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Editorial

Was soll ich hier über Kunst schreiben...
Sung Tieu im Kunst Museum Winterthur

«One Thousand Times» geht auf biografische Tuchfühlung mit der Berliner Künstlerin Sung Tieu
Einladungen arttv Clubmitglieder
Hans Krüsi im Kunstmuseum Thurgau

«Jeder kann nicht machen was er will» – Hans Krüsi im Kunstmuseum Thurgau
Helmhaus | Kunst des Verstehens

Das Helmhaus widmet eine ganze Ausstellung der Kunst des Verstehens
Das Zirkusmotiv in der Kunst

Das Kunstmuseum Thun thematisiert das Zirkusmotiv in der zeitgenössischen Kunst
Caspar David Friedrichs Landschaften

Caspar David Friedrichs Landschaften und deren Inspiration in Winterthur
Kunstmuseum St.Gallen im «Sammlungsfieber»

Das Kunstmuseum St.Gallen im «Sammlungsfieber»
Forum Schlossplatz | Formen des Feierns

Das Forum Schlossplatz nimmt Formen des Feierns in den Blick
Nidwaldner Museum | Corinne Odermatt

Corinne Odermatt beschäftigt sich mit der Sehnsucht nach Zugehörigkeit
«ohne Haut – ohne Haus» | akku Kunstplattform

Gastkuratorin Claudia Waldner zeigt in der akku Kunstplattform die dritte Staffel ihrer Serie «Hauthaus»
Fotostiftung Schweiz | Werner Bischof

Die Fotostiftung Schweiz zeigt bisher unbekannte Fotografien von Werner Bischof
Museum für Gestaltun | Claudia Caviezels

Das Museum für Gestaltung stellt Claudia Caviezels buntes Œuvre vor
in&out | Schweizer Design

in&out – Die Trendmesse für Schweizer Design
arttv Projekt | Erna Schillig

Wiederentdeckung einer grossartigen Künstlerin

Liebe CLICK ART Leser:innen Was soll ich hier über Kunst schreiben, wenn in Israel und Palästina grauenhafte Verbrechen an der Menschlichkeit verübt werden? Der Anschlag der Hamas ist durch nichts zu rechtfertigen. Das gilt aber genauso für das Verhalten der israelischen Regierung, die Millionen unschuldiger Palästinenser:innen kollektiv bestraft und in blinder Wut selbst Krankenhäuser nicht verschont. Ich denke, angesichts dieser Verbrechen ist es am besten, wenn man für keine der beiden Seiten Partei ergreift. Von daher wäre es auch falsch, wenn man danach schreien würde, die Schweizer Kulturszene müsse sich jetzt zu dieser Sache positionieren. Vielleicht kennen Sie die hervorragenden Wochenkommentare von Matthias Zehnder. In seinem neusten Beitrag beschäftigt er sich mit der Frage, wie Medien ungewollt zu Komplizen der Terrorist:innen werden, indem sie diesen Gräueltaten Aufmerksamkeit schenken und Bilder des Schreckens in die Welt tragen. Wenn schon, so Zehnder, dürften nur Bilder vom Leiden der Opfer gezeigt werden. Und Medien dürfen auf keinen Fall, wie es der BLICK gemacht hat, ungefiltert ein Propagandavideo der Hamas weiterverbreiten. Die Macht der Bilder, die sich bei uns festsetzen, verleiht terroristischen Gruppen zusätzliche Macht. Das ist ihr Kapital. Was soll ich hier also über Kunst schreiben, wenn anderswo die Welt in Flammen steht und unsagbares Leid sich in rasender Geschwindigkeit ausbreitet? Für mich ist die Sache klar: Genau weil der Irrsinn sich breitmacht, sollten wir uns mit Kunst beschäftigen. Deshalb muss die Kultur immer die erste Priorität bekommen. Sie ist am Ende die stärkste und schlüssigste Antwort auf alle Fragen. Mit Gruss Felix Schenker, Chefredaktor arttv.ch

