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Editorial
Shaping Fluidity
Panoptikum der Schweizer Reportagefotografie
Werner Gadliger
Amy Sillman. Oh, Clock!
Einladung Art Salon
Einladung in&out
Zugänge zum Leben
Salon der Gegenwart
VALIE EXPORT
Venus von Muri 2
Haus für Kunst Uri
Die Erfindung des Readymades
Zimmermannhaus Brug
Johannes Robert Schürch
Walter Spies: Kolonisator
Henri Matisse
DA Z - Digital Arts Zurich

Liebe CLICK ART Leser:innen Mögen Sie Fotografie? Ich schon, allerdings berühren mich Arbeiten, die in Zeiten vor der Digital-Fotografie entstanden sind, oft wesentlich stärker. Das hat sicherlich mit der Patina zu tun, die diesen Bildern anhaftet, aber auch damit, dass heute jede:r mit einem einigermassen guten Handy Fotos «knipsen» kann. Die allgegenwärtige Bilderflut hat der Fotografie als Kunstform, was ihre Exklusivität betrifft, stark zugesetzt. Und ganz ehrlich gesagt, habe ich schon einige Ausstellungen mit zeitgenössischer Fotografie erlebt, deren Zugang mir komplett verwehrt blieb. Das ist nicht der Fall bei den Fotografien von Werner Gadliger. Seine Arbeiten sind noch bis Ende des Monats in der Fondation Auer Ory pour la photographie in Hermance (GE) zu sehen. Der Zürcher Fotograf hat für mich, wie kaum ein anderer, den Wandel von Zürich und der Schweiz mit seinen Aufnahmen dokumentiert. Eine andere Fotoausstellung, die ich Ihnen ans Herz legen möchte, ist gegenwärtig im Museum im Bellpark zu sehen. Zu erleben sind bemerkenswerte Einblicke in ein seltenes Pressearchiv, das eine Zeitreise in die Mitte des 20. Jahrhunderts in der Schweiz ermöglicht. Illustrierte Publikumszeitschriften des Luzerner Verlags C.J. Bucher wie «Heim und Leben», «Der Familienfreund» oder «L’Abeille» boten in der Zeit von 1930 bis 1960 bedeutenden Positionen der Schweizer Reportagefotografie eine Plattform. Es sind solche Fotograﬁen, die ich mir gerne anschaue, denn sie erzählen Geschichten aus einer vergangenen Zeit, in der es dazu noch viel technisches Wissen und künstlerisches Flair brauchte, um die Welt fotografisch einzufangen. Mit Gruss Felix Schenker, Chefredaktor arttv.ch .

A N Z E G E I Kabinettausstellung: Sophie Taeuber. Textilreformerin17.8. ! 1.12.2024GUNTA STÖLZL UND JOHANNES ITTEN TEXTILE UNIVERSENVorderseite: Gunta Stölzl, Landi-Tasche für die Schweizerische Landesausstellung, 1939, Baumwolle in Ripsbindung, 20 × 24 cm. Privatbe-sitz, © ProLitteris, Zürich 2024. Johannes Itten, Druckstoﬀ mit stilisierten Tulpen (Detail), 1934 – 1938, Atlas bedruckt, Zelluloseregeneratfaser, schwarz-gold, 121 × 90 cm. Deutsches Textilmuseum Krefeld, © VG Bild-Kunst, Bonn 2024

Thi My Lien Nguyen (*1995, St.Gallen) absolvierte ihren Bachelor in visueller Kommunikation an der Hochschule Luzern Design Film Kunst (HSLU). Ihre Werke zeigte sie in Einzelpräsentationen in der Coalmine – Raum für Fotografie Winterthur (2022) und im «Seitenwagen» im Kunst(Zeug)Haus Rapperswil (2018) sowie in Gruppenausstellungen u.a. am Athens Photo Festival im Benaki Museum Athen (2024), an der Werkschau Zürich im Museum Haus Konstruktiv Zürich (2023), an der Plat(t)form im Fotomuseum Winterthur (2022), am Heimspiel 2021 im Kunsthaus Glarus (2021), im Vincom Center for Contemporary Art, Hanoi, Vietnam (2021), am Angkor Photo Festival, Siem Reap, Kambodscha (2019), am Heimspiel 2018 in der Kunsthalle St.Gallen (2018). 2024 weilt sie mit dem Atelierstipendium von Landis & Gyr in London. VIDEO Shaping Fluidity | Thi My Lien Nguyen | Kunstmuseum St.Gallen | bis 24. November 2024

