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Editorial
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Spielfilm des Monats
Interview Solaguren
Dokfilm des Monats
Stimmen
Rose
Rezension Madeleine Hirsiger
Fallen Leaves
Rezension Doris Senn
Tell - Jagd auf Ewig
Rezension Rolf Breiner
Interview Luke Gasser
Die Giacomettis
Rezension Madeleine Hirsiger
Ingeborg Bachmann - Reise ...
Stimmen
Mani Wata
Manöverkritik ZFF 2023
ZFF und die schönste Nebensache
ZFF 2023 | Tops und Flops
Das ZFF und die Frauen
Impressum

Liebe CLICK CINEMA Leser:innen Fast 800 Gäste haben die Eröffnung der neuen Zürcher Kino-Location FRAME miterlebt. Diese erfolgte als Pre-Opening des Zurich Film Festival 2023. Gezeigt wurde in allen sechs Kinosälen derselbe Film: EARLY BIRDS von Michael Steiner. Der Schweizer Regisseur hat grossartige Filme gedreht. Sein neustes Werk gehört leider nicht im Entferntesten dazu. EARLY BIRDS fährt so ziemlich alles an die Wand, was einen sehenswerten Film ausmacht. Dabei beginnt Steiners Thriller echt gut, leitet dann allerdings schnell seinen Sturzflug ein. Umso mehr Blut spritzt, desto blutleerer wird die Story. Manche mögen das, und so bleibt zu hoffen, dass der Film im Kino trotzdem funktioniert. Denn es gibt auch ein paar gute Gründe, sich den ansonsten ziemlich missratenen Film anzuschauen: Die 1996 im Baselbiet geborene Hauptdarstellerin Silvana Synovia ist ein erfrischend neues Gesicht im Schweizer Film. Trotzdem: Was um alles in der Welt hat Festivaldirektor Christian Jungen dazu gebracht, diesen Film seinem Publikum zur Eröffnung des Frames auszuwählen? Weil er in Zürich spielt, an der Langstrasse? Weil man den Film lange erwartet hat? Hoffentlich ist Steiners Film nicht ein Vorbote für das zu erwartende Niveau des FRAME und auch nicht dafür, wie sich der Schweizer Film künftig auf Netflix präsentiert. Aber zurück zum Festival: Was uns sonst noch gefallen oder missfallen hat, erfahren Sie in unseren Tops und Flops und der Manöverkritik. Persönlich bin ich ein grosser Fan des ZFF, weil man hier besonders viele gute Filme zu sehen bekommt. Leider waren es dieses Jahr nicht allzu viele, die ich mir anschauen konnte. Corona hat mich am 5. Festivaltag zur Bettruhe gezwungen. Mit freundlichen Grüssen Felix Schenker, Chefredaktor arttv.ch

Mit Estibaliz Urresola Solaguren sprach Doris Senn Die Regisseurin Estibaliz Urresola Solaguren hat sich in ihrer Arbeit immer wieder mit Identität, Körper und Gender auseinandergesetzt und diese Themen auch in ihrem neuesten Film aufgegriffen. Im Interview erzählt sie, welche Bedeutung die Biene in der baskischen Tradition hat und wieso es ihr wichtig war, die Mutter- Tochter-Beziehung in ihrem Drama gleichwertig zu behandeln. Estibaliz Urresola Solaguren, mit Ihrem Debütspielﬁlm schafften Sie es auf Anhieb in den Wettbewerb der Berlinale. Er handelt von (Trans-)Identität und spielt im spanischen Baskenland, Ihrer Heimat. Wie verhält sich der Titel (dt.: 20’000 Bienenarten) zum Thema des Films? Bienen stehen für Diversität in der Natur und sie sind als Spezies sehr verschieden: Einige leben in Gruppen, andere sind solitär. Einige produzieren Honig und andere haben andere Aufgaben. Vor allem aber habe ich entdeckt, dass Bienen in der baskischen Tradition heilig sind: Alles, was in der Familie passiert, wird ihnen mitgeteilt – wenn jemand stirbt oder geboren wird. Auch spricht man sie mit Respekt an. Sie scheinen von alters her mit Transzendenz verbunden. So entstand die Figur der

Bienenzüchterin, der Grosstante von Cocó. Und so entstand auch die Szene mit Cocó, die den Bienen gegen Ende des Plots mit einem Klopfen ans Bienenhaus ihren neuen Namen, Lucía, mitteilt. Übrigens ging der königliche Imker von Queen Elizabeth nach ihrem Tod als Erstes zu den Bienen, um sie zu informieren – eine jahrhundertealte Tradition in England. Ihr Film zieht einen von Anfang an in emotionale Konﬂikte hinein: eine Ehe in Schieﬂage, eine schwierige Mutter-Tochter- Beziehung und ein Dorf, in dem viel getratscht wird. Wie kam es zu dieser turbulenten Komplexität an Beziehungen? Ich führte sehr viele Gespräche mit Familien, die ihre Trans-Kids begleiten, und entdeckte eine interessante Gemeinsamkeit: Es waren nicht die Kinder, die eine Transition durchmachten, sondern vielmehr deren Familien. Insbesondere veränderte sich ihr Blick auf die Kinder. Oft wird so getan, als ob Transkinder ein Problem mit der Gesellschaft hätten, dabei ist es vielmehr die Gesellschaft, die ein Problem mit ihnen hat. Gleichzeitig konnte ich so das Thema Identität vertiefen, das mich bereits in früheren Kurzfilmen beschäftigte. Was ist Identität genau? Ist es ein ganz persönliches Verständnis davon, wer du bist, oder ist es etwas, das durch den Blick von aussen entsteht? Oder beides zugleich? Die Figur Lucías gibt den Personen um sich herum nicht zuletzt eine Möglichkeit, sich selbst und ihre Beziehungen untereinander zu hinterfragen. Das trifft besonders auf Ane zu, Lucías Mutter: Sie ist selbst auf der Suche nach ihrer Identität und einem Leben, das in Kohärenz dazu steht. Wie war die Arbeit mit Ihrer Kamerafrau, Gina Ferrer García? Was für eine Ästhetik sollte der Film haben?

Ich wollte eine möglichst naturalistische Herangehensweise. Die Zuschauer:innen sollten das Gefühl erhalten, Teil der Familie zu sein. Es sollte natürliches Licht geben und Handkamera, kein Stativ oder Steadycam. Man sollte den Puls der Szene spüren. Nicht zuletzt wollte ich mit den Kindern in einem kontrollierten, aber nicht geschlossenen Setting arbeiten, was natürlich auch für das Production Design eine Herausforderung darstellte, weil über den Bildausschnitt hinaus die Szenerie «bereit» sein musste. Es gab nur eine Kamera – und Gina entschied sich für Weitwinkel, 30 oder 40 Millimeter, was ermöglichte, dass in der gleichen Einstellung verschiedene Figuren anwesend sind. Die Zuschauer:innen sehen zum einen wie das, was im Hintergrund passiert, Figuren im Vordergrund beeinflussen kann, und zum andern entscheiden sie selbst, wem ihre Aufmerksamkeit gilt. Die grossartige Sofía Otero, die Cocó spielt, erhielt an der Berlinale einen Preis für die beste schauspielerische Leistung in einer Hauptrolle – mit ihren acht Jahren als jüngste je ausgezeichnete Schauspieler:in. Etwas polemisch gefragt: Kann ein Kind in diesem Alter wirklich schauspielern – oder unter kundiger Anleitung einzig sich selbst sein? Wer Sofía als Person kennt, weiss, dass sie einen ganz und gar anderen Charakter hat als ihre Figur Cocó. In der Realität ist Sofía extrovertiert, ausgelassen, lebenslustig. Sie war bei der allerersten Cast-Session mit dabei und wir gaben ihr zuerst eine ganz andere Rolle im Film. Nachdem wir aber mehr als 500 Kids gesehen hatten, ohne fündig zu werden, machten wir eine zweite Session, um Cocó zu besetzen. Und da sah ich erst das vielfältige Register an Emotionen, das Sofía fähig war zu spielen.

