuseum Liechtenstein und der Hilti Art Foundation Erstmals präsentieren die beiden Kunstinstitutionen eine gemeinsam konzipierte und integrative Ausstellung. Deren Ausgangs- und Mittelpunkt bilden Fotografien von Candida Höfer, die sie in Liechtenstein aufgenommen hat. Die zur Düsseldorfer «Becher-Schule» gehörende Künstlerin Candida Höfer (*1944) hat bereits mehrfach ortsbezogene Bildergruppen realisiert. In dieser Tradition stehen die im Herbst und Winter 2021 in Liechtenstein entstandenen Aufnahmen: Innen- und Aussenansichten der Museumsarchitektur, Bibliotheken oder Depoträume. Höfers Fotografien stehen im Dialog mit über 60 Werken anderer Künstler:innen.

Candida Höfer, Kunstmuseum Liechtenstein, Ausstellungsansicht, © Sandra Maier Schauplätze kulturellen Lebens Charakteristisch für Höfers fotografisches Werk ist eine sachlich nüchterne Bildsprache, ein ausgeprägtes Interesse an Strukturen und Ordnungen von Raum sowie eine bemerkenswerte Detailgenauigkeit. Für ihre Aufnahmen verwendet sie das Licht der Orte und Räume, sie setzt keine Scheinwerfer zur Ausleuchtung ein, was vielfach lange Belichtungszeiten mit sich bringt. Höfers Fotografien sind das Gegenteil eines Schnappschusses. Sie sind sorgfältig geplant und präzise ausgeführt. Dabei spricht das Dargestellte von der Anwesenheit und Prägung durch den Menschen, auch wenn die Künstlerin die Räume überwiegend menschenleer festhält. Die Motivgruppe zu Liechtenstein spiegelt Höfers bis heute anhaltende Auseinandersetzung mit Schauplätzen des kulturellen öffentlichen Lebens und der Architektur wider. Gleichzeitig zeugen ihre jüngsten Arbeiten von einer zunehmenden Abstraktion, in der die Farbe, die Fläche und die Form als auch deren Auflösung an Relevanz gewinnen.

Candida Höfers Fotograﬁen im Dialog mit zwei Sammlungen Als erste Ausstellung überhaupt erstreckt sich Candida Höfer. Liechtenstein über alle vier Oberlichtsäle des Kunstmuseums und die drei Ausstellungsräume der Hilti Art Foundation. Den Fotografien Candida Höfers sind ausgewählte Kunstwerke aus beiden Sammlungen im Dialog zugeordnet. Indem es weite und atmosphärische Assoziationsfelder eröffnet, lässt sich Höfers fotografisches Werk mit Kunstwerken unterschiedlicher Gattungen aus dem Zeitraum von der klassischen Moderne bis zur Gegenwart in Austausch bringen. Umgekehrt machen die ungewohnten Kontexte die Bandbreite der Fotografien von Candida Höfer auf neue Weise erfahrbar. Das Kurator:innenteam mit der Fotografin Candida Höfer (2.v.l.), © Sandra Maier

