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Editorial
Sylvie Fleurys «Luxus-Welt» im Kunst Museum Winterthur
Ausstellung von Camille Henrot in der LOK
Spazi Spescha Trun – Matias Speschas Rückkehr
Kunst unter freiem Himmel «Art Trail» in Andermatt
Die 8. Biennale Weiertal steht unter dem Titel Common Ground
«Parlament der Pflanzen II» Kunstmuseum Liechtenstein
Anna von Siebenthal erforscht die Interaktion von Biene und Mensch
Erna Schillig - Meisterschülerin, Künstlerin, Professorin
ernaschillig.ch Kunstdinner auf dem Klausenpass
Skulpturenpark Steinmaur: Eine Symbiose aus Natur, Kunst und Arbeit
Die Ausstellung «Poesia» ist selbst für eine Kunstikone wie Manon eine Herausforderung
«Im Bad der Farben» zeigt Renoir und Monet an der Grenouillère
Mit «FRANZ UND HOHLER» gratuliert Olten Franz Hohler zu seinem Achtzigsten
Singisen Forum «Landschaftsveränderung im Blickfeld der Kunst»
Jonas Van Holanda (*1989) erhält den Helvetia Kunstpreis 2022

Liebe CLICK ART Leser:innen Die Sommerferien stehen vor der Türe und für mich bedeuten Ferien immer auch eine Entdeckungsreise in die Welt der Kunst. Einfach am Strand liegen, das ist gar nichts für mich. Auch wenn ich in die Schweizer Berge fahre, versuche ich, das Wandern mit dem Besuch eines kulturellen Anlasses zu verbinden. Vielleicht spiegelt sich diese Haltung deshalb in unserem Click Art wieder. Uns wurde schon oft gesagt, dass unser Magazin dazu anregt, über den Tellerrand zu schauen und Kunstausstellungen in anderen Regionen der Schweiz zu besuchen. In diesem Heft sticht das Projekt «Spazi Spescha» im Bündnerischen Trun hervor. Die erste Ausstellung in der ehemaligen Tuchfabrik Trun versammelt herausragende Arbeiten von Matias Spescha. Der Maler, Bildhauer und Grafiker, der mehrheitlich in Frankreich lebte, starb 2008. Sein Werk ist nun an seinen Geburtsort zurückgekehrt. Ebenfalls sehr zu empfehlen ist die MANON-Ausstellung «Poesia» in Ronco sopra Ascona im Tessin. MANON, die als eine der wichtigsten und bekanntesten Schweizer Vertreterin feministischer Kunst gilt, muss ich wohl kaum noch vorstellen. Noch weitere starke weibliche Positionen lassen sich momentan entdecken: Sicherlich kennen Sie Sylvie Fleury, aber wie steht es um Camille Henrot und Alice Channer? Aber zurück zur Kunst unter freiem Himmel: Immer einen Besuch wert ist der Skulpturenpark Steinmaur, dessen Geschichte wir in einem Portrait vorstellen. Dann ist da noch der Art Trail in Andermatt. Ganz ehrlich, nicht alle Positionen sind von gleicher Qualität, aber es hat fantastische Werke darunter und zudem geht es auch darum, die Landschaft zu erkunden. Eine bestechende Arbeit stammt von Anna Schmid. Ich selber kenne sie und ihre Werke noch nicht sehr lange. Entdeckt habe ich Schmid in einem arttv Videobeitrag, die Künstlerin hatte dieses Jahr eine Einzelausstellung im Rehmann-Museum. Übertitelt hatten wir unseren Videobericht mit: «Die Einzelausstellung von Anna Schmid im Rehmann-Museum ist eine fulminante Entdeckung». Umso erfreuter war ich, als ich in Andermatt auf eine Arbeit der Künstlerin gestossen bin. Sehenswerte «Freilluftkunst» bietet noch bis am 10. September 2023 auch die 8. Biennale Weiertal. Mit Gruss Felix Schenker, Chefredaktor arttv.ch

Crossover zwischen Kunst und Fashion Ihre «Shopping Bags» sorgten bereits in den 1990er Jahren für Aufmerksamkeit. Jede der Taschen, darunter solche von globalen Labels, enthielten den Gegenstand, den die Künstlerin damit erworben hatte. Kunst und Kommerz so hemmungslos miteinander zu verbinden, schien anrüchig. Mehr noch irritierte die Tatsache, dass eine Künstlerin sich dem beinahe obsessiven Einkaufen von Luxusgütern widmete und sich damit scheinbar kritiklos dem Glamour und Lifestyle hingab. Indes weist der Tausch zwischen valorisierten Archivalien der Kultur und dem profanen Raum seit Marcel Duchamp eine lange Tradition in der bildenden Kunst auf.

Dekonstruktion von Geschlechterklischees mit Ironie Diese Tradition verbindet Sylvie Fleury konsequent mit der Dekonstruktion von überlieferten Geschlechterklischees – und zwar ebenso ironisch wie lustvoll, wenn sie beispielsweise Models in High Heels über die Bodenplatten von Carl Andre stolzieren lässt. In ihrer künstlerischen Praxis, die sich auf Skulptur, Performance, Installation und Malerei erstreckt, verwendet sie Strategien, die mit dem frühen Konzeptualismus, der Pop-Art und dem Minimalismus in Verbindung gebracht werden und einen kritischen Blick auf die weitgehend männlich geprägte Kunstgeschichte eröffnen. VIDEO Shoplifters from Venus | Kunst Museum Winterthur | 3. Juni bis 20. August 2023 | Beim Stadthaus

Reﬂexion der Fürsorge Die erste Einzelausstellung der französischen Künstlerin in der Schweiz ist eine Erkundung des Konzepts der Fürsorge in ihren vielfältigen Ausprägungen, sowohl figurativ wie die Nanny, die Kindergärtnerin oder der Hundespaziergänger, als auch abstrakt wie im Kalender, im Vertrag oder in administrativen Aufgaben. «Ich möchte anerkennen, dass Fürsorge – abgesehen davon, dass sie ein wesentlicher und grundlegender Ausdruck der Liebe und Aufmerksamkeit darstellt – auch ein ambivalenter, verstrickter und bisweilen chaotischer Akt ist», meint die Künstlerin. Von Fleur Jaeggy inspiriert Die Ausstellung umfasst über dreissig Werke, von denen viele eigens für ihre Ausstellung in der Schweiz produziert wurden. Die Arbeiten fügen sich zu einer Gesamtinstallation, die eine Art Spielplatz versinnbildlicht, ein Ort der Ablenkung, der Pflege, der Vernachlässigung und geprägt von anstehenden Aufgaben. Es gibt ein gleichzeitiges Potenzial für Spiel und Gefahr, für Aufmerksamkeit und Zerstreuung. Der Ausstellungstitel ist dem gleichnamigen Roman der italienisch-schweizerischen Autorin Fleur Jaeggy (*1940 Zürich) entlehnt. Henrots wie Jaeggys Überlegungen sind geprägt von einem belasteten Verhältnis gegenüber dem Erwachsenwerden, der Etikette, den gesellschaftlichen Normen und kodierten Verhaltensregeln.

