CLICK_ART_JAN

CLICK_ART_JAN_FEB24

CLICK ART JAN_FEB24
Felix Schenker
Das Kunstmagazin von arttv.ch
Editorial

Editorial - Felix Schenker
Roman Signer in St.Gallen

Neue Einblicke
Videokunst im Kunsthaus Zofingen

Pipilotti Rist, Ursula Palla, Elodie Pong
Erna Schillig

ein arttv Projekt
Brutales Luzern

Architektur
Gewerbemuseum Winterthur

Perfekt Unvollkommenes
Simone Stolz

Fremdplatzierte Jugendliche
Bilder mit und ohne Haare

Bellpark
Mili Weber Haus

Ein Märchenschloss
Kunstverein Schaffhausen

175 Jahre
Was ist Macht?

Vögle Kulturzentrum
Manor Kunstpreis St.Gallen

Juliette Uzor
Liliana Moro

Kunstmuseum Liechtenstein
arttv Clubeinaldungen
Prix Photoforum

Liebe CLICK ART Leser:innen Wären wir ein gedrucktes Magazin, könnte ich jetzt sagen, Sie halten die erste Ausgabe CLICK ART des neuen Jahres in der Hand. Da wir aber digital unterwegs sind, muss es wohl eher heissen: Sie haben die neuste Ausgabe unseres Kunstmagazins vor Augen. Dass unsere eMagazine CLICK ART, CLICK CINEMA und CLICK STAGE digitale Formate sind, macht aufgrund der Videoreportagen, die in unsere Hefte integriert sind, natürlich Sinn. Und trotzdem träume ich manchmal davon, wir könnten die drei Magazine drucken, auf schönem Papier. Die Videos wären dann wohl einfach per QR-Code zu erreichen. Aber für ein gedrucktes Magazin fehlt uns leider das Geld und die Werbeanzeigen für unsere Partner-Institutionen wären um ein Vielfaches teurer. Selbstverständlich lassen sich unsere eMagazine – für alle, die das wollen – auch ausdrucken und in Papierform lesen. Das verbraucht aber Ressourcen und belastet unsere Umwelt. Alles in allem ist es also doch vernünftig, unsere CLICKs digital zu verbreiten. Gerade in Zeiten der Sozialen Medien, in denen alles zu zerflattern scheint, sind Formate wie unsere eMagazine eine Besonderheit. Und wir nehmen ausserordentlich viele positive Rückmeldungen für unsere CLICKs entgegen. Das motiviert und deshalb werden wir versuchen, Ihnen auch in unserem 20. Jubiläumsjahr diesen Service weiterhin kostenlos anzubieten. Das ist möglich dank unseren Partnerkantonen, Stiftungen, Werbekunden und insbesondere dank unserer Mitglieder. Mit Gruss Felix Schenker, Chefredaktor arttv.ch

Schenkung der Ursula Hauser Collection Anlässlich der grosszügigen Schenkung der Sammlerin Ursula Hauser, die acht zentrale Skulpturen des Künstlers umfasst, präsentiert das Kunstmuseum St.Gallen eine neue Ausstellung. Fünf frühe Werke aus der Schenkung (entstanden zwischen 1971 und 1977) widmen sich dem Element Wasser. Ihnen zugrunde liegen subtile Beobachtungen zur Fluidität dieses Elements sowie dessen Elastizität und die damit verbundenen Kräfte. Die Skulptur Grosser Tropfen etwa visualisiert die Bildung eines Tropfens kurz vor dem Fall. Wie oft in Signers Arbeiten treffen wir auf eine experimentelle Anordnung, die weder rein künstlerisch noch blosse Naturbeobachtung ist. In diesem Zwischenbereich spielt der Künstler mit unseren Erwartungen und erweitert damit unsere Perspektive auf beides – Kunst und Naturphänomen.