Ausgangspunkt ihrer künstlerischen Auseinandersetzung ist eine Wohnsiedlung in Ostberlin, in der einst vietnamesische Vertragsarbeiter:innen lebten. Die Installationen der in Berlin lebenden Künstlerin Sung Tieu behandeln Themen von Migration, Identität und Bürokratie. Ihr künstlerisches Schaffen nimmt seinen Ausgangspunkt in den Abkommen zur Anwerbung vietnamesischer Vertragsarbeiter:innen in der ehemaligen DDR und deren Situation nach der Wiedervereinigung Deutschlands. Für ihre erste Einzelausstellung in der Schweiz konzipiert die Künstlerin eigens eine raumgreifende Installation, die sich in mehrere inhaltliche Kapitel aufgliedert.

Plattenbausiedlung Gehrenseestrasse Berlin Infolge ihrer persönlichen Familiengeschichte begann Sung Tieu (*1987 in Hai Duong, Vietnam) sich mit den komplexen soziopolitischen Auswirkungen des Abkommens zur Anwerbung vietnamesischer Vertragsarbeiter:innen in der ehemaligen DDR zu beschäftigen. Es überlagern sich darin Aspekte der Arbeit, der Regulierung von Wohnraum und die Kontrolle von privaten Sphären. Im Mittelpunkt der Ausstellung steht die Plattenbausiedlung Gehrenseestrasse in Berlin, in der die Künstlerin einen Teil ihrer Kindheit verbracht hatte. Zu DDR-Zeiten war diese Plattenbausiedlung mit rund 1000 Wohnungen eines der grössten Wohnheime für vietnamesische Vertragsarbeiter:innen. Seit 2003 steht der Komplex leer und wurde Jahre später an private Immobilienfirmen verkauft. Demnächst wird er abgerissen, um einem neuen Hof- und Hochhausquartier Platz zu machen.

Minimalistische Konzeptkunst mit politischer Dimension Sung Tieu verschränkt biografische Erfahrungen mit den gesellschaftspolitischen und ökonomischen Entwicklungen, die sich in der Geschichte der Wohnsiedlung und ihren Bewohnenden spiegeln. Ihre künstlerische Recherche beruht auf systematischer Archivarbeit und verdichtet sich zu atmosphärischen Rauminstallationen aus Objekten, architektonischen Interventionen, Dokumenten, Zeichnungen, Videos und Sounds. Formal sind ihre Werke an der Ästhetik von Minimal Art und Konzeptkunst angelehnt. Dies scheint anfänglich im Widerspruch zum politisch-narrativen Ansatz der Künstlerin zu stehen, repräsentiert jedoch eine Form des kritischen Engagements, das den konventionellen Glauben an die Autonomie des Kunstschaffens und dessen Interpretation in Frage stellt. Die Ausstellung entsteht in Zusammenarbeit mit der Kunsthalle Nürnberg. Gemeinsam erscheint im Snoeck Verlag eine Publikation, welche das umfassende Recherchematerial der Künstlerin in den Mittelpunkt stellt. Sung Tieu war bereits in der Ausstellung Welt aus den Fugen im Kunst Museum Winterthur präsent. Ihre Einzelausstellung mit dem Titel One Thousand Times ermöglicht nun einen vertieften Einblick in ihr aktuelles Schaffen.