Interrupted Lullabies Für die St.Galler Ausstellung hat der Komponist und Musiker Mauro Hertig (*1989 Zürich) die Klanginstallation «Interrupted Lullabies» realisiert. Sie durchflutet den Ausstellungsraum mit vertrauten und zugleich befremdlich anmutenden Tönen und Geräuschen, die ein Kind in einem Zustand der Hyperfokussierung hört: ein Hund, der sich an den Ohren kratzt, summende Bienen, ein elterliches «Sch». Gesummte Wiegenlieder sowie ein vor Ort aufgeführtes Chorstück ergänzen die Komposition und erweitern Henrots Installation eindrucksvoll. VIDEO Camille Henrot | Sweet Days of Discipline | LOK by Kunstmuseum St.Gallen | bis 5. November 2023 | Die Ausstellung wurde grosszügig unterstützt von Hauser & Wirth und Mennour.

Speschas Wunsch wird wahr Matias Speschas grosser, zwei Jahre vor seinem Tode ausgesprochener Wunsch mit seinem Werk in seine Heimat zurückzukehren, wird mit der Eröffnung der Ausstellung «Matias Spescha. Retuorn a Trun – retuorn a casa» vollumfänglich wahr. Nach der Realisierung seines Herzensprojekts, der monumentalen Freilichtskulptur OGNA, 2013 posthum in der Nähe des Rheinufers in Trun eröffnet, findet genau zehn Jahre später nun auch das Gesamtwerk in Form seines künstlerischen Nachlasses eine Bleibe in der Heimat des Künstlers. Dafür wurde in der ehemaligen Tuchfabrik eine grosszügige lichtdurchflutete Ausstellungshalle hergerichtet. Der künstlerische Nachlass des national und international renommierten Trunser Malers und Bildhauers Matias Spescha (1925–2008) wurde von den Erben des Künstlers Anfang 2023 als Widmung an die bestehende Stiftung Ogna nach Trun überführt. Der Nachlass umfasst gegen 1’000 Werke, bestehend aus einzelnen und mehrteiligen Gemälden, Installationen, Skulpturen, Modellen sowie Arbeiten auf Papier wie Ausstellung und Projekt werden massgeblich von ihm geprägt: Peter Fische, Projektleiter Umsetzung Trun Cultura Gouachen, Collagen, Zeichnungen und Druckgrafiken. Diese Werke werden vom Verein Trun Cultura fachgerecht bewahrt und einem interessierten Publikum in unterschiedlichen Kontexten vermittelt. Dafür steht eine 950 m2 grosse Fabrikationshalle im 1. Obergeschoss der ehemaligen Tuchfabrik zur Verfügung.

Biograﬁe Matias Spescha Matias Spescha wurde am 17. Juli 1925 in Trun geboren. Nach der Lehre als Schneider in der Tuchfabrik Truns AG arbeitete er einige Jahre als Zuschneider und Abteilungsleiter. Die Arbeit mit grossem Stoffplanen half ihm, intuitiv Proportionen und Formen zu erfassen, was für seine spätere künstlerische Arbeit von fundamentaler Bedeutung sein sollte. Bereits in seiner Jugend begann Spescha zu zeichnen und malen. Ab 1951 arbeitete er als Plakatmaler für das Kino Corso in Zürich. Der bekannte Trunser Künstler Alois Carigiet erkannte sein Talent, wurde sein Mentor und ermutigte ihn, den künstlerischen Weg zu gehen. Dieser führte ihn 1955–58 nach Paris an die Académie de la Grande Chaumière und 1958 nach Bages. Dieser Ort im Südosten Frankreichs sollte zu seinem wichtigsten Lebens- und Arbeitsort werden. Matias Speschas Werk im Stil der internationalen Avantgarde gehört zu den Höhepunkten der Schweizer Kunst der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. In seiner Malerei, Druckgrafik und in den Skulpturen thematisiert er das Verhältnis von Grund und Figur sowie von Fläche und Raum. Einzelne Skulpturen übersetzen diese Fragen ins Dreidimensionale und ins grosse Format. Speschas Werk wurde bislang in mehr als 40 Einzelausstellungen im In- und Ausland gezeigt. Der Künstler erhielt viele Preise, u.a. 1993 den Bündner Kulturpreis und 1999 den Kunstpreis des Kantons Zürich. 2000 richtete das Aargauer Kunsthaus dem Künstler eine umfassende Retrospektive aus, 2005 folgte im Bündner Kunstmuseum Chur anlässlich des 80. Geburtstags die Würdigung «Matias Spescha – per ils otgonta».

Vielfalt an Stilen und Techniken Noch bis zum 31. Oktober 2023 findet in Andermatt der ART TRAIL statt. In der Ausstellung werden 33 Skulpturen und Installationen von 27 Künstler:innen sowie 5 Graffitiwerke gezeigt. Die Skulpturen sind aus unterschiedlichen Materialien wie Holz, Glas, Stein, Metall und Keramik gefertigt und variieren in Grösse und Form aber auch in ihrer künstlerischen Qualität. Besonders zu erwähnen und sehenswert ist die Arbeit von Anna Schmid beim Golfplatz Andermatt. Einige der Künstler:innen haben sich von der Natur inspirieren lassen und erschufen organische Formen, während andere abstrakte Skulpturen zeigen, die den Betrachter:innen Raum für eigene Interpretationen lassen. Die Kunstwerke sind farbenfroh und dynamisch und zeugen von der Leidenschaft und Kreativität der Küstler:innen. Die Graffiti Künstler:innen bieten den Besucher:innen einen Einblick in die Welt der urbanen Kunst. Hier ist besonders die Arbeit von Malik zu erwähnen, der einen Lüftungsschacht der Autobahn A2 in eine künstlerische Intervention verwandelt. Mit Sicherheit eines der Highlights des Projektes.