Videokunst im Fokus Die Videokunst ist mittlerweile 60 Jahre alt. Waren es zu Beginn vor allem auf Monitoren gezeigte Arbeiten, die umständlich, teuer und aufwändig produziert wurden, ist die Videotechnik heute für so gut wie jeden zugänglich und somit auch in allen Museen, Galerien und Kunstmessen angekommen. Video ist heute nicht mehr wegzudenken. Aus den einst Ein-Kanal Monitorarbeiten wurden raumfüllende, begehbare Installationen. Im Kunsthaus Zofingen gibt es Arbeiten auf Monitoren und als Projektion, Videostills und Skulpturen. Vertreten sind Künstlerinnen, welche gerade erst am Anfang ihrer Kariere stehen und andere, welche national oder sogar international in der Kunst Massstäbe gesetzt haben.

Mit Werken von Judith Albert, BiglerWeibel, Daniela Kasier, Sarah Hugentobler, Luzia Hürzeler, Zilla Leutenegger, Ingeborg Lüscher, Andrea Nottaris, Franziska Megert, Elodie Pong, Ursula Palla, Anouk Sebald, Annelies Štrba und Pipilotti Rist. VIDEO Video*kunst – Ausstellung | Kunsthaus Zofingen | bis 18. Februar 2024

Brutales Luzern Der Baustil des «Brutalismus», der sich seit den 1950er Jahren weltweit mit expressiven und teils futuristisch wirkenden Baukörperformen in das Bild urbaner Räume schob, erhielt seinen Namen von der Ästhetik des «Béton brut». Die Fassaden wie auch viele Räume im Inneren der Gebäude wurden konsequent mit der Wirkung des schalungsrohen Sichtbetons gestaltet. Die Repräsentanten des Schweizer Brutalismus der 1960er und 1970er Jahre wurden bisher kaum publizistisch gewürdigt. Gerade noch rechtzeitig, da nun immer mehr dieser Gebäude ungewürdigt zum Abriss freigegeben werden, führt dieses Buch auf eine tour d’horizon durch den Brutalismus im Kanton Luzern und betrachtet eine Auswahl von 53 Bauten der 1960er und 1970er Jahre in detaillierten Portraits.

Ein Buch für Laien und das Fachpublikum Michael Scherers eindrückliche Fotografien fangen die expressiven Bauten mit Aussen- wie auch mit selten möglichen Innenaufnahmen so ausdrucksstark wie objektiv und sachlich ein. Der ästhetische Eindruck wird durch kompakte Beschreibungen sowie durch rund 140 – oft erstmals publizierte – Pläne zu einer ausführlichen Dokumentation erweitert, die auch die sozialen Aspekte der Raumgestaltung nachvollziehbar macht. In der Auswahl privater und öffentlicher Bauten (Schulen, Gemeindeverwaltungen, Altersheime, Kirchen, Klöster, Seminare) finden sich vielbeachtete wie auch weniger bekannte Gebäude. Durch eine Übersichtskarte kann das Buch als handlicher Architektur-Reiseführer benutzt werden. Ein ausführlicher Essay des Herausgebers liefert eine geschichtliche Einordnung und wichtige Hintergründe zu diesem umstrittenen Phänomen und schliesst damit eine Lücke in den Standardwerken zur modernen Nachkriegsarchitektur im Kanton Luzern.

Der Wert des Fehlers Fehler tauchen auf, Missgeschicke geschehen, Dinge nehmen Schaden, vieles bleibt unvollendet oder im Provisorium. Das Unperfekte begleitet unser Leben und wir lernen durch unterschiedliche Strategien, damit umzugehen. Auch in gestalterischen Prozessen, in der materiellen Welt und in Produktionen ist das Unvollkommene selbst wie auch seine Folgen äusserst vielfältig – vom Schönheitsfehler, der unerwartet ein wertvolles Unikat definiert bis hin zur ruinösen Fehlproduktion oder dem gescheiterten Bauprojekt. In gestalterischen Verfahren und in unserer nächsten Lebensumgebung entpuppt sich die Balance zwischen einem notwendigen oder vermeintlichen Anspruch auf Perfektion und dem Umgang mit scheinbaren und folgenschweren Fehlern als komplex. So fragt sich, wann ist etwas überhaupt perfekt? Was ist der Wert von scheinbaren Defiziten?