Waren andere Filme zum Thema Trans für Sie eine Referenz? Etwa «Tomboy» (2011) von Céline Sciamma oder «Petite Fille» (2020) von Sébastien Liefshitz? Natürlich musste ich beim Schreiben des Drehbuchs wissen, was es bereits zum Thema gab. Dazu gehören «Tomboy», aber auch der noch ältere «Ma vie en rose» (1997) von Alain Berliner. Der grösste Unterschied im Vergleich zu meinem Film ist, dass «Tomboy» ganz auf die Hauptfigur fokussiert und das Ende eher traurig ist. In andern liegt der Fokus ganz auf den Eltern, während das Kind kaum in Erscheinung tritt. Im Unterschied dazu wollte ich, dass mein Film die Beziehung zwischen Mutter und Kind ins Zentrum stellt und zeigt, wie sich diese verändert – bis zu dem Punkt, dass die Mutter ihr Kind als Sofía sieht und akzeptiert. Ab einem gewissen Punkt war ich dann vermehrt an Filmen interessiert, die zwei Blickpunkte zuliessen – etwa Lucrecia Martel und «La niña santa» (2004) sowie andere Filme mit zwei

Hauptfiguren. In meinen Script-Labs wurde ich immer wieder gefragt, wer denn die Protagonist:in in meinem Film sei – und ich antwortete: Mutter und Tochter, beide gleich. Und man sagte mir: Unmöglich! Es kann nur eine Hauptfigur geben! «20’000 especies de abejas» sollte aber genau zeigen, dass es möglich ist, zwei Protagonist:innen zu inszenieren. Für Cocó/Lucía gibt es ein Happy End, aber ihre Mutter Ane bekommt ihr Leben noch nicht auf die Reihe. Stimmen Sie dem zu? Nein. Ich glaube, dass es auch für Ane eine Art Happy End gibt, auch wenn der Plot in einer Art Gegenbewegung funktioniert: Je mehr Lucía weiss, wer sie ist, umso unsicherer wird Ane. Ihre Kommunikation mit der Welt funktioniert über ihr künstlerisches Schaffen, das sie vernachlässigt hat. Aber sie schafft es das zu wenden, setzt sich und ihre Kunst an die erste Stelle. Ane ist im Schatten ihres renommierten Künstlervaters grossgeworden, seine Skulpturen sind wichtige Symbolträger im Film. Wie stehen diese zum Thema Identität? Wenn man über Gender, Identität und Repräsentation spricht, spielte der männliche Blick bislang eine eminent wichtige Rolle – insbesondere in Bezug auf die Frauen. Der abwesende und doch sehr präsente Grossvater repräsentiert für mich diesen patriarchalen Blick. Die kleine Lucía setzt sein Atelier in Brand, was nicht zuletzt ein symbolischer Akt ist und der Versuch, dieses Erbe und diese Art der Darstellung zu zerstören. So will sie die angestammte Geschlechterordnung neu definieren. Vielen Dank für dieses Gespräch

I S S P O N Y S ANSELM - DAS RAUSCHEN DER ZEIT | SYNOPSIS Der in 3D gedrehte Film begibt sich auf eine filmische Reise durch das Werk eines Künstlers, dessen Kunst die menschliche Existenz und die zyklische Natur der Geschichte erforscht. Fasziniert von Mythologie und Geschichte, hat er als Maler, Bildhauer und Installationskünstler einen unverkennbaren Stil entwickelt. In seinen Kunstwerken setzt er sich intensiv mit der Identität Deutschlands nach dem Zweiten Weltkrieg auseinander und bringt dies in düsterer, mystisch wirkender Gestaltung zum Ausdruck. Wim Wenders, der schon mit PINA das 3-D-Kino revolutionierte, liefert eine immersive Entdeckungsreise in das Werk eines Ausnahmekünstlers. KONSTENLOSE TICKETS FÜR ARTTV CLUBMITGLIEDER

N E M M T S I ANSELM – DAS RAUSCHEN DER ZEIT | SYNOPSIS «ANSELM – DAS RAUSCHEN DER ZEIT ist ein Kinowunder. Hier macht 3D Sinn, es ist, als könnte man Kiefers Kunstwerke anfassen, als sei man Teil vom Ganzen. Entstanden ist ein sehr poetischer und faszinierender Blick auf die Werke und Gedanken des Jahrhundertkünstlers Anselm Kiefer.» – Felix Schenker, arttv.ch | «ANSELM ist Wenders’ vierter 3D-Langfilm. Man sieht ihm die technische Entwicklung der letzten Jahre an, Wenders verwendet erstmals eine 6K-Auflösung, die in Kinos noch gar nicht projiziert werden kann. Selbst bei der Premiere in Cannes waren nur 2K möglich. Doch auch so haben die Bilder eine verblüffende Brillanz und Tiefenschärfe. So ist ANSELM neben der Auseinandersetzung mit einem Künstler auch das Erforschen eines Formats, das sonst nach einem kurzen Hype im Blockbusterkino der Zehnerjahre allenfalls noch von James Cameron für »AVATAR« überzeugend genutzt wird.» – Thomas Abeltshauser, epd-ﬁlm.de | «Wie vielschichtig, reich an Verweisen an Kunstgeschichte und traumatische deutsche Vergangenheit Kiefers Werk ist, zeigt Wenders in atemberaubenden 3D-Bildern … Weniger ein klassisch biographischer Film, sondern vielmehr eine impressionistische, assoziative Spurensuche, die die Vielschichtigkeit eines enorm umfangreichen Werk so eindrucksvoll-imposant in Szene setzt, als wäre man selbst vor Ort dabei.» – Michael Meyns, ﬁlmstarts.de | «ANSELM – DAS RAUSCHEN DER ZEIT ist eine virtuos inszenierte und visuell grossartige Dokumentation über den bekannten Künstler Anselm Kiefer. Weniger das Verständnis der Person ist, was Wim Wenders antreibt, sondern die Auseinandersetzung mit seinem Werk und den Themen.» – Rouven Linnarz, ﬁlm-rezensionen.de

Von Madeleine Hirsiger I N O S N E Z E R Inger ist eine erwachsene Frau, die in einem Heim lebt. Sie ist psychisch krank und leidet seit langem an Schizophrenie, eine bis heute schwer zu ergründende Krankheit. In Ingers Fall war es wohl das plötzliche Ende einer Liebesbeziehung in Paris, den sie als junge Frau schockartig erlebt hat und der ihr grossen seelischen Schaden zugefügt hat – nur weiss das niemand. 1997 hatte man diese Möglichkeit wohl noch nicht auf dem Radar. Die Geschichte beginnt damit, dass Inger nach Paris fahren will, mit einem alten Brief von ihrem damaligen Liebhaber in der Tasche. Ihre Schwester und deren Mann begleiten sie fürsorglich. Die Busreise wird aber schon bald zur Herausforderung, denn Inger kann gegen alles, was ihr nicht genehm ist, heftig reagieren: Entweder droht sie, jemanden aus der Reisegruppe zu strangulieren, oder sie fragt den nervigen Familienvater, der sie ununterbrochen anstarrt: «Wollen sie mich ﬁcken?» Der ﬁndet, diese Frau sei für die Reisegruppe eine Zumutung. Dafür hätten sie nicht bezahlt.

