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CLICK ART APR_MAI23
Editorial
Kunstmuseum SG: Tschabalala Self
Mitgliedereinladung
Rehmann-Museum: Anna Schmid
Zeughaus Teufen: NCCFN
Open Channel
Aargauer Kunsthaus: Vitamin
Haus für Kunst Uri: Theater
Bagni Popolari
Kunsthalle Arbon: Laura Mietrup
Kunstkiosk
Pressefotografie: Siegfried Kuhn
Architektur: KIFF 2.0
Fotomuseum: Valie Export

Liebe CLICK ART Leser:innen Das Kunstmuseum St. Gallen ist in neuer Hand, und der neue Direktor Gianni Jetzer, natürlich kein Unbekannter in der Kunstszene, überzeugt gleich von Anfang an. Seine Ausstellung mit Werken der amerikanischen Künstlerin Tschabalala Self lohnt sich. Self hat dank ihrer visuellen Präsenz in den letzten Jahren international grosse Beachtung erfahren. Aus ihrem facettenreichen Oeuvre werden im Kunstmuseum St.Gallen neunzehn Gemälde gezeigt, die ihre künstlerische Entwicklung exemplarisch darlegen. Dazu neue Skulpturen, die ihre Malerei in die dritte Dimension überführen und dabei das Spiel von Fiktion und Realität weiter intensivieren. Zusätzlich ist ein Video einer ihrer Performances zu sehen. Ebenfalls sehr zu empfehlen ist die Ausstellung des Konzeptkünstlers und Theaterregisseur Livio Beyeler im Haus für Kunst Uri. Beyeler hat im Staatsarchiv Uri ein verloren geglaubtes Theater des Künstlers Heinrich Danioth aufgespürt. Die Kunstinstitution wird darum zum Theater auf Zeit. Acht Aufführungen stehen auf dem Programm, dazu kann aber auch die künstlerische Arbeit von Livio Beyeler bewundert werden. Und ja, ganz wichtig, wir haben mit «Open Channel» ein neues Projekt. «Open Channel» bietet einen direkten Draht zur Kunst. Mit diesem Format wagt arttv.ch ein Experiment und übergibt ausgewählten Kunstschaffenden ein Sendefenster auf unserer Plattform. Der erste Künstler, der mit seiner symbolreichen und subtil- subversiven Bildsprache das Format «Open Channel» auf arttv.ch bespielte, ist der Westschweizer Augustin Rebetez, dessen grandiose Werkschau «Vitamin» gegenwärtig im Aargauer Kunsthaus zu sehen ist. Mit Gruss Felix Schenker, Chefredaktor arttv.ch

Seated Woman | Tschabalala Self im Kunstmuseum St.Gallen in Zusammenarbeit mit Le Consortium, Dijon präsentiert das Kunstmuseum St.Gallen die erste, institutionelle Einzelausstellung der Künstlerin in Europa Das Werk der amerikanischen Künstlerin Tschabalala Self hat dank seiner visuellen Präsenz in den letzten Jahren international grosse Beachtung erfahren. Aus ihrem facettenreichen Oeuvre werden neunzehn Gemälde gezeigt, die ihre künstlerische Entwicklung exemplarisch darlegen. Dazu neue Skulpturen, die ihre Malerei in die dritte Dimension überführen und dabei das Spiel von Fiktion und Realität weiter intensivieren. Zusätzlich ist ein Video einer ihrer Performances zu sehen.

ZUM WETTBEWERB Schwarze Körper Inhaltlich stellen die Arbeiten von Tschabalala Self die historisch, kulturell und gesellschaftlich geprägten Vorstellungen gegenüber Schwarzen Körpern in Frage. In den Worten der Künstlerin: «Kollektive Fantasien umgeben den Schwarzen Körper und haben eine kulturelle Nische geschaffen, in der unser heutiges Verständnis von Schwarzer Weiblichkeit existiert. Meine Praxis widmet sich der Benennung dieses Phänomens.» Self setzt in ihrem Schaffen neue Massstäbe und befreit den Schwarzen Körper von Lesarten, die ausgrenzend sind.