Verhandeln und diskutieren Wörtlich kann Common Ground als «gemeinsamer Boden» übersetzt werden. Viel öfter bezeichnet der Begriff aus der Sprach- und Diskurstheorie jedoch eine «gemeinsame Basis», wenn es um den Austausch von Meinungen und Werten geht. Beide Bedeutungen sind heute mehr denn je verknüpft. Das Bewusstsein, dass wir auf einer gemeinschaftlich genutzten Erde mit limitierten Ressourcen leben, ist der Ausgangspunkt vieler Diskussionen rund um Nachhaltigkeits- und Gerechtigkeitsfragen. In Zeiten gesellschaftlicher und politischer Krisen ist diese gemeinsame Basis jedoch keine Selbstverständlichkeit mehr. Der Common Ground wird fragil. Die «gemeinsame Erde» und die «gemeinsame Verständigungsbasis» drohen zu schrumpfen und zu fragmentieren. Mehr denn je müssen die herkömmlichen Werte verhandelt und diskutiert werden, um neuen Konsens zu finden, wie die Menschheit mit den Ressourcen und deren Verteilung umgehen soll.

Die Kuratorin – Sabine Rusterholz Petko Die Kuratorin Sabine Rusterholz Petko, 1973 in Zürich geboren, studierte Kunstgeschichte und leitete bis 2015 das Kunsthaus Glarus. Seither arbeitet sie als freie Kuratorin und hat etwa für die Kunsthalle Mainz oder die Fundaziun Nairs Ausstellungen zu einem neueren Verständnis der Natur in der Kunst kuratiert. Zusammen mit der Kuratorin Alexandra Blättler hat sie die Klöntal Triennale ins Leben gerufen, die 2014 erstmals stattgefunden hat und eine Plattform für das regionale und überregionale Kunstschaffen bot (siehe Bericht arttv.ch). Sabine Rusterholz hat bereits in zahlreichen Juries und Gremien mitgewirkt. 8. Biennale Weiertal | 21. Mai bis 10. September 2023 | kuratiert von Sabine Rusterholz Petko Ein umfassendes Veranstaltungsprogramm mit Führungen, Sommerfest, Diskussionsforen, Performances, Lesungen und Film beschäftigt sich auf vielfältige Weise mit dem Thema Common Ground. Zur Ausstellung erscheint eine Publikation. VIDEO

Symbiotisches Zusammenleben Neue Erkenntnisse zur Pflanzenwelt finden ebenso Eingang in die Ausstellung «Parlament der Pflanzen II» wie das Wissen indigener Kulturen, Fragen zur Kolonial- und Zeitgeschichte, zum Umgang mit Ressourcen oder unserer Wahrnehmung von Zeit. Die Kernfrage lautet: Wie können wir zu einem symbiotischen Zusammenleben gelangen, in dem menschliche und nicht-menschliche Lebewesen voneinander lernen? Auf zwei «Hochständen» finden sich Themenschwerpunkte rund um den Naturvertrag von Michel Serres und die Symbiose-Theorie von Lynn Margulis. Die «Hochstände» wurden in Zusammenarbeit mit Hans- Jörg Rheinberger, Molekularbiologe und Wissenschaftshistoriker, kuratiert. Teil der Ausstellung sind vielfältige weitere Kollaborationen und Kooperationen, darunter Pop-Up Gärten in der Gemeinde Vaduz, die Schulklassen hegen und pflegen.

Drei Inserts Zwei Ausstellungen in der Ausstellung und ein Projektraum vertiefen die Thematik. So bildet «Parlament der Pflanzen II» ein komplexes Geflecht, wie eine Waldgemeinschaft. Insert I: Politik der Pﬂanzen Ausgehend vom Bestand der Graphischen Sammlung der ETH sind zeitgenössische künstlerische Positionen zu entdecken, die sich mit aktuellen Themen beschäftigen: u.a. Grenzziehungen, der Frage nach dem Eigenen und Fremden, nach der Dominanz von Kultur oder Natur, aber auch mit ökonomischen Interessen oder geopolitischen Dimensionen natürlicher Ressourcen. Insert I: Politik der Pflanzen wird kuratiert von Linda Schädler, Leiterin der Graphischen Sammlung ETH Zürich. Insert II: Plants_Intelligence. Learning like a Plant Das Forschungsprojekt Plants_Intelligence. Learning like a Plant möchte die Debatte über Pflanzenwissen erweitern und durch die enge Zusammenarbeit mit Vertreter:innen aus verschiedenen Wissensgebieten für soziales, ökologisches und ethisches Verhalten fruchtbar machen. Insert II: Plants_Intelligence. Learning like a Plant ist ein Forschungsprojekt am Institut Art Gender Nature, Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW, Basel, unterstützt vom Schweizerischen Nationalfonds. Zum Forschungsteam gehören: Yvonne Volkart (Leitung), Felipe Castelblanco, Julia Mensch, Rasa Smite. Insert lII: Projektraum Parlament der Pﬂanzen II Der Seitenlichtsaal macht regionale Akteure sichtbar, die sich für die Belange der Natur engagieren. Am Beispiel verschiedener Lebensräume werden Möglichkeiten dargestellt, wie das Gleichgewicht zwischen Mensch und Natur verbessert werden kann. Zugleich wird die Frage gestellt, ob Pflanzen Rechte zugestanden werden können. Kuratiert wird der Ausstellungsteil «Projektraum Parlament der Pflanzen II» von Annett Höland, Ko-Kuratorin der Ausstellung. Pop-up-Gärten in der Gemeinde Vaduz Schulklassen in Zusammenarbeit mit dem Projekt «Vadoz summt», der Kunstvermittlung, Damiano Curschellas und Piero Good.

Parlament der Pﬂanzen II – Beteiligte Künstler:innen Hauptausstellung Polly Apfelbaum, Ursula Biemann, Anna Hilti, Alevtina Kakhidze, Jochen Lempert, Rivane Neuenschwander & Mariana Lacerda, Uriel Orlow, Silke Schatz, Thomas Struth, Athena Vida, Miki Yui, Zheng Bo. Insert I: Politik der Pﬂanzen – Beteiligte Künstler:innen Mireille Gros, Matthew Day Jackson, Monica Ursina Jäger, Daniela Keiser, Pascal Schwaighofer, Melanie Smith, Sebastian Utzni. Insert II: Plants_Intelligence. Learning like a Plant – Beteiligte Künstler:innen Felipe Castelblanco, Julia Mensch, Rasa Smite, Raitis Smits. Insert III: Projektraum Parlament der Pﬂanzen II – Beiträge von Mario F. Broggi; Gemeinde Vaduz – Projekt «Vadoz summt»; Nicolas Humbert; IG Netzwerk Biodiversität; Liechtensteinische Gesellschaft für Umweltschutz; Liechtenstein-Institut; Liechtenstein School of Architecture – «Pro Bono» Projekt der Studenten Luis Friedmann, Noah Laternser, Luca Strimmer; Maurice Maggi; Verein Feldfreunde u.a. VIDEO Parlament der Pflanzen II | Kunstmuseum Liechtenstein | bis 22. Oktober 2023 | Kuratiert von Christiane Meyer-Stoll