Das Museum im Bellpark zeigt bemerkenswerte Einblicke in ein seltenes Pressearchiv, das eine Zeitreise in die Mitte des 20. Jahrhunderts in der Schweiz ermöglicht. Illustrierte Publikumszeitschriften des Luzerner Verlags C.J. Bucher wie «Heim und Leben», «Der Familienfreund» oder «L’Abeille» boten in der Zeit von 1930 bis 1960 bedeutenden Positionen der Schweizer Reportagefotografie eine Plattform. Ihr umfangreiches Bildarchiv gelangte nach der Auflösung des Verlags in die Zuständigkeit des Museum im Bellpark. Mit der Unterstützung von Memoriav, dem Verein zur Erhaltung des audiovisuellen Kulturgutes, konnte der Fotobestand gesichert werden.

Ein umfangreiches Bildarchiv Die Bildredaktion des Luzerner Verlags C.J. Bucher pflegte damals – über die Sprachgrenzen der Schweiz hinweg – einen regen Austausch mit den Bildproduzent:innen und trug so zur Vernetzung der verschiedenen Fotoszenen des Landes bei. Die Zeitschriften des C.J. Bucher Verlags wurden so schnell zu bedeutenden Foren der Schweizer Reportagefotografie. Das umfangreiche Bildarchiv von über 11‘000 Abzügen aus der Blütezeit der Reportagefotografie gelangte später in die Zuständigkeit des Museum im Bellpark und konnte mit Unterstützung des Vereins Memoriav gesichert und aufgearbeitet werden. Besonders wertvoll macht den Bestand, dass er grösstenteils Originalabzüge (Vintage prints) umfasst, die von den Fotograf:innen selbst hergestellt und in der Bildredaktion des Verlags abgegeben wurden.

Trouvaillen der Reportagefotograﬁe In der Ausstellung begegnen wir renommierten Schweizer Reportagefotograf:innen wie Theo Frey, Gotthard Schuh, Sabine Weiss, Paul Senn und Hans Baumgartner. Es gibt aber auch überraschende Trouvaillen von Herbert Matter, Arnold Odermatt, Ernst Brunner und frühe Arbeiten von Georg Gerster zu entdecken. Für die Spätphase der Zeitschrift waren Reportagen der jüngeren Generation massgeblich: Fotograf:innen wie Rob Gnant, Monique Jacot, Yvan Dalain, Claude Huber, Fred Mayer und Jean Mohr etablierten in den 1960er Jahren eine neue Bildsprache, welche auch das Erscheinungsbild der Zeitschriften veränderte. Mit Clemens Schildknecht, Max. A. Wyss, Lisa Meyerlist, Mondo Annoni und Lorenz Fischer sind auch die bedeutendsten Positionen der Luzerner Fotoszene vertreten. Und sehr interessant sind auch jene Positionen, welchen bisher die nötige Aufmerksamkeit versagt blieb: Entdeckungen wie Erika Faul-Symmer, Hedy Bumbacher, Erwin Liechti, Simone Mohr und Françoise Rapin vermögen das Reservoir der Schweizer Fotografie auf spannende Weise zu erweitern. VIDEO L’objectif flâneur. Fotografinnen und Fotografen aus dem Pressearchiv «Heim und Leben» | Museum im Bellpark | bis 8. Dezember 2024

Lust an der Malerei Amy Sillmans Arbeiten umfassen Zeichnungen, Drucke, Texte sowie Objekte und Animationen. Ihre schnellen seriellen Zeichnungen und viellagigen Malereien bewegen sich gekonnt zwischen Abstraktion und Figuration – mal sind sie vielfarbig, mal monochrom, mal zeigen sie komplexe Formen, mal Figuren oder Körperteile. Und immer sind sie voller Lust an der Malerei. Sillmans Leidenschaft für die Kunst geht jedoch über Gemälde hinaus und lädt ein, neue Perspektiven einzunehmen. In allen Werken durchbricht Sillmans Haltung des Do-it- yourself die fixen Konventionen der «hohen» Abstraktion. Hybridisierung entpuppt sich als Standardverfahren der Malerin, welche schon immer künstlerische Systeme und Gattungen miteinander mischte. Sie verbindet Abstraktion mit Figuration, nimmt Anleihen bei der Cut-and- Paste-Poetik, verwendet musikalische Begriffe der Improvisation und nutzt eine betont handwerkliche Art der Zine- und Videoherstellung.