Erfundene Charakteren In ihren Gemälden bildet Self Individuen oder Paare ab, die vor einem monochromen oder aber gemusterten Hintergrund teils in ihrer eigenen Welt zu schweben scheinen und isoliert wirken. Die Figuren von Tschabalala Self sind nicht als Porträts zu verstehen, vielmehr handelt es sich um Komposite aus einem, wie sie sagt, «Pantheon von erfundenen Charakteren». Die Personen auf ihren Bildern sind teils von dieser Welt, teils auch von ihr abstrahiert. Sie verkörpern somit einen existenziellen Zustand und stehen sinnbildlich für zwischenmenschliche Dynamiken. Überlebensgrosse Figuren Neben Malerei werden in der Ausstellung auch überlebensgrosse Figuren zu sehen sein: Seated Woman 1 und Seated Man 2 etwa untersuchen den Themenkomplex der sitzenden oder gar thronenden Figur, mit der Self sich in letzter Zeit beschäftigt. Der Stuhl wird damit, wie sie sagt, «zur Bühne». Die sitzende Figur hat viel mit Ideen des privaten und öffentlichen Raumes, des Persönlichen und Politischen zu tun, wie etwa in Sit-ins als Form von forderndem Protest.

Nothing Can Come From Nothing NCCFN bearbeitet globale Themen mit lokalen Mitteln, indem die Gruppe mit ihren Mitmenschen partizipativ in verschiedenster Manier zusammenarbeitet. Sie verarbeiten Wegwerfprodukte zu grafisch anmutenden Installationen, untersuchen die Arbeit von Näher:innen in Textilsortierwerken in Indien und stellen die Nachhaltigkeit von Kleiderspenden mit ortsspezifischen Interventionen infrage. Oder sie verlegen den Museumsshop direkt als Marktplatz in die Ausstellung. Das multidisziplinäre Arbeiten mittels Textildesign, Fotografie, Performances und Video dient einer breit abgestützten, niederschwelligen Vermittlung der dringlichen Inhalte. Die Präsentation NCCFNs, also die Szenografie im Raum, stellt das eigentliche Produkt ihrer Schaffensweise dar. Die Kommunikation ihrer Anliegen, in verschiedenen Formen der Darstellung, soll einen ästhetisch und kulturell bleibenden Eindruck vermitteln. Dieser Eindruck stärkt das Bewusstsein im alltäglichen Umgang von Mensch zu Material, macht dessen globale Zusammenhänge offensichtlicher und fördert eine kritisch- positive Auseinandersetzung, was Nachhaltigkeit bedeuten kann. Die Ausstellung «Applied Utopia» legt einen besonderen Fokus auf die eigene Schaffensweise des Kollektivs und will genau das: Utopien anwenden. Thema ist hier nicht nur die Produktion der Werke, sondern auch der Prozess, der zu gemeinschaftlichen Projekten führt. So wird vermeintlich Wertloses transformiert, neu geordnet, gesammelt und der Umgang mit utopischen Ideen schonungslos dokumentiert und parodisch reflektiert.

Kritische Reﬂexion der Ostschweizer Textilindustrie Über Jahrhunderte war die Ostschweiz die führende Region in der Schweizer Textilindustrie. Praktisch in jedem Haus wurde gewoben, gesponnen oder gestickt. Um 1800 war der Kanton Appenzell Ausserrhoden der am dichtesten besiedelte Kanton der Schweiz, mit der Zeit entstanden auch im Appenzellerland einflussreiche Handelshäuser. Die Maschinenstickerei entwickelte sich zwischen 1830 und 1930 und trug dazu bei, die Produktion zu beschleunigen und die Preise zu senken. Dies war ein bedeutender Schritt, der auch zu unserer heutigen Überproduktion führte. Die Ausstellung ist ein Beitrag zur Debatte um die Zukunft von Textil und Mode im global-lokalen Kontext sowie Design im Netzwerk. Sie regt dazu an, über weltumspannende Lieferketten nachzudenken. Design und Kunst können einen wesentlichen Beitrag zum gesellschaftlichen Verständigungsprozess über Zukunftschancen und nachhaltige Entwicklung in unserer Gesellschaft leisten. Wie können und wollen wir in Zukunft leben, ohne unsere Lebensgrundlage zu zerstören? Wie können wir lernen, neue Wege zu gehen? Und wie kommen wir vom Wissen zum Handeln?