Das Genie von der Strasse Kunstschaffende erkannten schnell, dass Krüsi eine jener seltenen Persönlichkeiten war, die aktuelle Kunststrategien intuitiv erfassen, um höchst eigenständige Bilduniversen zu erschaffen. Für sie war er ganz einer der ihren, der ohne Rücksicht auf Regeln und Konventionen an der Erneuerung der Kunst arbeitete. 1980 entdeckte eine Galerie sein aussergewöhnliches Schaffen und Krüsi wurde schnell zur Berühmtheit. Das Gesicht des «Bluememannli» schmückte die Titelseiten von Illustrierten. Auftritte im Fernsehen verhalfen dem «Genie von der Strasse» zu schweizweiter Aufmerksamkeit. Umfassende Werkschau Die Ausstellung «Jeder kann nicht machen was er will» präsentiert das Schaffen von Hans Krüsi nach über zwei Jahrzehnten erstmals wieder in seiner ganzen Breite. Eine Auswahl seiner Hauptwerke lassen erleben, wie souverän der Autodidakt mit Pinsel und Farbe seine Vorstellungen umsetzte. Daneben dokumentieren noch nie präsentierte Werkgruppen aus dem Nachlass die ausufernde Experimentierfreudigkeit des Künstlers, der mit seiner Lust am Kopieren und Variieren ein unüberschaubares Universum an Bildern und Gedanken erzeugte.

Publikation Im März 2024 erscheint parallel zur Ausstellung im Verlag Scheidegger&Spiess das Buch «Hans Krüsi – Jeder kann nicht machen was er will». Namhafte Autor:innen wie Lucienne Peiry, Hans Ulrich Obrist, Dorothee Messmer, Andreas Baumberger oder Annemarie und Siegfried Kuhn geben Einblick in ihre Auseinandersetzung mit der Person und den Arbeiten von Hans Krüsi, während Geraldine Wullschleger, Nina Maier und Markus Landert die Erkenntnisse langjähriger Forschungsarbeit über das Werk des Künstlers zusammenfassen. VIDEO Hans Krüsi – Jeder kann nicht machen was er will | Kunstmuseum Thurgau | bis 9. Juni 2024 www.kunstmuseum.tg.ch

Das Problem des Anderen Wenn es ums Verstehen geht, haben wir die Tendenz, das Problem beim Anderen oder bei Anderen zu suchen. Bei Kunstwerken, die wir nicht verstehen, und die von Künstler:innen wahrscheinlich zu konfus oder obskur gestaltet wurden. Oder bei unseren menschlichen Gegenübern, die sich doch bitte die Mühe machen sollen, sich uns verständlicher zu machen. Daher der Untertitel dieser Gruppenausstellung, der einem Buch des bulgarischen Schriftstellers Tzvetan Todorov entliehen ist (bei dem es auch um das zerstörerische Potenzial des Verstehens geht). Emotionales Verstehen Im Erarbeitungsprozess zu dieser Ausstellung zeigte sich, dass der geborgte Untertitel ironisch gelesen werden kann – und muss. Denn sieht man das Problem nur beim Anderen oder bei den Anderen, kommt man wohl kaum weiter mit dem Verstehen. Es könnte sein, dass man bei einem Kunstwerk schlicht ein unpassendes Verstehen anwenden und es besser erfassen würde, wenn man es zum Beispiel emotionaler anschauen würde? Und vielleicht verstehen man eine:n Andere:n dann eher, wenn man diese Person eben weniger zu etwas Anderem machen – und sich vielmehr über die Gemeinsamkeiten verständigt?

Künstlerisches Selbstverständnis Die Künstler:innen der Gruppenausstellung «verstehen» machen das Verstehen aktiv zu ihrem Problem. Sie bauen Modelle für das Verstehen; sie fragen sich, was die Bildende Kunst vielleicht besser versteht, als die Wissenschaft; sie zeigen auf, dass verkrampftes Verstehenwollen das Gegenüber im schlimmsten Fall sogar verletzen kann; und sie machen etwas vermeintlich Einfaches, um zu verstehen: Sie fragen die Anderen (387 Andere, um genau zu sein). Zudem haben Bildende Künstler:innen schon vor Jahrhunderten eine Technik erfunden, sich zuerst selbst besser zu verstehen, bevor die:der Andere zum Problem degradiert wird: das Selbstporträt. Eine Anzahl zeitgenössischer Beispiele für diese künstlerische Übung im Selbstverständnis bevölkert nun auch diese Ausstellung. VIDEO «verstehen». Das Problem des Anderen | Helmhaus Zürich | 5. Oktober 2023 bis 7. Januar 2024 www.helmhaus.org