Der Urner Kreis und Erna Schillig Erna Schillig wurde am 27. September 1900 in Altdorf geboren. Nach dem Besuch der Volksschule durchlief sie die Ausbildung zur Krankenschwester und arbeitete in der Westschweiz. 1925 kehrte sie aus gesundheitlichen Gründen in ihre Heimat zurück. Ihre Eltern führten in den Sommermonaten das Hotel Klausenpasshöhe. Dort lernte sie den deutschen Maler August Babberger kennen, der – wie auch der mit ihr befreundete Maler Heinrich Danioth – gerne den Sommer auf dem Klausenpass verbrachte. Zusammen mit Heinrich Danioth und weiteren Urner Künstlern, Literaten und Musikern gehörte sie zum «Urner Kreis», der sich um Babberger gebildet hatte. Dies führte dazu, dass sie mit 27 Jahren für drei Jahre die Badische Landeskunstschule in Karlsruhe besuchte, wo Babberger die Fachklasse für dekorative Malerei und Wandmalerei leitete. Er erkor Erna Schillig zu seiner Meister- und Privatschülerin. Babbergers Frau, Anna Maria Babberger- Tobler, war ebenfalls Künstlerin. 1907, mit 27 Jahren, hatte sie erstmals schwere Depressionen und verbrachte ein Jahr in der Psychiatrischen Klinik Münsterlingen. Fünf Jahre später, 1912, heirateten sie und August Babberger in Stampa, dem Wohnort Augusto Giacomettis, welcher Trauzeuge und ein guter Freund des Paares war. Rund zwanzig Jahre später stürzte sie der Niedergang der Privatbank ihres Vaters und die Liebesbeziehung, die ihr Mann mit Erna Schillig um 1930 einging, in die zweite grosse Krise ihres Lebens. Davon konnte sich Anna Maria Babberger-Tobler nie mehr erholten. Sie starb am 20. April 1935 in der Psychiatrischen Klinik Münsterlingen. Schärhorn und Stäubenbach, Privatbesitz

Weltausstellung in Paris Erna Schillig wurde immer mehr zu Babbergers Mitarbeiterin und Lebensgefährtin. Zusammen malten sie 1932 die Höfli- Kapelle in Altdorf aus und das Künstlerbuch «Vom Urnersee über den Klausenpass» mit Holzschnitten von Schillig und Texten von Babberger erschien. Die Sommernotizen von der Klausenpasshöhe aus den Jahren 1931 bis 1936 von Babberger und Schillig wurden im Buch «Das Paradies der Höhensucher» von Karl Iten zusammengestellt. Inspiriert von den Urner Hochgebirgslandschaften entstanden in den 1920er- und 1930er-Jahren viele Pastellmalereien, Feder- und Bleistiftzeichnungen, in denen eine abstrahierte, rhythmisierte Farbsprache erkennbar ist. Bekannt wurde Schillig durch ihre Wandbilder in Putztechnik und ihre Wandteppiche. Ihr Trachtenteppich wurde an der Weltausstellung 1937 in Paris im Schweizer Pavillon gezeigt. Nach dem Tod Babbergers und dem Ausbruch des Zweiten Weltkrieges arbeitete Erna Schillig vorübergehend als Krankenschwester in einem Zuger Internierungslager. Von 1947 bis 1967 leitete sie die Textilabteilung der Kunstgewerbeschule in Luzern und verhalf ihr zu Renommee. Erna Schillig wurde 1960 vom Kanton Luzern mit dem Professorinnentitel ausgezeichnet. Nach ihrer Pensionierung lebte sie zurückgezogen bis zu ihrem Tod am 1. Mai 1993 im hohen Alter von 93 Jahren in Altdorf.

Ausstellung in Altdorf Kuratiert wird die Ausstellung von der Direktorin des Hauses für Kunst Uri, Barbara Zürcher gemeinsam mit dem Kunstkenner Jürg Nyffeler. Zusammen mit seiner Frau Ruth Nyffeler führt er die Edition 5, eine der bedeutendsten Sammlungen in der Zentralschweiz zur zeitgenössischen Kunst. Das Ehepaar produziert mit internationalen, national bekannten Künstler:innen Multiples in limitierter Auflage von genau fünf Stück. Besonders verdient gemacht hat sich, was die Ausstellung von Erna Schillig betrifft auch Martin Arnold, der über 120 Werke aus privaten Haushalten aufwändig zusammengetragen hat. Das Kuratorenteam Zürcher-Nyffeler konnte für die Ausstellung aus dem Vollen schöpfen und jene Exponate auswählen, die das Werk von Erna Schillig besonders gut repräsentieren. Die ausgestellten Exponate stammen allerdings mit wenigen Ausnahmen aus dem Fundus des Nachlasses, der im Staatsarchiv Uri gelagert ist und nun das erste Mal mit schlichter Holzrahmung ans Licht geführt wurde, ergänzt mit einer Auswahl an Wandteppichen und einzelnen Werken aus Privatbesitz. Martin Arnold hat Erna Schillig persönlich gekannt und das schon als junger Knabe. Auf dem Klausenpass war er in den Sommerferien im Restaurant «als Junge für alles» tätig. Seine Erlebnisse hat er im Buch «Erinnerungen an das HOTEL KLAUSEN-PASSHÖHE» festgehalten, das 2021 im Verlag Gisler1843 erschienen ist. VIDEO Erna Schillig | Haus für Kunst Uri | bis 20. August 2023 | Mehr über das Leben der Künstlerin erfahren Sie im arttv Projekt: ernaschillig.ch

Das Projektteam, das gegenwärtig das Leben und künstlerische Werk der Innerschweizer Künstlerin Erna Schillig (1900 - 1993) aufarbeitet, lädt am 14. Juli 2023 zu einem Kunstdinner ins Hotel Klausenpass. ernaschillig.ch ist ein Projekt von arttv.ch. Ziel des Kunstdinners ist es, das ambitionierte Projekt der Bevölkerung näher zu bringen und dies an einem besonders wichtigen Wirkungsort der Künstlerin. Erna Schillig verbrachte die Sommer regelmässig im Hotel ihrer Eltern auf dem Klausenpass. Das von Felix Schenker, in seiner Funktion als Chefredaktor von arttv.ch, lancierte Projekt, ist massgeblich durch Martin Arnold und seine Frau Marie-Ann vorangetrieben worden.