Ein unbequemer Auftakt Als Augustin Rebetez 2011 seine erste Einzelpräsentation im Rahmen der Caravan-Reihe für junge Kunst im Aargauer Kunsthaus durchführt, ist er erst 25 Jahre alt und hat gerade die Fotoklasse abgeschlossen. In seiner raumgreifenden Wandinstallation zeigt sich bereits damals, dass ihm der Bildraum nicht genügt. «HEY, YOU, COME CHECK MY STUFF! PLEASE, LOOK AT ME! COME ON! SEE ME NOW!»– beinahe aufdringlich fordert Rebetez’ neuste Videoarbeit die Aufmerksamkeit der Besuchenden im Aargauer Kunsthaus ein. Das Werk Vitamin (2023) ist schrill, bunt und hinterlässt uns aufgedreht und voller Neugier, mehr über diesen pulsierenden Kosmos zu erfahren. Vitamin verdeutlicht aber gleich zu Beginn der gleichnamigen Ausstellung: Es kann laut und unbequem werden. Augustin Rebetez ist das recht. Er hat keine Angst davor, sein Publikum herauszufordern, und bekämpft gerne Feuer mit Feuer. So wird es im grauen Winter plötzlich wohlig warm– Rebetez’ Werke spenden Energie und lassen seine Freude aufblitzen, die Überforderungen und Widersprüche des modernen Lebens zu einem Sinnesgewitter aufzubauen.

Rebetez’ Spiel mit dem Rituellen Nach der ersten Dosis Vitamin laden Lichtboxen, Monografien und Miniaturen zur Erkundung von Rebetez’ Wunderland in Aarau ein. An transparenten Fäden herunterhängend, tanzen seine glänzenden Vogelschwärme um die Köpfe der Besuchenden. Sie führen über Klebefolien auf Boden und Wänden zu neuen Fotografien und Malereien. Eines der grossen Highlights dieser Einzelausstellung wird die erstmals in der Schweiz inszenierte Arbeit «Throw Your Shadows» (2018) sein: In diesem Environment aus Projektion, Lasershow und Stroboskoplichtern zieht Rebetez die Betrachtenden in einen Erzählstrom, der den Körper mit den Mitteln der Kunst – ähnlich wie in religiösen Riten von Völkern aus früheren Zivilisationen – in eine ekstatische Trance versetzt. In einer Zeit, in der sich immer mehr Leute ihre eigenen spirituellen Pfade im Yoga, Schamanismus oder gar Sport suchen, wird das Museum nicht nur für «Throw Your Shadows» zu einem eigenwilligen Raum geistiger Einkehr: Eine im Kunsthaus errichtete Kapelle lädt die Besuchenden zusätzlich dazu ein, Kunst als gemeinschaftsstiftenden Ort zu erfahren.

ZUM WETTBEWERB Poetische Szenograﬁen Um Gemeinschaft geht es auch in der vom Aargauischen Kunstverein geförderten Neuproduktion von Bronzeskulpturen, hergestellt in der Kunstgiesserei Rüetschi AG in Aarau. «THE FAMILY» (2023) besteht aus fünf überlebensgrossen Vögeln, die im Innenhof des Aargauer Kunsthauses platziert werden. Sie erinnern daran, dass wir letztlich alle zu einer Familie, der Menschheit, gehören, auch wenn wir von überall herkommen und in unterschiedliche Richtungen unterwegs sind. Vögel sind in Rebetez’ Werk immer wieder anzutreffen und versinnbildlichen für den Künstler Freiheit und das Streben nach Höherem. Rebetez ist Sammler und Dichter zugleich. Er eignet sich einfach verständliche Zeichen an, die interkulturell lesbar sind, und kondensiert sie in seinen Arbeiten zu Ensembles und Szenografien. Damit gelingt ihm nicht nur ein poetisches Spiel zwischen high und low art, vielmehr bieten die ungewohnt rohen Inszenierungen eine Bühne für die grotesken Schauspiele des Alltags: Despoten zeigen ihr wahres, von Machtgier verzerrtes Gesicht, Katzen erscheinen als die kleinen Monster, die sie manchmal sein können, und ein verlegtes Handy wird zum Anlass für einen Punkhit. Augustin Rebetez lässt uns an seiner Kunst teilhaben. Sie ist verquer und unangepasst, und sie ist genau das, was wir jetzt alle brauchen. Woher wir das wissen? Das hat uns eines von Rebetez’ Vögelchen gezwitschert.