Dialog mit der Sammlung In der Ausstellung ist die Zeit selbst ein weiteres Material, das in Gestalt von Malerei verpackt ist und sich in der sequenziellen Choreografie entfaltet. Die Ausstellung eröffnet vielseitige Einblicke in Sillmans künstlerische Herangehensweise auf und jenseits der Leinwand sowie einen anti-kanonischen Umgang mit musealen Kunstsammlungen und Präsentationsformen. Ihr Ansatz ist tief durchdacht und empfunden. Sillman deckt eine Art verborgene visuelle Geschichte der affektiven Form im zwanzigsten Jahrhundert auf. Ihre Malerei und ihre kuratorische Arbeit sind eine Einladung, unsere visuellen Archive zu erweitern und sich über das hinauszubewegen, was bereits bekannt ist. Mit ausgewählten Werkgruppen der letzten fünfzehn Jahre wird das kraftvolle und andeutungsreiche Schaffen vorgestellt und in einen Dialog mit der Sammlung des Kunstmuseum Bern gebracht. Dieser Dialog wird von der Künstlerin selbst kuratiert, während die Ausstellung selber von Kathleen Bühler, assistiert von Nina Liechti, verantwortet wird.

Plattform für Kunst Über 30 Galerien aus fünf Nationen beteiligen sich. Sie präsentieren rund 150 nationale und internationale, sowohl aufstrebende als auch etablierte Positionen der modernen und zeitgenössischen Kunst. Das Angebot wird durch den Neuzugang international renommierter Galerien wie Geißler & Bentler aus Bonn bereichert, die Kunstwerke von Stephan Balkenhol, Tony Cragg und Katharina Grosse ausstellen. Zudem sind jüngere Galerien wie Glaab aus Bern, die Werke von Künstlerinnen wie Manon, Maya Minder, Pipilotti Rist und Hulda Zwingli zeigen, vertreten. Die Galerie Moos Fine Art, Herrliberg präsentiert Arbeiten von Michael Hirschbichler, Gerhard Richter und Alberto Venzago. Die Zürcher Galerie Andres Thalmann wird eine Solo- Präsentation von Barbara Ellmerer an ihrem Stand zeigen. Das zentrale Anliegen der Messe ist die aktive Kunstförderung und die Unterstützung einer lebendigen Kulturpolitik für den Kunststandort Schweiz. Auf einer Fläche von 1000 m2 in der Halle und 800 m2 im Zelt wird vor allem zeitgenössische Kunst gezeigt. Die Veranstalter wollen sowohl Galerien und Künstler als auch einer breiten, kunstinteressierten Community eine Plattform für innovative und sammlungswürdige zeitgenössische Kunst bieten. Die Messe findet wie 2023 auf dem SBB-Areal an der Hohlstrasse 400 zwischen den Bahnhöfen Hardbrücke und Altstetten statt, einem dynamischen Entwicklungsgebiet der Stadt Zürich. Noch nicht arttv Club-Mitglied? HIER GEHT ES ZUR ANMELDUNG

DESIGNMESSE IN&OUT Die «in&out» ist seit der Premiere 2006 eine feste Grösse in der einheimischen Design-Szene. Mit rund 100 Aussteller:innen ist sie die wichtigste und grösste Trendmesse und Verkaufsausstellung für Schweizer Design. Jedes Jahr besuchen rund 6000 fachkundige Besucher:innen die Ausstellung, die sich für in der Schweiz entwickelte und hergestellte Designprodukte begeistern. Die Aussteller:innen kommen aus der ganzen Schweiz. Ihre Produkte stammen aus den Bereichen Mode, Möbel, Wohnaccessoires, Schmuck, Textil, Keramik, Karten und Papeterie. Noch nicht arttv Club-Mitglied? HIER GEHT ES ZUR ANMELDUNG