Perfectly Imperfect Falsche Entscheidungen oder Unbedachtheit, technische Mängel, Konstruktionsfehler und die Eigensinnigkeit von Werkstoffen oder deren Abnutzung und Vergänglichkeit – die Gründe für das Unperfekte sind vielfältig. Die Schau zeigt beispielhaft auf, inwiefern die Folgen von Makeln, Mankos und Defekten schädigende oder positive Auswirkungen haben können, wie beispielsweise der reizvolle Schönheitsfehler, der ein Objekt zu etwas ganz Besonderem macht. So steht die Abweichung vom Ideal im Fokus und es wird hinterfragt, wie Lädiertes aufgefangen oder repariert wird, wiederverwendete Materialressourcen zu neuen Lösungen führen oder wie das Scheitern und das Spiel mit dem Zufall neue Wege aufzeigen können. Denn: Perfectly Imperfect ist viel mehr als Mankos und Defekte.

Bilder mit und ohne Haare Erstmals zeit das Museum im Bellpark eine Präsentation, die die beiden Sammlungsschwerpunkte der Institution zusammenführt: Es werden Objekte lokalgeschichtlicher Relevanz mit den künstlerischen Arbeiten aus der Sammlung des Museums kombiniert. Dieser Prozess ist auch spannend und herausfordernd für das Museumsteam selbst, das mit diesem Projekt Neuland betritt und die eigene kuratorische Praxis erweitert. Die Auswahl aus Archiv und Sammlung wird durch ausgesuchte Gastbeiträge von Künstler:innen ergänzt. Was es mit dem Ausstellungstitel «Bilder mit und ohne Haare» auf sich hat, gilt es in der Ausstellung herauszufinden.

Mili Weber (1891 – 1978), getauft auf den Namen Berta Emilia, wuchs als jüngstes Kind von Anna und Adolf Weber-Gloor mit drei Brüdern und zwei Halbschwestern in Biel auf. Zentral für Mili Webers künstlerische Entwicklung war ihre wesentlich ältere Halbschwester Anna Haller, erste Diplom-Absolventin der kunstgewerblichen Abteilung des Technikums Biel und später an derselben Schule als Dozentin tätig. Bevor sich Mili Weber ganz dem Malen zuwandte, besuchte sie das Kindergärtnerinnenseminar in Bern. 1912 reiste Mili gemeinsam mit Anna Haller nach München und besuchte dort die renommierte Malschule von Professor Heinrich Knirr, die Frauen offenstand – damals keine Selbstverständlichkeit. In diesen Jahren zog es viele Schweizer Künstler:innen zur Ausbildung nach München und in Knirrs Schule, so etwa auch Paul Klee oder den St. Moritzer Kurarzt Peter Robert Berry II. Im Sommer 1914 kehrten die Schwestern in die Schweiz zurück. Mili Weber erhielt Aufträge, Ansichtskarten, Ausmal- und Ausschneidebogen im Farbdruck sowie Illustrationen zu bekannten Märchen zu entwerfen. Ab 1917 lebte und arbeitete Mili Weber bis zu ihrem Tod in St. Moritz.

Das Mili Weber Haus Das kleine Haus am Waldrand mit weitem Blick auf See und Berge erbaute Mili Webers Bruder Emil 1917 als Blockbau über steinernem Sockel. Im Obergeschoss verzahnen sich die für das Engadin typischen massiven Mauern mit Trichterfenstern und Erker mit dem Typus Walser Strickbau. Emil Weber war ausgebildeter Möbelschreiner und Architekt und war im renommierten und für das Engadin prägenden Büro von Nicolaus Hartmann junior tätig. Mili Weber verwandelte das Haus in ein märchenhaftes Gesamtkunstwerk: Die Künstlerin bemalte Möbel, Wände und Decken mit Blumen und Zweigen, Vögeln und Hagebuttenkindern. Das ehemalige Esszimmer der Familie verwandelte sie in ihr «Museum». Hier steht das raumfüllende Puppenschloss, an dem Mili Weber jahrezehntelang arbeitete und über das sie eine mehrbändige Chronik schrieb, die Wesentliches ihrer Lebensphilosophie beinhaltet. Hier spielte, sang und komponierte sie. Eine spezielle Beziehung hatte sie zu den Tieren des nahen Waldes, besonders zu Reh und Hirsch, zu den Eichhörnchen und all den Vögeln, die in ihren Bildern folgerichtig auch eine spezielle Rolle spielen. In Mili Webers Welt ist alles belebt und so stehen ihre Blumen- und Pilzkinder, die Hagebuttenköpfchen und Huflattichzwerge für ein Miteinander von Natur und Mensch.

