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Roland Heini - Nidwaldner Museum
Burhan Doğançay und die Mauern der Welt - Kunst Museum Winterthur
Augusto Giacomettis Œuvre zwischen Freiheit und Auftrag - Aargauer Kunsthaus
Riesenhafte Skulpturen und monumentale Papierarbeiten - Kunstmuseum St.Gallen
Neue skulpturale Werke von Bettina Pousttchi - Haus Konstruktiv
Die Sonderausstellung «kunst werk bau» bringt Kunst und Architektur zusammen - Museum Rosenegg
Fotografien als Ausdruck politischer Bewegungen - BelleVue – Ort für Fotografie
Beatrice Dörig setzt sich mit der Darstellbarkeit der Unendlichkeit auseinander - Kunsthalle Wil
Irène Wydler erzählt jetzt malerisch - Museum im Bellpark
Schiele, Duchamp, Rauschenberg, Warhol, sie alle waren Friedrich Kieslers Freunde - Kunsthaus Zug
Was, wenn man nicht zur Mehrheit gehört? - Migros Museum
Impressum

Liebe CLICK ART Leser:innen Ganz zu Beginn dieses Editorials möchte ich Sie auf eine aktuelle Ausstellung hinweisen, die mir ganz besonders am Herzen liegt. Es handelt sich um RACCONTI von Irène Wydler im Museum im Bellpark in Kriens. Die Luzerner Künstlerin ist seit mehreren Jahren als Zeichnerin bestens bekannt. arttv.ch hat immer wieder über sie berichtet. Ganz einfach, weil ihr zeichnerisches Werk zum Allerbesten gehört, das wir in der Schweizer Gegenwartskunst erleben dürfen. Erstmals kann man im Museum im Bellpark Irène Wydler auch malerisch erleben. RACCONTI ist eine intime und ehrliche Ausstellung, wie ich sie besonders mag und wie sie dem zurückhaltenden Wesen der Künstlerin entspricht. Die Ausstellung nähert sich ihrer malerischen Welt leise aber intensiv und ohne grosses Brimborium. Unser Video vermag das hoffentlich zu vermitteln. Sicher besser, als die oberflächlichen PR-Videos, die einige grössere Institutionen inzwischen produzieren lassen. Gegen diese Eigenwerbung und Selbstdarstellung ist nichts einzuwenden. Der Kampf um Aufmerksamkeit ist enorm geworden und erfordert, dass immer mehr Geld in die Werbung fliesst. Das massenweise Posten von Reals in den Sozialen Medien ist zum Pflichtfach geworden. Wir machen es nicht anders. Allerdings wird es dann peinlich, wenn die PR-Videos primär der Selbstdarstellung der Macher:innen dienen und von Eigenlob nur so strotzen. So im Sinne: Warum ist unsere wunderbare Ausstellung eigentlich so grossartig geworden? So gesehen, wird es die Arbeit von arttv.ch noch lange brauchen - oder besser gesagt - sie wird immer dringender. Es ist nicht das Gleiche, ob eine Institution behauptet, wie gut sie ist, oder ob das von Aussen bemerkt wird. Für die Ausstellung, die Sie in diesem Magazin finden, trifft das zu. Mit Gruss Felix Schenker, Chefredaktor arttv.ch PS: Die ersten 20 Jahre unseres Bestehens haben wir hinter uns. Werden Sie doch Mitglied von arttv.ch und unterstützen Sie uns auf dem kommenden Weg.