Die Tücken einer Krankheit Es ist dann aber der junge Sohn, der von Inger fasziniert ist und den wahren Grund ihrer Reise herausfindet. Und es kommt tatsächlich zu einer Begegnung mit Jacques – nach Jahren. Inger erfährt aber auch immer wieder Bewunderung, denn sie spricht fliessend Französisch und kann ihren dänischen Landsleuten so nicht nur bei der Speisekarte behilflich sein. Sie kann eigentlich viel mehr, als sie sich selbst zutraut, wird aber immer wieder von der Krankheit in die Knie gezwungen. «Manchmal bin ich ok, manchmal geht es mir schlecht». Es bleibt offen, ob ihr die Reise nach Paris bei der Verarbeitung des Schocks ein bisschen helfen konnte. Der 62-jährige dänische Regisseur Nils Arden Oplev, der sich unter anderem 2009 mit der ersten Verfilmung von «Verblendung» (dem ersten Band der Stieg Larsson Millennium-Trilogie) auf die Weltbühne gehisst hatte, wartet nun also mit einem kleinen und beinahe schon intimen Film auf. Fazit: «Rose» führt uns vor Augen, wie schwer ein Leben von Menschen mit einer seelischen und/oder geistigen Beeinträchtigung sein kann. Es hätte dem Film aber gutgetan, wenn das eine oder andere Ereignis ausgelassen worden und die Charaktere etwas weniger plakativ gezeichnet gewesen wären, auch derjenige von Inger.

Von Doris Senn I N O S N E Z E R Im Zentrum von FALLEN LEAVES, Kaurismäkis neustem von bislang 17 Langﬁlmen, steht die Liebesgeschichte von Ansa und Holappa. Die nicht mehr taufrische und etwas pausbäckige Ansa wird gespielt von Alma Pöysti, die ihren Durchbruch mit der Hauptrolle im Biopic TOVE machte und die ihrer unscheinbaren Figur in FALLEN LEAVES, die erst im Supermarkt, dann am Spülbecken einer maﬁösen Bar arbeitet, viel Authentizität verleiht. Der ﬁnnische Starschauspieler Jussi Vatanen verkörpert eine der klassischen Kaurismäki-Männerﬁguren: den drahtigen, eher knurrigen, dem Alkohol zugeneigten Arbeiter Holappa, der Ansa bei einem Karaoke-Abend aus der Ferne erblickt – und auf der Stelle ins Herz schliesst. Melancholisches Helsinki Sein anrührendes Melodram erzählt Kaurismäki – auch da bleibt er sich treu – in einem aus der Zeit gefallenen, ins fahle Licht von Strassenlampen getauchte Helsinki. Mit sprödem Charme schildert er den Alltag von Ansa und

Holappa, die guten Gewissens ihren Job machen – und doch vom Leben (oder besser: ihren Arbeitgebern) abgestraft werden. Die füreinander geschaffen sind – und doch so viele Hürden überwinden müssen, um zueinanderzufinden. «Fallen Leaves» veranschaulicht dies in minutiös arrangierten Szenenbildern – nächtens vor dem Kino, in der Karaokebar, in der einsamen Stube von Ansa, im Pritschenlager von Holappa. Knallige Ästhetik für die feinen Zwischentöne Während die Handlung in ruhiger Lakonie vonstattengeht, bringen die Ausstattung (Ville Grönroos) und die knalligen Kostüme (Tiina Kaukanen) in feurigem Rot und Knutschgrün die Leinwand zum Explodieren und lassen Mode und Design frei flottieren zwischen Fünfzigern mit wattiertem Radio und gerafften Kleidchen und Nullerjahren mit Internet und Lederjacke. Zum Ganzen passt die Musik der in Finnland äusserst populären Schwestern-Popband Mausetetytöt, die mit ihrem eingängigen Pop und den skurrilen Texten und Videos sich kongenial ins Kaurismäki-Werk einfügen. Und natürlich zieht sich über den Film einmal mehr ein Netz aus cinephilen Anspielungen – zu Kaurismäkis erklärten «Göttern» gehören Ozu, Bresson und Chaplin, aber auch Jim Jarmusch und Almodóvar klingen an –, die dem Kino augenzwinkernd Hommage erweisen.

Fazit: Mit «Fallen Leaves» läuft Kaurismäki einmal mehr zu ganz grosser Form auf und schafft ein hinreissendes Filmmärchen mit Realbezug. Humorvoll unterwandert der finnische Regisseur die grossen Gefühle und lässt bei aller Düsterkeit immer tiefe Humanität mitschwingen. Sollte es eine Erlösung geben, dann nicht zuletzt in der Liebe, da mag sich die Welt noch so düster präsentieren. Ein Paradox, das Kaurismäki im Lauf seiner Filme immer wieder zelebriert hat und am besten selbst in Worte fasst: «Wenn alle Hoffnung dahin ist, gibt es keinen Grund für Pessimismus.» «Fallen Leaves» ist ein wunderbares Beispiel dafür. WETTBEWERB | 5 x 2 TICKETS ZU GEWINNEN

Von Rolf Breiner I N O S N E Z E R Der Mann mit der Armbrust ist weltweit bekannt – als legendärer Freiheitskämpfer, Schweizer Nationalheld und Marke. Vor über 60 Jahren tauchte er letztmals im Kino auf, von der missratenen Komödie von 2007 (Regie: Mike Eschmann) mal abgesehen. In Zeiten des Kalten Krieges inszenierten Michel Dickoff und Karl Hartl 1960 «Wilhelm Tell» mit Robert Freitag in der Titelrolle. Nun hat der Obwaldner Luke Gasser einen neuen Versuch gewagt – gegen alle Innerschweizer Widerstände. Gassers Filmtitel «Tell – Jagd auf ewig» deutet es an: Es ist nicht nur die herkömmliche Jagd auf Wild gemeint, sondern der Kampf um Freiheit und Unabhängigkeit. Man schreibt das Jahr 1291. Der Habsburger König Rudolf stirbt, und in den Talschaften rund um den Vierwaldstättersee herrschen Landvögte. Einer knutet die Bevölkerung von Schwyz und Uri besonders, Landvogt Gissler (Carlo Ljubek), bei Schiller Gessler genannt. Die Fronarbeit, die er den Leuten aufbürdet, ist

unmenschlich. Aber die einheimischen Freiherren ducken sich, lassen sich lieber schmieren, um ihre Pfründe, sprich den Salzhandel nicht zu gefährden. Der freie Jäger Wilko von Tellen (Luke Gasser) begehrt auf. Die Freiherren der Talschaften treffen sich zu einer konspirativen Versammlung, um einen Aufstand ins Auge zu fassen. Das endet mit dem sagenhaften Rütli-Schwur («ein einig Volk von Brüdern»). Mehr Schall als Rauch. Denn die Freiherrn wie Attinghausen (Werner Biermeier), Staupbacher/Stauffacher (Marcel Imfeld) oder Walther Vürstand/Walter Fürst (Adrian Furrer) kneifen. Die Lage eskaliert. Gissler und sein rigoroser Bruder Ulrich (Lionel Podarski) treiben es auf die Spitze, lassen einen Hut aufstellen, den alle zu grüssen haben. Am Gerichtstag bei Altdorf will Tell den selbstgerechten Landvogt Gissler zur Rede stellen, sein Recht als Freier und seine Armbrust einfordern, die Ulrich konfisziert hat. Tell beugt sich nicht und wird von Gissler zum berühmten Apfelschuss gezwungen. Der Rest ist Geschichte… Wilder Geselle Luke Gasser hält sich nicht an Schillers «Tell». Er macht ihn nicht zum hehren Helden. Seine Grundlage bildet eher «Das Weisse Buch von Sarnen» (1470), die Chronik des Obwaldner