Mit Werken von: Saâdane Afif, Josef Albers, Polly Apfelbaum, Joseph Beuys, Umberto Boccioni, Bill Bollinger, Nina Canell, Andreas Christen, Gianni Colombo, Edith Dekyndt, Latifa Echakhch, Luciano Fabro, Helmut Federle, Dan Flavin, Lucio Fontana, Günter Fruhtrunk, Gerhard von Graevenitz, Gotthard Graubner, Donald Judd, Kerstin Kartscher, Konrad Klapheck, Julije Knifer, Imi Knoebel, Anna Kołodziejska, Gary Kuehn, Fernand Léger, Barry Le Va, Verena Loewensberg, René Magritte, Kasimir Malewitsch, Rita McBride, Piet Mondrian, François Morellet, Charlotte Moth, Bruce Nauman, Giulio Paolini, Steven Parrino, Dan Peterman, Emilio Prini, Pamela Rosenkranz, Fred Sandback, Keith Sonnier, Yves Tanguy, André Thomkins, Rosemarie Trockel, Gilberto Zorio. Publikation Anlässlich der Ausstellung erscheint (voraussichtlich Anfang März 2023) eine Publikation mit zahlreichen Abbildungen sowie einem literarisch bearbeiteten Produktionstagebuch, das den Entstehungsprozess des Ausstellungsprojekts dokumentiert. Edition Zur Ausstellung wurden zwei Editionen von Candida Höfer für das Kunstmuseum Liechtenstein produziert, die im Museumsshop sowie im Webshop erhältlich sind. Candida Höfer. Liechtenstein – Im Dialog mit den Sammlungen des Kunstmuseum Liechtenstein und der Hilti Art Foundation | Kunstmuseum Liechtenstein | Hilti Art Foundation | 30. September 2022 bis 10. April 2023 | Die Ausstellung, kuratiert von Christiane Meyer-Stoll, Letizia Ragaglia und Uwe Wieczorek, wird durch einen Audioguide (deutsch und englisch) begleitet. Die Audioguide-App (kostenlos im App-Store oder im Google Play Store) kann vor Ort, zu Hause oder unterwegs auf das eigene Smartphone geladen werden.

Gender und Ethnie – Bezug zur Gegenwart Die Ausstellung erweitert den Blick auf Villiger um gegenwärtige Themen- und Fragestellungen. Im Fokus stehen etwa die Repräsentation des weiblichen Körpers, die Fremd- und Eigenperspektive auf die Physis, die Einordnung in den Mediendiskurs, Fragen von Oberfläche, Raum und Körper und die Objektivierung des Körpers. Die Haut – dort, wo der Mensch mit seiner Umwelt in Dialog tritt – stellt bei Villiger einen Schauplatz brisanter Fragestellungen nach Gender und Ethnie, Versehrtheit und Heilung dar. Der Körper ist das hauptsächliche Arbeitsmaterial der Künstlerin. Er begegnet uns abstrahiert oder dekonstruiert; kann menschlichen, aber auch pflanzlichen oder künstlichen Ursprungs sein. Obschon mit Villigers frühem Tod ihr Schaffen ein abruptes Ende nahm, weisen ihre Arbeiten ungebrochen in die Gegenwart.

Drei junge Künstlerinnen im Dialog Die Aktualität von Villigers Werk wird unterstrichen durch den Einbezug von den zeitgenössischen Kunstschaffenden Alexandra Bachzetsis, Lou Masduraud und Manon Wertenbroek. Die jüngeren Künstlerinnen zeigen – verteilt auf den Ausstellungsrundgang – im Dialog mit Villiger thematisch verwandte Arbeiten und vertreten gleichzeitig starke Positionen des aktuellen Kunstschaffens. Die Künstlerinnen wurden aufgrund ihrer Auseinandersetzung mit ähnlichen Themen wie denjenigen von Villiger ausgewählt. In Bachzetsis Videoinstallation «This Side Up», die in Zusammenarbeit mit Julia Born entstand, ist die Künstlerin zu sehen, die sich trotz begrenztem Raum in alle Richtungen bewegt, vergleichbar mit Villiger , die ihren eigenen Körper vor der Linse ihrer Polaroidkamera windet, dreht und verformt. Masduraud überdenkt mit Petrifying basin (kisses with the nymphs), einer skulpturalen Installation und kleinen Wandobjekten, auf spielerische und sinnliche Art das organische Leben neu und verankert mythologische Traditionen in der Gegenwart. Schliesslich thematisiert Wertenbroek mit einer Auswahl von Objekten die Grenzen zwischen der Haut und der sie umgebenden Welt und reflektiert Themen wie ent- und verhüllen.

Hanna Villigers spektakulärer Blick auf den eigenen Körper Die Ausstellung schlägt den Bogen von ihren in den 1970er-Jahren entstandenen Zeichnungen zu den Schwarz- Weiss-Fotografien und den Werken mit der Polaroidkamera, welche Villiger ab den 1980er-Jahren schuf. Diese fragmentarischen Nahaufnahmen ihres eigenen Körpers wurden, über ein Internegativ stark vergrössert und auf Aluminium aufgezogen, einzeln oder zu raumbezogenen Ensembles zusammengefügt. Resultat sind unendliche Möglichkeiten von teils spektakulären Blicken auf den Körper. Gezeigt werden Vintage Prints, bestehende, vielfach noch unbekannte Einzelarbeiten sowie sogenannte «Blöcke», grossformatige Assemblagen von bis zu 15 quadratischen Bildtafeln. Ein Teil davon wird in der Ausstellung in Susch erstmals zu sehen sein.