Roland Heini (*1960) ist in Sempach-Station aufgewachsen, lebt in Beckenried und arbeitet in Stansstad. Nach der Schule für Gestaltung Luzern, heute Hochschule Luzern – Design & Kunst, studiert er 1984–1988 an der Akademie der Bildenden Künste in Wien, in der Meisterschule für Bildhauerei von Bruno Gironcoli. Seit den 1980er-Jahren realisiert Roland Heini in der Zentralschweiz zahlreiche Kunst-und-Bau-Projekte sowie Platz- und Sakralraumgestaltungen. 2011–2022 ist er künstlerischer Leiter des Skulpturenparks Ennetbürgen. Als Ausstellungsgestalter arbeitet er regelmässig für verschiedene Museen. VIDEO Roland Heini | Nidwaldner Museum im Winkelriedhaus Stans | bis 26. Mai 2024 | Die Folgeausstellung in der Galerie Stans findet vom 6. April bis 12. Mai 2024 statt. | Die Stanser Musiktage vom 10. bis 14. April 2024.

Burhan Doğançays Reise nach Jerusalem und Tel Aviv Der 2013 verstorbene Künstler gehört zu den eigenständigsten Stimmen der Nachkriegsmoderne und erlangt zunehmend Aufmerksamkeit in Europa. Die Ausstellung, deren Grundlage eine grosszügige Schenkung bildet, präsentiert zwei Gemälde, eine Serie von sechs grossformatigen Collagen sowie über 50 Arbeiten aus der Werkgruppe WALLS OF ISRAEL. Diese Serie geht zurück auf das Jahr 1975 und die erste Reise Burhan Doğançays nach Jerusalem und Tel Aviv. Doğançays Werke verdeutlichen sowohl den politischen Kontext als auch die Stimmung, die zu diesem Zeitpunkt, zwei Jahre nach dem Jom-Kippur-Krieg, im Land herrschte: Tauben als Symbol des Friedens, Herzen und Davidsterne sowie der berühmte Anti-Kriegs-Slogan «Make Love, Not War!» wiederholen sich in den Bildern, die der Künstler auf diesen Reisen gesammelt hat.

Dokumentation aus 100 Ländern In der ersten Serie, die aus seinen Reisen nach Jerusalem und Tel Aviv resultierte, zeigt sich bereits, was in der späteren Arbeit immer wieder auftauchen wird: Mauern, die dazu da sind, zu trennen, sind gleichzeitig Träger einer der Menschheit gemeinsamen Sprache. Doğançays Aufenthalt in Israel war für sein Werk von entscheidender Bedeutung. Er markiert den Beginn seiner systematischen fotografischen Annäherung an die Mauern dieser Welt. Diese Dokumentation, die er in über 100 Ländern fortsetzte, umfasste schliesslich mehr als 40’000 Fotografien. Diese bildeten die Grundlage für seinen umfassenden Werkzyklus WALLS OF THE WORLD, dessen Zeichnungen, Gemälde und Collagen ihn bis zu seinem Lebensende beschäftigten.

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Das Aargauer Kunsthaus zeigt Schlüsselwerke aus wenig betrachteten Schaffensphasen des Künstlers, darunter monumentale Mosaike und Blumenstillleben. Die Ausstellung lenkt den Blick auf die facettenreiche Persönlichkeit eines Künstlers, dessen Werk zu den Höhepunkten in der Kunst der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts zählt. Die in enger Zusammenarbeit und in Co- Kuration mit dem Schweizerischen Institut für Kunstwissenschaft (SIK-ISEA) realisierte Ausstellung thematisiert das Verhältnis von freiem Schaffen und Auftragskunst und legt das Spannungsfeld offen, in dem sich Augusto Giacometti als Künstler und Kulturpolitiker zeitlebens bewegte.

