CLICK_CINEMA_APR_MAI23

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CLICK CINEMA APR_MAI23
Editorial
Spielfilm des Monats: Aller Tage Abend
Rezension von Rolf Breiner
Dokfilm des Monats: Unser Vater
Interview zu Unser Vater
Fokus Schweiz: Becoming Giulia
Rezension zum Film
Rückblick Berlinale
Interview zu L’Amour du monde
Nicht verpassen
Weiterhin aktuell: TAR
Rezension von Madeleine Hirsiger
Empfehlungen Fiktion
Empfehlungen Dok
Tausendsassa Samir
Visions du Reél 2023
Ehrengast Lucrecia Martel
Dossier Visions du Reél
SPEZIAL PINK APPLE
TROIS NUITS PAR SEMAINE
OUT OF UGANDA
FOGO-FATUÓ
DRIFTER
EHRUNG: MARCO BERGER
LOS AGITADORES
BODYSHOP
THE NEW EMPLOYEE
ORLANDO
Free Streaming: Le

Liebe CLICK CINEMA Leser:innen Ich freue mich, Sie auf vier Medienpartnerschaften von arttv.ch im Bereich Film hinzuweisen. Das neu geschaffene Bergwelten Filmfestival in Stans mit Blick auf die Berge und die Umwelt scheint vielversprechend zu werden und Visions du Reél in Nyon ist eine feste Grösse in der internationalen Festivalwelt. Auch das Yesh! - die Filmtage, die Neues aus der jüdischen Filmwelt bieten, darf arttv.ch schon einige Jahre publizistisch begleiten. Auf das Pink Apple in Zürich und Frauenfeld freue ich mich wiederum, weil ich ein Bewunderer des argentinischen Regisseurs Marco Berger bin, der den Ehrenpreis des Festivals bekommt. Berger ist bekannt für seine provokanten Filme, in denen er die Grenzen des schwulen und bisexuellen Begehrens auslotet. Neben einer Retrospektive wird auch sein neuster Film «Los Agitadores» am Festival gezeigt. Der Film wirkt wie eine tickende Zeitbombe toxischer Männlichkeit – was Bergers Absicht durchaus entspricht und einen starken Kommentar für neue Männerbilder in der modernen inklusiven Gesellschaft formt. Um dem Pink Apple ein stärkeres Profil in der nationalen Festivallandschaft zu geben, wird das Festival übrigens erstmals einen neu konzipierten «Internationaler Wettbewerb» für Langfilme durchführen. In Zeiten von Kinosterben und Streaming-Boom möchte die künstlerische Leitung, Sina Früh und Andreas Bühlmann, damit künstlerisch und soziopolitisch wertvollen Filmen eine wichtige Plattform im Kino geben. Mehr zum Yesh! und zum Berg-Film-Festival dann in der Juni Ausgabe dieses Magazins. Mehr zum Visions du Reél in einer Vorschau der Filmjournalistin Doris Senn und in unserem Dossier auf unserer Website, das laufend mit neuen Artikeln ergänzt wird. Was das Kino gegenwärtig sonst noch zu bieten hat, ist äusserst vielfältig. Besonders erfreulich ist, dass unser Spiel- wie auch unser Dokumentar-Film des Monats beides Schweizer Produktionen sind. Mit freundlichen Grüssen Felix Schenker, Chefredaktor arttv.ch

ARTTV REZENSION Von Rolf Breiner Zwei ältere Herren crashen mit ihren Autos ineinander – irgendwo auf dem Land. Kein Geschrei, keine Vorwürfe, keine Polizei. Man stellt sich freundlich vor und lernt sich kennen. Später zeigt sich, dass einer der beiden es darauf angelegt hat, solche Zusammenstösse zu provozieren. Titel dieser kleinen Episode: «Nice to Meet You». Und genau solch ein Vorfall, den der Filmer Felix Tissi beobachtet hatte, war der Grundstein seines jüngsten Films. Aus anderem Blickwinkel Sein Credo: Geschichten aus anderem Blickwinkel schildern. In acht Kapitel erzählt er von Menschen und Merkwürdigkeiten, von Freundschaften, Liebschaften und dem Tod. Bei «Lebenslänglich» geht es um die Entlassung eines Häftlings, der nicht so recht weiss, was er nun anfangen soll und sich in eine Blumenverkäuferin verliebt («Zehn Ave für Lilium»). Ein Senior will eigentlich Goldene Hochzeit feiern, doch regelmässige Schläge von seiner Frau bremsen seine Feierlust. Und dann ist da noch Johann, der betagte Arzt, der es zu gut mit seinen Patienten meint und zur Selbstheilung rät. Er macht auf diese Weise nicht nur den Tod, sondern auch die Totengräber arbeitslos: «Geht doch», so die Kapitelüberschrift. «Nicht alles, was gewichtig ist, braucht auch schwer zu sein», findet Felix Tissi. Eine Erfahrung, ein Bild werden zur Idee, zum Film. Ein Jahr hat er an diesen Geschichten geschraubt. «Bei meinen Drehbüchern schreibe ich ganz ernsthaft am Unernst und nehme den Begriff ‹Spielfilm› wörtlich: Ich spiele.» Fiktionen von der Wiege bis zur Bahre Die bekannte Spruchweisheit «Es ist noch nicht aller Tage Abend» hat Tissi auf «Aller Tage Abend» verkürzt. Es ist sein letzter Film, den er