Augustin Rebetez (*1986 in Delémont) lebt und arbeitet in Mervelier (JU). 2009 schloss er sein Studium der Fotografie am CEPV – Centre d’enseignement professionnel de Vevey ab. Auch wenn er im Jura verwurzelt ist, bereichert das Enfant terrible der Schweizer Kunstszene seine Praxis schon früh durch Aufenthalte und Reisen ins Ausland. Der VIDEO Künstler arbeitet stets mit den unterschiedlichsten Medien, um raumgreifende Installationen zu realisieren, und war damit bereits in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen vertreten. Seit 2020 publiziert er im Eigenverlag Label Rapace Bücher und führt sein eigenes Künstlerhaus zwischen Museum und Atelier, in dem er seine Werke, die Fotografie, Film, Musik, Malerei, Plastik und Performance vereinen, kontinuierlich weiterentwickelt und der Öffentlichkeit als Gesamtkunstwerk zugänglich macht. Zu den vielen Preisen, die der Jurassier gewonnen hat, zählen unter anderem der Kiefer Hablitzel Preis (2012), der Grand Prix Images Vevey (2013), der Swiss Art Award (2019) und der Alfred Latour Preis (2019). Die Ausstellung im Aargauer Kunsthaus ist seine bisher umfassendste Einzelausstellung. Augustin Rebetez | Vitamin | Aargauer Kunsthaus | bis 29. Mai 2023

Konzeptkünstler und Theaterregisseur Livio Beyeler hat im Staatsarchiv Uri ein verloren geglaubtes Theater des Künstlers Heinrich Danioth aufgespürt. Die von Livio Beyeler gefundenen Texte fokussieren Vignetten der Urner Bevölkerung im Jahreskreis und vermitteln kritisch-visionäre Heimatbetrachtungen des Malerdichters Heinrich Danioth (1896 – 1953). Zugleich erlaubt Beyelers Fund der «Urner Revue» eine informierte Auseinandersetzung mit Danioths Theaterarbeit, die sehr viel intensiver war als allgemein bekannt ist. Die Ausstellung und acht Theateraufführungen im Haus für Kunst Uri machen Danioths Theaterarbeit erlebbar

Was ist Heimat – Gefühl oder Ort? Im Erdgeschoss vom Haus für Kunst lädt die Ausstellung anhand von Installationen zur Betrachtung und Erprobung eigener Heimatbilder ein. Im Zentrum steht die Frage: Was ist Heimat – Gefühl oder Ort? Je nach Antwort führt der Weg nach der linken oder rechten Seite des Stockwerks. Entweder in einen Raum, in dem die Frage nach der Kommerzialisierung des Heimatsgefühls aufgeworfen wird. Im anderen Raum werden stoffliche Komponenten des Heimatsbegriffs verhandelt, wozu Beyeler mit natürlichen Materialien wie Holz, Stein und Erde arbeitet und existenzielle Erfahrungen wie die Kulturhandlung des Essens oder den Tod zur Wahrnehmung bringt. Theaterarbeit von Heinrich Danioth Die beiden oberen Stockwerke präsentieren Objekte und Installationen, die einen engen Bezug zur Theaterarbeit von Heinrich Danioth und zu dessen Innenwelt aufweisen. Für die erste Etage erschafft Beyeler verschiedene Objekte, die von spezifischen Gegenständen in Danioths Theatertexten inspiriert sind, wie etwa ein Hungertuch oder ein Glücksrad. Parallel dazu zeichnet Beyeler den Arbeitsprozess an der «Urner Revue» nach. Indem er originale handschriftliche Textfragmente zusammen mit diversen zugehörigen Zeitdokumenten präsentiert (wie Zeitungsartikel, Briefe, Theaterplakate), gewährt er weitreichende Einblicke in Danioths Theaterarbeit. Im Dachstock verweist Beyeler durch eine Rauminstallation mit der originalen Fasnachtstrommel Heinrich Danioths schliesslich auf dessen ganz persönliches und ambivalentes Konzept Heimat.