Stadtschreibers Hans Schriber. Gassers Tell ist ein wilder Mann, ein Guerillakämpfer, der die Händel der Freiherren durchschaut und den Landvogt eliminiert. Aber damit ist es nicht getan. Es wird keine Ruhe geben, ein einsamer Wolf, der weiter für die Freiheit kämpft – auf Jagd für ewig. Tells einzige Vertraute im Dunst dieser rauen profit- und machtgierigen Männergesellschaft ist Heiki (Kathrin Kühnel), seine Frau, die eher auf Heilkräfte vertraut denn auf Männerschwüre. Tell fordert Recht und nimmt sich die Freiheit, Unrecht zu bestrafen, und wird weiter gegen Unterdrückung kämpfen. Gassers Tell-Film vertraut auf Innerschweizer Landschaften, lokale Gegebenheiten, neben einigen Profis auf 100 Laiendarsteller und echte Kulissen. Es wird nicht wie bei anderen Grossproduktionen üblich getrickst (ausser beim Weissen Hirsch), mit echten Schwertern und Armbrust gekämpft. Rund 980 000 Franken betrugen die Produktionskosten, Eigenleistungen inbegriffen, versicherte Gasser. Man hat an Geldern sparen müssen, nicht aber an Eifer, Einsatz und Leidenschaft. Fazit: Gassers raues «Tell»-Drama ist kein Historienfilm im Sinne einer Geschichtsstunde, er vermengt Action und poetische Momente, mischt Songs (von Luke Gasser) und ist eine Warnung gegen die Hybris der Obrigkeit. Das Ende erinnert an einen Western, wenn der Held auf freier Wildbahn

Er ist ein Eidgenosse von echtem Schrot und Korn: Wild, entschlossen, rigoros und unbeugsam: Wilhelm Tell oder Wilko vom Tellen, wie er im jüngsten «Tell»-Film heisst. Der Obwaldner Luke Gasser hat ähnliche Eigenschaften. Er hat das Drama «Tell – Jagd auf ewig» verﬁlmt – gegen alle Widerstände und ohne Unterstützung der Innerschweizer Kantone realisiert. Wir sprachen mit dem hartnäckigen Gesellen aus Obwalden. Mit Luke Gasser sprach Rolf Breiner Luke, was hat dich daran gereizt, diesen alten, verklärten Nationalhelden wieder auf die Leinwand zu holen? Luke Gasser: Eben, weil er alt und verklärt ist. Es hat auch mit diesem Altdorfer Denkmal Tell zu tun, das sehr im Geist des späten 19. Jahrhundert verwurzelt ist. Tell ist eigentlich eine moderne Figur, ebenso seine Geschichte, auch wenn sie verstaubt scheint. Er stand auf einem Denkmal, aber du hast ihn nicht gestürzt… Nein. Aber Tell ist ein Mythos, und jede Zeit, jede Generation hat das Recht, ihn für sich zu interpretieren. Dein Tell ist anders, ein radikaler Einzelgänger, ein Guerillakämpfer… Das war er irgendwie von Anfang an. Das ist erstaunlich, weil die Schweizer das Bild vom «einig Volk von Brüdern» beschwören, wo die Solidarität gross geschrieben wird. Tell ist im Grunde genommen aber ein totaler Maverick (Anm.d.Red.: aus dem Walisischen: Aussenseiter und tapferer Held), der einen privaten Rachefeldzug unternimmt. Bereits schon im «Weissen Buch» von 1470 ist er eher ein Einzelgänger.

Was soll uns dieser Tell heute sagen? Er steht für Freiheit und Unabhängigkeit, und beides ist selten so angegriffen worden wie jetzt. Es ist mir unerklärlich, dass Intellektuelle und solche, die sich dafür halten, dies nicht erkennen wollen. Es gibt eine schleichende Beraubung der Freiheit. Ich fürchte, die Corona-Restriktionen könnten lediglich ein Vorgeschmack darauf sein, was noch auf uns zukommen wird. Bei der Premiere in Emmen hat Alt-Bundesrat Ueli Maurer einen Vergleich zwischen dir und Tell gezogen. Du seist ein moderner Tell, ein Kämpfer gegen die Obrigkeit. Gemeint waren die Innerschweizer Kantone, die deinen Film deiner Meinung nach nicht genügend unterstützt haben. Was ist da abgelaufen? Das ist eine lange Geschichte. Man hat mir vorgeworfen, mein Dossier sei nicht professionell. Du prangerst auch das Schweizer Fernsehen an. Das ist eine weitere Groteske, die da abgelaufen ist. Mein Projekt wurde zuerst nicht einfach abgelehnt. Ich habe mein Drehbuch den Wünschen entsprechend umgeschrieben, doch es wurde trotzdem abgelehnt. Der Grund für die immer negativere Haltung ist mir völlig schleierhaft, vermutlich aber schlichte Rechthaberei. Am Ende bescheinigte man uns, ein antiquiertes Frauenbild zu vermitteln. Sämtliche Rollen seien schlecht gespielt und die Qualität des Films so lausig, dass man es auf SRF niemals zeigen werde. Wer unseren Film sieht, wird den SRF-Realitätsverlust sofort erkennen. Zurück zu deinem Film. Am Ende wird der Jäger Tell (Tellen) zum einsamen Wolf. War es von Anfang klar, dass du selber die

Hauptrolle übernimmst? Das war überhaupt nicht klar. Ich wollte vermeiden, dass man sagt: Ich wäre so eingebildet, auch noch Tell zu sein. Der Tell sollte schon ein Innerschweizer sein, ein Deutscher sollte ihn nicht spielen. Das käme nicht gut. Die Suche hier und dort brachte nichts. Andere haben mich dann überredet, die Rolle selber zu übernehmen. Dein Film bietet Historie und Abenteuer, Action und Legende. Wie würdest du deinen Film deﬁnieren? Ein Drama. Der Film ist bodenständig, sehr irdisch, obwohl es Hinweise auf Überirdisches gibt, etwa als der Weisse Hirsch auftaucht und Tells Frau Heiki die Natur beschwört… Ich behaupte nicht, dass Heiki diesen Sturm heraufbeschwört hat, aber man kann es so interpretieren. Und der Weisse Hirsch ist ein Symbol für Kraft, die Tell innewohnt. Er ist ihm schon als Kind begegnet. Wo fanden die Dreharbeiten 2018/19 statt? Überwiegend in Obwalden. Da gibts noch geile Wälder. Ausserdem in Graubünden, Innenaufnahmen in Schloss Hallwyl und in der Ostschweiz. Dir als Musiker ist die Musik im Film wichtig. Bisweilen tönte es etwas schottisch, war der Dudelsack dabei? Das war die Sackpfeife. Die Eidgenossen sind mit Sackpfeifen in die Schlacht gezogen. Dazu kommen im Film Leier, Schalmei und Geige. Das waren Instrumente, die dazumal gespielt wurden, auch wenn das heute irisch oder schottisch erscheinen mag. Vielen Dank für das Gespräch

TRAILER Lesen Sie auf arttv.ch auch unser Interview mit Darsteller Adrian Furrer, Pfarrer und Schauspieler >>>> TELL – JAGD AUF EWIG | Regie: Luke Gasser | Cast: Luke Gasser, Carlo Ljubek, Kathrin Kühnel, Adrian Furrer, Daniel Rohr | Historienfilm | 136 Minuten | Schweiz, 2020 | Verleih: Praesens Film Jetzt im Kino

I S S P O N Y S DIE GIACOMETTIS | SYNOPSIS Die Künstlerfamilie Giacometti aus dem Bergell war einzigartig und in vielen Aspekten kreativ; von den Eltern Giovanni und Annetta bis zu den Kindern Alberto, Diego, Ottilia und Bruno. Die harte alpine Landschaft und das intensive familiäre Zusammenleben schufen besondere Voraussetzungen für die Entfaltung ihrer Werke. Gleichzeitig war aber auch der Austausch mit anderen Kulturen und das Leben in Metropolen ein wichtiger Teil ihres Schaffens. Regisseurin Susanna Fanzun, selbst aus dem Engadin, treibt die Frage um, was zwischen den meisterhaften Gemälden und flüchtigen Skizzen geschah. Die Spurensuche führt sie in private und öffentliche Archive, sie spricht mit Zeitzeug:innen und fügt Preziosen stimmungsvoll zu einer Familiengeschichte zusammen. Ergänzt von teils unbekannten Briefen, führt sie uns durch die Erzählung. Der Film setzt sich durch ein entscheidendes Merkmal von anderen ab: Fanzuns weiblicher Blick ermöglicht eine Reflexion, die die zentrale Figur der Ehefrau und Mutter gebührend zu behandeln weiss und ihren Einfluss auf ihre berühmte Familie aufzeigt.