realisiert. Warum? «Ich konzentriere mich nun aufs Schreiben. Mein Buch ‹Varias Tapas› kommt Ende Juni heraus. Es sind lauter Tapas, also Häppchen, fiktionale Kurzgeschichten von der Wiege bis zur Bahre.» Felix Tissi wird 68 Jahre alt und gibt die Filmerei auf. Fühlt er sich als Rentner? «Überhaupt nicht. Ich habe nun drei Berufe: Schriftsteller, Filmer und Rentner.» Das Thema Alter treibt ihn um. «Zwangsläufig, ich habe ja auch schon Patina angesetzt.» Sein Spielfilm ist von Schalk geprägt, amüsiert trotz ernsthafter Thematik.«Ja, vieles ist skurril. Ich mag Schabernack. Mein Ansatz in diesem Film ist die Frage: Was ist das Gegenteil von dem, was man erwartet? Was wäre, wenn? Ich drehe die Welt sozusagen um.» Der Tod wird in diesem Film kaltgestellt, er wird überflüssig. Tissis Erklärung: «Natürlich kann man dem Tod in der Realität kein Schnippchen schlagen. Aber es ist ja die Kraft der Fiktion, sich so etwas auszudenken.» Figuren entwickeln Eigenleben Felix Tissi hat etwa ein Jahr an diesen Geschichten geschrieben. «Ich verfasse kein Exposé, kein Treatment, sondern schon zu Beginn ein ausformuliertes Drehbuch. Da war dieser Autounfall. Dann schreibe ich drauflos, und die Figuren verselbständigen sich. Sie sind es, die mir dann sagen, was sie tun und sagen wollen. Sie entwickeln Eigenleben.» Fazit Tissi serviert uns eine Palette schrulliger Episoden und schalkhafter Begebenheiten – aus anderem Blickwinkel eben - witzig, skurril, verschmitzt. Der Tod tritt hier nicht wie bei Ingmar Bergman als Sensemann auf, sondern als Getriebener, der arbeitslos wird. Ein Schelm, der sich Böses bei «Aller Tage Abend» denkt. Im Gegenteil, selbst dem vermeintlich Unvermeidlichem wird etwas Positives abgewonnen. Selten hat man einen Schweizer Film gesehen, der dem Ernst der Lage mit Schalk beikommt.

INTERVIEW Mit Miklós Gimes und Protagonistin Monika Gisler sprach Geri Krebs Herr Gimes, als Sie erstmals von Toni Ebnöther hörten – dem Priester, der mit mindestens vier Frauen Kinder gezeugt hatte – waren Sie skeptisch, ob diese Geschichte für einen Dokumentarﬁlm geeignet wäre. Warum? Miklós Gimes: Meine erste Reaktion war damals, 2016, so ungefähr: Man hat es jetzt gesehen … all diese Missbrauchsfälle in der katholischen Kirche. Es war die Zeit, als man darüber fast täglich in den Medien berichtete. Etwa der Fall des Wiener Erzbischofs oder jener des australischen Kardinals, der unzählige Kinder sexuell ausgebeutet hatte. In jenem Jahr gewann der Hollywoodfilm «Spotlight» den Oscar als bester Film, der von der Aufdeckung eines – real existierenden – Netzwerkes pädokrimineller Kirchenleute in den USA erzählte. Was hat Sie dann dazu bewogen, Ihre Meinung zu ändern? Als ich mich erstmals mit den sechs Kindern von Ebnöther traf, merkte ich, dass da mehr war als «nur» das Thema eines katholischen Priesters, der Frauen sexuell ausgebeutet hatte. Es ging um Geheimnisse, die es wohl in jeder Familie gibt. Ausserdem ging es um eine Zeit, in der es viel mehr als heute wichtig war, den Schein nach aussen zu wahren. Im Laufe der Dreharbeiten, die sich über einen Zeitraum von über zwei Jahren erstreckten, machte ich dann noch die für einen Dokumentarfilmer beglückende Erfahrung, mit drei der betroffenen Frauen noch sprechen zu können. Es war diese letzte Gelegenheit. Zwei von ihnen waren schon hoch betagt und starben bald nach unseren Treffen. Heute leben nur noch die Mutter von Monika Gisler und die Mutter der Geschwister Adrian und Daniela (der zwei jüngsten der von Toni Ebnöther gezeugten Kinder, Anm. d. Redaktion). Sie, Frau Gisler, sind eines dieser sechs Kinder. Im Gegensatz zu Ihren fünf Halbgeschwistern wussten Sie schon früh, wer Ihr leiblicher Vater war. Sie behielten das aber jahrzehntelang für sich. Warum schwiegen Sie?

Monika Gisler: Also, ich muss etwa neun oder zehn Jahre alt gewesen sein, als meine Mutter mich an einem Sommerwochenende aus dem Kinderheim abholte und mit mir in dieses Berghotel Sunneschy in Saas im Prättigau reiste. Ich bekam dort oben ein Getränk und ein Kägifret und meine Mutter unterhielt sich sehr lange mit dem Mann, der offenbar der Besitzer war. Auf dem Heimweg im Zug sagte sie mir dann irgendwann: Dieser Mann ist dein Vater, aber du darfst niemand davon erzählen. Was passierte dann? Wenig später heiratete meine Mutter dann einen anderen Mann, ich durfte fortan bei ihr und diesem Mann wohnen. Und dieser Mann, den ich fortan ‹Dädi› nannte, nahm mich wie seine Tochter an und ich hatte stets ein gutes Verhältnis zu ihm. Ich hatte Als ich mich erstmals mit den sechs Kindern von Ebnöther traf, merkte ich, dass da mehr war als «nur» das Thema eines katholischen Priesters, der Frauen sexuell ausgebeutet hatte. aber auch ein herzliches Verhältnis zu Ebnöther, meinem leiblichen Vater. Wir waren regelmässig in den Sommerferien und oft auch im Winter zum Skifahren bei ihm – meist mit der ganzen Familie, mein Dädi inklusive. Er und Ebnöther verstanden sich gut. Die beiden scherzten sogar mit mir, sagten: Du hast halt zwei Väter. Für mich war das ganz natürlich, ich sah aber auch keinen Grund, anderen davon zu erzählen. Wann änderte sich das? Eigentlich erst nach 2011, nach dem Tod von Toni Ebnöther. Im Film erzähle ich von seiner Beerdigung, die ein Schlüssel für meine Geschichte war. Ich wusste ja, dass viele Verwandte kommen werden. Und ich wollte wissen, wer all diese Leute waren. So ging ich also am Ende der Beerdigung auf alle Anwesende zu, fragte: Bist du verwandt mit Toni? – ich bin übrigens seine Tochter. So kam ich dort der Wahrheit auf die Spur und begann von da weg, weiter zu recherchieren. Sie berichten im Film dann auch, wie die Trauerredner an der Beerdigung die Geschichte krass verfälschten und behaupteten, Ebnöther habe sich mit der Kirche überworfen, weil er zu viel Musik gemacht hatte. Es wird andererseits aber auch nicht klar, wie und unter welchen Umständen er tatsächlich seine Stelle als Priester