Augusto Giacometti. Freiheit | Auftrag Die Ausstellung «Augusto Giacometti. Freiheit | Auftrag» im Aargauer Kunsthaus ist in enger Zusammenarbeit mit dem Schweizerischen Institut für Kunstwissenschaft (SIK-ISEA) entstanden. Grundlage ist der «Catalogue raisonné», der im Herbst 2023 von SIK-ISEA veröffentlicht wurde und erstmals das gesamte malerische Œuvre Giacomettis von rund 560 Werken systematisch erfasst. Die Ausstellung macht Augusto Giacometti mit seinem vielgestaltigen Leben und Schaffen in einer gleichwertigen Gegenüberstellung von freien Arbeiten und Auftragswerken greifbar. Während Giacometti für seinen beispiellos freien Umgang mit der Farbe hinreichend gewürdigt wurde, standen seine Glas- und Wandmalereien oder seine beeindruckende Produktion an Blumenbildern bisher weniger im Fokus. Die Ausstellung will diese Lücke schliessen und Fragen der künstlerischen Autonomie im Verhältnis von Auftragskunst und selbst initiierten Projekten beleuchten. Die Denk- und Schaffensmodelle des herrschenden Kunstverständnisses, die Suche nach einer nationalen kulturellen Identität sowie staatliche Förderprogramme für arbeitslose Künstler beeinflussten die Kunstproduktion Giacomettis und seiner Zeit.

Monumentale Wandmalereien Schlüsselwerke aus allen Schaffensphasen veranschaulichen Giacomettis experimentelle, die Gattungsgrenzen überschreitende Auseinandersetzung mit den Möglichkeiten der Malerei sowie die Besonderheiten seiner Arbeitsweisen und Techniken. Intensiv beschäftigt hat sich der Künstler mit der Leuchtkraft der Farbe, die sowohl in seinen freien Arbeiten als auch in seinen Auftragswerken zur Geltung kommt. Erstmals öffentlich zu sehen ist sein umfangreicher Zyklus «Das Leben auf dem Lande» (1920), bestehend aus vierzig Glasgemälden, die ursprünglich die Villa Bloch-Hilb in Zürich schmückten. Die Ausstellung versammelt auch Entwürfe zu seinen Mosaiken und Wandmalereien, darunter Vorzeichnungen seiner monumentalsten Arbeit – der «Blüemlihalle» – im Eingang des Zürcher Amtshauses I. Die Ausmalung gilt als eines der grössten und bedeutendsten Kunstwerke Giacomettis in der Stadt Zürich.

Blumenstilleben Die Ausstellung widmet den farbenprächtigen Blumenstillleben als wichtiges Experimentierfeld Giacomettis einen eigenen Raum. In über 220 Blumenmotiven – gut einem Drittel seines Gesamtwerks – demonstrierte Giacometti seine malerische Raffinesse, die weitgehend ohne lineare Zeichnung und Kontur auskommt. Reflexionen über die Farbe in Natur und Kunst verarbeitete er auch in seinen berühmten Blumenbildern der blühenden Bergeller Flora, die sich an der Schnittstelle zwischen abstrakter Gegenständlichkeit und reiner Ungegenständlichkeit bewegen. Ähnlich den grossformatigen nächtlichen Stadtansichten mit ihren bunten Leuchtreklamen und Strassenbeleuchtungen verdichten sie sich zu einem einzigen intensiven Farbgeflecht, in das die Besuchenden eintauchen können.

Niederschwelliger Zugang Mit «Augusto Giacometti. Freiheit | Auftrag» macht das Aargauer Kunsthaus kunstwissenschaftliche Erkenntnisse – etwa anhand von Fallbeispielen aus der Restaurierung und dem kunsttechnologischen Labor des SIK- ISEA – einem breiteren Publikum auf anschauliche Art und Weise zugänglich. Im Zusammenspiel von Originalen, Archivdokumenten und restauratorisch-wissenschaftlichen Untersuchungen werden aktuelle Forschungsergebnisse präsentiert und neue Akzente in der Rezeption des Künstlers gesetzt. Für einen niederschwelligen Zugang laden szenografische Vermittlungsinseln in den Ausstellungsräumen die Besuchenden ein, interaktiv zu agieren und spielerisch einzelne Exponate oder die künstlerische Methode Giacomettis mit verschiedenen Sinnen zu erkunden. Die Stationen der Vermittlung laden zur Mitwirkung und Auseinandersetzung ein. VIDEO Augusto Giacometti. Freiheit | Auftrag | Aargauer Kunsthaus | bis 20. Mai 2024