Zirkus als kreative Steilvorlage Der Ursprung des Zirkus lässt sich auf das Ende des 18. Jahrhunderts zurückdatieren, wobei er damals noch in festen Gebäuden und vorwiegend in London zu finden war. Im 19. Jahrhundert waren Zirkusse als Massenphänomen im europäischen Grossstadtleben verankert. Zu den Besucher:innen gehörten Vertreter:innen verschiedener Künste wie Literatur, bildende Kunst, Musik oder Film. So wirkten Zirkusmotive etwa in die naturalistische Malerei, die Neue Sachlichkeit, die Avantgarde oder in den Expressionismus hinein. Heute mag der Ort der sinnlichen Erlebnisse und Extreme wie ein Relikt aus vergangener Zeit erscheinen. Und trotzdem bedienen sich zeitgenössische Künstler:innen noch immer des Repertoires der zirzensischen Formensprache. Sie nutzen das Motiv des Zirkus‘, um aufzuzeigen, dass dieser mit seiner Geschichte, seinem Repertoire und seiner Popularität bis heute nicht an Aktualität verloren hat. Der Zirkus bietet auf der Mikro- wie auch der Makroebene eine Steilvorlage, um aktuelle gesellschaftliche Konflikte vorzuführen, Stigmatisierung zu entlarven, Machtstrukturen zu hinterfragen oder das Mensch-Tier-Verhältnis zu beleuchten.

Clowneskes Intermezzo Ob lustig, traurig, herausfordernd, nachdenklich oder naiv – der Clown findet sich in zahlreichen künstlerischen Arbeiten. Unter anderem in der skurrilen und farbigen Welt von Beni Bischof aus St. Gallen. In Form einer interaktiven Skulptur lässt der Künstler die Zuschauer:innen zu Gipsklumpen erstarren und übt damit Kritik an der wachsenden Unterhaltungskultur. Der Zürcher Künstler Istvan Balogh wiederum thematisiert die Überstimulation in der heutigen Gesellschaft und zeigt den Clown dabei als Opfer. Eine melancholische Stimmung evozieren die oft apathisch gestimmten Clowns des in New York lebenden Schwyzer Künstlers Ugo Rondinone, deren Schuhe sprichwörtlich an den Nagel gehängt werden. Die US Künstlerin Kathryn Andrews wiederum lässt das Clownkostüm als melancholischer Schleier zurück, während die schwedische Künstlerin Miriam Bäckström eben jenes Kostüm aufgreift, um Fragen nach Authentizität und Identitätsstiftung zu stellen.

Tiere in der Arena In der (Raub-)Tierhaltung zeigt sich das menschliche Bedürfnis nach Kontrolle und Ordnung besonders deutlich. Der jurassische Künstler Agustin Rebetez stellt das Machtverhältnis zwischen Bändiger und Gebändigtem auf brachiale Art und Weise auf den Kopf. Bei Yves Netzhammer aus Zürich steht der Affe als menschenverwandtes Wesen im Zentrum, das uns in unserer Überheblichkeit widerspiegelt. Den/die Zirkusdirektor:in besiegt haben die Tierfiguren von Nicola Hicks aus London. Sie eigenen sich urbane, weggeworfene Gegenstände an, um darauf zu balancieren und damit sowohl auf die Verwüstung des Planeten als auch auf eine hoffnungsvolle Unbändigkeit und Beständigkeit der Natur hinzuweisen. Eine versöhnliche Geste lässt sich schliesslich in den Wandprojektionen der in Zürich lebenden Künstlerin Zilla Leutenegger erahnen: Sie verweist auf die kindliche Fantasie, in der sich Tier und Mensch auf Augenhöhe gegenübertreten können. Die Kunstwelt als Zirkus Auch die Kunstwelt selbst wird in der Ausstellung metaphorisch mit dem Zirkus verknüpft: So bieten unter anderem die Collagen von Barbara Breitenfellner aus Berlin Einblicke in traumhafte Zustände, in denen der Zirkus stets mit hineinspielt. In ihrer langjährigen Auseinandersetzung überführt die Künstlerin das Zirkusmotiv immer wieder in die Welt der Kunst und entlarvt die Kunstwelt gar selbst als Zirkus. In der Videoarbeit von Taus Makhacheva balanciert ein Seiltänzer in schwindelerregender Höhe und transportiert dabei Kunstwerke von einem Hochlandgipfel zum anderen. Der Protagonist selbst stammt aus Dagestan und damit aus einem Ort, der als Ursprung des Seiltanzes gilt und aus dem viele Zirkusartist:innen stammen. Mit dem Akt der Neuordnung hinterfragt die russische Künstlerin wortwörtlich die lineare Geschichtsschreibung. Metaphorisch steht der Balanceakt aber auch für die Geschichte einer Gegend, die dem Spannungsfeld zwischen Moderne und Tradition, Repräsentation und Unsichtbarkeit unterliegt. (Textgrundlage: Kunstmuseum Thun)