Zehn Theateraufführungen Das Theaterstück «welcome home» überführt Livio Beyelers Recherche und künstlerische Auseinandersetzung mit dem Thema Heimat in ein Gesamtkunstwerk, das wesentlich mit der Ausstellung verzahnt und von Heinrich Danioths «Urner Revue» inspiriert ist. Die insgesamt zehn Aufführungen des Theaterstücks beginnen im Foyer des Museums. Nach der ersten Szene teilt sich das Publikum in drei Gruppen auf und begleitet die Darsteller: innen in unterschiedliche Räume der Ausstellung. Dort werden parallel drei Szenen aufgeführt, anschliessend wechselt das Publikum die Räume und wohnt so bis zum Ende des Abends allen drei Szenen bei. Auf diese Weise führt die Inszenierung im Haus für Kunst Uri in unterschiedliche Situationen, die durch das Begriffspaar Ort und Gefühl geprägt sind, und eröffnet durch Humor, Konfrontation, Dialog und Musik neue Perspektiven auf das Werk Heinrich Danioths und den Begriff Heimat. welcome home | Livio Beyeler – Haus für Kunst Uri | 21. Mai 2023 | Das Projekt «welcome home» umfasst eine Ausstellung zum Thema Heimat und ein Theaterstück, das in den Ausstellungsräumen des HfK Uri aufgeführt wird.

Die Geschichten hinter den Schlagzeilen Die neue Bilderschau aus dem Ringier Bildarchiv zeigt ab dem 10. März im Stadtmuseum Aarau Siegfried Kuhns beste Fotografien und enthüllt die Geschichten hinter den Schlagzeilen. Fundstücke aus dem Pressebildarchiv wie scharfzüngige Randnotizen zu einem falsch zugeschnittenen Bild von Roman Polanski, eine Dankeskarte von Ursula Andres oder engmaschige Zeitpläne für die Sportberichterstattung geben Einblick in das aufregende Leben des leidenschaftlichen Fotoreporters. Daisy Voog – die erste Frau bezwingt die Eigernordwand Der estnisch-deutschen Bergsteigerin Daisy Voog gelang im September 1964 als erste Frau die Durchsteigung der Eiger-Nordwand. Nach der geglückten Aktion wurden Voog und ihr Begleiter Werner Bittner gespannt von diversen Medienschaffenden erwartet – natürlich auch von Siegfried Kuhn. Dieser brachte sich in der Station Eigergletscher in Stellung, erspähte die beiden Rückkehrenden als erster und behielt die Info für sich, bis seine Konkurrenten weiterzogen. So gelangen Kuhn die ersten exklusiven Bilder des erfolgreichen Duos und lud die beiden sogleich zu einem Imbiss im Restaurant ein.

Roger Moore (1981) beim Kuh melken Während seiner grossen Zeit als James-Bond-Darsteller plante die «Schweizer Illustrierte» 1981 eine Reportage mit Roger Moore. Doch die Bildausbeute war nach zwei Sujets immer noch unbefriedigend für einen umfassenden Bildbericht. Spontan fragte Siegfried ihn, ob er sich beim Melken fotografieren lassen würde. Roger Moores Reaktion war erstaunlich. Einerseits fand er die Idee keineswegs abwegig. Andererseits konnte er melken! Moore freute sich spitzbübisch, dass er mit seinen Melkkünsten überraschen konnte, und erklärte, dass er sich diese als Kind auf der Farm seines Onkels angeeignet hatte. Der Schauspieler setzte sich auf den Melkstuhl und begann mit dem Melken, eine Fliege landete auf seinem Rücken und – welch Glück – die Kuh «Meieli» guckte auch noch in Richtung Kamera. Roger Moore grinste, Kuhn drückte auf den Auslöser der Kamera, das Titelbild der «Schweizer Illustrierten» (Nr. 25, 1981) war perfekt!