Scheinbaren Gesetzmässigkeiten Abgestimmt auf den Ausstellungsort schafft Martina Vontobel mit der Auswahl unterschiedlicher, teilweise archaischer Materialien ihre eigenen, vielschichtigen und sinnlich erfahrbaren Lebenszyklen. Kohle, Stroh, transluzide PVC-Folie und eine Videoinstallation stehen sinnbildlich für die Thematik. Martina Vontobel spielt nicht nur mit dem Raum und seiner Wahrnehmung. Es geht ihr auch um die Resonanz, um die Position und die Einbindung eines jeden Menschen im Gefüge und letztlich im Kreislauf. Ihre Rauminstallation bietet keine Antworte, vielmehr stellt sie Fragen. Wie auch in der 80ig-teiligen Spiegelinstallation von Martina Brügger, sind es Bewegung und Positionswechsel, welche die Betrachter:innen zu neuen Sichtweisen anregen oder sie in Frage stellen. Martina Brüggers «Spiegelbilder» folgen scheinbaren Gesetzmässigkeiten, sie sind vertikal durchzogen mit Fäden. Arbiträr entstandene Begegnungsmomente werden durch Knoten markiert. Auch wenn sich der rote Faden durch die Werke zieht, ist ihre Anordnung genauso variabel wie die Individualität in den Lebenszyklen. Elvira Hürsch rückt die letzte Phase des Lebenszyklus in den Fokus. Vergangen ist die Farbe von Blüten und Früchten; was im endlosen Raum in Licht getaucht zum Vorschein kommt, sind Struktur und neue Formen. Es ist die Faszination der zyklischen Transformation, die Energie, die eine scheinbar tote Pflanze in sich trägt und die Urkraft, die auch in diesen organischen Formen sinnlich erfahrbar gemacht wird.

Künstler:innen Urs Aeschbach, Stefan Auf der Maur, Christa Baumgartner, Renate Bodmer, Florian Bühler, Andreas Dobler, Marc Elsener, Hans-Rudolf Fitze, Bendicht Fivian, Gabi Fuhrimann, Christina Gähler, Emanuel Gloor, Corinne Güdemann, Emil Gut, Velimir Ilišević, Georgine Ingold, Werner Käser, Wojtek Klakla, Fabio Luks, Michelle Maddox, Anna Meyer, Simone Monstein, Andrea Muheim, Thomas Müllenbach, Josef Felix Müller, Noemi Pfister, Maria Pomiansky, Ercan Oktay Richter, Giampaolo Russo, Karoline Schreiber, Milena Seiler, Inga Steffens, Magdalena Suter, Kaspar Toggenburger, Martina von Schulthess, Rolf Winnewisser, Alex Winiger und Helena Wyss-Scheffler Bild: Karoline Schreiber, Black Heap, 2012, Öl auf Leinwand, 70 x 70 cm

Historische als auch aktuelle Werke VALIE EXPORTs kritische Analyse dieser Systeme im Kontext von Medien und Gesellschaft ist auch heute noch von grosser Relevanz für die Diskussion über Geschlecht und Macht. Die Ausstellung in der Galerie Karma International spannt den Bogen von VALIE EXPORTs einflussreichen frühen Aktionen wie der Body Sign Action (1970-1973) und Body Configurations (1972-1982), bis hin zu ihren provokativen Performances wie wie Aktionshose: Genitalpanik (1969) und Tapp und Tastkino (1968, mit Video). Neben anderen Archivstücken wird die Künstlerin auch eine neue, bisher nicht gezeigte Arbeit vorstellen, die speziell für diesen Anlass geschaffen wurde. Durch die Integration von Fotografie, Performance und Video zeigt die Ausstellung, wie VALIE EXPORTs Arbeit die dynamischen Beziehungen zwischen Körper, Raum und Repräsentation erforscht und Perspektiven für ihre feministischen und soziopolitischen Fragestellungen eröffnet.