Ungebrochene Faszination In Friedrichs Gemälden kommt ein neues, romantisches Verhältnis von Mensch und Natur zum Ausdruck. Mit seinen atemberaubenden Stimmungslandschaften und seinen neuen Bildfindungen führte er die Gattung der Landschaftsmalerei an der Schwelle zur Moderne zu neuen Sphären. Doch während seine herausragende Stellung, seine Innovationskraft und sein wegweisender Beitrag an die Kunstgeschichte unbestritten sind, wird sein Werk bis heute kontrovers diskutiert. Die einen sehen darin religiöse, die anderen politische Botschaften. Einige verstehen seine Bilder auf einer emotionalen Ebene, andere interpretieren sie naturwissenschaftlich. Trotzdem oder gerade deswegen ist die Faszination für sein Werk bis heute ungebrochen und begeistert nicht nur Experten.

Woher die Inspiration kam Bisher wenig Beachtung fand die Frage, woher Friedrich Anregung für sein Schaffen fand, welche Künstler er bewunderte und wie diese sein Werk beeinflussten. Die Vorboten und Vertreter einer frühen Stimmungslandschaft werden in Winterthur in Bezug zu Friedrichs Werken gesetzt. Dazu zählen niederländische Landschaftsmaler des Goldenen Zeitalters, aber auch Meister wie Claude Lorrain oder jüngere Vertreter aus dem 18. Jahrhundert. Darunter etwa der Schweizer Adrian Zingg, der in Dresden lehrte, als Friedrich dorthin zog. In der Gegenüberstellung mit diesen bedeutenden Künstlern kann Friedrichs Werk in Winterthur neu entdeckt werden. Im Jahr vor dem Jubiläum präsentiert sich die Ausstellung so im doppelten Sinne als Vorbotin. Die Ausstellung entstand in Kooperation mit dem Museum Georg Schäfer in Schweinfurt. Sie ist eine der grössten Ausstellungen des Kunst Museums Winterthur der vergangenen Jahre und wird begleitet von einer Publikation sowie einem umfassenden Rahmenprogramm.

Energie des Fieberhaften Der Ausstellungstitel Sammlungsfieber (englisch: Collection Fever) bezieht sich auf den 1995 erschienenen Essay Archive Fever des algerisch-französischen Philosophen Jacques Derrida. Ordnung, so Derrida, wird traditionell mit Begriffen wie «Archiv» oder «Sammlung» assoziiert. Gleichzeitig entsteht Derrida zufolge nur durch das Fieber – das für die Neugierde, das Aufspüren und die Anhäufung verantwortlich ist – ein Archiv und somit eine Sammlung. Eben diese Energie des Fieberhaften, die zu Neuem und Unerwartetem führt, ist das leitende Prinzip für Sammlungsfieber, die etwa in den Fokus rückt, wie Sammeln und Anhäufen, aber auch Prestige und Geld, mit der Kunst verknüpft sind. Die Ausstellung wirft einen kritischen Blick auf die Verbindung zwischen Kapital und Kunst, was für den St. Galler Kontext auch die Beziehung zwischen Textil und Kunst bedeutet.