Aufwändiges Projekt Martin und Marie-Ann Arnold haben über 120 Werke der Künstlerin in der ganzen Schweiz ausfindig gemacht. Die Website ernaschilling.ch umfasst neben der Lebensgeschichte von Erna Schillig auch eine Werkschau, die laufend ergänzt wird. Diese verdeutlicht das vielseitige Schaffen der Künstlerin, das noch wesentlich umfangreicher ist, als es die aktuelle Ausstellung über Erna Schillig im Haus für Kunst Uri zu vermitteln vermag. Sabine Dahinden wird am Kunstdinner neben den Fachpersonen Beat Stutzer und Andreas Gabelmann auch zwei Zeitzeuginnen von Erna Schillig begrüssen. Zu Gast sind Elena Danioth und Brigitte Walker-Germann. Beide haben die Künstlerin privat gekannt. Auf dem Programm steht auch eine musikalische Überraschung, die auf das Leben von Erna Schillig Bezug nimmt. Sabine Dahinden moderiert den Anlass nicht nur, sie realisiert auch acht Videobeiträge zum Leben von Erna Schillig. Vier davon sind bereits auf der Website abrufbar. Im Hotel selber werden bis Saisonende einige Werke von Erna Schillig und ihren Künstlerkollegen Heinrich Danioth und August Babberger präsentiert, die in einem Zusammenhang mit der Klausenlandschaft stehen und die Ausstellung im Haus für Kunst Uri bewerben.

Eine künstlerische Waldbesetzung Im Jahr 1974 legen der Amerikaner Frank Carlson und der Zürcher Bildhauer Beat Kohlbrenner den Grundstein der künstlerischen Aktivitäten auf dem Areal der Lägern Kalksteinbrüche. Carlson lässt sich beim Steinbruch nieder und Kohlbrenner erwirbt mit seiner ersten Frau Gabi ein idyllisch gelegenes Haus mit Umschwung und nennt den Ort Paradiesgärtli. Ihr Haus steht offen für eine wechselnde Zahl von Kunstschaffenden, Weltenbummlern und Exoten. Kohlbrenner findet mit seinen grossformatigen Holzskulpturen überregional Anerkennung und zieht Menschen an. So beginnt Dieter Wettstein bei ihm eine Lehre als Bildhauer und auf einem dazu gemieteten Werkplatz richtet sich in den Achtzigerjahren Ruedi Mösch ein. Nur wenig später folgt der Maler und Fotograf Jakob Sollberger. Wilde Bauten entstehen, ermöglicht durch das Wohlwollen des Grundeigentümers Martin Bader und die stillschweigende Duldung der Gemeindebehörden von Steinmaur. Wettstein beginnt mit dem Bau seiner Waldsiedelei und im Paradiesgärtli betreibt der aus Kreta stammende Eisenplastiker Evangelos Psillakis für rund zehn Jahre ein Atelier. Anfang der Neunzigerjahre richten Line Lindgren und Daniel Hardmeier ihre Werkplätze ein.

Über den Verein zum Skulpturenpark 2002 wird der Verein Ateliers und Skulpturenpark gegründet. Ein Jahr später, nach Jahren unbehelligten Schaffens, verordnet der Kanton Zürich die Räumung aller nicht bewilligten Bauten. Trotz rechtlicher Unsicherheiten übernimmt Adrian Bütikofer 2005 ein leerstehendes Atelier. Aufgrund von Rekursen und Interpellationen schlägt der Kanton Zürich schliesslich die Ausarbeitung eines Gestaltungsplans zur Legalisierung der Werkplätze vor. Diese erfolgt 2009. Leider stirbt kurz vor Jahresende unerwartet Dieter Wettstein. Caroline Bachmann übernimmt 2011 einen Teil der Waldsiedelei als Atelier, gleichzeitig verlassen Jakob Sollberger und Beat Kohlbrenner den Verein. Werkplatz im Wandel 2013 werden die zwei jungen Plastiker Martin Reich und Michael Meister, bekannt als MERESK, aufgenommen. Sie beginnen mit dem Bau eines grosszügig dimensionierten Werkunterstandes. 2019 mietet Morné Swanepoel das Atelier von Daniel Hardmeier, das er 2022 vollständig erwarb und zum Vereinsmitglied wurde. Gleichzeitig verlassen Daniel Hardmeier und Line Lindgren den Verein. Das Atelier von Line Lindgren übernahm Maja Hürst. Heute, nach der gelungenen Legalisierung, widmet sich der Verein dem Erhalt der Werkplätze und dem Ausbau des Skulpturenparks. Regelmässige Ausstellungen bilden einen festen Bestandteil des Kulturschaffens in der Region und darüber hinaus. VIDEO WANDEL | Kunstsymposium und Ausstellung | Skulpturenpark Steinmaur bis 28. Oktober 2023

LANDSCHAFTS VERÄNDERUNG IM BLICKFELD DER KUNST SINGISEN FORUM SEDIMENTIEREN, KRISTALLISIEREN, KONDENSIEREN !".!#. – %#.!&. %!%# Georg Aerni Urs Aeschbach Esther Amrein Annemarie Auer Marie-Claire Baldenweg Christine Bänninger Kathrin Bänziger Baum/ Jakob Lilian Beidler Barbara Bietenholz Maria Bill bittelangsam Maya Bringolf Stephan Bruelhart Marius Brühlmeier Sibylle Bühler Beltran Brigitt Bürgi Tanja Bykova Werner Casty Dario Cavadini Ildiko Csapo Rosângela de Andrade Regula Dettwiler Hannes Egli Barbara Ellmerer Ulrich Elsener Johanna Encrantz Marianne Engel Tatjana Erpen Nelly Frei Max Frey Andreas Frick Caroline Fuss Andrea Gerber Christian Greutmann Mireille Gros Max Grüter Albert Gübeli Michael Günzburger Marianne Halter Christiane Hamacher Otto Heigold Nicole Henning Antonia Hersche Samuel Herzog Andreas Hofer Susanne Hofer île ﬂottante Tanja Kalt Eline Kersten Veronika Kisling Christine Knuchel Kollektiv RAM Pascal Lampert Verena Leistner Niklaus Lenherr Rolf Lenzin Georgette Maag Mario Marchisella Sara Masüger Valentin Merle Christina Molnar Claudio Moser Thomas Muff Thomas Müllenbach Monika Müller Dominic Neuwirth Kuno Perler Reto Peterhans Brita Polzer Andi Rieser Sara Rohner Patrick Rohner Esther Roth Vera Rothamel Ilja Noël Röthlisberger Corina Rüegg Franziska Rutishauser Ueli Sager sarnawirz Martin G. Schicht Franziska Schiratzki Bruno Schlatter Nicole Schwarz Nadine Schwarz Martin Senn Kathrin Siebenhaar Regula Spörri Ursula Stalder Jürg Stäuble Marion Strunk Regula Stücheli Jonas Studer Paul Takács Maja Thommen Max Treier Sabine Trüb Daniela Valentini Gabi Vogt Rosmarie Vogt Mimi von Moos Andreas Weber Regula Weber Franz Weber Jacqueline Weiss Peti Wiskemann Stephan Wittmer Sieglinde Wittwer Andrea Wolfensberger Helena Wyss Schefﬂer Rahel Zaugg Martin Zürcher u. v. m. www.murikultur.ch