Hannah Villiger Die Zuger Künstlerin Hannah Villiger wuchs in Cham als viertes von fünf Kindern auf. Nach ihrem Studium an der Kunstgewerbeschule in Luzern reiste sie durch Kanada, lebte und arbeitete am Istituto Svizzero in Rom, bevor sie sich in Basel niederliess. In Basel produzierte sie ihre ersten Schwarzweissfotografien, sowie Holz- und Plexiglasobjekte. Villiger erkrankte 1980 an offener Lungentuberkulose und verbrachte einen Monat in Isolation im Basler Kantonsspital, gefolgt von einem Sanatoriumsaufenthalt in Davos. Trotz ihres schlechten Gesundheitszustandes hörte Villiger nicht auf zu arbeiten und ihre Werke auszustellen. Von 1981 bis 1982 unternahm sie zusammen mit Susan Wyss, mit der sie seit 1975 in einer Beziehung lebte, auf Weltreise. Anfang der 1980er Jahre entfernte sich die Künstlerin zunehmend von der klassischen Schwarzweiss- und Farbfotografie und begann mit Polaroid Kameras vor allem ihren eigenen Körpers zu erkunden. In Paris lernte sie 1988 Mouhamadou Mansour («Joe») Kébé kennen, mit dem sie 1991 einen Sohn bekam. Zwischen 1992 und 1997 unterrichtete Villiger an der Hochschule für Gestaltung und Kunst in Basel. Sie starb 1997 an Herzversagen. Bereits zu ihren Lebzeiten wurden Villigers Werke in bedeutenden institutionellen Ausstellungen und Biennalen gezeigt, unter anderem der 22nd Bienal de São Paulo, Brazil (1994), der Kunsthalle Basel (1985), der 9th Biennale de Paris (1975) und der 1st and 3rd Biennale Schweizer Kunst (1971 and 1978), Kunsthaus Zurich. Posthume Einzelausstellungen fanden statt in der Kunsthalle Basel (2001); Kunsthalle Bonn (2001); nGbK Neue Gesellschaft für bildende Kunst, Berlin (2002); MAMCO Musée d’art moderne et contemporain, Geneva (2007); Museum für Gegenwartskunst, Basel (2008); Centre Culturel Suisse, Paris (2012) und Istituto Svizzero di Roma (2021). «Hannah Villiger: Amaze me» | Muzeum Susch | 4. Januar bis 2. Juli 2023 | Kuratiert von Madeleine Schuppli & Yasmin Afschar | In Zusammenarbeit mit der Stiftung THE ESTATE OF HANNAH VILLIGER | Ergänzt wird die Schau mit Beiträgen der zeitgenössischen Künstlerinnen Alexandra Bachzetsis, Lou Masduraud und Manon Wertenbroek.