«Im Zentrum meiner künstlerischen Arbeit steht der menschliche Körper als Informationsträger, als Signalträger von Bedeutung und Kommunikation. Ich beschäftige mich mit der bildlichen Darstellung psychischer Zustände, mit den Empfindungen des Körpers, wenn er seine Identität verliert, wenn das Ich sich durch die Hautfetzen nagt, wenn Stahlhülsen die Gelenke begradigen und die abgenutzte Identität mit Stahlnägeln an die moderne Mythomanie genagelt wird… Ich versuche, die gesellschaftlichen Strukturen (Kraftstrom) und Normen (Verstümmelungen) des Lebens zu einer Metanoia der Bilder zu formen.» – VALIE EXPORT VALIE EXPORT | Karma International | bis 2. November 2024

Ausbruch – Aufbruch / vielgestaltig – selbst ermächtigt In der zweiten Ausstellungsstaffel nehmen die Künstler:innen, stellvertretend für alle Frauen, das Heft noch stärker in die eigene Hand. Ihre VENUS erscheint vielgestaltig, handelt selbstbestimmt, foutiert sich um Rollenklischees, formt ihr Bild und überhaupt ihr Dasein nach eigenem Gusto. Neben zehn bisherigen setzen 32 neue Künstler:innen den Ausbruch und Aufbruch fort. Die Werke der zweiten Ausstellungsstaffel manifestieren sich in vielen Medien, von klassischer Malerei oder Stickerei bis hin zu raumgreifenden multimedialen Installationen und Performances. Sämtliche Werke sind speziell für das Projekt und seine örtlichen Situationen realisiert worden. Die VENUS VON MURI blickt auch über ihr lokales Umfeld hinaus. Sie ist weltoffen und solidarisiert sich mit ihren unterdrückten und existenziell bedrohten Schwestern in vielen Teil unserer Welt.

Beteiligte Kunstschaffende Michaela Allemann, Sandra Autengruber, Christine Bänninger, Kathrin Bänziger, Marilin Brun, Brigitt Bürgi, Paul Egli, Daniela Egli- Petermann, Ulrich Elsener, Ursula Anna Engler, Klodin Erb, Larissa- Katharina Frei-Hutter, Pearlie Frisch, Monika & Pia gasser&gisler, Seda Hepsev, Dieter Holliger, Karola Keusch, Maksim Klopfstein, Denise Kobler, Carola Lantermann, Maria Josefa Lichtsteiner, Sara Masüger, Beatrix Motsch, Victorine Müller, Veronika Müller, Irene Naef, Marlène Pichler, Rare Seams (Rosemary Rauber Singleton & Shaun Dziedzic), Neda Razavipour, Verena Romanens, Monika Rosa Rossi, Ueli Sager, Margrit Rosa Schmid, Verena A. Schütz, Kollektiv «Sticken für Venus» (Irene Brühwiler, Christine Läubli, Barbara Wälchli Keller, Marianna Gostner, Rita Steiner, Johanna Albrecht), Barbara Tresch- Stuppan, Saadet Türköz, Ana Vujić. VIDEO VENUS VON MURI | Singisen Forum | bis 3. November 2024 | Museen Murikultur und Klosteranlage

Aktiv hoffen Zur Eröffnung realisierte die Künstlerin vom Dach der Ausstellungshalle aus die Performance «Überfluss», die sie vor 20 Jahren in Rom erstmals aufgeführt hat. Eigens für diese Ausstellung hat Isabelle Krieg mehrere neue Werke geschaffen, die aus pflanzengefärbten Stoffen und natürlichen Gesteinspigmenten entstanden sind. Des weiteren werden ihre bestehenden Werke neu inszeniert und kombiniert. Aufregend wird es auch an der Finissage am 17. November 2024. Dann spielt die Musikerin Héloïse am Schlagzeug und zum Schluss tanzt Isabelle Krieg dazu ihren WEtamin Dance. Die Ausstellung wurde von Barbara Zürcher kuratiert.