Von Kingston nach NYC In seinen Werken artikuliert der New Yorker Künstler eine unverwechselbare künstlerische Sprache, die er immer weiterentwickelt. Dabei verwebt er Elemente seines jamaikanischen Erbes, Naturmaterialien (wie etwa Hanfschnur oder menschliche Haare) und gefundene Objekte zu totem-ähnlichen Kokons. Seine Arbeit zeugt vom Potenzial der Kunst, verschiedene Realitäten zu einer neuen, einzigartigen Einheit zu verbinden, und so die Komplexität migrantischer Identität sichtbar zu machen. Arthur Simms wuchs in Kingston, Jamaika, auf und zog in seinem siebten Lebensjahr mit seiner Familie nach New York City. Bereits in seiner frühen Kindheit war Simms fasziniert von den improvisierten Karren, auf denen Händler ihre Waren zum Markt transportierten. Die unbeabsichtigte Poesie dieser behelfsmässigen Konstruktionen blieb in seiner Erinnerung haften und wurde zum Vorbild seiner Kunst.

Bezüge zur Herkunft und Kunstgeschichte Gefundene Objekte wie Flaschen, Spielzeug oder Speichenräder prägen Simms’ künstlerische Sprache. Diese Fundstücke, oft aus den Strassen New Yorks stammend, werden in seine Kreationen integriert und künstlerisch umgedeutet. Jedes Stück erzählt (s)eine Geschichte und trägt eine kulturelle Bedeutung in sich, die über ihren ursprünglichen Zweck hinausgeht. Durch diesen Prozess der Aneignung und Neuinterpretation haucht Simms entsorgten Objekten neues Leben ein. Gleichzeitig reflektiert er Kunstgeschichte: von Marcel Duchamps’ Readymade zu Robert Rauschenbergs Combined Paintings. Eines der markantesten Merkmale von Simms’ Kunst ist seine einzigartige Verwendung von Hanfseil. Das Material, mit seiner reichen Textur und kulturellen Resonanz, wird zu einem symbolischen Faden, der den Künstler mit seinen jamaikanischen Wurzeln verbindet. Simms verwandelt den traditionellen Rohstoff in ein Ausdrucksmedium und verleiht seinen Werken damit eine taktile Qualität, die eine Verbindung zu seinem Heimatland hervorruft.

Hanfseil und Mystik Die Skulpturen von Arthur Simms strahlen die Aura einer mystischen Welt aus. Durch künstlerisches Raffinement gelingt es ihm, den Objekten eine wesenshafte Präsenz zu verleihen, die geprägt ist von filigranen Details, skurrilen Formen und akribischem Handwerk. Seine Arbeiten scheinen mit einer magischen Energie zum Leben zu erwachen und laden die Betrachter:innen in eine Welt ein, in der Realität und Fantasie verschmelzen. Im Wesentlichen ist die Kunst von Arthur Simms eine Verbindung persönlicher Geschichte, kultureller Identität und Umweltbewusstsein im wortwörtlichen Sinne. Durch das Zusammenspiel von Verknotung, gefundenen Objekten und der Thematisierung seiner Identität als Immigrant, regt Simms uns zu einer tiefgreifenden Auseinandersetzung an der Schnittstelle von Kunst, Herkunft und Nachhaltigkeit an. VIDEO Arthur Simms | CHAIR WITH MY HAIR | Kunstmuseum St.Gallen | Lokremise | bis 7. Juli 2024