Vergänglichkeit Das Eingangsbild aus der Serie Hotel Dolores 2008-2011, mit dem Zitat ‘ordre, beauté, luxe, calme et volupté’ (Ordnung, Schönheit, Luxus, Ruhe und Genuss) aus dem Gedicht L’Invitation au Voyage von Charles Baudelaire vom 25. Juni 1857, führt zu den zentralen Themen in Manons Schaffen: Zeitlichkeit, Vergänglichkeit, Melancholie und Sehnsucht. Das 3-jährige Projekt Hotel Dolores, in einem von der Zeit gezeichneten Kurhotel im aargauischen Baden, rückt das Thema der Vergänglichkeit in den Mittelpunkt. «Ich habe diese Räume in einem lamentablen, hochgradig malerischen Zustand gesehen und ich wusste, hier muss ich arbeiten, denn es gibt nichts Besseres als das Abblättern der Tapeten, um Vergänglichkeit zu zeigen». In den grossformatigen Fotografien entschwindet die Künstlerin immer mehr ihren eigenen Bildern, Abbild ihrer eigenen Zeitlichkeit.

Sehnsucht nach der Ferne Die gezeigten Objekte der Rauminstallation Das Damenzimmer, 1990/96, weisen auf die Themen der Weiblichkeit und die Rolle der Frau hin. Das Werk Arte, 1996, in der Apsis, ist ein mit zarten, rosaroten Marabufedern umwickeltes Kreuz. Es stellt einen Kontrast zum patriarchalen, von Folter und Leiden bestimmten Symbol dar. Manon verleiht ihrem Kreuz eine schützende warme, weibliche Note, wodurch sie dem Leidensaspekt des Kreuzes einen aufbauenden gegenüberstellt, in Form der Kunst. Die vier leuchtenden Muscheln im Saal der Verlobten stellen Objekte der Sehnsucht nach der Ferne dar: «Die Idee kam mir während eines Aufenthalts in Genua. In Souvenirläden kann man kitschige Muscheln kaufen, die zart leuchten». Die Muscheln symbolisieren Weiblichkeit, Sexualität, Fruchtbarkeit, Zurückgezogenheit und Erotik. Durch die Sublimierung der Triebkräfte entsteht Künstlerisch- Schöpferisches: Letteratura, Poesia, Pittura e Surrealismo (Literatur, Dichtung, Malerei und Surrealismus) mit denen die vier Muscheln auf Metall-Plaketten betitelt sind. Sie werden zum ersten Mal in der Schweiz ausgestellt.

Ein Denkmal für die Frauen Mit Die Geschichte von den ungleichen Schwestern, 1990, schafft Manon durch die Platzierung einer grossen, goldenen Kugel ein Gleichgewicht zu einer von Männern dominierten Welt, in diesem Kontext repräsentiert durch die zahlreichen Männerporträts, die als Fresken im Saal der Verlobten verewigt sind. Der Globus stellt das Vollkommene dar; Gold als wertvolles und mit viel Symbolik versehenes Material ist in diesem Werk eine Würdigung der Schaffenskraft von Frauen. Für Manon hat dieses Werk eine besondere Bedeutung: «Es sind Persönlichkeiten, die zu verschiedenen Zeiten meines Daseins meine Fantasie beflügelt und angeregt haben… Sollte ich eines Tages Gelegenheit haben, all diesen Frauen ein Denkmal zu setzen, werde ich das tun». Die Stillleben, 2017, stehen in der langen Tradition von Darstellungen der Endlichkeit des Daseins seit der Antike. Die Formate sind kleiner und intimer geworden, Manon ist nur noch als Bild im Bild zu sehen, schliesslich als Sujet gänzlich abwesend. Die Künstlerin bleibt weiterhin präsent durch Objekte aus ihrem Leben. Aujourdhui Madame Im Innenhof der Casa Ciseri sind drei Plaketten aus der 11-teiligen Installation Aujourdhui Madame, 2016, zu finden. Bei ihren täglichen Spaziergängen am Zürichsee bemerkte die Künstlerin die lateinischen Bezeichnungen der Bäume. Sie dachte, es wäre schön, wenn Menschen von etwas vollends Unerwartetem überrascht, irritiert und verwirrt und zum Nachsinnen angeregt würden. Bei den neuen Bezeichnungen handelt es sich um Gedankenfragmente und Gefühle, die Manon in ihren Notizbüchern sammelte.

Die Kabinettausstellung der Sammlung Oskar Reinhart «Am Römerholz» führt zwei ikonische Werke des Frühimpressionismus erstmalig wieder zusammen! Das sammlungseigene Bild «La Grenouillère» von Pierre-Auguste Renoir trifft auf sein Gegenstück von Claude Monet, welches sich im Besitz in der National Gallery in London befindet. Beide Werke sind im Sommer 1869 vor Ort entstanden – an der Grenouillère, einem beliebten Badeplatz der Pariser Bevölkerung. Hier schufen die zwei noch unbekannten Künstler, Seite an Seite, atmosphärisch brillant gemalte Werke, die den Verlauf der europäischen Kunstgeschichte revolutionieren sollten.