Isabelle Krieg (1971 geboren in Fribourg) arbeitete nach der Matura auf einer Alp in den Walliser Bergen und ein Jahr in einem Kleinzirkus. Zwischen 1993 und 1998 suchte sie ihren Weg zwischen Zirkus, Theater, Performance, bildender und angewandter Kunst, mit Studienaufenthalten an der Scuola Dimitri in Verscio und der Hochschule für Design & Kunst Luzern. Sie entschied sich für die Kunst und bekam 1999 vom Kanton Freiburg ein halbjähriges Atelierstipendium in Berlin zugesprochen. Dort blieb sie gleich vier Jahre. 2003/04 war sie Stipendiatin im Schweizer Institut in Rom, danach folgten fünf Jahre in Zürich und nochmals drei weitere in Berlin. Von 2013 bis 2019 lebte sie mit ihrer Familie in Dresden und seit 2019 in Kreuzlingen. Tätig ist sie in den Bereichen Installation, Objekt, Fotografie, Performance und Kunst am Bau. VIDEO Isabelle Krieg – ACTIVE HOPE | Haus für Kunst Uri | bis 17. November 2024

Die Ausstellung «Form Matters, Matter Forms – Vom Readymade zum Warenfetisch» untersucht die Schlüsselfunktion des Readymades in der Moderne. Durch Marcel Duchamps berühmtes erstes Readymade wurden Alltagsgegenstände zu Kunstobjekten erklärt. Es war der Schock der Moderne, seither ist die Unterscheidung zwischen Kunst und Alltag nicht mehr ohne weiteres möglich. Das Kunst Museum Winterthur verfügt über einige Werke von Kunstschaffenden wie Marcel Duchamp und Richard Hamilton, welche Readymades und die Appropriationskunst massgeblich geprägt haben. Davon ausgehend spannt Form die Ausstellung den Bogen weiter bis in die Gegenwart.

Form und Inhalt Mit der öffentlichen Präsentation von Readymades und ihrer Spielarten im Umfeld der Pop-Art der 1960er Jahre nahm der Einfluss von Produkt- und Werbedesign auf die Kunst erheblich zu. Massenproduzierte Waren haben sich als Readymades zu exklusiven Gütern entwickelt, die fetischartig verehrt werden und als Kunst auch entsprechendes Kapital repräsentieren. Das Phänomen, aus banalen Gegenständen immensen ökonomischen und ideellen Wert zu schaffen, findet seine logische Parallele in der kapitalistischen Gesellschaft. Die Ausstellung beleuchtet das Zusammenspiel von Form und Inhalt, die Auswirkungen auf den Markt und die Gesellschaft. Wie durch ein Brennglas kann beobachtet werden, wie kunst- und sozialkritisch, humorvoll und ironisch der Frage nachgegangen wird, wie materieller und ideeler Wert entsteht.

Mit Werken von Cory Arcangel, Arman, John Armleder, Lutz Bacher, Walead Beshty, Monica Bonvicini, Luis Camnitzer, Valentin Carron, Christa Dichgans, Marcel Duchamp, Matias Faldbakken, Öyvind Fahlström, Sylvie Fleury, Claire Fontaine, Gilbert & George, Felix Gonzalez- Torres, Wade Guyton, Hans Haacke, Richard Hamilton, David Hammons, Matthew Angelo Harrison, Damian Hirst, Bethan Huws, Jeff Koons, Barbara Kruger, Louise Lawler, Mark Leckey, Sherrie Levine, Klara Lidén, Cildo Meireles, Cady Noland, Richard Prince, Michael Riedel, Peter Roehr, Martha Rosler, Andreas Slominski, Haim Steinbach, Sturtevant, Wolfgang Tillmans, Rosemarie Trockel, Andy Warhol, Ai Weiwei, Christopher Williams. VIDEO Form Matters, Matter Forms | Vom Readymade zum Warenfetisch | Kunst Museum Winterthur | bis 17. November 2024 | Beim Stadthaus

Verdrängung oder Anpassung? Ausgehend von invasiven Neophyten im kleinen Park neben dem Zimmermannhaus, fragen Nathalie & Celia Sidler (*1983, leben und arbeiten in Basel) nach Herkunft und Beheimatung, nach Tradition und nach Werten, die mit individuellen Verwurzelungen verbunden sind. Was passiert mit der heimischen Flora, wenn gebietsfremde Pflanzen Wurzeln schlagen? Taugen die Begriffe von Verdrängung oder Anpassung auch für gesellschaftliche Szenarien? Performative Spaziergänge sind geplant am Brugger Berg, aus dem Gespräch mit Passant:innen destilliert das Duo den Geschmack für eine ortspezifische Glacé-Produktion. Gezielt niederschwellig öffnet sich das Haus für die Teilhabe nicht zuletzt der ortsansässigen Öffentlichkeit.