Willy Guhl – Vom Zeichenbrett in die Werkstatt Willy Guhl hat als Gestalter eine Sonderstellung in der Schweizer Designgeschichte. Er trug sein eigenes Schaffen direkt in die Lehre, und die Themen der Lehre prägten wiederum seine Entwürfe. Die Fachklasse «Innenausbau», wie sie Guhl unter Wilhelm Kienzle an der Zürcher Kunstgewerbeschule (heute ZhdK) in den 1930er-Jahren noch besucht hatte, wurde unter seiner Leitung erweitert zur «Innenarchitektur und Produktgestaltung». Entworfen wurde nicht mehr ausschliesslich am Zeichenbrett, sondern auch in der Werkstatt, wo die Schüler:innen Modelle bauten, um ihre Vorstellungen zu überprüfen. Das direkte Ausprobieren im Material, Entwerfen im Machen ist eine eigene Denkart, die im Ausstellungs-Projekt als «Denken mit den Händen» bezeichnet wird. Als verkörpertes Wissen, das auf der Wahrnehmung aller Sinne beruht, lässt es sich nicht verschriftlichen, sondern kann in Zeichnungen, Modellen oder Fotografien entdeckt werden. Guhl entwarf Paketmöbel in der Kriegszeit, als sich die Schweiz ab 1940 am Wiederaufbau im weitgehend zerstörten Europa beteiligte und Materialien knapp waren. Sein Designansatz und seine Lehre entwickelten sich weiter, von der Hochblüte der «guten Form» in den 1950er-Jahren über den Nonkonformismus der 1970er-Jahre bis zur boomenden Designindustrie der 1980er-Jahre. Guhl blieb sich und seinen Werten treu und war doch stets offen für neue Technologien und die sich wandelnden Herausforderungen der Zeit.

BRAFA 2023 130 Aussteller:innen bespielen vom 29. Januar bis 5. Februar 2023 die kompletten Hallen 3 und 4 auf der Brussels Expo im Heysel. Die Ausgabe 2023 steht ganz im Zeichen des Jugendstils. Die BRAFA wird die Jugendstilbewegung auf verschiedene Weise würdigen: Der Stand der König-Baudouin-Stiftung und einige auf das Sujet Art Nouveau spezialisierte Galerien werden eigens zu diesem Anlass aussergewöhnliche Werke mitbringen. Eine Besonderheit der BRAFA ist, dass die ganzen Hallenböden mit einem eigens von einem Künstler oder einer Künstlerin geschaffenen Teppichboden belegt ist. Die Umsetzung des BRAFA 2023-Teppichs basiert auf Originalzeichnungen von Victor Horta; mit zwei BRAFA Art Talks haben Kunstliebhaber:innen die Möglichkeit, noch tiefer in die Materie des Jugendstils einzutauchen. LINK ZUM INTERVIEW

Körper und Blick Die Fotografien sowie die Gegenüberstellung fotografischer und nichtfotografischer Medien an der Schnittstelle von Film, Videokunst und Body-Art erlauben eine neue Perspektive auf das Schaffen von Valie Export. Ob zu dokumentarischen Zwecken, als Experiment, als Bestandteil multimedialer Installationen oder als eigenständiges Werk: Die Fotografie spielt im Schaffen der Medien- und Performancekünstlerin eine zentrale Rolle. Valie Export fertigte ab den 1970er-Jahren, also bereits zu Beginn ihrer Karriere, fotografische Serien an, die sich der kritischen Untersuchung von Abbildungsprozessen widmen. Mit ihren Konzeptfotografien analysiert sie die Funktions-, Darstellungs- und Wahrnehmungsweise von Bildern und Massenmedien. In ihrer experimentellen Herangehensweise erkundet die Künstlerin die Fotografie auf vielfältige Art. Sie integriert Besonderheiten sowie Merkmale anderer Medien und Kunstformen in ihre Arbeit mit der Fotografie oder verwendet die Fotokamera zum Teil entgegen ihrer technischen Möglichkeiten, wobei Valie Export die Grenzen zwischen medialen Genres durchbricht. Dabei untersucht die Künstlerin gesellschaftspolitische und feministische Fragestellungen: Im Zentrum ihres Werks steht das Verhältnis von Subjekt und Raum, Körper und Blick, Weiblichkeit und Repräsentation. d n a T h p e s o J : o t o F , h c i r u Z , s i r e t t i L o r P , 2 2 0 2 T R O P X E E I L A V © n i r e l t s n ü K e d d n u , i c a p o R s u e a d d a h T e i r e a G y s e t r u o C l , k i f a r g o t o F w / s , 8 6 9 1 , t i e k g d n u H i r e d e p p a M r e d s u A , T R O P X E E I L A V