Objekte des Alltags Bettina Pousttchi entwickelt ihre Skulpturen für Innen- sowie Aussenräume und nimmt mit ihnen Bezug auf die architektonischen, sozialen und kulturellen Implikationen des jeweiligen Settings. Bereits seit einigen Jahren greift sie dafür auf Objekte zurück, die den öffentlichen Raum strukturieren und die körperliche Erfahrung des Stadtraums prägen, darunter Leitplanken, Absperrgitter, Fahrrad- und Baumschutzbügel. Durch Massnahmen wie Biegen oder Pressen sowie farbliche Neugestaltungen enthebt Pousttchi die Alltagsobjekte ihrer regulativen Funktion und löst sie aus ihrem Sinnzusammenhang, wodurch sie zu Zeichen von Veränderung, fluiden Strukturen und sich auflösenden Grenzen werden. Mit der seriellen Verwendung des Ausgangsmaterials schliesst die Künstlerin konzeptuell an die Minimal Art an, und auch an Marcel Duchamps Readymades mag man sich beim Anblick mancher Objekte erinnert fühlen. Vertical Highways Das skulpturale Werk steht im Zentrum von Pousttchis Ausstellung im Haus Konstruktiv: Arbeiten aus Stahl, Keramik und mit Licht. Es wird ergänzt durch neue Fotoarbeiten, die im facettenreichen Schaffen dieser international renommierten Künstlerin ebenfalls eine wichtige Rolle einnehmen. Den Auftakt der Schau in der grossen Halle im Erdgeschoss des Museums bilden die raumgreifenden Skulpturen der Serie «Vertical Highways»; aufgerichtete Leitplanken in kräftiger Farbgebung, die mechanisch so verbogen, gestaucht und ineinander verkeilt wurden, dass die abstrakten Formen im Raum wie übergrosse tanzende Figuren wirken. Einige Objekte tragen Zusatztitel wie «A28» oder «A33». Es sind Bezeichnungen für deutsche Autobahnen, die den ursprünglichen Verwendungszweck des Materials aufblitzen lassen.

Zwischen Kunst und Signaletik Eine Weiterentwicklung dieser Serie stellen die neuen Skulpturen Progressions dar, die erstmals in einem Museum präsentiert werden und der Ausstellung ihren Namen leihen. Die unterschiedlich hohen Leitplanken sind linear aufsteigend angeordnet, wodurch sich der Bewegungseindruck verstärkt, ein für den skulpturalen Ansatz der Künstlerin charakteristischer Aspekt. Die Objekte oszillieren zwischen Kunst und Signaletik, wobei in der realen Welt wohl kaum je derart viele Wegweiser auf engstem Raum zu finden sind. So viele gangbare Richtungen, so viele Möglichkeiten. VIDEO Bettina Pousttchi | Progressions | Museum Haus Konstruktiv | bis 5. Mai 2024

Spannungsreicher Dialog Die gebaute Welt als Gegenstand entfaltet erhellende Einsichten in die Modellhaftigkeit unserer Wahrnehmung. Räumliches Sehen und Begreifen finden zueinander. Äussere Bilder werden zu inneren umgearbeitet, fremde Objekte verwandeln sich in subjektiv eigene. Die Unterschiede der Disziplinen Malerei, Zeichnung, Bildhauerei und Fotografie sensibilisieren für das Dargestellte. Auch der kreative Prozess wird gezeigt. Einfache, archaische Tätigkeiten spielen dabei eine grosse Rolle: finden, aufheben, sammeln, auswählen, aber auch vergrössern, ausschneiden oder spiegeln, verdrehen, verformen, andersfarbig darstellen. Die Werke interagieren, kontrastieren, facettieren den Blick auf Architektur und entwickeln einen spannungsreichen Dialog mit ihrem Gegenstand. VIDEO kunst werk bau | Sonderausstellung | Museum Rosenegg | bis 7. April 2024