Der Traum eines Bildes Den Sommer 1869 verbrachten die beiden jungen Maler Pierre- Auguste Renoir und Claude Monet nicht weit voneinander in der Nähe von Paris – beide hochambitioniert auf der Suche nach der wahren Wiedergabe des Gesehenen in der Malerei. Bei bislang Claude Monet, Boote, 1869, Öl auf Leinwand, 33 x 47 cm, © Kunsthalle Bremen – Der Kunstverein in Bremen fehlender Anerkennung, ohne Erfolg in den Institutionen und am jährlichen Salon war ihre finanzielle Lage mehr als prekär. Trotzdem wollten sie ihren Platz auf dem Kunstmarkt erobern und das wahre Leben in ihren Bildern zeigen. Dieses fanden sie bei ihren häufigen Besuchen eines Badeplatzes der Umgebung – La Grenouillère auf der Île de Croissy an einem Seitenarm der Seine gelegen. Beide hatten den Traum eines Bildes: Einer vibrierenden Sommerlandschaft, voller Leben und Zufällen, ganz dem Moment und dem sich ständig veränderndem Licht gewidmet, das Auf und Ab der lärmenden Sommerfrischler und das stetige Glitzern des vom Wind und den schaukelnden Booten bewegten Wassers widerspiegelnd. Nichts war an diesem Ort – und auf den Bildern – gestellt. In schnellem Takt gesetzt, erzeugen allein Striche, Kommata und Punkte den Gesamteindruck der flimmernden Atmosphäre. Von beiden Künstlern entstanden insgesamt sechs Bilder dieses Sommertraums, die den Verlauf der europäischen Kunstgeschichte revolutionieren sollten.

Schwesterbilder wieder vereint Eines der beiden Bildpaare – Renoirs Grenouillère der Sammlung Oskar Reinhart «Am Römerholz», seit 1931 ein gehüteter Schatz und Kernbild der Sammlung und das Schwesterbild Claude Monets der National Gallery London, seit 1979 in öffentlicher Hand und noch nie ausgeliehen, kann nun erstmalig seit ihrer gemeinsamen Entstehung im direkten Vergleich gesehen werden. Die kleine Einzelstudie Monets zweier Boote aus der Kunsthalle Bremen ergänzt das Ensemble. Zusätzlich werden weitere exquisite Leihgaben die Darstellung bewegten Wassers in der Folge der Grenouillèrebilder nachzeichnen. Reproduktionen der weiteren Werke, die an der Grenouillère entstanden sind, wie auch historische Dokumente führen den Diskurs fort, ergänzt um ganz gegenwärtige Aufnahmen des berühmten Ortes.

Claude Monet, Badende an der Grenouillère, 1869, Öl auf Leinwand, 73 x 92 cm © The National Gallery London. Bequeathed by Mrs. M.S. Walzer as part of the Richard and Sophie Walzer Bequest, 1979 Einladendes Rahmenprogramm Ein breites Rahmenprogramm begleitet die Ausstellungszeit. Neben thematischen Kuratorinnenführungen, Sonderführungen durch die Ausstellung und Konzerten mit Lesungen, welche die musikalische Tradition der Grenouillère aufnehmen, werden auch Mal- und Zeichenworkshops zum Thema für Erwachsene wie auch für Kinder angeboten. Für Menschen mit einer Sehbehinderung und für Migrant:innen gibt es spezifisch angepasst Veranstaltungen. Eines der beliebten Museumspicknicks widmet sich den ganzen Sommer hindurch gleichfalls dem Motiv der Grenouillère. Zudem wird ganz im Sinne des französischen Sommervergnügens neu die Möglichkeit zum Pétanque Spiel unter den Römerholz-Kastanien geboten.

Einladung zum Picknick Oskar Reinhart genoss nachmittags gerne einen Café unter den wunderschönen Kastanienbäumen in seinem Garten. Dort, im Schatten des dichten Blätterwerks, konnte er sich dem Müssiggang, der Kunst und der Naturbetrachtung hingeben. Bewusst liess er in der Parkanlage der Villa «Am Römerholz» Skulpturen platzieren, wodurch Aussenraum und Innenraum seiner Sammlung zu einem selbstverständlichen Ganzen verschmelzen konnten. In den Sommermonaten (Mai – Oktober) lädt das Museum dazu ein – mit einem Picknickkorb aus ihrem Museumscafé am Arm – einen ruhigen Platz unter den Obstbäumen auszusuchen. Drei Picknickplätze inmitten der Blumenwiese und im Schatten der Bäume stehen dafür bereitet. Ganz im Sinne der Impressionisten, mit einer grosszügigen Decke und weichen Kissen ausgestattet, lebt die französische Kunst des Déjeuner sur l’herbe im Römerholz wieder auf und mit ihr die Idee, dem hektischen Alltagsleben für ein paar Stunden zu entfliehen. Eines der beliebten Museumspicknicks widmet sich den ganzen Sommer hindurch dem Motiv der Grenouillère. Zudem wird ganz im Sinne des französischen Sommervergnügens neu die Möglichkeit zum Pétanque Spiel unter den Römerholz- Kastanien geboten. VIDEO Im Bad der Farben – Renoir und Monet an der Grenouillère | Sammlung Oskar Reinhart «Am Römerholz» | bis 17. September 2023

Franz Hohler — Hallo. Guten Tag. Oder gute Nacht | Künstlerinnen gratulieren zum 80. Geburtstag | Kunstmuseum Olten Das Kunstmuseum hat für den Jubilar Franz Hofer eine fulminante Geburtstagstorte gebacken: Zwanzig Schweizer Künstler:innen, die mit Hohlers Werk persönliche Erinnerungen verbinden oder gar mit dem Jubilar befreundet sind, steuern mit einem oder mehreren Werken zu diesem Feuerwerk bei. Sie reagieren auf einen bestimmten Text, ein Musikstück oder eine Darbietung Hohlers, die sie besonders inspiriert hat, oder wählen ein bestimmtes Werk aus ihrem Schaffen als Geburtstagsgeschenk aus. Für die Ausstellung entstanden so gleich mehrere neue Arbeiten, die Hohlers Schaffen mit künstlerischen Mitteln reflektieren. Die Ausstellung spiegelt damit das vielfältige Schaffen des Jubilars in unterschiedlichen Brechungen und macht die Wirkung seiner Texte, Lieder, Theaterstücke und Aktionen auf mehreren Ebenen fassbar. Die Auswahl der Künstler:innen erfolgte gemeinsam mit Franz Hohler. Dies sind: Beni Bischof, Bettina Eichin, Bob Gramsma, Marianne Halter & Mario Marchisella, Andreas Hofer, Jan Hostettler, Huber.Huber (Reto Huber & Markus Huber), Isabelle Krieg, Dieter Leuenberger, Zilla Leutenegger, RELAX (chiarenza & hauser & co), Pipilotti Rist, Ursula Rutishauser, Alex Sadkowsky, Ernst Thomann, Roman Signer, Andrea Vogel, Nives Widauer und einem Überraschungsgast.