Schürchs umfrangreiches Œuvre Der in Aarau geborene Künstler Johannes Robert Schürch hat Meisterwerke der frühen Moderne geschaffen. Umso erstaunlicher ist es, dass sein Œuvre heute einem breiteren Publikum kaum bekannt ist. Gut 50 Jahre nach der Retrospektive im Aargauer Kunsthaus, wo Arbeiten des Künstlers früh angekauft wurden und heute zum Schwerpunkt der grafischen Sammlung zählen, rückt die Ausstellung «Alles sehen» das berührende und eindringliche Werk eines herausragenden Zeichners erneut in den Fokus. Viele der rund 130 gezeigten Papierarbeiten waren jahrzehntelang in Sammlungen verborgen und werden nun zusammen mit bisher unveröffentlichten Skizzenbüchern erstmals der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Zu Wort kommt auch Erica Ebinger- Leutwyler, Schürchs Lebensgefährtin bis zu seinem Tod, die das vom Fiskus als wertlos eingestufte Werk vor der Vernichtung bewahrte. Bei seinem Tod im Alter von nur 46 Jahren hinterliess der weitgehend autodidaktische Künstler, der früh von Ferdinand Hodler gefördert wurde, ein umfangreiches und stilistisch vielfältiges Œuvre von über 7000 Werken. Es umfasst neben Ölgemälden, Pastellen und Gouachen eine kaum überschaubare Anzahl kleinformatiger lavierter Feder- und Tuschpinselzeichnungen sowie Aquarelle. Die Einzelausstellung im Aargauer Kunsthaus widmet sich dem zeichnerischen Werk der 1920er- und frühen 1930er-Jahre und gibt damit Einblick in Schürchs produktivste Schaffensperiode. Die farblich zurückhaltenden Tuschzeichnungen und die expressiven Aquarelle zählen zum Höhepunkt seines Œuvres.

Existenziell und universell Schürch schuf sie geradezu obsessiv zwischen 1922 und 1932, als er fern der Gesellschaft mit seiner Mutter in einem abgelegenen Waldhaus im Tessin in Armut lebte. Hier löste er sich vom Vokabular seiner Vorbilder wie Ferdinand Hodler, Pablo Picasso oder Paul Cézanne und gestaltete Blätter, in denen er Gesehenes und Erlebtes mit seinen inneren Bildern, Ängsten und Visionen verband. So schrieb er 1924 seinem Freund Walter Kern: «meine jetzigen Zeichg. sind sehr gut und übertreffen vielleicht alles was ich schon gemacht habe, sie sind auf jeden Fall Eigengewächs. es sind Blumen des Satans aber ich ringe auf Tod und Leben um was? (um mich).» Schonungslos und einfühlsam thematisieren Schürchs Werke existenzielle und universelle Themen des Menschseins: Tod und Trauer, Unterdrückung sowie die Sehnsucht nach Zugehörigkeit und Liebe. Als Schauplätze wählte er städtische Randgebiete, fantastische (Traum-)Landschaften oder zeittypische Szenerien wie Wirtshäuser, Bordelle oder die Welt des Zirkus. Die spontanen und teils sehr skizzenhaft ausgeführten Blätter zeigen Schürchs eigenständigen künstlerischen Beitrag auf dem Gebiet der Zeichnung in der Schweizer Moderne. Seinen Zeitgenossen blieben sie weitgehend unbekannt, da seine expressive Ausdrucksweise nicht dem damaligen Zeitgeschmack entsprach.