Von Madeleine Hirsiger I N O S N E Z E R Man kennt sie auf der ganzen Welt: die sehr schmalen, meist sehr grossen Menschen, grob geformt und oft in Bronze gegossen. In jeder Hinsicht unbezahlbar. Es ist Alberto Giacometti aus dem Bergell, dort, wo es im Winter während drei Monaten keinen einzigen Sonnenstrahl gibt, die Kunstwelt bis weit in der Mitte des letzten Jahrhunderts revolutioniert. 1966 stirbt er im Alter von 65 Jahren an einem Herzversagen. Bündner Kindheit Der Dokumentarfilm «I Giacometti» der Bündner Filmemacherin Susanna Fanzun beginnt denn auch mit einer Spielszene, in der sich Alberto als Bub in einer Höhle den Wänden nach tastet und in den sandigen Boden mit einem Holzstab Zeichnungen macht. Er rennt nach Hause, wo ihn ein schön gedeckter Tisch zum Essen erwartet. Die Zeichen sind gesetzt: Es ist kein ärmlicher Haushalt, in dem Alberto (geb. 1901) mit seinen drei Geschwistern aufwächst. Sein Vater Giovanni (geb. 1868) ist ein begabter und erfolgreicher Kunstmaler und hat für die künstlerischen Seiten seiner Kinder volles Verständnis. Sie wurden gefördert, ohne darum bitten zu müssen. Der Ruf der Kunst Deshalb ist wohl ein grosser Teil des Films dem Vater

Giovanni Giacometti gewidmet, von ihm hängen zahlreiche Bilder in Schweizer Museen. Als 18-jähriger verlässt er das enge Tal, geht nach München und lernt der Schweizer Maler Cuno Amiet kennen. In Paris schliessen sie sich der Avantgarde an. «Die Kunst ruft mich, ich muss der Kunst folgen», war sein Motto. Doch er kehrte zurück ins Tal, vermählte sich mit Annetta. Alberto, das erste Kind, wurde früh zum Einzelgänger, verbrachte viel Zeit im Atelier seines Vaters und machte regen Gebrauch von der häuslichen Bibliothek. Er ging schnell seinen eigenen Weg, der führt ihn ins Ausland, nach Italien, vor allem aber nach Paris, wo er einen Grossteil seines Lebens verbringt und von wo aus er seinen Bruder Diego unterstützt. Susanna Fanzun macht uns eines klar: die Mutter Annetta – sie starb mit 92 Jahren – wachte mit Sperberaugen über ihr Söhne, wenn sie ins heiratsfähige Alter kamen. Die jungen Frauen hatten es wahrlich nicht leicht. Was aber nicht für ihre Schwester Ottilia galt. Fazit: Es ist eine reichhaltige Geschichte, ruhig und akkurat erzählt mit dem Einsatz vieler Ingredienzen: Aufnahmen aus früheren Dokumentarfilmen, Fotos, Interviews mit Zeitzeugen, Briefen, Kunstobjekten und inszenierten Spielszenen. Dazu kommen die Bilder des Kameramanns Pierre Mennel, die das Bergell im schönsten Licht eingefangen.

I S S P O N Y S INGEBORG BACHMANN – Reise in die Wüste | Synopsis Ingeborg Bachmann und Max Frisch begegnen sich 1958 in Paris – und fühlen sich unmittelbar unwiderstehlich zueinander hingezogen. Die beiden stürzen sich in eine leidenschaftliche Beziehung, die sie in Max Frischs Heimatstadt Zürich und in Ingeborg Bachmanns Wahlheimat Rom führen wird. Doch die Liaison ist von Anfang an geprägt von Reibungen und Auseinandersetzungen zwischen den zwei eigensinnigen und kompromisslosen Persönlichkeiten, die durch ihre schriftstellerischen Werke international bekannt sind. Nach etwas über vier Jahren beendet Max Frisch die Beziehung. Die Erinnerung an diese so berauschende wie zermürbende Liebe lässt Ingeborg Bachmann jahrelang nicht los. Bei einer Reise in die Wüste versucht sie, sich davon zu befreien…

N E M M T S I INGEBORG BACHMANN – REISE IN DIE WÜSTE | STIMMEN «Die Dichterin und Schriftstellerin Ingeborg Bachmann reiste in die Wüste. Sie suchte Abstand zu ihrer Beziehung zum Schweizer Max Frisch. Regisseurin Margarethe von Trotta hat diese toxische Beziehung ins Zentrum ihres Spielfilms INGEBORG BACHMANN. REISE IN DIE WÜSTE gerückt. Ronald Zehrfeld verkörpert überzeugend das Schweizer Literaturdenkmal Max Frisch. Der Dramatiker und Schriftsteller wird hier egozentrisch, eifersüchtig und reichlich unsympathisch gezeichnet. Vicky Krieps agiert als eine Frau, die sich, bedrängt von Frisch, vereinnahmt und besessen fühlte. Die Trennung sollte sie befreien und hinterlässt tiefe Narben. Eine fesselnde Begegnung im Kino über eine verhängnisvolle Beziehung.» – Rolf Breiner, arttv.ch | «Insgesamt findet Margarethe von Trotta eine eigene Stimme für das in Rückenblicken erzählte Beziehungsdrama, führt das Publikum an malerische Drehorte und baut interessante Referenzen und Zitate ein.» – Simon Zimmermann, ﬁlm- rezensionen.de

MAMI WATA | Synopsis I S S P O N Y S In dem abgelegenen westafrikanischen Dorf Iyi verehren die Dorfbewohner die Meerjungfrauen-Gottheit Mami Wata und suchen Rat bei ihrer Heilerin Mama Efe, der Vermittlerin zwischen ihnen und Mami Wata, sowie bei Mama Efes Tochter Zinwe und ihrem Schützling Prisca. Doch als Kinder zu sterben beginnen, beginnt Jabi, ein Einheimischer, Zweifel unter den Menschen zu säen, während Zinwe, getrieben von ihrer eigenen Angst, wegläuft. Die Ankunft des rebellischen Kriegsherrn Jasper ändert das Blatt zu Jabis Gunsten. Als Iyi unter neuer Kontrolle steht, müssen Prisca und Zinwe einen Plan schmieden, um ihr Dorf zu retten und Mami Watas Ruhm in Iyi wiederherzustellen.

Von Geri Krebs Erstmal zu den Gewinnerﬁlmen Die Welt spinnt – und das in einem Ausmass, wie schon lange nicht mehr. Vielleicht ist es kein Zufall, dass von drei Hauptpreisen am diesjährigen ZFF zwei an Dokumentarfilme gehen, die diesen Befund eindrücklich belegen. Der eine, IN THE REARVIEW von Maciek Hamela, zeigt die Auswirkungen des Ukraine-Krieges, der seit über eineinhalb Jahren in Europa tobt und bei uns zuweilen schon fast in Vergessenheit zu geraten droht – der andere, HOLLYWOODGATE, vermittelt nie gesehene Einblicke in jenes Land, wo seit dem 31. August 2021 fundamentalistische Wahnsinnige an der Macht sind, Afghanistan. Dass dieser atemberaubende Film, für den sein Regisseur, der in Berlin lebende Ägypter Ibrahim Nash’at, sein Leben riskierte, just an dem Tag prämiert wurde, an dem an einem anderen Ort auf der Welt wahnsinnige Fundamentalisten einen neuen Krieg entfesselten, mutet wie eine makabere Pointe an. Im Gegensatz zu so viel Zerstörung, Leid und Schrecken fiel auf, dass es in zahlreichen Spielfilmen der diversen Sektionen des Festivalprogramms um intime Momente und persönliche Beziehungen ging und dass dabei fleissig der schönsten (Neben-)Sache der Welt gefrönt wurde. Blaue Pillen und ein Wort mit drei Buchstaben Will man tief unten anfangen, so hat ein einstiger Grossmeister des Weltkinos in diesem Bereich die Messlatte verloren: Roman Polański, dessen neuer Film THE PALACE ja bereits die Negativhitparade anführt. Wenn in dem opulent ausgestatteten Werk eine der Figuren, der von John Cleese verkörperte greise texanische Milliardär, nach Einwurf zweier blauer Pillen mit seiner 22-jährigen, übergewichtigen Gattin zu Gange ist und auf dem Höhepunkt des Geschehens den endgültigen Abgang macht, worauf die Angetraute vor Schreck einen Vaginalkrampf kriegt und damit dem Toten im wörtlichen Sinn verbunden bleibt, dann wähnt man sich eher am bunten Abend eines Pfadilagers als im Film eines Meisterregisseurs. Aber dass nicht nur ein Neunzigjähriger, sondern auch der cineastische Nachwuchs auf dem Gebiet körperlicher Begegnungen