Den Film «VALIE EXPORT - Ikone und Rebellin» auf Vimeo streamen oder kaufen TRAILER w / s , n o i t a r u g i f n o k r e p r ö K , 2 7 9 1 , I n e g n u z t e l r e V , T R O P X E E I L A V Valie Export – Die Fotograﬁen | Fotomuseum Winterthur | 25. Februar bis 29. Mai 2023 | Die Ausstellung wird kuratiert von Walter Moser und ist eine Kooperation mit der Albertina, Wien. Den Film «VALIE EXPORT - Ikone und Rebellin» auf Vimeo streamen oder kaufen E I L A V © n o i t c e l l o C L S S E e h T – n e W i , I A N T R E B L A , k i f a r g o t o F h c i r d n e H n n a m r e H : o t o F , h c i r u Z , s i r e t t i L o r P , 2 2 0 2 , T R O P X E

Junge Maler:innen «Ohne Titel» lautet der Titel der grenzüberschreitenden Ausstellung – nur auf den ersten Blick ein Paradoxon: Die Bezeichnung wird von Kunstschaffenden häufig als Werktitel genutzt, um die Wahrnehmung der Betrachter:innen nicht vorab in eine Richtung zu lenken. Die Ausstellung nutzt diese Vorgehensweise ebenfalls, mit gutem Grund: Es geht um die Bandbreite und den Facettenreichtum der Malerei, die es unvoreingenommen zu entdecken gilt. Ohne Titel, dafür mit vielen spannenden jungen Maler:innen, die aber durchaus schon sehr renommiert sind. Nadja Kirschgarten (*1979) if, 2022 Ölfarben auf Leinwand, 115 x 130 cm, Foto: Nadja Kirschgarten | Courtesy, Copyright: Nadja Kirschgarten

«Natürlich ist das jetzt spekulativ, aber ich sehe in dieser Freude an der körperlichen Auseinandersetzung mit dem Material in der aktuellen Malerei eine mögliche Reaktion auf die Digitalisierung unseres Alltags. Eine erste Reaktion war sicher die plötzliche Präsenz der Performance als Angebot einer realen Raum- und Körpererfahrung. Mit der Malerei rückt nun das Bild als objekthaftes Resultat eines physischen Arbeitsprozesses mit konkretem Material zurück in den Fokus.» – Julian Denzeler Interview artline.org LINK ZUM INTERVIEW

Black Madonna Im Rahmen der photoSCHWEIZ näherte sich Iris Brosch der Schwarzen Madonna an, ein Gnadenbild, das im Sommer 1466 in die Heilige Kapelle des Kloster Einsiedeln kam. Das Madonnenbild wurde an der photoSCHWEIZ aufwändig nachgebaut, als von Menschen bespielbare Bühne mit diversen Monitoren und einem golden Kreuz im Zentrumg. Die Schwarze Madonna wurde verkörpert von der Zürcher Kultur- Aktivistin Marieta Kiptalam («Black Art Matters»). Eine Besonderheit der Schwarzen Madonna im Kloster Einsiedeln ist, dass sie regelmässig ihr Gewand wechselt, wofür Bruder Gerold Zenoni des Klosters exklusiv zuständig ist. Auch Brosch bekleidete ihrer Schwarzen Madonna mit aktueller Designer-Mode und fotografierte sie solo, aber auch in einer historisch anmutenden Personengrupp. «Miuccia Prada trifft auf Leonardo da Vinci», hat eine renommierte Feuilletonisten mal Brosch’s Fotografiestil beschrieben. Wie treffend.

ARTIKEL AUF ARTTV.CH LESEN Soziale und bauliche Aspekte der städtischen Verdichtung durch Ersatzneubaten im Fokus Um den drängenden Wohnraumbedarf in der Stadt Zürich zu decken, hat sich in den letzten 20 Jahren eine Praxis der städtischen Innenverdichtung mittels Ersatzneubauten etabliert. Anhand von vier aktuellen Zürcher Bauvorhaben und neun historischen Beispielen aus Europa, Nordamerika und Asien eröffnet die Ausstellung im ZAZ BELLERIVE Zentrum Architektur Zürich einen kritischen Blick auf die Begründungsmuster für Abriss und Neubau. Sie greift dabei die Stimmen der Bewohnenden auf und nimmt die sozialen Folgen in den Blick.

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