Upgrade für die Kulturfabrik Mit dem neuen KIFF wird die Besucherkapazität von bisher max. 550 auf neu 1000 Personen fast verdoppelt. Noch berühmtere Bands und Künstler:innen, noch grössere Partys und Veranstaltungen werden so möglich, ohne dabei auch auf kleinere, intime Events verzichten zu müssen. Der Saal kann modular angepasst werden und im kleineren Club mit Kapazität bis zu 250 Personen findet weiterhin Lokales, Experimentelles und Nischiges seinen Platz. Das KIFF will und soll ein Kulturort für alle sein. Darum ist der Neubau komplett barrierefrei geplant. Keine Schwellen, keine engen Türrahmen, grosszügige Lifte, entsprechend konzipierte Theken und ausgestattete Toiletten und dazu die Möglichkeit, das Konzert auf dem ebenerdigen Parkett oder der Galerie mit Sitzplätzen zu geniessen. Attraktiver Aussenbereich statt Asphaltwüste, grosszügiges Foyer statt enge Gänge und gemütliche Beiz mit Terrasse statt steile Treppen. Das neue KIFF wird ein Ort der Begegnung und des Verweilens, mit Sitzplätzen, Atmosphäre und vor allem: genug Platz! Mehr Platz und weniger Schwellen nicht nur fürs Publikum, sondern auch für alle die, die im KIFF arbeiten, für die Menschen hinter den Tresen, auf und hinter der Bühne. Das reduziert nicht nur unnötige Reibungen und Ressourcenverbrauch, sondern ermöglicht auch anspruchs- und eindrucksvollere Produktionen und erhöht die Attraktivität des KIFF als Veranstaltungsort. Vom Apéro direkt an die Comedy-Show oder nach dem Konzert noch was Feines essen. Die neue Kulturbeiz schliesst eine Lücke im Angebot, welche das KIFF mit seinem Foodtruck bis anhin nur teilweise ausfüllen konnte: die Verbindung von Kulinarik und Kultur, von gemütlichen Beisammensitzen und Tanzen. Mit dem neuen KIFF kann der Veranstaltungsbetrieb qualitativ und quantitativ ausgebaut und verbessert werden. Mehr Platz, mehr Möglichkeiten, mehr Komfort für noch mehr Kultur für noch mehr Menschen!

Körper und Blick Die Fotografien sowie die Gegenüberstellung fotografischer und nichtfotografischer Medien an der Schnittstelle von Film, Videokunst und Body-Art erlauben eine neue Perspektive auf das Schaffen von Valie Export. Ob zu dokumentarischen Zwecken, als Experiment, als Bestandteil multimedialer Installationen oder als eigenständiges Werk: Die Fotografie spielt im Schaffen der Medien- und Performancekünstlerin eine zentrale Rolle. Valie Export fertigte ab den 1970er-Jahren, also bereits zu Beginn ihrer Karriere, fotografische Serien an, die sich der kritischen Untersuchung von Abbildungsprozessen widmen. Mit ihren Konzeptfotografien analysiert sie die Funktions-, Darstellungs- und Wahrnehmungsweise von Bildern und Massenmedien. In ihrer experimentellen Herangehensweise erkundet die Künstlerin die Fotografie auf vielfältige Art. Sie integriert Besonderheiten sowie Merkmale anderer Medien und Kunstformen in ihre Arbeit mit der Fotografie oder verwendet die Fotokamera zum Teil entgegen ihrer technischen Möglichkeiten, wobei Valie Export die Grenzen zwischen medialen Genres durchbricht. Dabei untersucht die Künstlerin gesellschaftspolitische und feministische Fragestellungen: Im Zentrum ihres Werks steht das Verhältnis von Subjekt und Raum, Körper und Blick, Weiblichkeit und Repräsentation. d n a T h p e s o J : o t o F , h c i r u Z , s i r e t t i L o r P , 2 2 0 2 T R O P X E E I L A V © n i r e l t s n ü K e d d n u , i c a p o R s u e a d d a h T e i r e a G y s e t r u o C l , k i f a r g o t o F w / s , 8 6 9 1 , t i e k g d n u H i r e d e p p a M r e d s u A , T R O P X E E I L A V

Den Film «VALIE EXPORT - Ikone und Rebellin» auf Vimeo streamen oder kaufen TRAILER w / s , n o i t a r u g i f n o k r e p r ö K , 2 7 9 1 , I n e g n u z t e l r e V , T R O P X E E I L A V Valie Export – Die Fotografien | Fotomuseum Winterthur | bis 29. Mai 2023 | Die Ausstellung wird kuratiert von Walter Moser und ist eine Kooperation mit der Albertina, Wien. Den Film «VALIE EXPORT - Ikone und Rebellin» auf Vimeo streamen oder kaufen E I L A V © n o i t c e l l o C L S S E e h T – n e W i , I A N T R E B L A , k i f a r g o t o F h c i r d n e H n n a m r e H : o t o F , h c i r u Z , s i r e t t i L o r P , 2 2 0 2 , T R O P X E

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Kunstmuseum SG: Tschabalala Self

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Rehmann-Museum: Anna Schmid

Zeughaus Teufen: NCCFN

Open Channel

Aargauer Kunsthaus: Vitamin

Haus für Kunst Uri: Theater

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Kunsthalle Arbon: Laura Mietrup

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Pressefotografie: Siegfried Kuhn

Architektur: KIFF 2.0

Fotomuseum: Valie Export