Bilder bewegter Zeiten Die Ausstellung «Lichtblick» macht sichtbar, in welch unterschiedlicher Art politisch-gesellschaftliche Bewegungen der 1970er-Jahre und der Gegenwart in fotografischen Zeugnissen Niederschlag finden. Der Nachlass der Agentur Kurt Graf/fotolib Basel zeigt die vielfältigen Proteste und Bewegungen aus deren Innensicht heraus. Im Dialog dazu präsentieren zeitgenössische Fotograf:innen ihre Bilder zu Themen wie Arbeit, Gleichberechtigung, Antimilitarismus, Wohnformen oder Energie/ Umwelt. Der Nachlass Kurt Graf/fotolib Basel ist eine visuelle Dokumentation jener politischen Bewegungen, Ereignisse und Ideen, die in der Schweiz der 1970er-Jahre eine ganze Generation prägten. Ab 1975 dokumentierten Kurt Graf, Heiner Vogelsanger und Marcel Geiger als Fotografen-Kollektiv Widerstand und Protest, Aufbruch und Utopien. Den Ausschlag hatte die Besetzung des AKW-Baugeländes in Kaiseraugst im April 1975 gegeben. Die analogen Schwarz-Weiss-Fotografien entstanden, um das Engagement festzuhalten und weitherum bekannt zu machen.

Historische und zeitgenössische Fotograﬁe im Dialog Was ist von diesem Aufbruch der 1970er-Jahre übrig geblieben, wie präsentieren sich die einstigen Bewegungen heute, welche Bilder prägen unsere Gegenwart? BelleVue hat verschiedene Fotograf:innen und Organisationen, mehrheitlich aus der Region Basel, gebeten, aktuelle Aufnahmen zu den Themen der Ausstellung beizutragen. Wie ein Brainstorming von Gedanken sind die grösseren zeitgenössischen Fotografien in der Ausstellung platziert. Eigenständig, eher symbolisch im Ausdruck, beschreiben sie bestimmte Zustände unserer Gesellschaft. Dazugestellt werden kleinere, dokumentarische Bildformate, zu den Themen der Ausstellung passend: Aktionen, Demonstrationen, Projekte, Engagement der Menschen im Kleinen und Grossen für die Sache, die ihnen am Herzen liegt. Historie und Gegenwart Die historischen Bilderreihen erzählen Geschichten und zeugen vom Aufbruch in den verschiedensten Lebensbereichen. In den Reportagen der Zentralwäscherei wird die Mühsal der Arbeit spürbar: Wäscheberge, Fliessbänder, viele Frauen, meist Migrantinnen, die Hand in Hand arbeiten. Dann der Streik und die Solidaritätsveranstaltungen, endlich soll es besser werden! Der Vergleich von historischen und zeitgenössischen Fotografien zeigt neben Unterschieden auch Gemeinsamkeiten. Viele digital entstandene Aufnahmen von politischen Aktivitäten auf der Strasse beschreiben, wie sich Menschen zusammentun und mit Transparenten ihre Forderungen verkünden. Solche Protestbilder gibt es heute wie damals in schier unüberschaubarer Fülle. Die Fotografie der Gegenwart ist zwar farbig, zuweilen von distanziertem Ausdruck und gut komponiert. Doch immer wieder finden sich auch – wie in den 1970er-Jahren – schnelle Schnappschüsse, die bezeugen sollen: So ist es gewesen, wir waren auch dabei!