Peinliches zu vollbringen imstande ist, bewies der Spielfilm HOW TO HAVE SEX. Der jungen Britin Molly Manning Walker ist nichts weniger – aber auch nicht mehr – gelungen, als eine feministisch angehauchte Version von BALLERMANN, EIS AM STIEL oder HANGOVER. Das Lustigste war hier noch die Tatsache, dass keine einzige andere Pressevorführung auch nur einen annähernd so grossen Aufmarsch an Akkreditierten verzeichnete wie dieser filmische Sauf-, Kotz- und Rammelreigen. Und auch die Publikumsvorführungen waren ausverkauft – das eine kleine Wort im Filmtitel macht es aus. Unfreiwillig komisch Einen Preis für die ungelenkigsten, hölzern wirkenden Sex-Szenen hätte dagegen ein anderer Wettbewerbsfilm verdient: LAISSEZ-MOI des jungen Westschweizers Maxime Rappaz. Die gut gemeinte Geschichte von der alleinstehenden Mutter eines schwerbehinderten Sohnes, die jeweils einen Nachmittag pro Woche in ein nahes Berghotel fährt, um dort diskret etwas zwischen Romanze und Prostitution zu verrichten, ist voll von unfreiwilliger Komik. Etwa dann, wenn die Dame beim dritten Kunden etwas lauter stöhnt als bei den vorherigen und das dann Leidenschaft und in der Folge unbändiges Verlangen suggerieren soll. Es sind Szenen, die eher wirken, als mühten sich da zwei Greise miteinander ab – dabei ist das Darsteller:innenpaar, Jeanne Balibar und Thomas Sarbacher, aber erst in den Fünfzigern. Wie HOW TO HAVE SEX hatte auch LAISSEZ-MOI seine Weltpremieren im vergangenen Mai in Cannes. Womit der Verdacht erhärtet wird, dass das wichtigste Filmfestival der Welt auch nicht immer die besten Filme zeigt. Es geht auch sinnlich Dass intime körperliche Begegnungen im Kino sinnlich und berührend im umfassendsten Sinne sein können, bewiesen zwei Filme, in denen das Begehren vielleicht nicht zufällig keinen Halt vor Geschlechtergrenzen machte: Während in VISIONS von Yann Gozlan die von Diane Kruger glaubwürdig verkörperte toughe Pilotin sich einer geheimnisvollen Kollegin hingibt und so zwangsläufig ihre Ehe zu einem etwas streng dreinblickenden Arzt (Mathieu Kassovitz) gefährdet, entdeckt in

PASSAGES von Ira Sachs die – von Franz Rogowski gespielte – schwule Hauptperson in der Begegnung mit der Lehrerin Agathe, dass «es» auch mit einer Frau schön sein kann. Und wenn diese von der stets bezaubernden Adèle Exarchopoulos gespielt wird, kann man(n) das nur allzu gut nachfühlen. Zwischen noch nie gesehen und wahrem Leben Mit dem Venedig-Gewinner POOR THINGS von Yorgos Lanthimos, einem absolut verrückten Werk, das bewies, dass es immer noch unerzählte Geschichten gibt, und der eher konventionellen Liebeskomödie SIMPLE COMME SYLVAIN von Monia Chokri gab es innerhalb der Sektion «Gala Premieren» zwei weitere Filme, in denen es vor Sinnlichkeit nur so knisterte. Hier schaute man den fleissig aneinander Gefallen findenden Körpern gerne zu, ohne sich dabei auch nur einen Moment lang zu langweilen. Und wie unschuldig-verspielt eine aufkeimende Liebe zwischen zwei jungen Menschen filmisch vermittelt werden kann, das bewies schliesslich der dramatische Thriller PERDIDOS EN LA NOCHE des mexikanischen Regisseurs Amat Escalante. In diesem Film aus der Sektion «Special Screenigs» finden zwei Teenager zueinander, verlieren sich, kommen wieder zusammen – alles mit einer beiläufigen Selbstverständlichkeit, die einem das Gefühl vermittelte, hier schaue man nichts weniger als dem Leben zu. Kinostart: HOW TO Habe SEX, LAISSEZ-MOI, POOR THINGS, SIMPLE COMME SYLVAIN und PERDIDOS EN LA NOCHE kommen in den nächsten Monaten in die Schweizer Kinos, die andern erwähnten Filme haben in der Schweiz – noch – keinen Kinoverleih.

DORIS SENN ! SMOKE SAUNA SISTERHOOD von Anna Hints (Estland, Frankreich und Island, Dokumentarfilm) Die Rauchsauna in Estland gehört zum Unesco-Weltkulturerbe. Anna Hints hat mit «SMOKE SAUNA SISTERHOOD» einen atemberaubend schönen und äusserst berührenden Film zu Frauen, Körperlichkeit und Seelenverwandschaft gemacht. Das Langfilmdebüt der estnischen Regisseurin ist ein Meisterwerk an synästhetischer Bildsprache und zeigt eine kleine Gemeinschaft in kraftvoll-spiritueller Verbundenheit. Ein Erlebnis! " PRISCILLA von Sofia Coppola (USA, Biopic) Lost in Langeweile: In PRISCILLA von Sofia Coppola umwirbt ein uncharismatischer Elvis (Jacob Elordi) über eine gefühlte Ewigkeit die PRISCILLA von Soﬁa Coppola

minderjährige Priscilla (eine blass aufspielende Cailee Spaeny). Bevor Elvis «the little one» dann doch noch heiratet und schwängert. Sofia Coppola zelebriert spannungslos Priscillas prüde Parallelwelt zu Elvis glamourösem Star-Leben. Und das ohne einen einzigen Elvis-Song! GERI KREBS ! CERRAR LOS OJOS von Víctor Erice (Spanien und Argentinien, Drama) Ein alter Filmregisseur, der keine Filme mehr dreht, sucht einen vor dreissig Jahren verschollenen Schauspieler, der in seinem nie fertiggestellten Film als Hauptdarsteller wirkte. Mit diesem simplen wie raffiniert-verschachtelten Plot und einer Bildsprache, die in ihrer Schönheit ihresgleichen sucht, beweist der 83-jährige Victor Erice, dass auch ultralangsames Altherrenkino ans Herz gehen kann. Sein Drama um Erinnerung, Filmemachen und den unbarmherzigen Lauf der Zeit erzeugt grösstmögliche Spannung – auch wenn er fast drei Stunden dauert und sehr viel Zeit lässt, das merkt man CERRAR LOS OJOS jeder einzelnen Einstellung an. " STELLA. EIN LEBEN von Kilian Riedhof (Deutschland, Drama) Der von der Festivalleitung gross als Highlight in der Sektion «Gala Premieren» angepriesene Film erwies sich als grosses Ärgernis. Moralisch fragwürdig basiert die Geschichte auf echten Begebenheiten: Eine Jüdin namens Stella wird im Berlin des Jahres 1943 zwecks Sicherung des eigenen Überlebens zur Kollaborateurin der Gestapo. Und als sei das nicht schon schwer verdaulich genug, werden die Dialoge konsequent genuschelt, sodass man sie ohne die englischen Untertitel nicht