175 Jahre Kunstverein Mit rund 200 Exponaten – darunter Druckgrafiken, Skulpturen, Malerei, Fotografien und installative Werke – erzählt die Ausstellung die Entwicklung des Kunstvereins von einer kleinen Runde illustrer Kunstkenner:innen hin zu einem der wichtigsten Akteure für Gegenwartskunst in der Region. Ausgewählte Anekdoten und Geschichten gewähren atmosphärische Einblicke in die Vereinsaktivitäten von den Anfängen bis heute und lassen besondere Momente Revue passieren. Das Begleitprogramm wurde gemeinsam mit dem Kunstverein konzipiert. Es stellt Erlebnis und Austausch als Essenz des Vereinslebens ins Zentrum, denn: Kunst vereint!

Mit Werken von Ulay/Marina Abramović, Maya Bringolf, Rah Eleh, Reena Saini Kallat, Thomas Locher, Anne Morgenstern, Rimini Protokoll, Talaya Schmid, Nina Staehli, Stirnimann- Stojanovic und Luca Zanier. Was MACHT mit uns macht – Über Privilegien, Risiken und Chancen | Vögele Kultur Zentrum | 14. November 2023 bis 22. September 2024 | Vögele Kulturzentrum | Was MACHT mit uns macht | bis 22. September 2024 VIDEO

Juliette Uzor ist 1992 in St.Gallen geboren. Sie studierte Kunst und Vermittlung an der Hochschule der Künste in Bern (HKB) und schloss den Master Art Education an der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) ab. Zudem absolvierte sie 2019 an der La Manufacture – Haute école des arts de la scène in Lausanne den Bachelor of Arts in Contemporary Dance. 2021 nahm sie am Freetown Performance Festival in Sierra Leone teil. Sie performte im Historischen Museum Basel, Haus zum Kirschgarten (2022), im Kunstmuseum St.Gallen und in der Kunst Halle Sankt Gallen anlässlich des Heimspiels 2021, in der Kunsthalle Zürich in der Gruppenausstellung Sommer des Zögerns (2020), in der Ménagerie de verre in Paris (2020) sowie in zahlreichen Off-Spaces im In- und Ausland. Mit dem Manor Kunstpreis wird Juliette Uzor im Kunstmuseum St.Gallen die erste Einzelausstellung in einem Schweizer Museum ausgerichtet und ihre erste Publikation herausgegeben. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Zürich. VIDEO Manor Kunstpreis St.Gallen 2023 | Juliette Uzor – (ah ah ah) | Kunstmuseum St.Gallen | bis 11. Februar 2024

«Der rote Faden dieser Ausstellung ist der Klang. Der Klang hat fast unvermeidlich eine öffentliche Dimension, Klang ist ‹Freiraum›.» Liliana Moro Die Ausstellung spannt den Bogen vom Frühwerk der Künstlerin in den späten 1980er- Jahren bis hin zu ihrem aktuellen Schaffen. Gleichzeitig untersucht die retrospektiv angelegte Schau einen grundlegenden Werkaspekt von Liliana Moro: den Klang. Darauf spielt auch der aus der Musik entlehnte Ausstellungstitel «Andante con moto» an. Moros Arbeiten fordern die Besucher:innen immer auch zum aktiven Handeln auf. Physisch als auch intellektuell und emotional wird man Teil vom Ganzen.