verlor … Miklós Gimes: Ich möchte dazu etwas klarstellen. Als Priester wurde er nie offiziell entlassen, denn eine Entlassung aus dem Priesteramt kann nur der Papst vornehmen. Das hätte über den zuständigen Bischof laufen müssen, in diesem Fall den Bischof von Chur. Und dieser hätte mitteilen müssen: He, wir haben da einen, der hat vier Kinder (zwei weitere hat er ja erst gezeugt, als er nicht mehr als Priester tätig war). Also, der Bischof von Chur hütete sich wahrscheinlich, denn in dem Moment, wo Ebnöther offiziell seine Priesterweihe verliert, kommt es zum Gerede. Das wäre auch für die Kirche schwierig gewesen. Ja, folglich behielt man alles unter dem Deckel, man handhabte es von Seite der Kirchenoberen, so, dass man Ebnöther erst versetzte und ihn dann, als er erneut übergriffig wurde, zu ‹Exerzitien› für ein Jahr in ein Kloster nach Fribourg schickte. Danach erhielt er nur noch Vikariate als Religionslehrer und bald darauf quittierte er von sich aus den Dienst. Und schliesslich erwarb er dann – übrigens auch wieder mit finanzieller Hilfe mehrerer Frauen – dieses Berghotel in Saas. Monika Gisler: Er hat offenbar auch selber grossen Wert darauf gelegt, dass er als Priester aus dem Amt nie entlassen worden war. Was sich nach seinem Tod zeigte, als man im Hotel in einer Schublade noch, schön zusammengefaltet, sein Priestergewand fand. Ich möchte dazu etwas klarstellen. Als Priester wurde er nie offiziell entlassen, denn eine Entlassung aus dem Priesteramt kann nur der Papst vornehmen. Herr Gimes, ihr Film wird getragen von einem sichtbar grossen Vertrauen, das alle Protagonist:innen zu Ihnen haben. Wie haben Sie das geschafft? Miklós Gimes: Schön, dass Sie das so sehen. Für mich war klar, dass der Film weitgehend von den Zeugnissen der vier Töchter und der zwei Söhne Ebnöthers abhängen würde. Denn trotz intensiver Recherche mussten wir feststellen, dass von Ebnöther keine Filmdokumente existieren, sondern nur die paar Fotografien und Tondokumente, die man im Film sieht und hört. Erschwerend kam noch hinzu, dass die Witwe von Toni Ebnöther – die eine wichtige Person gewesen wäre – nichts mit dem Filmprojekt zu tun haben wollte. Sie trat erst spät in sein Leben, er hatte sie mit siebzig geheiratet.

Frau Gisler, warum haben Sie im Film mitgewirkt? Monika Gisler: Ein Schlüsselerlebnis für meinen Entschluss, im Film mitzuwirken, war der Film «Mutter» (2003), den ich vor einigen Jahren gesehen hatte. Mich hatte dort sehr beeindruckt, wie einfühlsam du, Miklós, darin mit der komplexen Geschichte deiner Mutter und auch deiner eigenen umgegangen bist. Von da her hatte ich von Beginn weg ein gutes Gefühl, dass du, ohne zu werten, an die ganze Geschichte von mir und meinem Vater herangehen würdest. Du hast es nun mit dem Film geschafft, meinen Vater, den ich zu seinen Lebzeiten immer gern hatte, nicht als Scheusal darzustellen, sondern vielmehr als triebgesteuerten Mann, dem es an Unrechtsbewusstsein fehlte und der seine Stellung und seine Wirkung auf Frauen schamlos ausnutzte. «Miklós hast es mit seinem Film geschafft, meinen Vater, den ich zu seinen Lebzeiten immer gern hatte, nicht als Scheusal darzustellen, sondern vielmehr als triebgesteuerten Mann, dem es an Unrechtsbewusstsein fehlte und der seine Stellung und seine Wirkung auf Frauen schamlos ausnutzte.»

ARTTV REZENSION Von Madeleine Hirsiger Viele Kinder im Ballettunterricht träumen davon, einmal eine Primaballerina zu werden – oder zumindest in einer Compagnie tanzen zu können. Die allerwenigstens schaffen es. Dass es eine äusserst harte Schule ist, bis man es einigermassen zu etwas bringt, ist auch den nicht Ballett- Tanzenden bekannt. Und dass die Trainingsbedingungen von jungen Menschen im Spitzensport auch erniedrigend und unmenschlich sein können, bis hin zum Missbrauch, wurde in letzter Zeit mehrmals offenkundig. Aber es gibt sie eben doch, die erfolgreiche Karriere. Die 45-jährige Schweizerin Laura Kaehr führt uns im Dokumentarfilm «Becoming Giulia» in einfühlsamer Weise an die Solotänzerin Giulia Tonelli heran, einer Italienerin, die am Zürcher Opernhaus in zahlreichen Choreografien die Hauptrolle tanzt. Giulia hat einen Sohn geboren und kommt nach einem mehrmonatigen Unterbruch wieder ans Opernhaus zurück. Das Training ist unerbittlich, der Körper muss wieder zum Tanzen gebracht werden. Sie hat Schmerzen. Ihr Kind gebe ihr viel, sagt sie, mache sie stark, auch emotional, aber ihr habe in dieser Zeit die eigene Identität gefehlt: sie müsse tanzen. Zwei Welten kommen zusammen Man sieht Giulia zu Hause: Kinderkleider zusammenlegen, kochen, putzen, mit dem kleinen Buben spielen – eine Hausfrau. Eine Hausfrau? Auch. Aber viel mehr eine Solotänzerin, die alles unter einen Hut bringen will und auch bringt, mit Hilfe ihres anpackenden und unterstützenden Mannes und ihren Eltern aus Italien, die sie immer wieder entlasten. Aber da ist auch das Dilemma. Eines, das von aussen kommt, das ihr sagen will, man könne nicht beides, man müsse sich entscheiden. Sie hat sich entschieden und tut