ein Jahr lang auf Schritt und Tritt, sie entschieden, was er filmen durfte. Trotz Zensur und bescheidener filmischer Mittel gelingt es ihm, seine Protagonisten so zu zeigen, dass sie sich selbst entblössen. Ein unerschrockener, überraschend unterhaltsamer und ernüchternder Blick auf die Männer, die hinter dem Wiedererstarken der Taliban stehen. Und gewissermassen eine Fortsetzung des Dokumentarfilms RETROGRADE von Matthew Heineman, der 2022 am ZFF zu sehen war. " THE PALACE von Roman Polański (Italien, Komödie) Eine Silvesterfeier unter Gutbetuchten: Roman Polańskis Komödie wurde im gleichnamigen Luxushotel in Gstaad gedreht, ist aber so dermassen plump und peinlich umgesetzt, dass man sogar müde wird, sich über die Dummheit und Dekadenz «der Reichen» zu mokieren. Es ist sowieso fraglich, was so ein Film auf Festivals zu suchen hat, Premiere feierte er in Venedig (wo nach der Pressevorführung Buh-Rufe zu hören waren). Aber vielleicht sollte man dankbar sein, denn Polański liefert nun also auch «künstlerisch» einen Grund, ihn endgültig zu canceln. THE PALACE von Roman Polański

ist ihm ein einzigartiges Kunst- und Künstlerporträt gelungen. Ein Meisterwerk über einen Meister der bildenden Kunst. " HOW TO HAVE SEX von Molly Manning Walker (UK, Drama) Es gibt gute und schlechte Filme an Filmfestivals. Dem Fass der Boden ausschlug am ZFF das üble Partytreiben in HOW TO HAVE SEX von Molly Manning Walker. Der Titel mag manche Besucher:innen anlocken, doch diese Orgie auf Kreta ist weder sexy noch irgendwie sinnlich oder sinnvoll, wenn drei junge Frauen die Sau rauslassen, unbedingt defloriert werden wollen und enttäuscht werden. Ein Trip zwischen Alkohol, Drogen und Kotzen – zum Kotzen. KATHRIN HALTER ! POOR THINGS von Yorgos Lanthimos (USA, Irland, GB, 2023, Science Fiction) Yorgos Lanthimos hat mit dieser feministischen Frankenstein-Variation (nach dem gleichnamigen Roman von Alasdair Gray) eine Frauenfigur zum Leben erweckt, die so fasziniert wie verstört: Bella Baxter ist ein – schnell lernendes – Kleinkind im Körper einer erwachsenen Frau, das ganz nach dem kindlichen Lustprinzip seinen Körper und schliesslich die Welt erkundet. Emma Stone verkörpert dieses aufsässige, sexsüchtige, intelligente und rotzfreche Wesen als eine Mischung aus Punk und Prinzessin: Verblüffend, fesselnd, grossartig.

POOR THINGS von Yorgos Lanthimos " KEINEN Anscheinend hatte ich mit meiner Filmauswahl einfach Glück. Es gab keinen Film, den ich mir am ZFF angesehen habe, und für den ich meinen Daumen nach unten drehen müsste. FELIX SCHENKER ! NORMALE LOVE von Yannick Mosimann (Schweiz, Dokumentarfilm) Eine junge Frau und ein junger Mann beschliessen, für ein Jahr eine Beziehung einzugehen, die auf 14 Vertragsklauseln basiert. So sind die beiden sich anfänglich unbekannten Personen beispielsweise verpflichtet, vier Mal im Monat Sex zu haben. Immer dabei, wenn auch mit ziemlich eigenwilliger Bildsprache, eine Kamera. Ein vergnügliches und spannendes Filmexperiment, zu schräg, als dass es den Weg ins

offizielle Kinoprogramm wohl jemals finden wird. Aber gerade deswegen braucht es Filmfestivals. " EARLY BIRDS von Michael Steiner (Schweiz, Thriller) Was um alles in der Welt hat Festivaldirektor Christian Jungen dazu gebracht, diesen Film 800 Gästen bei der Eröffnung des FRAME aufzuzwingen? EARLY BIRDS fährt so ziemlich alles an die Wand, was einen sehenswerten Film ausmacht. Dabei beginnt Steiners Thriller echt gut, leitet dann allerdings schnell seinen Sturzflug ein. Umso mehr Blut spritzt, desto blutleerer wird die Story. Manche mögen das und so bleibt zu hoffen, dass der Film im Kino trotzdem funktioniert. Denn es gibt auch ein paar gute Gründe, sich den ansonsten ziemlich missratenen Film anzuschauen: Die 1996 im Baselbiet geborene Hauptdarstellerin Silvana Synovia ist ein erfrischend neues Gesicht im Schweizer Film. ONDINE PERIER ! LE RAVISSEMENT von Iris Kaltenbach (Frankreich 2023, Spielfilm) Der erste Spielfilm der französischen Filmemacherin Iris Kaltenbach beeindruckt durch seine narrativ und formal meisterhafte Sprache. Zwar werden viele Themen angesprochen – Mutterschaft, Freundschaft, Liebesbeziehungen –, doch keines wird nur oberflächlich behandelt. Die Spannung und die Suspense, die den Film durchziehen, bleiben bis am Ende erhalten, ohne jemals nachzulassen. Man ist sofort gefesselt von

dieser Geschichte und ihrer Protagonistin, die meisterhaft von Hafsia Herzi dargestellt wird. Die Schauspielerin verkörpert diese komplexe junge Frau, die abwechselnd beunruhigend und berührend ist, auf bewundernswerte Weise. Am Ende des Film bleibt Erschütterung, aber auch Begeisterung. LE RAVISSEMENT von Iris Kaltenbach " POOR THINGS von Yorgos Lanthimos. USA, Irland, GB, 2023, Science Fiction) Der griechische Regisseur Yorgos Lanthimos (THE FAVOURITE) lässt die Zuschauer:innen in eine gotische Welt eintauchen, die von geschundenen und scheiternden Charakteren bevölkert ist. Die wilde und nymphomanische Heldin Bella Baxter wird perfekt von Emma Stone dargestellt. An ihrer Seite glänzen Mark Ruffalo als skrupelloser Vormund und Willem Dafoe als mitfühlender Adoptivvater. Eine glänzende Besetzung also und auch das überschwängliches Lob vieler Filmkritiker:innen begleiten den Film. Ich hingegen habe hauptsächlich Ekel und Unbehagen empfunden. Die aufdringliche Inszenierung und die vulgären Szenen machen POOR THINGS für mich zum Flop des Festivals, wohl ganz gegen die Meinung vieler.

MADELEINE HIRSIGER ! BÂTIMENT 5 von Ladj Ly (Frankreich, 2023, Drama) Man wird Teil des Leides, der immer wiederkehrenden Schikanen, denen die Migrant:innen, Franzosen und armen Leute in diesen Grossüberbauungen am Rande von Paris ausgesetzt sind. Im MiHelpunkt steht die junge Haby, PräsidenNn einer Wohneinheit, die unerschrocken kämpP, um den Leuten über die Runden zu helfen. Nach LES MISERABLES zieht uns der begabte französische Regisseur Lady Ly erneut in seinen Bann. Ein Hoch auf sein ungebrochenes Engagement für diejenigen, die auf der SchaHenseite der GesellschaP leben. " HOW TO HAVE SEX von Molly Manning Walker (UK, Drama) und THE PALACE von Roman Polański (Italien, Komödie) Ich kann nicht anders und muss dringend zwei Filme nennen, die für mich den ultimativen Festival-Flop ausmachen. Molly Manning Walker erprobt die Sauffestigkeit und den nächtlichen Durchhaltewillen von drei Teenagerinnen auf einer griechischen Ferieninsel – ohne jeglichen Mehrwert. Und Roman Polanski zieht in THE PALACE die unterste Schublade. Mit seiner völlig überdrehten pseudo-sarkastischen Inszenierung einer Silvesterparty in einem Nobelhotel in Gstaad langweilt uns Polanski bis an die Schmerzgrenze.