Bedeutung des Lauschens Die Praxis des Zuhörens und die Auseinandersetzung mit dem Publikum zeichnen das Werk von Liliana Moro aus. Schon im Foyer des Museums wird klar, worum es in der Ausstellung geht: Ein zwei Meter hohes, blau leuchtendes Neon-Ohr (Ascolto, 2006) empfängt die Besucher:innen und weist auf die zentrale Bedeutung des Lauschens hin. Im Treppenaufgang zu den Oberlichtsälen ist die Neuproduktion Fischio #4 (2023) zu hören. Ein Pfiff der Künstlerin – ausgelöst durch einen Sensor – begleitet das Publikum auf seinem Weg in die Ausstellung. Den Auftakt bildet Spazi (2019), eine Arbeit, die auf Liliana Moros Praxis beruht, Modelle der vielen Orte anzufertigen, an denen sie ausgestellt hat. Auch das Kunstmuseum ist unter den detailgenauen Miniaturausstellungen vertreten. In Moi (2012) – einem Kreis aus zwölf Lautsprechern auf Stativen – ist erneut die Stimme der Künstlerin zu hören. Sie rezitiert Fragmente einer Rezension über ihre Performance Studio per un probabile equilibrio in movimento aus dem Jahr 1997.

Moro hat sich der Herausforderung gestellt, den Text für die Ausstellung auf Deutsch zu sprechen, obwohl sie die Sprache nicht beherrscht. In einer Arbeit aus dem Jahr 2001, für deren Titel sie eine Leerstelle in Anführungszeichen gesetzt hat (“ “) wird das Publikum herausgefordert, über durchsichtige Glasscherben zu gehen. Moros Installation vereint körperliche und akustische Elemente, da die lauten Schritte auf dem Glas die Besucher:innen dazu veranlassen, ihre Bewegungen und Haltung anzupassen. Ein Baustellentisch, Stühle und Sonnenschirme bilden in Quattro Stagioni (2014) eine einladende Installation mit sommerlichem Anstrich. Dazu erklingt in verschiedenen Sprachen das Lied Bella Ciao (…senza fine, 2010). «Quattro Stagioni schmeckt nach Provinz, nach Partisanenliedern, aber auch nach der Küste, jener der Adria (…)», schreibt Milovan Farronato im Katalog zur Ausstellung. Ihre Fahrten mit der Mailänder U- Bahn inspirierten die Künstlerin zu dem neuen Werk Le Nomadi (2023). In den Zügen begegnete sie musizierenden und singenden «Nomaden»; Personen ohne festen Wohnsitz, die mit ihren Habseligkeiten unterwegs waren. Wie so oft bei Liliana Moro, spiegelt die aus Gepäcktrolleys bestehende Arbeit Menschliches und Alltägliches mit einem melancholischen Grundton wider.

Betreten, Niederkauern oder Zuhören Liliana Moros künstlerisches Schaffen hat von den Anfängen bis heute unterschiedliche Ausdrucksmittel wie Klang, gesprochenes und geschriebenes Wort, Skulptur, Performance, Zeichnung, Collage und Video erforscht. Oft gehen ihre Werke von alltäglichen Gegenständen und Situationen aus und laden das Publikum ein, hinter das – nur scheinbar – Offensichtliche zu blicken. Jede ihrer künstlerischen Gesten verlangt eine aktive Beteiligung der Besucher:innen, sei es durch Betreten, Niederkauern oder Zuhören. Liliana Moros Praxis des kontinuierlichen Zuhörens regt uns zu erhöhter Aufmerksamkeit an und lädt ein, sich sowohl physisch als auch intellektuell und emotional zu beteiligen. Das Zuhören wird so zu einer geteilten Erfahrung. Leidenschaft für das Theater Liliana Moro wollte ursprünglich Szenografie studieren. Obwohl sie sich schliesslich für Malerei entschied, blieb ihre Leidenschaft für das Theater bestehen. Davon zeugt unter anderem ihre starke Affinität zu dem Dichter und Dramatiker Samuel Beckett, dessen Werk die Grundlage mehrerer ihrer Arbeiten bildet. Beckett befreite die Bühne von jeglichem Exzess und nutzte den Bühnenraum auch als skulpturales Element. Mit Beckett teilt Liliana Moro einen allumfassenden Blick auf den Raum und den Körper im Raum. So lauscht beispielsweise in Krapp’s Last Tape (Samuel Beckett, 1958) ein älterer Mann der Aufzeichnung seiner eigenen Stimme. Dieses Lauschen bildet den Ausgangspunkt für Liliana Moros neue Arbeit Andante con moto (2023).

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