Ausserordentliches dafür: Familie und Beruf zusammenzubringen. Und es gibt diesen subtilen Druck von denen, die im Ballettbetrieb etwas zu sagen haben. Ihre Verfügbarkeit wird getestet, man will sichergehen, dass sie das alles hinkriegt. Denn Giulia Tonelli ist auch mal in drei verschiedenen Produktionen in der Hauptrolle zu sehen: zum Beispiel in «Romeo und Julia» oder in Verdis «Requiem». Und das ist doch ziemlich anstrengend und herausfordernd. Nichts ist sicher Und dann kommt Covid und der angekündigte Wechsel des Ballettmeisters: Christian Spuck geht, Cathy Marston kommt. Die beiden verstehen sich auf Anhieb. Cathy Marston, zweifache Mutter, ist mit ihren Arbeiten als Geschichtenerzählerin bekannt. Die beiden machen erste Proben zusammen. Das gibt Giulia Zuversicht, sie beginnt langsam die Dinge anders zu sehen, liebäugelt selbst mit der choreografischen Arbeit. Denn nichts ist sicher, jeder und jede kann von einem Tag auf den andern den Job verlieren. Fazit: Der Filmemacherin Laura Kaehr, selbst Balletttänzerin und Choreografin, ist mit «Becoming Giulia» ein berührender und aufschlussreicher Film gelungen, der nicht umsonst am Zürcher Film Festival den Publikumspreis gewonnen hat. Die Bescheidenheit und das Engagement der Tänzerin sind es, die einen beeindrucken und zugleich nachdenklich machen. Beruf und Familie auf eine Linie bringen. Das ist der Kern dieser Geschichte, die für alle Frauen gilt, die arbeiten und zu Hause Kinder haben.Absolut sehenswert.

I S S P O N Y S L’Amour du monde | Synopsis Die 14-jährige Margaux driftet verträumt zwischen der neuen Wohnung ihres Vaters und ihrem Sommerpraktikum in einem Kinderheim. Die ungewöhnlich zärtliche Freundschaft, die sie dort zu der siebenjährigen Halbwaise Juliette entwickelt, missfällt den Erwachsenen. Als die beiden auf einem ihrer heimlichen Spaziergänge dem örtlichen Fischer Joël begegnen, verspürt Margaux plötzlich eine rätselhafte, intensive Sehnsucht, die Welt zu entdecken. Zurückhaltend und aufmerksam zugleich erlebt sie die ersten Anflüge von Anziehung. Im Wasser des Genfersees spiegeln sich die Erlebnisse der drei ungleichen Gefährt:innen. Während sie mehr über Fischfang, über indonesische Legenden und über Reiher erfahren, erkennen sie, dass Freundschaften auf unerwartete Weise entstehen können.

INTERVIEW Auf den ersten Blick scheint «L’Amour du Monde» eine kleine und intime Geschichte zu erzählen, aber in Wirklichkeit berührt sie grosse Gefühle wie die Sehnsucht nach Sicherheit, Familie und Zugehörigkeit. Wie haben Sie Ihre Geschichte geschrieben? Eigentlich ist es ein Buch: Charles Ferdinand Ramuz, ein Schweizer Schriftsteller aus der Romandie, schrieb 1925 «L’Amour du Monde». Die Geschichte handelt von der Ankunft des Kinos in einem kleinen Dorf in der Schweiz – die Bilder der Welt dringen ein, um die ruhige und strenge Kleinstadt zu verändern. Ich liebe dieses Buch, und anfangs wollte ich es adaptieren. Dann begann ich zu schreiben und merkte, dass es mich eigentlich nicht interessiert. Aber ich habe einige der Charaktere beibehalten, sodass Joël, Juliet und Margaux von dem Buch inspiriert sind. Es ist Ihr erster Spielﬁlm und er spielt in der Nähe des Ortes, an dem Sie aufgewachsen sind. Sprechen Sie auch über Ihre Erfahrungen? Ja, ich habe meine Teenagerjahre in dieser Region verbracht. Diese Erzählung ist sehr stark mit meinem Vater und meiner Schwester verknüpft, mit der Familie, die mich umgab. Aber auch mit dem Wunsch, den ich hatte, als ich jünger war. Ich wollte Autorin werden und aus der Schweiz weggehen. Es geht um die Sehnsucht nach etwas, das man noch gar nicht kennt, wie die erste Liebe. Doch der Film handelt auch von Familien, die nicht zusammenleben. Es gibt eine Szene, in der die Hauptﬁgur, die Teenagerin Margaux, versucht, mit ihrer portugiesischen Grossmutter zu telefonieren. Wie sind Sie auf diese Szene gekommen? Mein Vater kommt aus Portugal, und viele meiner Freunde haben eine doppelte Staatsbürgerschaft. Wie ich selbst, reisen sie im Sommer ins Ausland, um ihre Familien zu besuchen. Ich wurde in Portugal geboren und bin seit meinem 4. Lebensjahr in der Schweiz aufgewachsen. In der Szene geht es um die Geborgenheit, die durch die Sprache entsteht. Die Stimme am Telefon ist meine eigene Grossmutter! Ich hatte darüber nachgedacht, eine Schauspielerin zu bitten,