Koloniale Spuren in der Sammlung Den Auftakt der Ausstellung bildet eine neue, vom Kunstmuseum St. Gallen in Auftrag gegebene Arbeit des Genfer Künstlers Mathias C. Pfund (* 1992). Im Mittelpunkt der Arbeit steht das erste Objekt, das in die Sammlung der Stadt einging: ein ausgestopftes Krokodil, das der St. Galler Kaufmann Daniel Studer 1623 der Stiftungsbibliothek schenkte. Die Installation besteht aus einer leeren Aufhängevorrichtung, dem Stich eines toten Nilkrokodils von Karel van Mallery aus dem 16. Jahrhundert und der Collage eines Mosaiks aus dem 2. Jahrhundert, das die edlen und exotischen Überreste eines Festmahls auf dem Boden zeigt. Damit geht es in Pfunds Installation um Luxus, Exotik und die Frage, welche Objekte wir als wertvoll erachten und wie diese Werte im musealen Kontext weiterleben.

Wer feiert mit? Die eingeladenen Kunstschaffenden reagieren auf die historische Vorlage, fragen kritisch und lustvoll nach heutigen Formen des Feierns und spüren den Ambivalenzen rund um Ekstase, Elite und Etikett nach. Im Party-Office verwandeln sich die Besucher:innen in ihr feierfreudigstes Selbst und sind danach bereit für die grosse Sause. Exklusive Filmabende und eine Auswahl aus der städtischen Kunstsammlung ergänzen den festlichen Reigen. Projekt als «Hausgeschichte» Das Projekt reiht sich in die Programmierung am Forum Schlossplatz ein, welche seit 2020 unter dem Motiv «Hausgeschichten» läuft und damit allen Projekten einen Bezug zum Haus, dessen Identität und Geschichte zuspricht. Schon der Name des Gebäudes malt ein Bild: «Haus zum Schlossgarten». Assoziativ kommen Bilder von Festen, von schönen Kleidern, vom Treffen im Salon und damit verbunden Fragen rund um Privilegien, Zugehörigkeit und Gemeinschaft auf. Wer durfte jeweils in diesem Haus ein- und ausgehen? Wer nicht?

Party Ofﬁce Das Bedürfnis, sich durchs Feiern auszudrücken, ist bei jungen Menschen seit der Pandemie so gross wie noch nie. Im neuen Workshop zur Ausstellung gehen wir diesem Trend auf den Grund. Wir gehen der Geschichte des Feierns nach und fragen, was hat Party mit Privileg und Zugehörigkeit zu tun. Dreh- und Angelpunkt des Workshops ist das «Party Office», ein Raum in der Ausstellung, eingerichtet und konzipiert vom Szenografen Mikki Levy-Strasser. Er rückt das Bett ins Zentrum der Party, denn es ist der Ort der Vorfreude und zugleich des Endes einer langen Nacht. Das Bett verweist auch auf die Frage nach den «safer spaces»: Clubs werden oft als gefährliche Orte wahrgenommen, das Feiern als exzessive Tätigkeit. Dabei geht der Blick auf die Zwischentöne verloren, die aktuell diskutiert werden: Wie werden Clubs zu Orten, an denen alle, unabhängig von Herkunft oder Geschlecht, willkommen sind und sich sicher fühlen? Von Reigen bis Rausch: Die Städtische Sammlung auf der Beletage Die Beletage des «Haus zum Schlossgarten» umfasst, wie der Name sagt, die ‹schönen Zimmer›. Sie werden als repräsentative Empfangsräume der Stadt genutzt. In der Geschichte des Forum Schlossplatz ist es zur Tradition geworden, hier eine wechselnde Auswahl aus der Kunstsammlung der Stadt Aarau zu zeigen. Anlässlich der Ausstellung «Let’s fêtes galantes!» versammelt die Hängung ein Potpourri von Werken. Ob im Rausch des Weins oder im Reigen tanzend – die Werke drehen sich alle um Fest und Festlichkeit. Zu sehen sind Darstellungen des traditionellen Aarauer Jugendfests «Maienzug» von Otto Wyler oder Felix Hofmann. Die gekonnt ausgeführte Kopie von Peter Paul Rubens’ berühmten «Reigen der Putten», gemalt von Robert Hunziker, stellt den Bezug zum Barock her. Fotografische Arbeiten von Oliver Lang oder Luca Schaffer wiederum zeigen die alltägliche Seite des Feierns und Irene Naefs Leuchtkasten taucht eine Salonarchitektur in feierliches Licht.