Alles sehen Schürch, so der Künstler Dieter Roth, war ein Mensch, der alles sehen wollte. Er war zeitlebens ein Suchender und Fragender, der alles Unnötige abstreifen wollte, um zum Wesentlichen vordringen. 28-jährig schrieb er Walter Kern: «Ich will nur die Tatsache verstehst du so wie die Sache ist schonungslos schamlos die Wahrheit wenn du willst.» Sehen bedeutete für ihn hinzuschauen, «ohne das Schreckliche wegzuträumen». Die Radikalität und Intensität, mit der er die Verletzlichkeit der menschlichen Existenz zeichnerisch übersetzte, erzeugt eine Resonanz in unserer Gegenwart, die in den letzten Jahren an Sicherheit verloren hat. Die Ausstellung Alles sehen lädt dazu ein, einen grossen Schweizer Künstler der 1920er- und 1930er-Jahre neu zu entdecken und sich mit seiner eindringlichen Befragung der conditio humana im Heute auseinanderzusetzen.

Zur Ausstellung erscheint eine umfangreiche, reich bebilderte Publikation im Verlag Scheidegger & Spiess. Die Essays beleuchten das Werk Schürchs aus kunsthistorischer, kulturwissenschaftlicher und philosophischer Perspektive und schlagen eine Brücke zur Astrologie. Sie gewähren Einblick in Themen, die Schürchs Weltsicht, Denken und Handeln beeinflusst haben. Erstmals werden Auszüge aus Schürchs Skizzenbüchern publiziert, begleitet von Passagen aus der umfangreichen Korrespondenz mit seinem Jugendfreund Walter Kern. Neue Gedichte der Schweizer Schriftstellerin Simone Lappert zu ausgewählten Werken verleihen Schürchs Kunst ein lyrisches Echo im Hier und Jetzt. VIDEO Johannes Robert Schürch | Alles sehen | Aargauer Kunsthaus | bis 12. Januar 2025

In einer immersiven Ausstellung untersucht Michael Schindhelm mit kritischem Blick das Erbe eines europäischen Künstlers auf Bali. Die faszinierende Figur des in Russland geborenen deutschen Künstlers Walter Spies (1895 – 1942) steht im Mittelpunkt der Auseinandersetzung, denn sein Einfluss auf die kulturelle Landschaft Balis hallt bis heute nach. Das Vermächtnis von Spies ist eng mit der zeitgenössischen Erzählung Balis verwoben, und ROOTS zielt darauf ab, seine tiefgreifende Wirkung zu zeigen und gleichzeitig das postkoloniale Erbe der Insel zu erforschen. VIDEO Bids for Survival: ROOTS by Michael Schindhelm | Kulturstiftung Basel H. Geiger | KBH.G | bis 17. November 2024

Die fünfte Ausgabe des DA Z - Digital Arts Zurich zeigt erneut internationale Künstler:innen im Kontext digitaler Kunst. Das Festival bietet an unterschiedlichen Orten in Zürich interaktive Ausstellungen, Virtual- und Mixed- Reality-Erlebnisse, audiovisuelle Konzerte sowie die D.A.S.C. Konferenz (Digital Arts and Sciences Conference). Die unterschiedlichen Formate entführen die Besucher:innen in virtuelle Welten und regen den Diskurs über die tiefgreifenden gesellschaftlichen Auswirkungen der Digitalisierung an. Digital Arts Zurich | DA Z | 31. Oktober bis 10. November 2024 | Eröffnungs-Vernissage, 31. Oktober 2024, Museum für Gestaltung 18 bis 21 Uhr, erstmals mit Verleihung des DA Z Awards

Das Kunsthaus Zürich zeigt die erste grosse Retrospektive von Marina Abramović in der Schweiz. Marina Abramović gehört zu den Superstars des zeitgenössischen Kunstbetriebs. Sie blickt auf ein über fünfzigjähriges Schaffen zurück und hat mit ihren legendären Performances (Kunst-)Geschichte geschrieben. Doch ihr Werk wurde in der Schweiz seit langem nicht mehr umfassend gezeigt. Die Ausstellung im Kunsthaus Zürich mit Bildhauerei, Video, Installation und Performance gibt nun Einblick in das Lebenswerk dieser einzigartigen Künstlerin. FILM Marina Abramović | Kunsthaus Zürich | 25. Oktober 2024 bis 16. Februar 2025

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