diese Rolle einzusprechen, aber zum Glück habe ich meine Meinung geändert: Meine Oma ist perfekt! Und eigentlich, ja, geht es auch um mich. Ich hoffe, dass ich andere Menschen erreicht, die mit dieser Art von Familiensituation vertraut sind. Ihre Hauptﬁgur ist Margaux, aber da gibt es auch das kleine Mädchen Juliette, das in einem Kinderheim lebt, und Joël, er ist ein junger Mann um die 30. Was sie gemeinsam haben, ist, dass sie nicht in klassischen Familienstrukturen leben. Wonach sehnen sie sich? Wenn einem etwas weggenommen oder nicht gegeben wurde, muss man einen Weg finden, diese Lücke zu schliessen. Margaux, Juliette und Joël passen nicht in Mit Joël erzähle ich die Geschichte von jemandem, der in seine Heimat zurückkehrt und sich dort wieder einfinden muss. das Bild, das die Gesellschaft von ihnen erwartet. Aber was macht man, wenn es das normale Modell von Mutter, Vater und Kind nicht gibt? Ich wollte eine Geschichte darüber erzählen, wie man lernt, seine eigene Familie aufzubauen. Das Schreiben dieses Films war auch für mich eine Reise. Ich habe mich während dieser Zeit verändert, ich habe 2017 mit dem Schreiben des Drehbuchs begonnen und der Film wurde 2021 gedreht. In der Zwischenzeit habe ich in Brüssel studiert und bin nach Paris gezogen. Mit Joël erzähle ich die Geschichte von jemandem, der in seine Heimat zurückkehrt und sich dort wieder einfinden muss. Juliette ist noch ein Kind, sie kämpft mit einem schweren Verlust, durch die Begegnung mit Joël und Margaux findet sie eine Art Frieden. Und Margaux ist ein Teenager, sie hat diese enorme Neugierde fürs Leben, sie verspürt Sehnsucht. Und erst nach dieser Phase wird sie vielleicht eine romantische Affäre mit einem Jungen in ihrem Alter haben. Die wunderbare Schauspielerin hinter Margaux ist Clarisse Moussa. Sie war die Hauptﬁgur in Ihrem ersten Kurzﬁlm «En route». Erzählen Sie uns etwas über die Zusammenarbeit … Clarisse Moussa ist die Tochter einer Freundin meiner Mutter. Ich finde sie grossartig. Wir haben meinen ersten Kurzfilm 2013 gedreht, als sie erst 6 Jahre alt war. Als ich

anfing, «L’Amour du Monde» zu schreiben, hatte ich ein älteres Mädchen im Sinn, also habe ich ein Casting mit 16-Jährigen gemacht. Aber ich merkte, dass sie schon zu reif waren. Die Freundschaft zu Joël wäre zu einer romantischen Geschichte geworden, und ich wollte wirklich keine «Lolita 2» drehen. Ich wollte, dass Margaux unschuldig ist. Sie ist ein 13-jähriges Mädchen, das zum ersten Mal starke Gefühle erleben darf. Es geht um eine abstrakte Idee von Begehren und Liebe, es geht eher um Projektion. Ausserdem wollte ich ein neues Modell von Männlichkeit zeigen. Joël ist ein 30-jähriger Mann, der nicht daran interessiert ist, Margaux zu verführen. In ihrer Beziehung ging es nur darum, einen sicheren Ort zu schaffen. Es gibt keine Szene, in der er die Grenze überschreitet, nicht einmal ansatzweise. Die Charaktere in Ihren Filmen sind oft Kinder, welche Erfahrungen haben Sie bei der Arbeit mit ihnen gemacht? Es ist nicht einfach, mit Kindern zu arbeiten, aber sie sind die besten Schauspieler:innen. Sie holen einen immer in die Realität zurück. Und das ist auch etwas, was ich am Kino mag. Man verbringt Jahre damit, sich Dinge vorzustellen, bereitet sich monatelang darauf vor, und dann fängt man eine Szene in einem einzigen Moment ein. Kinder machen das eigentlich die ganze Zeit. Um den Dreh vorzubereiten, haben wir viel Zeit miteinander verbracht. Wir sind an den See gefahren, haben gespielt, sind geschwommen, haben zusammen gegessen, einfach um auch eine kleine Familie zu werden. Aber ich muss sagen, dass Dreharbeiten nicht das wahre Leben sind und zu intensiven Reisen werden können. Ich bin mir vollkommen bewusst, dass ich mich um meine Schauspieler:innen kümmern muss, wenn sie den Drehort verlassen. Ausserdem wollte ich ein neues Modell von Männlichkeit zeigen. Sie sind selbst auch Schauspielerin, wie hilft Ihnen diese doppelte Erfahrung bei Ihrer Arbeit?

Meine Schauspielerfahrung hat mir sehr geholfen. In den Proben habe ich manchmal Szenen vorgespielt, um zu zeigen, wie sie etwas darstellen können. Beim Schauspielen geht es darum, Menschen zu imitieren und zu beobachten. Esin, die Juliette spielt, hat das die ganze Zeit getan. Sie schaute mich an, schaute Clarisse an und wiederholte es dann selbst. Mit Esin zu arbeiten war aber ganz anders als mit Marc (Joël) zum Beispiel. Als professioneller Tänzer und ausgebildeter Zirkusartist hatte er keine Erfahrung vor der Kamera. Er musste lernen, loszulassen, Vertrauen zu fassen und die Kamera einfach sehen zu lassen, was in seinen Augen passiert. Mark hat viel Zeit mit den Fischern am See verbracht, um ihre Gesten zu lernen. Es ist grossartig, wie die Schauspielerei einem die Möglichkeit gibt, andere Welten zu entdecken. Wie wichtig war es für Sie, dass Ihre Figuren am Ende Frieden ﬁnden? Ich glaube, Happy Ends sind eine schwierige Angelegenheit. Ich meine, die Zuschauer:innen sind intelligent und ich vertraue ihnen. Ich denke, was ich zum Ausdruck bringen wollte, ist: Das Leben ist hart, aber man kann sich weiterentwickeln und dazulernen – und das ist okay. Am Ende singt Margaux ein Lied für Juliet. Es ist ein portugiesisches Lied über Liebe, Zärtlichkeit und Akzeptanz. Eigentlich war das erste Ende, das ich zu Beginn des Schreibprozesses geschrieben habe. Leider musste ich es zwischenzeitlich aufgeben, da sich die beteiligten Filmkommissionen ein ‹eindeutigeres› Ende wünschten. Im Schneideraum sind wir schliesslich dazu zurückgekehrt. Ich bin wirklich froh, dass wir uns für diese Version entschieden haben. TRAILER L’Amour du monde | Regie: Jenna Hasse | Drama | 76 Minuten | Schweiz, 2023 Kinostart: 20. April 2023