Franz Hohler kuratiert – Schatzkammer Sammlung #6 | Kunstmuseum Olten Im Rahmen des Ausstellungsformats «Schatzkammer Sammlung» sind Gäste aus der Oltner Bevölkerung dazu eingeladen, gemeinsam mit den Kuratorinnen des Museums thematische Sammlungspräsentationen zu entwickeln, die unterschiedliche Aspekte der Bestände «ihrer» Sammlung ins Licht rücken. Die Ausgabe #6 hat nun Franz Hohler kuratiert und teilt damit seinen persönlichen Blick auf die Kunstsammlung seiner Heimatstadt mit dem Publikum. Franz Hohler ging zunächst von prägenden Jugenderinnerungen und Beziehungen zu Kunstschaffenden aus. Entsprechend sind wichtige Exponenten der Kunstgeschichte der Region Olten/Solothurn wie Angnes Barmettler, Cuno Amiet, Hans Berger, Martin Disler, Martin Disteli, Franz Buchser oder Hans Küchler prominent vertreten. Dazu gesellen sich Werke von Freunden und Wegbegleitern aus der Zürcher Kulturlandschaft wie Fred Engelbert Knecht, Aleks Weber oder Alex Sadkowsky. Für die Auswahl spielten aber auch Themen und Motive eine Rolle, die mit Texten oder persönlichen Interessen des Jubilars zusammenhängen: die Bergwelt und die Aare ebenso wie das Cellospiel, der ÖV oder das AKW.

Es si alli so nätt. Franz Hohlers Werk im Spiegel der Zeitgeschichte | Historisches Museum Olten Ganze Generationen hat Franz Hohler mit seinem Wirken und seinem literarischen Werk geprägt. Die heutigen Babyboomer (und viele deutlich Jüngere ebenfalls) sassen von 1973 bis 1994 gebannt vor dem Fernseher, wenn «Franz und René» ihre skurrilen Aktionen zum Besten gaben. Der Schriftsteller, Kabarettist und Musiker Hohler reflektiert die jeweilige Lebensrealität und regt zum Nachdenken an. Mit einem Hauch von Nostalgie zeigt das Historische Museum Olten seine künstlerische Biografie, die einem bunten Sommerstrauss oder Feuerwerk gleicht — und regt die heutige Generation dazu an, dieser unglaublichen Kreativität und Vielseitigkeit nachzueifern.

Den Blick etwas nach oben, bitte… Franz Hohler fotograﬁert | Stadtkirche Olten Franz Hohler als Literaten und Kabarettisten, als Autor von Kinderbüchern und legendären Fernsehsendungen, als Bühnenkünstler, Cellisten und Aktivisten kennt das Publikum. Dass er auch das Medium der Fotografie seit vielen Jahren nutzt, um Beobachtungen und Ansätze zu Geschichten im Bild festzuhalten, war bisher kaum bekannt. Erstmals werden zu Hohlers 80. Geburtstag nun Fotografien aus seinem persönlichen Archiv auf der Empore der Oltner Stadtkirche gezeigt, die sich in unmittelbarer Nähe des Kunstmuseums und des Historischen Museums befindet. VIDEO Kunstmuseum Olten, Historisches Museum Olten, Stadtkirche Olten | FRANZ UND HOHLER | bis 5. November 2023

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Sedimentieren, kristallisieren, kondensieren» ist der erste Teil eines zweiteiligen Ausstellungsprojektes. Seinen Anfang nahm das Projekt mit dem künstlerischen Forschungs- und Ausstellungsprojekt «Grand Tour Caspar Wolf» (2020-2022). Künstlerin und Kuratorin Sadhyo Niederberger legte unter dem Titel «Reading Caspar Wolf» ein fortlaufendes künstlerisches Archiv an, das nun in einem zweiteiligen Ausstellungsformat seine Fortsetzung findet. Ein Open Call lädt weitere Kunstschaffende dazu ein, ihre Perspektiven mit einfliessen zu lassen. VIDEO Sedimentieren, kristallisieren, kondensieren – Landschaftsveränderung im Blickfeld der Kunst | Singisen Forum | bis 23. Juli 2023 | Teil I

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Neben einem Preisgeld von 15 000 Franken erhält der bzw. die Preisträger:in des Helvetia Kunstpreises jeweils die Möglichkeit, sich mit einer Soloausstellung an der Kunstmesse Liste Art Fair Basel einem internationalen Fachpublikum und einer breiten Öffentlichkeit vorzustellen.Unter dem Titel «Exambiguation» präsentierte Jonas Van Holanda Skulpturen, die neue Zugänge zur sprachlichen Ausdrucksweise eröffnen. Der in Brasilien geborene Künstler schafft immersive Installationen, in denen er oftmals Videos und eigene Texte verbindet. Seine künstlerische Forschungspraxis bewegt sich zwischen inhaltlicher Prägnanz und poetischer Narration. Der Preisträger des Helvetia Kunstpreises absolvierte seinen Masterstudiengang an der HEAD in Genf. Jonas Van Holanda | Helvetia Kunstpreis 2022 | Die LISTE Art Fair Basel fand vom 12. bis 18. Juni 2023 statt.

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Editorial

Sylvie Fleurys «Luxus-Welt» im Kunst Museum Winterthur

Ausstellung von Camille Henrot in der LOK

Spazi Spescha Trun – Matias Speschas Rückkehr

Kunst unter freiem Himmel «Art Trail» in Andermatt

Die 8. Biennale Weiertal steht unter dem Titel Common Ground

«Parlament der Pflanzen II» Kunstmuseum Liechtenstein

Anna von Siebenthal erforscht die Interaktion von Biene und Mensch

Erna Schillig - Meisterschülerin, Künstlerin, Professorin

ernaschillig.ch Kunstdinner auf dem Klausenpass

Skulpturenpark Steinmaur: Eine Symbiose aus Natur, Kunst und Arbeit

Die Ausstellung «Poesia» ist selbst für eine Kunstikone wie Manon eine Herausforderung

«Im Bad der Farben» zeigt Renoir und Monet an der Grenouillère

Mit «FRANZ UND HOHLER» gratuliert Olten Franz Hohler zu seinem Achtzigsten

Singisen Forum «Landschaftsveränderung im Blickfeld der Kunst»

Jonas Van Holanda (*1989) erhält den Helvetia Kunstpreis 2022