Lebendige Ausstellung Zur unmittelbaren Gegenwart führt das Werk «Watching the World» im Eingangsbereich der Ausstellung. Unzählige Webcam-Bilder, die durch künstliche Intelligenz kuratiert werden, eröffnen ein faszinierendes Live-Fenster in die Welt. Im Ausstellungsraum sind Interviews von Schüler:innen zu hören, die sie mit früheren und heutigen Aktivist:innen geführt haben. Ein reichhaltiges Rahmenprogramm in Zusammenarbeit mit unterschiedlichen Organisationen lädt zu Vorträgen, Führungen und Gesprächsrunden ein. Ergänzend zu den gezeigten Fotografien können Besucher:innen eigene Erinnerungsstücke an die damaligen Bewegungszeiten mitbringen. Teilnehmende Fotograf:innen Dominik Asche, Sabina Bobst, Johanna Bossart, Annette Boutellier, Fabian Fiechter, Christian Flierl, Regine Flury, Claude Giger, Raphaela Graf, Lukas Gysin, Walter Hiltpold, Basil Huwyler, Christian Jaeggi, Eleni Kougionis, Yoshiko Kusano, Stefan Pangritz, Maria Patzschke, Klaus Petrus, Marc Renaud, Saskja Rosset, Kaspar Ruoff, Stefan Ryser, Mel Schmid, Roland Schmid, Kathrin Schulthess, Azura Silberschmidt, Richard Spillmann, Franziska Stier, Hans- Jörg F. Walter, Tjefa Wegener, Franziska Willimann, Marco Zanoni fotolib Basel; Daria Frick, Unia Region Aargau-Nordwestschweiz; Tom Heinzer, Frank Maike und Daniel Rüetschi, Pro Natura Basel; Kinderbüro Basel; Karina Rogaczewski, Frauenhaus beider Basel; Sans- Papiers-Kollektive, Webcam-Installation: Kurt Caviezel

Moon is the oldest Performer Als Dokumentationen der Wahrnehmung von Zeit und Raum funktionieren die von Hand gezeichneten Linien wie Seismographen. Das stille, monotone und repetitive Zeichnen einer Linie so wie die Reduktion von Arbeitsmitteln, Technik und Formensprache sind die Grundlagen ihrer Arbeit. Die Aneinanderreihung einer Linie in der Wiederholung eines immer gleichen Bewegungsmusters verweist auf einen endlosen und potentiell unendlichen Prozess. Die Unendliche Linie, ein der Arbeit übergeordnetes Thema, wird zu ihrem zugrundeliegenden Prinzip. Eine vergängliche Installation Ihre grossformatigen Zeichnungen bekommen in den Räumlichkeiten der Kunsthalle Wil ihre volle Ausdruckskraft. Wie Planeten eröffnen sie neue Räume, welche die Architektur aufbrechen. In «Moon is the Oldest Performer» zeigt die Künstlerin auch zwei installative Arbeiten. In Anlehnung an die Triqueta greift sie in «Sphere of Inner and Outher Space» den Kreis in der Dreisamkeit auf. Die Besuchenden sind eingeladen die Installation zu betreten und sich des eigenen Raumes bewusst zu werden. Im Aussenraum der Kunsthalle führt uns die Künstlerin in «The Melting Point» die Vergänglichkeit vor Augen. Die gefrorene Installation ist den Temperaturen ausgeliefert und wird im Verlaufe der Ausstellungszeit verschwinden.

Beatrice Dörig ist in Herisau (AR) aufgewachsen, lebt und arbeitet in St. Gallen. Über mehr als zehn Jahre realisierte sie für das Figurentheater St. Gallen Bühnenbilder und war verantwortlich für den Figurenbau. 2008 zog es sie zurück in die Bildende Kunst. Seither arbeitet sie als freischaffende Künstlerin und zeigt ihre Arbeiten in verschiedenen Einzel- und Gruppenausstellungen. Die Atelierstipendien und Werkbeiträge, die sie gewinnen durfte, gaben ihr die Möglichkeit sich in ihrem Schaffen zu vertiefen und neue Ausdrucksformen zu finden. So auch in ihrer Residency 2023 in Brighton und London, was sie nun in «Moon is the Oldest Performer» zum Ausdruck bringt. Das stille, monotone und repetitive Zeichnen einer Linie hat Beatrice aus der Stille herausgeholt und liess die Aneinanderreihung der Linie in der Wiederholung des immer gleichen Bewegungsmusters in Begleitung von Klängen vor Publikum entstehen. Das Publikum wird so Teil dieses endlosen und potentiell unendlichen Prozesses. VIDEO Beatrice Dörig | Moon is the Oldest Performer | Kunsthalle Wil | bis 7. April 2024