I S S P O N Y S All the Beauty and the Bloodshed | Synopsis Die amerikanische Fotografin Nan Goldin ist in der Kunstwelt eine Rebellin und eine der bedeutendsten Fotografinnen des späten 20. Jahrhunderts. In der New Yorker No-Wave-Underground-Bewegung gewachsen, hat sie die Kunst der Fotografie revolutioniert und die Säulen der klassischen Kunstform ins Wanken gebracht. Mit ihrem herausragenden Gespür, den richtigen Moment einzufangen und ihrem politischen Blick durch die Kamera hat sie die Definitionen von Gender und Normalität stets in Frage gestellt. Ihre Fotografien widmen sich Themen wie Sexualität, Sucht und Tod. Sie sind von schonungsloser Direktheit, Intimität und Mehrschichtigkeit. Wegen einer Operation wird Nan Goldin OxyContin verschrieben, ein suchterzeugendes Schmerzmittel – und sie wird abhängig. Sie schafft den Ausstieg, doch für Unzählige führt die Sucht letztlich zum Tod. Seither kämpft sie als unermüdliche Aktivistin gegen die Pharmadynastie Sackler, die hauptverantwortlich für die weltweite Opioidkrise ist, und ihr Unternehmen Purdue Pharma. Die Familie Sackler hat sich mit ihrem Mäzenatentum in der Kunstwelt einen grossen Namen gemacht, doch mit ihren Aktionen zwingt Nan Goldin die Universitätssammlungen und Museen wie der Louvre, die Tate, das Guggenheim und das Met ihren Standpunkt zu überdenken.

ARTTV REZENSION Von Madeleine Hirsiger Sie ist schlichtweg eine Wucht: Die 53-jährige australische und mehrfach preisgekrönte Cate Blanchett zieht in «Tàr» sämtliche Register ihres schauspielerischen Könnens. Es ist vor allem die laute, nervöse, selbstsichere und vom Ehrgeiz getriebene Seite, die ihren Charakter ausmacht, eine Rolle, die Blanchet die gesamte Spielzeit von satten 158 Minuten durchzieht. Sie heisst Lydia Tàr und ist eine weltweit bekannte und anerkannte Stardirigentin. Und wer beruflich dieses Level erreicht hat, bei dem spielt das Leben eben auch in einer anderen Liga. Und das wird ihr zum Verhängnis. Superstar Lydia Tàr Der amerikanische Drehbuchautor und Regisseur Todd Fields beginnt seinen Spielfilm aussergewöhnlich und macht den sehr langen Abspann zum Vorspann. Damit will er den vielen Beteiligten Rechnung tragen – und es ist trotzdem etwas mühsam. Ein indigener Gesang im Hintergrund verkürzt ein bisschen die Zeit, er leitet über in die erste Szene. Lydia Tàr hat früher mal im Amazonasgebiet gelebt und die Gesänge indigener Völker erforscht. Ihre unglaublich lange berufliche Lebenslauf prasselt noch aus dem Off auf uns herein. Es ist die Introduktion zu einem Interview auf einer Bühne vor vollen Rängen. Es gibt nichts, was sie nicht gemacht oder gewonnen hätte. Und nun steht Lydia Tàr vor der Aufführung von Mahlers 5. Symphonie, die sie schlicht als «Mistery» bezeichnet. Grosser Applaus für den grossen Star.

Die DNA eines Machtmenschen Sie ist faszinierend, diese energische Stardirigentin, die die Manipulation und das «über Leichen gehen» derart verinnerlicht hat, dass sie keinerlei Skrupel empfindet, wenn sie ihren langjährigen Kapellmeister oder ihre hilfsbereite Sekretärin entlässt. Sie lebt in einer Beziehung mit der ersten Orchester- Geigerin (Nina Hoss), die sie ebenfalls herumschiebt wie eine Schachfigur. Tàr geht fremd, nutzt ihre Machtposition aus, um die Karrieren ihrer Verflossenen zu zerstören, wenn sie will. Doch wie lange kann sie ihr Spiele noch weiterspielen? #metoo Eine neue Generation ist aufmerksam und hat ein Auge auf Lydia Tàr. Als Professorin an der renommieren Juilliard School in New York wird sie herausgefordert. Da gibt es einen jungen Mann, der nicht das liefert, was Tàr von ihm verlangt und schliesslich in ihre Mühle gerät. Er hat noch nie etwas von Johann Sebastian Bach gespielt, er mag ihn nicht, hält ihn für frauenfeindlich. Und ja, dann macht sie ihn auf raffinierte Weise fertig, was von einer Studentin verbotenerweise mitgefilmt wird und später auf Social Media gestellt wird. Ein Alptraum beginnt Die Stardirigentin wird in die Enge getrieben. Alpträume quälen sie in der Nacht, sie hört Geräusche, labyrinthische indigene Zeichen tauchen in der Wohnung auf, beim Joggen hört sie Kinder schreien, die sie nicht finden kann. Die Justiz wird auf die Vorwürfe gegenüber Tàr aufmerksam: der Niedergang – beruflich und gesellschaftlich – ist eingeleitet und führt sie zum bitteren Ende. Sie fällt total von der Rolle.