Imaginäre Länder und Nationen Mit der raumgreifenden Arbeit «Longing to Belong» im Pavillon des Winkelriedhauses thematisiert Corinne Odermatt die Sehnsucht nach Zugehörigkeit und den gesellschaftlichen Umgang mit Identitätsfragen – auch und gerade in einer konflikthaften, globalisierten Welt. Das Zentrum der Installation bilden dreizehn neu gestaltete Flaggen, die für imaginäre Länder stehen. Textile Inseln laden ein, Platz zu nehmen, um die farbenprächtigen Fahnen zu betrachten und die von Claudio Landolt komponierten Landeshymnen zu hören. Die erfundenen Länder verweisen auf den Zufall, in einem bestimmten Land geboren zu sein. Sie fordern auf, über den fortlaufenden Prozess der Verbindungen und Trennungen von Gemeinschaften nachzudenken. VIDEO Corinne Odermatt. Longing to Belong | Nidwaldner Museum Winkelriedhaus | 20. Oktober 2023 bis 28. Januar 2024 www.nidwaldner-museum.ch

Nach «Haus» und «Haut» folgt «ohne Haut – ohne Haus». Eine künstlerisch hochkarätige Gruppenausstellung zwischen Grenzen und Grenzüberschreitungen. «Menschen, die ohne Heimat – und Räume, die ohne Menschen sind», so lautet das poetische Thema der Ausstellung in der akku Kunstpalttform in Emmenbrücke. Es geht um Schutzräume und eine Reise vom Ich zum Wir. Im Kabinett wird erneut der Luzerner Künstler Otto Heigold gewürdigt, der kürzlich seinen 80. Geburtstag feiern durfte und Ruth Baettig hat eigens für die Ausstellung eine performative Intervention geschaffen, die über mehrere Stunden in der akku Kunstplattform live zu verfolgen war.

Häuser ohne Menschen und Menschen ohne Häuser In der dritten Ausstellung der Ausstellungsreihe «Hauthaus» geht es um den persönlichen Schutzraum und die Verortung des Individuums. Grenz(auflösungen), Heimat(losigkeit) und eine immerwährende Sehnsucht nach dem Anderswo treffen aufeinander. Die Künstler:innen setzen Grenzen, hinterfragen diese oder lösen sie ganz auf. Wo kommen wir her? Wo gehen wir hin? Im Spiegel der gegenwärtigen Debatten erscheinen solche Auseinandersetzungen aktueller denn je. Fragen von Selbstbestimmung, gegenseitiger Verständigung, Identitäten, vor allem aber auch die Frage nach Heimat und dem Daheim-Sein drängen sich auf. Die Ausstellung «ohne Haut – ohne Haus» ist eine Reise vom Ich zum Wir und ein künstlerisch hochstehender Blick von Aussen auf das ganze Weltgefüge.