Von Rolf BREINER Von der Wüste bis Davos Aussergewöhnlich ist es an sich nicht, dass Frauen in Zürich zur Show auflaufen und ausgezeichnet werden, aber auch heute noch alles andere als selbstverständlich. In diesem Jahr haben gleich zwei Schauspielerinnen die Aufmerksamkeit der Medienleute und Fotograf:innen auf sich gezogen: Oscar-Preisträgerin Jessica Chastain (Golden Icon Award) und Diane Kruger (Golden Eye Award) wurden geehrt. Beide hatten Filme im Gepäck, natürlich mit starken Frauen in den Hauptrollen. Jessica Chastain spielt im Sozialdrama MEMORY (Regie: Michel Franco) eine Sozialarbeiterin in New York, die auf ihre Vergangenheit zurückgeworfen wird. Die deutschstämmige Schauspielerin Diane Kruger brilliert in Yann Gozlans Psychothriller VISIONS als Pilotin, die mit einer Liebschaft konfrontiert wird. Glamour und Leidenschaft an der Côte d’Azur. Kilian Riedhofs eindringliches Drama SELLA. EIN LEBEN ist ein Stück Zeitgeschichte und eine Tragödie zugleich. Stella lebt in Berlin und träumt von einer Karriere als Jazzsängerin, doch als Jüdin schwebt sie in Lebensgefahr. Unter massivem Druck und Gewalt sieht sie sich 1943 gezwungen, ihre Landsleute an die Gestapo zu verraten, um die eigene Haut zu retten. Stella Goldschlag ist Opfer und Täterin zugleich. Paula Beer verkörpert diese tragisch-schuldige Person, sympathisch und

teuflisch, mit Hingabe und Eindringlichkeit. Stella Ingrid Goldschlag (1922-1994) hat tatsächlich gelebt und ging als «Greiferin» in die verbrecherische Geschichte der Nazis ein. Engagiert auf ganz andere Art zeigen sich die beiden Hauptfiguren in Léa Todorovs Sozialdrama LA NOUVELLE FEMME. Lili d’Alengy (Leïla Bekhti) und Maria Montessori (Jasmin Trinca) sind beide Mütter und haben ein Geheimnis. Die Pariser Lebedame Lili will ihre behinderte Tochter Tina vor der Öffentlichkeit verstecken, Maria kämpft um ihr uneheliches Kind. Sie begegnen sich in einer römischen Schule, die sich um Kinder mit Beeinträchtigungen kümmert. Gemeinsam setzen sie sich in einer konservativen Männerwelt um 1900 durch, die solche Menschen als «defizitär» betrachtet. Autorin und Regisseurin Léa Todorov setzt mit ihrem Sozialdrama ein starkes Zeichen für eine moderne pädagogische Methode und für Menschlichkeit. Sue (Nadine Labaki) lebt über 20 Jahre in der Schweiz und kehrt nach Ägypten zurück, um ihre exzentrische Mutter (Fanny Ardant) nochmals zu treffen. Die Fahrt von Kairo durch die Wüste nach Alexandria wird für Sue, traumatisiert vom Elternhaus, zur Konfrontation mit ihrer Vergangenheit. Wiederholt erscheint ihr ihre todkranke Mutter, die sie zwingen will, sich zu stellen. Der schweizerisch-ägyptische Regisseur Tamer Ruggli konzentriert sich in seinem Spielfilmdebüt RETOUR EN ALEXANDRIE auf eine angespannte Mutter-Tochter-Beziehung – nicht immer schlüssig, aber bitter-charmant und nostalgisch. Sehr sehenswert.

In die Wüste reiste auch die Dichterin und Schriftstellerin Ingeborg Bachmann, als sie Abstand zu ihrem Ex suchte, dem Schweizer Max Frisch. Regisseurin Margarethe von Trotta hat diese toxische Beziehung ins Zentrum ihres Spielfilms INGEBORG BACHMANN. REISE IN DIE WÜSTE gerückt. Ronald Zehrfeld verkörpert das Schweizer Literaturdenkmal Max Frisch. Der Dramatiker und Schriftsteller wird hier egozentrisch, eifersüchtig und reichlich unsympathisch gezeichnet. Vicky Krieps agiert als eine Frau, die sich von Frisch bedrängt und vereinnahmt fühlt. Ihre Trennung kommt einer Befreiung gleich und hinterlässt doch tiefe Narben. Eine fesselnde Begegnung im Kino über eine verhängnisvolle Beziehung. Eileen (Thomasin McKenzie) ist eine graue Maus, sie arbeitet in einer Jugendstrafvollzugsanstalt in Neuengland und begegnet der mondänen Psychologin Rebecca (Anne Hathaway). Die zieht sie in ihren Bann. Eileen fühlt sich anerkannt, geliebt, doch kippt der vermeintliche Liebesfilm ins Abgründige. William Oldroyd entwickelt mit EILEEN einen perfiden Psychothriller – mit einer verführerischen Blondine alias Anne Hathaway, an der auch Alfred Hitchcock seine Freude gehabt hätte. In Georgien entstand die Schweizer Produktion BLACKBIRD BLACKBIRD BLACKBERRY von Elene Naveriani. (Ein Interview finden Sie auf arttv.ch) Sie beschreibt das Leben der 48-jährigen Ladenbesitzerin Etero (Eka

Chavleishvili). Die selbstständige Single-Frau liebt ihre Freiheit und ist noch Jungfrau, als sie sich in den verheirateten Murman verliebt. Etero lehnt sich gegen provinzielle Konventionen auf. Wird sie ihre Erfüllung finden? Die Filmautorin zeichnet in ihrem herrlich spröden Liebesfilm eine aussergewöhnliche Frau – ohne Glamour, Glanz und üblichen Sex. Schauspielerin Eka Chavleishvili bringt ihre ganze physische Wucht, herbes Frausein und Sensibilität ein. Alles andere als sensibel ist das Roadmovie mit Ira, Malin und Ka, zu denen die Backpackerin Zoe stösst. Regisseurin Anna Roller lässt junge Frauen von der Leine, die nach dem Abitur in Italien Fun und Freiheit suchen, aber nach einer Autopanne in einem verlassenen Bergdorf landen. Die Münchnerin Roller versucht in ihrem Spielfilmdebüt DEAD GIRLS DANCING so etwas wie Sinnsuche losgelöster Teenager zu beschreiben, die kriminelle Energie entwickeln und feststecken. Das Ergebnis bleibt unbefriedigend.

Michal Steiners wilder Trip von der Zürcher Langstrasse ins Welsche Land weckt Erwartungen, die nur bedingt erfüllt werden. Caro (Silvana Synovia) und Annika (Nilam Farooq) kommen zufällig an Drogen und Drogengeld, fliehen und werden vom Dealer und einem schmutzigen Fahnder (Anatole Taubman) gejagt. Die erste Schweizer Netflix- Produktion EARLY BIRDS versteht sich als Neo-Noir-Thriller und scheitert. Action um der Action willen mit viel Blut, Gewalt: Kaputte Typen in einer kaputten Welt eben. Gespannt sein darf man indes auf die deutsch-schweizerische TV- Koproduktion DAVOS 1917. Am ZFF wurden die beiden ersten Episoden von insgesamt sechs aufgeführt. Der Nobelort Davos dient als Schauplatz der Spionageserie, die in der Weihnachtszeit ausgestrahlt werden soll. Die ambitionierte Krankenschwester Johanna (die Luzernerin Dominique Devenport) gerät ins Netzt der internationalen Geheimdienste, auch auf Betreiben der Deutschen Ilse von Hausner (Jeanette Hain). Regie des grossen Serienpakets führen der Schweizer Jan-Eric Mack, Anca Miruna Lăzărescu und Christian Theede. Vielversprechend

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