TRAILER Fazit: «Tàr» ist ein dichter Film mit einer genialen Cate Blanchet und einer vielschichtigen Geschichte, die der deutsche Kameramann Florian Hoffmeister meisterlich ins Licht rückt. Dem Film hätte es aber gut getan, wenn er themenmässig weniger überladen wäre und auch die Beziehung zwischen der Dirigentin und ihrer Partnerin, die eine kleine Tochter hat, nicht wie ein flüchtiger Moment daher kommen würde. TÁR | Regie: Todd Field | Drama | 158 Minuten | USA, 2022 | Verleih: Universal Pictures Jetzt im Kino

Eine Vorschau von Doris Senn Es ist April, und wieder wird das Städtchen am Genfersee zum pulsierenden Zentrum dokumentarischer Formen aus aller Welt. Ein Blick in das Programm ist vielversprechend. So etwa im Langfilmwettbewerb «Grasshopper Republic»: Menschen in Uganda locken mit improvisierten Lampen und Wellblechen die Heuschreckenschwärme an, um mit blossen Händen die fluoreszierend grünen Insekten einzufangen und als Delikatessen zu verkaufen. Der tunesische «Machtat» gibt Einblick in die Lebensrealität dreier Hochzeitsmusikantinnen, die sich um einiges ernüchternder präsentiert als das in ihren Liedern beschworene Glück für die Jungverheirateten. «In Ukraine» wiederum erzählt vom absurd- normalen Alltag, den die im Kriegsland Verbliebenen zwischen Trümmern zu leben versuchen. Und der schweizerisch-kanadische Experimentalfilmemacher Peter Mettler ist zurück mit «While the Green Grass Grow» – über die Appenzeller Landschaft, den Tod seiner Mutter und die Pandemie. Westschweizer:innen prägen die «Nationale Auswahl» Stark die Westschweiz in der «Nationalen Auswahl» – etwa die Künstlerin Emanuelle Antille, die nach «A Bright Light» (2018) mit «The Wonder Way» aufwartet: eine sehr persönliche Suche nach dem eigenen Ich, mit Aufnahmen spektakulärer Orte dieser Welt – vom Garten ihrer Grossmutter bis zur Mojave-Wüste Kaliforniens. Ihre Langfilmdebüts präsentieren Laura Gabay mit «Para no olvidar» – eine Homemovie-Collage über das schmerzliche Exil ihres Vaters – und Sophie Ballmer, die anhand einer Hausräumung im Vallée de Joux das Patriarchat samt Kapitalismus dekonstruiert: «La maison». Nicolas Humbert («Step Across the Border, 1990) und Simone Fürbringer präsentieren «Floating Islands»: ein Bildpoem über die grossen Fragen zum Sein in dieser Welt.

«The Mountains» von Christian Einshøj Diese Programmreihen erleichtern die Qual der Wahl Die beiden Sektionen «Grand Angle» und «Highlights» zeigen Werke, die anderswo schon prämiert wurden oder die das Filmteam uns besonders ans Herz legt. Etwa die verspielte Neuinterpretation von Virginia Woolfs «Orlando» des spanischen Queer-Theoretikers Paul B. Preciado oder «Vera» – über das Trauma, Tochter des ikonischen Schauspielers Giuliano Gemma zu sein. «The Last Year of Darkness» erzählt von einer vom Abbruch bedrohten Party-Location im chinesischen Cheng-du, während «And the King Said: What a Fantastic Machine» die ebenso amüsante wie erschreckende Entwicklung der Fotografie Revue passieren lässt. Jean-Stéphane Bron Eine Hommage erweist das Festival dem Westschweizer Regisseur Jean-Stéphane Bron («Mais im Bundeshuus», 2003). Special Guest ist die italienische Autorin Alice Rohrwacher, die ihre hybriden Werke über eine Realität voller Magie präsentiert («Le meraviglie», 2014), während die argentinische Filmschaffende Lucrecia Martel («La ciénaga», 2001), die nebst Dok- und Spielfilmen auch eine Show für Björk produzierte, Ehrengast des Festivals ist.

Die Sektion Highlights (ohne Wettbewerb) bietet eine Auswahl von elf Schweizer Premieren, die das Programmteam als ein Muss betrachtet. Zwei dieser Filme befassen sich mit dem hochaktuellen Thema der Identität. Der filmische und kollektive Essay «Orlando, ma biographie politique» lehnt sich als erster Langfilm des Philosophen und Aktivisten Paul B. Preciado an das Werk von Virginia Woolf an und prophezeit eine fröhliche Punk-Revolution, die der Binarität ein Ende setzt. «Notre corps», ein Film von Claire Simon, Ehrengast des Festivals im Jahr 2018, ist eine Einladung zu einer sensiblen und sehr persönlichen Reise, einer politischen Ode an die weiblichen Körper. Gleichzeitig bietet Highlights eine Ausdrucksfläche für aktuelle Krisen. Etwa mit dem Film «My Worst Enemy» des französisch-iranischen Regisseurs Mehran Tamadon, der in einer beklemmenden Inszenierung die Gewalt des Regimes der Islamischen Republik in Iran frontal darstellt. Oder mit «When Spring came to Bucha», ein Gemeinschaftswerk der ukrainischen Künstlerin Mila Teshaieva und des deutschen Filmemachers Marcus Lenz, das die Augenzeugenberichte der Bewohner:innen der Stadt Butscha nach den grausamen Taten, die die Welt erschütterten, festhält. «My Worst Enemy» von Mehran Tamadon «The Echo» von Tatiana Huezo Unter den teilnehmenden in der Sektion Grand Angle sind Premieren, die demnächst auf weiteren Festivals gezeigt werden, aber auch Filme, die bereits ein internationales Publikum erobern konnten. 2023 birgt diese Sektion drei Weltpremieren: die Erzählung der Aktivist:innen von Extinction Rebellion in «Planet B» von Pieter Van Eecke; «Behind the Lines» der syrischen Filmschaffenden Alisar Hasan und Alaa Amer, der sich mit der ersten weiblichen Comiczeichnerin der Stadt Idlib beschäftigt und Animation und Realaufnahmen miteinander verwebt; sowie der Eröffnungsfilm «Nightwatchers» von Juliette De Marcillac. Die Auswahl umfasst ausserdem die internationale Premiere von «The Mountains» des dänischen Regisseurs Christian Einshøj, der auf seiner Suche nach Erlösung eine epische Superhero-Geschichte mit autobiografischen Elementen verbindet, während die Europapremiere der indischen Produktion «Against the Tide», die ihren Start kürzlich in Sundance hatte, das Thema Fischerei, ihre Techniken und ihre sowohl wirtschaftlichen als auch sozialen Herausforderungen beleuchtet. Einige Filme werden als Schweizer Premiere gezeigt, darunter «The Echo» von Tatiana Huezo, der bei der letzten Berlinale geehrt wurde, und die spektakuläre französisch- schweizerische Produktion «Paradise» von Alexander Abaturov, die den heldenhaften Kampf eines Dorfes gegen den ‹Drachen›, wie die Brände in der sibirischen Taiga genannt werden, erzählt.