Der Frührenaissance verpﬂichtet Für ihre zauberhaften Malereien nutzt Irène Wydler ein ausgewähltes Kolorit, das der Kunst der Frührenaissance verpflichtet ist und dadurch einen Dialog mit der Malerei der frühen Neuzeit herstellt. Ihre Kompositionen orientieren sich am Formenrepertoire einer «magischen Abstraktion», die überhaupt für ihr Werk charakteristisch ist: gestaffelte Flächen, Quaderfolgen, Kugeln und treppenartige Konstruktionen bilden die Grundformen dieser Malerei. Die Künstlerin stellt damit einen Bezug zu architektonischen Elementen her, versetzt diese aber in eine überraschende Leichtigkeit und gibt diesen etwas Schwebendes bei. Gearbeitet in Oel und Acryl auf Holz oder Malkarton hat die Künstlerin kleine Preziosen geschaffen, die jedes für sich wiederum eine eigene Welt, ein in sich abgerundetes Universum darstellen.

Nichts existiert für sich allein Bevor Friedrich Kiesler 1947, in seinem 57. Lebensjahr, selbst bildnerisch aktiv wurde, war er vor allem als Architekt und Theaterreformer bekannt. Für seine Künstlerfreunde inszenierte er eigenwillige Ausstellungen, die zur installativen Kunstform wurden. Kiesler schlug dabei die Brücke von der Wiener Moderne und De Stijl über den Surrealismus bis zur amerikanischen Avantgarde der 1960er-Jahre. Sein Freundeskreis liest sich wie das Who’s who der Kunstwelt: von Egon Schiele über Hans Arp und Marcel Duchamp bis Robert Rauschenberg und Andy Warhol. Wohl kein anderer Künstler hat so lang in derart unterschiedlichen Welten und so breit gewirkt wie er. Die Ausstellung US, YOU, ME im Kunsthaus Zug geht dem bislang wenig beleuchteten Aspekt der bildenden Kunst von Kiesler nach. Seine innovativen Malereien und Skulpturen interagieren mit der Umgebung – nichts existiert für sich allein. Für den Ausnahmekünstler Kiesler waren das Leben und die Kunst immer in Bewegung und veränderbar. VIDEO Friedrich Kiesler – US, YOU, ME | Kunsthaus Zug | bis 26. Mai 2024 | Kuratiert von Stephanie Buhmann, New York, Gerd Zillner, Wien und Matthias Haldemann, Kunsthaus Zug

Autoﬁktionale Erkundungsreise zum Ich In drei Akten lässt die Ausstellung BLISS die Besucher:innen im Migros Museum auf immersive Installationen, eine filmische Arbeit und überlebensgrosse Skulpturen treffen. Tarek Lakhrissi nimmt den Gemütszustand der Melancholie als Ausgangspunkt, um Themen wie Selbstfindung, das eigene Begehren und die soziale Ausgrenzung von marginalisierten Gruppen zu erkunden. Seine queere und BIPoC-Perspektive lässt sich auf allgemeine Alltagserfahrungen von marginalisierten Personen übertragen. Was, wenn man nicht zur weissen, cisgender und heterosexuellen Mehrheit der Gesellschaft gehört? So erzählt der Künstler eine autofiktionale Erkundungsreise durch das eigene Selbst, und bringt dabei ein komplexes Zusammenspiel zum Ausdruck: zwischen Licht und Dunkelheit, Glückseligkeit und Melancholie. BLISS | Tarek Lakhrissi | Migros Museum | bis 20. Mai 2024 | Kurator: Michael Birchall

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Beatrice Dörig setzt sich mit der Darstellbarkeit der Unendlichkeit auseinander - Kunsthalle Wil

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