Performative Intervention von Ruth Baettig «Hochspannung» nennt Ruth Baettig ihre neue performative und ortsbezogene Intervention in den ehemaligen Büroräumen der Viscosuisse in Emmenbrücke. Hier im ehemalig grössten Textilunternehmen der Schweiz befindet sich heute die Kunstplattform akku. Anlässlich der Vernissage der Ausstellung «Ohne Haut Ohne Haus» war diese zeitlich ausgedehnte Intervention über mehrere Stunden live mit zu erleben. Ein fast körperloses Wesen scheint aus dem Raum zu wachsen, verbindet sich direkt mit diesem verformt sich, kommt in einen extremen Spannungszustand zwischen sich und dem Raum und löst sich schliesslich ganz davon. Das rote Tuch bleibt als Erinnerungsträger, als Hülle des Wesens zurück und umschlingt die pilzartigen Säulen der ehemaligen Fabrikhalle im Viscose-Areal. «Hochspannung» von Ruth Baettig wurde innerhalb des Albert Köchlin Projektes Atelier X im Werkkomplex «Terrain Vague» für die Ausstellung «Ohne Haut Ohne Haus» entwickelt. Es war die einzige Arbeit der Ausstellung, die extra für «ohne Haut – ohne Haus» entwickelt wurde. Im Kabinett: Otto Heigold Eröffnet wird am 26. August 2023 nicht nur die Ausstellung «ohne Haut – ohne Haus» sondern auch zum dritten Mal ein Kabinett, das den Luzerner Künstler Otto Heigold würdigt. Zum 80.Geburtstag des Künstlers wurde bereits in den ersten beiden Ausstellungsteilen ein Raum mit wechselnden Werken des Jubilars gezeigt, die das Thema der jeweiligen Ausstellung aufgriffen. Im dritten Teil setzt Heigold den Fokus auf das Entgrenzten.

Ein neu entdeckter Archivbestand bringt Farbfotografien des Schweizer Magnum- Fotografen zum Vorschein. Werner Bischof (1916–1954) hat die Geschichte des Fotojournalismus massgebend mitgeprägt. Sein Name steht für humanitäres Engagement und moralische Integrität, aber auch für die unermüdliche Suche nach Schönheit und gestalterischer Perfektion. «Werner Bischof – Unseen Colour» umfasst neben dem erstmals gezeigten Devin Tri-Color-Bestand auch Farbbilder, die Werner Bischof mit der Rolleiflex und der Leica aufnahm, die meisten davon bisher unbekannt. >>> MERH AUF ARTTV.CH

Die Arbeiten der Schweizer Textildesignerin sind eine wahre visuelle Entdeckung. Seit mehr als zwanzig Jahren beschäftigt sich Claudia Caviezel mit Stoffen und darüber hinaus. In ihren Entwürfen, die von Haushaltsprodukten über die internationale Haute Couture bis zu Installationen im öffentlichen Raum reichen, verwebt sie traditionelles Handwerk mit digitalen Tools und beweist ein feines Gespür für Farben und Muster. Caviezel folgt dabei ihrer kreativen Intuition, arbeitet spontan, direkt und experimentell. >>> MERH AUF ARTTV.CH

ARTTV CLUB MITGLIEDER ERHALTEN KOSTENLOSEN EINTRITT Die Aeschbachhalle in Aarau wird für drei Tage, vom 27. bis 29. Oktober 2023 zum Treffpunkt für Designliebhaber:innen. Die in&out ist seit der Premiere 2006 eine feste Grösse in der einheimischen Design-Szene. Mit rund 100 Ausstellern zieht sie jedes Jahr rund 6000 fachkundige Besucher:innen an, die sich für in der Schweiz entwickelte und hergestellte Designprodukte begeistern. Ihre Produkte stammen aus den Bereichen Mode, Möbel, Wohnaccessoires, Schmuck, Textil, Keramik und Papeterie. Nach der erfolgreichen Durchführung 2022 in der Alten Reithalle kehrt die «in&out» 2023 wieder zurück in die AHA Aeschbachhalle. >>> MERH AUF ARTTV.CH

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Sung Tieu im Kunst Museum Winterthur

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