Einer der Schweizer Beiträge am Festival: «OUT OF UGANDA» von Rolando Colla und Josef Burri, CH 2023 TRAILER Queeres Filmschaffen aus der Schweiz im Programm Als grösstes Schweizer LGBT+-Filmfestival lancierte Pink Apple im Rahmen seines 25-Jahre Jubiläums einen wichtigen Beitrag zur Schweizer queeren Filmgeschichte. Das bisher schweizweit einzigartige Online-Portal «queerfilms.ch» widmet sich Den Artikel zum Film ﬁnden Sie auf arttv.ch ausschliesslich der nationalen queeren Filmgeschichte. Es kontextualisiert Filme und ihre Filmschaffenden und dient als (inter-) nationales Nachschlagewerk und gibt Schweizer queeren Filmschaffenden ihre verdiente Stimme. Die drei Schweizer Langfilme «Something you said last night» (Wettbewerb), «Wem gehört der Himmel» und «Out of Uganda» schaffen es in das diesjährige Programm von Pink Apple, sowie die Kurzfilme «Flores del otro patio», «Pipes» und «Heart Fruit».

Den Artikel zum Film ﬁnden Sie auf arttv.ch Internationaler Wettbewerb Um dem Filmfestival ein stärkeres Profil in der nationalen Festivallandschaft zu geben, wird erstmals auch ein neu konzipierter «Internationaler Wettbewerb» für Langfilme durchgeführt. In Zeiten von Kinosterben und Streaming-Boom möchte die künstlerische Leitung, Sina Früh und Andreas Bühlmann, damit künstlerisch und soziopolitisch wertvollen Filmen eine wichtige Plattform im Kino geben. Eine international besetzte dreiköpfige Jury wird an der «Closing Night» in Zürich schliesslich ein herausragendes Werk aus acht Dokumentar- und Spielfilmen mit dem «Pink Apple» prämieren. Vielversprechend: «FOGO- FATÚO» von João Pedro Rodrigues feiert am Festival seine CH-Premiere, PT/FR 2022

Golden Apple 2023 Pink Apple verleiht Marco Berger für seine Verdienste im queeren Filmschaffen den Ehrenpreis des Festivals. Der Regisseur und Drehbuchautor Marco Berger gilt als Meister im filmischen Einfangen von Begierde und Lust unter Männern. Berger (*1977) zeigt seine Perspektive auf die argentinische Gesellschaft und deren Umgang mit Machismo, toxischer Männlichkeit, sexueller Unterdrückung sowie die vielschichtigen und komplexen Formen sexueller Orientierung. Ihn fasziniert, wie die männliche Sexualität funktioniert und wie klar die Grenzen zwischen homo-, bi- und heterosexuell gezogen werden können (oder eben nicht). Er gilt nicht nur als einer der wichtigsten Vertreter:innen des argentinischen Queer Cinema, sondern sollte auch als eine herausragende Stimme des lateinamerikanischen Kinos verstanden werden. Marco Berger wird im Rahmen des Festivals am Sonntag, 30. April 2023 im Filmpodium Zürich geehrt.

Bergers neuster Film Neben älteren Filmen des argentinischen Regisseurs ist auch sein neuster Film «Los Agitadores» zu sehen. Im heissen argentinischen Sommer trifft sich eine Gruppe sportlicher Kumpels, um die Ferien zu geniessen und zu feiern. Sie trinken, albern rum und machen Videos von sich, die sie nackt und in sexuellen Situationen zeigen. Doch die ersten Spielchen der Männerrunde zeigen, dass jeder von ihnen unterschiedliche Grenzen hat – denn zwei von ihnen kommen sich sexuell heimlich näher, während andere ihre homophoben Haltungen spürbar werden lassen. Marco Berger ist bekannt für seine provokanten Filme, in denen er die Grenzen des schwulen und bisexuellen Begehrens auslotet. «Los agitadores» wirkt wie eine tickende Zeitbombe toxischer Männlichkeit – was Bergers Absicht durchaus entspricht und einen starken Kommentar für neue Männerbilder in der modernen inklusiven Gesellschaft formt. TRAILER Marco Bergers neuster Film «LOS AGITADORES» | ARG 2022

«LOBO E CÃO» von Cláudia Varejão ist einer der Filme in neu geschaffenen Wettbewerb | PT/FR 2022 TRAILER Das Festival Das queere Filmfestival Pink Apple in Zürich und Frauenfeld wurde in den vergangenen Jahren u.a. mit der Goldenen Ehrenmedaille ausgezeichnet, dem höchsten Kulturpreis des Kantons Zürich, mit dem LGBT+-Award im Rahmen des 1. Swiss Diversity Award sowie dem Anerkennungspreis 2022 der Stadt Frauenfeld. Das Festival zieht jedes Jahr 10 000 Besucher:innen an. Gezeigt werden rund 80 Kurz- und Langfilme – zumeist Schweizer Premieren, die zu einem grossen Teil bei uns nie ins Kino oder ins Fernsehen gelangen.

Eine cineastische Reise durch das Leben und Werk von Daniel Schmid, dem wohl aussergewöhnlichsten Künstler des Schweizer Films. Es sollte nicht ein Film «über» sondern ein Film «mit» Daniel Schmid werden, doch als er 2006 überraschend schnell an Krebs starb, mussten die beiden Filmer Hofmann und Jaberg umdenken und sich ein neues Konzept zulegen, das eine umfangreiche Recherche nach Interviewmaterial und viel Überzeugungskraft für Produzent und Weggefährten bedeutete. Den beiden gelang eine Collage aus Filmbildern, die – vor allem auch durch die Musik von Peter Scherer – so lebendig Gelungen ist ihnen eine Collage aus Filmbildern, die – vor allem auch durch die Musik von Peter Scherer – so lebendig ist, dass es dennoch wie ein Film «mit» Schmid anmutet.

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